“Magistral Lección Humanista” 

 EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA 

-Cartel del film-.

 La Filmoteca Española de Andalucía -con salas en Córdoba, Granada, Sevilla y Almería-, al estar dirigida por un emprendedor creativo humanista, viene desempeñando una didáctica y destacada labor cinematográfica, no solo provincial y regional, sino también ejemplar a nivel nacional e internacional… 

 Su director Pablo García Casado, Licenciado en Derecho, es un reconocido y premiado poeta y novelista, que cuenta en su historial -entre publicaciones propias e inclusiones en antologías-, con una quincena de obras, habiendo sido reconocido con los premios: Ojo Crítico de Poesía de Radio Nacional de España (1997) y Mejor Poemario de la Crítica de la Asociación Española de Críticos Literarios (2026), entre otros. Entre sus memorables obras poéticas, destacan: Las afueras (1997), El mapa de América (2001), La cámara te quiere (2019), Cada uno es mucha gente (2025)… 

 Creatividad y emprendimiento, con los que propulsa, reiteramos, la sobresaliente y ejemplarizante labor de la Filmoteca de Andalucía, a nivel regional, nacional e internacional en el actual Panorama Cultural y Didáctico del Cine, en el que se inscribe el interesante filme oriental El cuento de la princesa Kaguya, de Isao Takahata, basado en el célebre cuento clásico de la lilteratura universal El cuento del cortador de bambú, de autor anónimo. 

 Aunque sea una remota y milenaria leyenda oriental del siglo IX, El cuento del cortador de bambú, por su moraleja y sabias enseñanzas de valores humanos, para mayores y pequeños, como ocurre con todas las historias de los cuentos clásicos universales -Alicia en el país de las maravillas, Blancanieves y los siete enanitos, Caperucita roja…-, su historia no se ha visto menoscabada ni en otras culturas, ni en el tiempo… 

 Hoy más y mejor que ayer, en sus numerosas e incontables versiones, de todos los países de oriente y occidente, en la mayoría de los idiomas, la fabulosa y fantástica historia japonesa de “la princesa que vino a la tierra de la luna, la bellísima Kaguya”, en la literatura, la radio, el teatro y sobre todo en el cine, sigue interesando a todas las gentes. 

 En nuestro idioma español, escritas, ilustradas, en papel, en formato digital, ebooks o kindle, en muchas editoriales, son interminables las publicaciones que existen del intrigante cuento humanista de El cortador de bambú. 

 Prosiguiendo la iconográfica y profusa tradición japonesa de ilustrar historias populares, se pueden encontrar numerosas versiones, como la clásica de Cuentos Ilustrados Japoneses o la moderna de El cuento del cortador de bambú, que se reseñan, publicadas por las editoriales Satori y Chidori… 

 Son muy estimadas las versiones actuales de El cuento del cortador der bambú, de la Editorial Chidori: literaria, traducida e introducida por el prestigioso japonista Iván Hernández Núñez, y la delicadamente ilustrada por la conocida Abe, Ana Belén Villalba García. 

Dos versiones, clásica y moderna, de cuentos japoneses.

 Pues bien, en esa espléndida tradición iconográfica, japonesa y oriental, de tratar temas literarios populares y universales, basado en la historia de El cuento del cortador de bambú, se realizó el año 2013 el filme de El cuento de la princesa Kaguya, de Isao Takahata, producido por la prestigiosa productora de dibujos animados GHIBLI. 

 Precioso filme, el último del genial realizador japonés Takahata, que hoy, como si se tratase de un merecido homenaje al realizador -fallecido por cancer de pulmón-, nos rememora la Filmoteca de Andalucía. 

 El guionista, director y productor japonés de cine de animación Isao Takahata (Tokio, 1935-2018), graduado en Literatura Francesa en la Universidad de Tokio, relata en su historial que, influido por el filme francés de dibujos animados El Rey y el ruiseñor, de Paul Grimault, con guión de Jacques Prévert -basado en el popular cuento de Hans Christian Andersen, La pastora y el deshollinador-, prefirió dedicarse al cine de animación 

 Tuvo sus inicios profesionales trabajando como ayudante de dirección en los legendarios Estudios de Animación TOEI, en los que realiza su primer filme Las aventuras de Hols, Príncipe del sol (1968), junto al guionista, ilustrador, animador y realizador Hayao Miyazaki; inseparable tándem que también trabajó en los Estudios NIPPON y otros, fundando y creando más tarde su propio Estudio GHIBLI. 

 En Nippon, con la colaboración de Miyazaki en diversos cometidos, Takahata, realiza para televisión las series: Heidi, la niña de los Alpes (1974), Marco, de los Apeninos a los Andes (1976) y Ana de las tejass verdes (1979), cuyos clamorosos éxitos internacionales, le catapultarán a la fama. 

Isao Takahata, director de El cuento de la princesa Kaguya.
 

 Además de otros trabajos como productor, entre los que destaca El castillo en el cielo (1986), dirigido por Hayao Miyasaki, en su Estudio Ghibli, hasta culminar su obra final El cuento de la Princesa Kaguya (2013), Takahata dirige cuatro filmes en los que manifiesta su maestría y plenitud artística: La tumba de las luciérnagas (1988), Recuerdos del ayer (1991), Pompoko (1994) y Mis vecinos los Yamada (1999); filmes que, por su original forma de narrar y peculiar estética expresionista, marcan un alto hito en la Historia del Cine de Animación de Japón y Mundial. 

 Por la magistral y ejemplar trayectoria humanista de su filmografía, Takahata ha sido distinguido con importantes reconocimientos como: Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (Francia), por su filme Pompoko; Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de (Francia), por su contribución al desarrollo mundial del cine de animación; Premio Windsor McCay -célebre historietista estadounidense-, por las emotivas y conmovedoras historias de sus filmes; y nominación al Oscar al Mejor Filme de Animación (2015), por El cuento de la princesa Kaguya, entre otros. 

 En 2013, en el Estudio Ghibli, se realizan dos filmes memorables, basados en sendas obras literarias y técnicas de animación características y propias del estudio, muy similares: El viento se levanta, de Hayao Miyazaki -nominada al Oscar de ese año- y El cuento del cortador de bambú, de Takahata. 

 El cuento del cortador de bambú o El cuento de la princesa Kaguya, ética y estéticamente por su extraordinarios valores temáticos, morales o moraleja, y artísticos, exprerionistas, es, sin lugar a adudas, la obra cumbre de Isao Takahata. 

 Aunque pueda pacecer que, hoy, actualmente, la estética del filme está muy superada con las modernas técnicas de animación por ordenador y con inteligencia artificial, no es así; con los aparentemente, sencillos dibujos tradicionales, realizados a mano, de citados filmes, sus realizadores logran una cálida, expresiva, sensible, y emotiva comunicación, no conseguida con los avanzados, pero fríos, procedimientos vanguardistas “sobresalientes en mucho ruido y pocas nueces…” 

Sencillo, pero expresivo fotograma de la belleza de la princesa Kaguya.

 A través del desarrollo físico y psicológico de la princesa Kaguya -infancia, adolescencia, juventud…-, el cuento, literario y cinematográfico, trata emotiva y minuciosamente importantes temas vitales como: las relaciones con la naturaleza, las relaciones familiares y sociales, los valores existenciales, el misterio de vivir, la felicidad, la alegría, la tristeza… 

 El cuento, con su fabulosa fantasía cuya historia se narra y subraya como ”Kaguya, la princesa que vino de la luna”, y a la que metafóricamente vuelve; dada la tradicional filosofía oriental acerca de los aforismos y proverbios, es un claro alegato sobre la vuelta a los valores naturales y al regreso de la adulteración a la pureza del ser niño… 

 La luna -atendiendo al sabio y profundo refrán de “estar en la luna”-, viene a ser en el cuento un símbolo de la trascendencia hacia el más allá, del viaje hacia la luz de los valores espirituales, desdeñando la persuasiva falacia de los terrenales y materiales. 

 A lo sumo, El cuento del cortador de bambú de Takahata es un poético, filosófico y reflexivo filme humanista y universal, que nos hace pensar sobre los auténticos valores de la verdad, bondad y belleza, que dan sentido a nuestra vida, a cualquier vida… 

 Francisco Montero.

“La belleza de la duda” 

 LA GRAZIA

-Cartel del film.-

 En una España conmocionada por la sentida y controvertida muerte por eutanasia de la joven de 25 años Noelia Castillo, cuya tragedia ha corrido como un reguero de pólvora ardiente y ha conmovido también a medio mundo, llega a nuestras pantallas el sugerente y reflexivo filme italiano de Paolo Sorrentino, La Grazia, sobre el delicado tema moral e ideológico de la muerte inducida y el indulto o perdón a sus inductores… 

 Tras citado deceso por eutanasia de Noelia, se ha conocido un documento -según opiniones mediáticas, al parecer, redactado sin plena conciencia y firmado por coacciones-, difundido por Abogados Cristianos, en el que la joven, por sus dudas pidió el aplazamiento de su muerte… 

 Sea como fuere, lo cierto y verdad, es que el tema de la duda, acerca de la aceptación de la aplicación -humanista, moral, política, médica, jurídica…- de la eutanasia-, ha trascendido socialmente a nivel mundial… 

 Como ya ocurrió en Italia en un caso real de eutanasia, en el que un marido la aplicó a su esposa enferma grave de alzhéimer, durante la presidencia del político católico Sergio Mattarella; tema que inspiró el filme de ficción La grazia de Paolo Sorrentino, según declaraciones del cineasta. 

 Para interpretar algunos aspectos del filme de ficción La grazia de Sorrentino, inspirado en el actual presidente de la Republica de Italia, Sergio Mattarella, a quienes desconozcan a éste, no les viene mal saber del político real al que, muy seriamente -pero con cierto humor socarrón- alude el personaje del presidente protagonista del filme ficticio, Toni Servillo, en el papel de Mariano de Santis… 

 A grandes rasgos, el célebre político, Sergio Mattarella, actual Presidente de la República Italiana (desde 2015), es abogado, jurista y académico, católico, fue miembro de Democracia Cristiana y uno de los fundadores del Partido Popular y del Partido Demócrata de Italia, entre otras organizaciones.. 

 Cuenta con una larga trayectoria en la política italiana como: Diputado de la República de Italia, Ministro de Relaciones con el Parlamento, Ministro de Educación, Vicepresidente del Consejo de Ministros, Ministro de Defensa y Juez de la Corte Constitucional, antes de llegar a la Presidencia. 

 En su vida familar, estuvo casado con Marisa Chiazzese (fallecida en 2012), tiene dos hijos y una hija, Laura Mattarella, abogada y ejerciente como primera dama, asesora junto al padre… 

 Datos relevantes que, sin duda, han servido a Paolo Sorrentino, para la realización de su filme, aunque él reitere no se trata de un filme político. 

Sergio Mattarella, actual Presidente de Italia y Toni Servillo, presidente en el filme de ficción La grazia.

 Desde 2017, en que el popular DJ Fabo, Fabiano Antoniano, tetrapléjico irreversible, antes de acudir a Suiza para su suicidio asistido, solicitó la muerte por eutanasia en su país para terminar con su sufrimiento, y que en 2019 el presidente Mattarella, tras sus dudas propias de católico, concedió la gracia del indulto a un anciano que, por compasión humanitaria, mató a su eposa gravemente enferma de alzhéimer; dada la inexistencia en Italia de una Ley de Eutanasia, ésta ha sido muy debatida en el país… 

 Datos personales del político y hechos sociales reales que, reiteramos, su conocimiento es clave para entender e interpretar convenientemente, el interesante, reflexivo y crítico filme de ficción, La grazia, de Paolo Sorrentino. Filme que, en su versión original, sin una precisa versión española puede dar lugar a interpretaciones equívocas. 

 Al cine de Paolo Sorrentino, por su ética y estética, se le considera hoy influenciado y seguidor de la obra del genial cineasta italiano Federico Fellini, maestro del Neorrelismo Italiano y gran cineasta de todos los tiempos y de la Historia del Cine. 

 El novelista, guionista y director de cine, Paolo Sorrentino cursó estudios universitarios de economía en Napoles, pero dejó la carrera para dedicarse a la literatura y el cine. 

 Sus primeros pasos creativos en la comunicación, antes de dedicarse al cine, los realizó como novelista, alcanzando cierta notoriedad con sus obras literarias: Todos tienen razón, (2010), Tony Pagoda y sus amigos (2012), La juventud (2016),  El peso de Dios (2017), La gran belleza (2023), entre otros títulos. 

 Su literatura se caracteriza, esencialmente, por la reflexión sobre los temas de: el sentido de la vida, la esperanza, la belleza, el paso del tiempo, la decadencia…; relatados, estilísticamente, de manera contradictoria en claves de solemnidad, ironía, humor, sátira, onirismo…; claves temáticas y estilísticas que lleva también a su cine con singular acierto y mayor éxito. 

Paolo Sorrentino, director de La grazia. Foto EFE.

 Con más de una decena de filmes de éxito clamoroso del publico y de la crítica especializada, Sorrentino, en la plenitud de su carrera, ha logrado ya un destacado lugar en la historia del cine europeo. De sus trece filmes realizados destacan: Un hombre de más (Debut del cineasta, 2001), Las consecuencias del amor (Acerca del desamor y la soledad, 2004), Il divo o La espectacular vida de Giulio Andreotti, (2008), La gran belleza (Recreación del argumento de La dolce vita de Fellini, sobre la decadencia humana, 2013), Fue la mano de Dios (Filme un tanto autobiográfico, 2021), La gracia (2025)… 

 Filmografía con la que Sorrentino ha obtenido los más importantes reconocimientos y premios del Séptimo Arte de las Bellas Artes, como: Premios de la Academia del Cine Italiano, David de Dobatello, a Mejor Película, Guión y Director (2005), Premios de los Jurados Artístico y Ecuménico en el Festival de Cannes (2011), Premios del Cine Europeo a Mejor Película y Director (2023), Premios BAFTA y Globo de Oro (2014), Premios Mejor Guión en el Festival Internacional de Cine de Chicago, a La grazia, y Mejor Actor, a Toni Servillo, en el Festival de Venecia (2025)… 

 En el cine de Sorrentino, aunque en el estén presentes la política y la religión, no se trata de un cine político ni religioso -como él ha declarado en varias ocasiones-; sino de valores humanos, humanista y espiritual, que intenta adentrarse e indagar, introspectivamente en el alma del hombre y la sociedad, en sus muchas contradiciones, en sus certeza y dudas… 

 En su filosofía, el escritor y cineasta, ha manifestado que detesta la arrogancia de los políticos, religiosos o científicos que se creen poseedores de la verdad absoluta. Para el artista creador, “la duda tiene su belleza”, como subtitula en el inicio el filme La grazia. 

 El presidente ficticio del filme, Mariano de Santis -magistralmente interpretado por Toni Servillo-, busca la verdad, pero se encuentra siempre asaltado por la duda: duda de su infabilidad política para el bien de la sociedad, duda de la trascendencia en el más allá de sus creencias religiosas, duda de que el futuro sea mejor que el pasado y el presente, incluso duda del amor y de la fidelidad de su fallecida esposa… 

El presidente Mariano de Santis -protagonizado por Toni Servillo- en un expresivo plano de La grazia.

 Para plasmar con credibilidad, interés y belleza cinematográfica, citadas dudas humanistas, son imprecindibles: un excelente guión, una atractiva puesta en escena y una genial interpretación, con los que cuenta La grazia, protagonizada por Toni Servillo. 

 El veterano actor italiano de cine y teatro Marco Antonio Servillo, “Toni”, considerado uno de los mejores actores actuales del Cine Europeo inició su formación con los Salesianos, estudiando después Psicología en la Universidad de Roma La Sapienza, cuyos estudios abandonó para dedicarse al teatro y al cine. Datos importantes éstos, por su aguda introspección picológica de los personajes que interpreta; y recordarnos que, el carismático e influyente educador y escritor religioso, humanista, Don Bosco -hoy Patrono Internacional del Cine y los Actores, de los Magos e Ilusionistas, de la Imprenta…-, fue el fundador de los Salesianos y de sus Escuelas Profesionales… 

 Toni Servillo, quien cuenta en su historial con una cincuentena de filmes interpretados y numerosos reconocimientos y premios nacionales e internacionales de prestigio, es actor habitual de Paolo Sorrentino; ambos logran con La grazia una profunda y emotiva reflexión sobre la eutanasia y la compasión humana ante el dolor y el sufrimiento… 

 Francisco Montero.

Deshumanización y Humanismo 

 CIUDAD SIN SUEÑO 

-Cartel del filme.-

 “No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie. 

No duerme nadie. 

Las criaturas de la luna huelen y rondan sus cabañas. 

Vendrán las iguanas vivas a morder a los hombres que no sueñan 

y el que huye con el corazón roto encontrará por las esquinas 

al increíble cocodrilo quieto bajo la tierna protesta de los astros…” 

 Son los intrigantes versos iniciales del expresivo poema surrealista “Ciudad sin sueño”, de la obra “Poeta en Nueva York”, de Federico García Lorca, que ilustran el final del impresionante filme realista de Guillermo Galoe y dan título al mismo. 

 El interesante filme, sobre el que habla Galoe en su reciente entrevista en el programa televisivo La Aventura del saber de RTVE -coproductora del filme-, presentado esta semana en la plataforma televisiva y también coproductora FILMIN, en la que puede visionarse desde el pasado día 20, es una numerosa coproducción española-francesa; fue estrenado en los cines españoles el pasado noviembre de 2025, tras su aplaudido debut en la Semana de la Crítica del Festival Internacional de Cine de Cannes, en mayo de ese año. 

 El poema surrealista Ciudad sin sueño, del compendio de poemas Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca -cuya vida y obra son muy conocidas-, es un caleidoscopio policromático de metáforas, polisémico, susceptible de múltiples significaciones e interpretaciones, a veces contradictorias, como suelen ser las ensoñaciones del surrealismo… 

 No obstante, todos los tratadista del poeta y dramaturgo, coinciden en que citada obra, ciertamente, se trata de una sugerente crítica a las formas de vida de Nueva York; ciudad que aprisiona, esclaviza y deshumaniza a sus habitantes, según opinión del célebre escritor, también autor del Romancero gitano… 

 Pues bien, citadas obras poéticas de Lorca, parece ser han inspirado algunos aspectos del caleidoscópico filme -en algunos planos, intencionadamente, multicolor y variopintos- de Gillermo Galoe, sobre las fomas de vida en La Cañada Real de Madrid; considerada como el mayor enclave chabolista de Europa, cuya pobreza y formas de vida son hoy antiéticas y antitéticas y contradicen las de la riqueza y vida supuestamente progresista de ciudades como Madrid, Nueva York… 

Guillermo Galoe, director de Ciudad sin sueño. Foto RTVE.

 El experto cineasta Guillermo García López -Galoe, Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid-, aunque aún no cuenta con un amplio historial en el campo del largometraje, sí lleva el cine en la sangre -su padre trabajó siempre como documentalista en Radio Televisión Española-, y tiene dilata experiencia como profesor en másters de cine en diferentes universidades y centros sociales y culturales, guionista y realizador de cortometrajes, con los que ha obtenido importantes reconocimientos y premios nacionales e internacionales. 

 En el campo del documental y el cortometraje ha coguionizado y realizado: Frágil equilibrio (2016), la serie de docuficción Atlánticas -Deshielo, Inmersión y Oscilación- (2017), y Aunque es de noche (2023). 

 Aunque es de noche, es un documental de ficción acerca del “incierto futuro del adolescente gitano Toni, que malvive en La Cañada Real de Madrid, sin agua potable, ni luz y pasa el frío de las noches al calor de una hoguera…”; docuficción cuyo visionado y referencias pueden encontrarse aún en la plataforma YouTube, y cuya temática ampliaría en el consiguiente largometraje Ciudad sin sueño. 

 Muy pocos cineastas con un historial tan corto, como es el de Guillermo Galoe, han obtenido tantos reconocimientos y premios nacionales e internacionales -más de una treintena- por sus filmes; lo que indica los numerosos valores cinematográficos, artísticos, sociales y humanistas, entre otros, de la obra de su autor. 

 Entre esos reconocimientos y premios destacan: Premio Goya al Mejor Documental, Premio DOC de la Asociación de Productoras de Documentales de España en la Semana Internacional de Cine de Valladolid, Premio Miradas DOC de Movistar +, Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Cine Las Américas (Austin, Texas), Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Cine HADOC (Leiria, Portugal), al documental Frágil equilibrio, 2017; Premio Fundación Princesa de Gerona de Las Artes y las Letras (2020); Premios Goya y Forqué Mejor Cortometraje de Ficción a Aunque es de noche, 2023; Premio Mejor Guión de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos SADC de Francia, en la Semana de la Crítica de Cannes (2025); Premio Goya Mejor Actor Revelación a Antonio Fernández Gabarre, protagonista de Ciudad sin sueño (2026)… 

Antonio Fernández (Toni) y Jesús (Abuelo), protagonistas de Ciudad sin sueño.

 Aunque el argumento de Ciudad sin sueño trata principalmente de las vivencias e incierto futuro del joven gitano chatarrero Toni, en el enclave de exclusión social de La Cañada Real de Madrid, en el filme laten con vivacidad otros muchos temas de interés social y humanista como son: las relaciones entre clanes familiares, la pobreza y falta de medios de vida, la adicción a la droga, el desalojo del deshumanizado enclave, la liberación de las opresoras circunstancias, la difícil y problemática adaptación a otras formas de vida, el futuro de los jóvenes… 

 Temas de los que Galoe es buen conocedor por haber llevado anteriormente a La Cañada sus enseñanzas de cine, a fin de ofrecer a sus jóvenes un ilusionante y posible futuro; como lo ha sido el Premio Goya Mejor Actor Revelación al protagonista del filme Toni, Antonio Fernández. 

 Es también dato de interés social en esta temática, el hecho de que Guillermo Galoe sea miembro del Consejo Asesor de la Fundación Princesa de Gerona, cuya organización se preocupa por la promoción de los valores humanos y sociales y el futuro de la juventud…

 Ciudad sin sueño, aunque en el periódico El Mundo, en su estreno en Cannes, el filme fue reseñado figuradamente como “Soberbio western en Cañada Real” -según reza su cartel anunciador-, conviene aclarar que no se trata de un filme del género Western propiamente dicho, pero sí comparte algunas de sus características más genuinas… 

 Ciudad sin sueño es un filme de “Fronteras”: no entre indios y colonizadores, sino entre las sociedades urbanas enraizadas y estructuradas y las desarraigadas y desestructuradas; entre el ayer, hoy y mañana, entre el pasado, presente y futuro, de abuelo, padres y jóvenes; entre las culturas y las subculturas; entre la organización y el orden, frente a la desorganización y el desorden, entre la libertad e independencia frente a la esclavitud y dependencia de la droga… 

 En un carismático sentido humanista, recordemos que el gran cineasta maestro de referido género, John Ford, realizó multitud de filmes western para dar trabajo y protagonismo a los indios que vivían postergados y sin recursos en las reservas. Paradigmáticamente, Guillermo Galoe ha llevado también sus enseñanzas de cine y su ilusionante filme a La Cañada, a fin de propiciar trabajo, protagonismo e ilusión por su futuro a los jóvenes… 

En la proyección de Ciudad sin sueño, realizadores, protagonistas y voluntarios de Cáritas en La Cañada Real.

 El aleccionador filme, magistralmente coguionizado por Guillermo Galoe y Víctor Alonso Berbel, por sus destacados valores sociales y humanistas, ha sido multipremiado. 

 El cineasta, guionista y director, Berbel, formado en las prestigiosas Universidades UPF Pompeu Fabra de Barcelona y en la UCLA de Los Angeles (California), es miembro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España, de la Academia del Cine Europeo y profesor de Dramaturgia y Guion, cuya participación en el filme, que protagonizan los jóvenes, resulta notable… 

 Junto a los voluntarios de Cáritas Madrid que trabajan muy familiarmente y con tesón en La Cañada y presentes en el desarrollo del filme y en su proyección, opinamos que en este vulnerable mundo de exclusión social, los sueños sí son posibles. 

 Francisco Montero.

 

 

Magistral Cine Didáctico 

 AVERROES Y MAIMÓNIDES, LUZ DE AL’ÁNDALUS 

-Cartel del film-. 

 Córdoba, históricamente, ha sido Madre y Maestra; Madre de ilustres y grandes hombres y Maestra de Civilizaciones y Culturas, por cuyo rico legado, cultural y monumental, posteriormente, se le ha reconocido como Perla de Occidente, Ciudad Universal Patrimonio de la Humanidad… 

 Por ello, hoy, es tambien muy distinguida y reconocida con el expresivo y emblemático lema de “Córdoba Ciudad Educadora”, cumpliendo, significativamente, más de treinta años en el contexto mundial de las ciudades asociadas bajo ese lema. 

 En citados reconocimientos es destacable la importante labor que vienen realizando: el profesor universitario, escritor, poeta y guionista de cine, Carlos Clementson, y el veterano cineasta, director y productor, Miguel Ángel Entrenas, a través de la empresa Producciones MAEL Films, como han dejado patentes en varias realizaciones del tamden, y muy especialmente en su filme didáctico de ficción documental Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus… 

 En síntesis, el musulmán cordobés, andalusí, polímata humanista, filósofo y científico, Averroes -aristotelista, jurista, médico, astrónomo…, Córdoba, 1126-Marrakech, 1198-; históricamente, como filósofo, se distinguió por la defensa de los valores del aristotelismo y la razón, frente a la religión… 

 Descendiente de cadíes o jueces gobernantes en Córdoba -cuyo abuelo fue también imán en la Mezquita aljama-, tuvo una esmerada, disciplinada y exigente educación familiar, que le avocaría a su polifacética y azarosa vida, durante los imperios almorávide y almohade. 

 En la corte de Marrakech, donde ejerció para desarrollar proyectos educacionales, conoció al prestigioso mentor y polímata granadino Ibn Tufail, coincidiendo con éste en el aristotelismo y en la conciliación ente la razón y la fe, o religión, para la búsqueda de la verdad. 

Monumentos de homenaje en Córdoba a los maestros Averroes y Maimónides y a la Sabiduría de sus Libros. 

 El judío Maimónides, igualmente polímata -filósofo, médico, teólogo, rabino…, Córdoba 1135-El Cairo 1204-; fue descendiente de jueces rabínicos, en los años de esplendor de la cultura judía en al’Ándalus. 

 En su rigurosa formación religiosa, estudió y fue también rabino, o maestro, con cuya obra contribuyó a la creación de la Ecuela Talmúdica, en la que se estudió: la Torá -Pentateuco o Biblia Hebrea, compuesta por los cinco Libros, Génesis, Éxodo, Levítico, Números y Duteronomio-, y el Talmud -significativa obra que recoge aspectos importantes de la cultura judía, costumbres tradiciones, leyes civiles y religiosas…- 

 Ambos personajes coetáneos, en su relación y convivencia, contribuyeron con sus libros y sabias enseñanzas al respetuoso y emblemático Diálogo de Civilizaciones, Culturas y Religiones, como implícitamente se trata en el guión del filme. 

 Datos históricos y didácticos relevantes, sobre ambas figuras, en los que se basa el guionista de Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, Carlos Clementson, para la narración y realización del filme. 

 -No obstante, al inicio de la narración fílmica, se advierte en créditos que no se trata de un filme documental historicista sino de una docuficción didáctica. 

 El guionista de Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, Carlos Clementson, profesor de Literatura Española, poeta y traductor, es un escritor culturalista -dados los ricos y profusos datos culturales de sus textos-, cuya veteranía docente queda muy patente en los filmes realizados junto a Miguel Ángel Entrenas para la productora MAEL. 

 -Véanse en este blog nuestras reseñas de los filmes: Carlos Clementson. Poeta, Cordobés Univesal (23, octubre, 2025) y Séneca y Lucano. La virtud del imperio (13, agosto, 2023). 

 Como se previene al inicio del filme en él no se pretende el rigor histórico pero sí la fidelidad y verdad de los acontecimientos y hechos que se narran; así como la caracteriología, vivencias y aspectos más significativos de las obras de los personajes protagonistas, Averroes y Maimónides. 

 Para mayor afinidad e interés del filme en los medios educacionales, no se ha recurrido a actores profesionales del cine, sino a colaboraciones de centros artísticos y alumnos de centros de enseñanza como: Escuela Superior de Arte Dramático, Escuela de Arte Mateo Inurria, IES El Tablero, Angel de Saavedra y Maimónides, CEP San Acisclo y Santa Victoria, Academia de Danza Oriental Ashira, además de numerosas Asociaciones, Organizaciones, Peñas… 

El guionista Carlos Clementson y el realizador Miguel Ángel Entrenas (Foto ABC). 

 La riqueza cultural de los guiones de Clementson, se acrecienta extraordinariamente, en cada nuevo, de los numerosísimos estrenos de Entrenas, con la peculiar y estilizada puesta en imágenes del avezado cineasta -que ha realizado más de cincuenta filmes, cortos, medios y largometrajes-, con los que ha obtenido más de setenta premios y reconocimientos. 

 Los filmes de Entrenas son puro cine en esencia y presencia. El cineasta repite con frecuencia que, desde las influencias de su padre -actor teatral aficionado- realiza cine “por amor al Arte”. Él, no vive del cine. Su vocación social, le indujo a desarrollarla en una institución, compatibilizándola con la de cinéfilo y cineasta desde niño. Por ello sus filmes tienen una esencial dimensión de cine social y humanista. 

 Desde su primer cortometraje, Silencio, se rueda, realizado en super 8, premiado en el Certamen Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud de Gijón (1985), el cine de Entrenas ha crecido, crecido, crecido… en arte y valores. 

 En su cine, considerado como Arte, Comunicación, Espectáculo, Lenguaje e Industria, salvo ésta última atribución -dado que Entrenas declara constantemente que no realiza cine comercial para vivir de él-, sus filmes y máxime el de Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, resultan magistrales por su peculiar realización artística, de comunicación, espectacular y lingüística. 

 De las bellas artes que conforman este cine como arte de artes, la literatura del guión del filme, despierta el interés y la atención por la singular expresividad y poesía que le confiere el poeta Clementson. 

 La música del filme, obra de Miguel Linares, genial y talentoso compositor de partituras para espectáculos teatrales, cinematográficos y televisivos, enfatiza las escenas, emociona y sobrecoge. Linares, cuenta en su historial con una treintena de composiciones, teatrales y cinematográficas en las que destacan: Inca Garcilaso, el mestizo, Valle Inclán y Julio Romero y Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, (de Miguel Angel Entrenas, MAEL Films). 

 La danza, arte del movimiento, del espacio y del tiempo, confiere espectácularidad, gracia, sensualidad y amenidad al filme, deslumbrando y haciendo atractiva, desde su inicio, con la exótica danza de bailarina, jinete y caballo, su lección historicista. Protagonizan con deslumbrante brillantez la danza en el filme: la Academia de Danza Oriental “Ashira” y “Ganesha’s Dance”, con sus sugestivos conjuntos de bailarinas. 

 Expresiva escenografía y ambientación de las lecciones de Averroes en el filme. 

 Haciendo gala de las artes espaciales del cine, escenografía, ambientación, fotografía, efectos especiales…, el filme, por la magnífica puesta en imagenes de sus numerosos participantes, logra trasformar espléndidamente, a la Córdoba monumental, en un idealizado, artístico y sorpendente plató para el rodaje. 

 Las lecciones sobre el Diálogo de Civilizaciones, Culturas y Religiones, y de reflexión acerca de las bárbaras invasiones y luchas, contrarias, que didácticamente, nos propone el filme, aunque nos remitan a veinte siglos atrás, hoy, siguen siendo aplicables a situaciones mundiales terribles como las de Ucrania, Gaza… 

 Por ello, desde que en 2016 se estrenara el filme Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, no cesa de ser requerido por centros de enseñanza, instituciones, organizaciones, asociaciones culturales…, teniendo pendientes aún diversas solicitudes de exhibición y la presencia de sus realizadores, próximamente… 

 Francisco Montero.

 

Espiritualidad y Humanismo Animados 

EL REY DE REYES 

 -Cartel del film-. 

 Hasta las propicias fechas de Navidad 2025, Año Nuevo y oportuno Día de Reyes, 2026, se ha prolongado en las pantallas españolas, desde mediados de diciembre, el emblemático y emotivo filme de animación surcoreano El Rey de Reyes, precedido del extraordinario éxito que tuvo en los cines estadounidenses, augurándosele, éxito mundial. 

 Aunque no es novedoso el tratamiento del tema de la vida, pasión y muerte de Cristo en el cine -recordemos, por ejemplo, el grandilocuente Rey de Reyes de Nicholas Ray (1961), el humanista El evangelio según San Mateo de Pier Paolo Pasolini (1964), el preciosista serial Jesús de Nazaret de Franco Zefiirelli (1977), o el escabroso La última tentación de Cristo de Martin Scorsese (1988)-, el reciente filme sí cuenta con la particular originalidad de estar realizado en emotivos dibujos animados y, didácticamente, con valores históricos, humanos y espirituales, dirigido a los pequeños. 

 Asimismo, el filme cuenta con el original y admirable valor artístico de estar realizado en una impresionante y conmovedora estética de realismo expresionista, que le alejan de los fantasiosos, fatuos, fútiles y sofisticados filmes de la mayoría del cine de animación espectacular y comercialista de hoy, gracias a la acertada dirección del cineasta Seong-ho Jang, basada en el famoso relato clásico Dickens. 

 Desde los primeros relatos históricos sobre Jesucristo, desde los Evangelios, de Mateo, Marcos, Lucas y Juan, hasta el más reciente e idealizado Cristo Cósmico del tratadista de la espiritualidad de la creación, Matew Fox, pasando por los cuantiosos e innumerables escritos y estudios desde todas las religiosidades y credos que se conocen, no cabe la menor duda de que, Jesucristo, es el personaje más tratado literariamente de toda la historia de la humanidad y también el más llevado al cine. 

 No obstante, tanto el relato La Vida de Nuestro Señor, de Charles Dickens, como el filme El Rey de Reyes, de Seong-ho Jang, desvelan hoy peculiaridades que les hacen diferentes y de inusitado interés para mayores y pequeños. 

 Dickens escribió el relato, como si se tratase de la más grandiosa historia jamás contada, narrándolo directamente para su novelero y fantasioso hijo Walter, con la intencionalidad de interesarle en la fe cristiana. Ordenando, además, no se diese a conocer hasta después de su muerte, como así se cumplíó; acrecentando sobremanera el escritor, con su novelesca intriga, el interés general por su lectura… 

 Referida intriga, que duda cabe, motivó la curiosidad y el interés por La Vida de Nuestro Señor, de los lectores de Dickens; datos que, muy expresivamente, ha tratado Seong-ho al llevar el relato a la pantalla… 

-Una versión libre online del relato original de Dickens -como homenaje personal del escritor a la humanidad y prologada por sus hijos-, traducida al español en 2015, por Omar García Pérez, puede descargarse aún para disfrutar de su interesante lectura, muy sencilla y amena…, en Creyentes Intelectuales.blogspot.com 

Charles Dickens y una versión española de su relato. -Dibujo de V. Medvedev y foto coloreada de Klimbim-. 

 Como escritor universal, traducido a numerosos idiomas, a las obras y vida de Charles Dickens es fácil de acceder en los registros literarios y de internet para su conocimiento, pero no tanto al de sus obras llevadas al cine, como La Vida de Nuestro Señor en el reciente filme El Rey de Reyes, que triunfa ahora en multitud de pantallas. 

 Otro de los filmes más recientes sobre la obra del escritor es La increíble historia de David Copperfield -cuyo relato escribió paralelamente al anterior citado-, filmada por el polifacético escritor, realizador de cine y televisión, Armando Iannucci en 2019, entre otras versiones. 

 Al ser la novela y el cine el género narrativo Legendario y de Aventuras, preferido por la mayoría de los públicos, las obras de Dickens han sido siempre muy llevadas a las pantallas. Además, el excepcional realismo social de la obra del escritor ha acrecentado siempre ese interés, en todas las épocas; por lo que, la mayoría de las novelas del autor han gozado del tratamiento y su adaptación, en diferentes versiones, por los grandes cineastas. Como también por ser una obra muy cinematográfica y expresiva. -Dickens siempre estuvo muy identificado con los ilustradores de su novelas y los pintorescos, idealizados, caricaturescos y conmovedores personajes que crearon-. 

 Casi dos centenares de películas han sido realizadas sobre sus novelas. Junto a las obras ya citadas, son destacables, entre otras, las numerosas versiones de: El hijo de la parroquia de Frank Lloyd (Cine Mudo, 1922), David Copperfield de George Cukor (1935), Cadenas rotas (1946) y Oliver Twist de David Lean (1948 ), -considerada su obra más emblemática y llevada en una veintena de ocasiones al cine y la televisión-, Historia de dos ciudades de Ralph Thomas (1958), Grandes esperanzas de Alfonso Cuarón (1998), La leyenda de Nicholas Nickleby de Douglas Mc Grath (2002), Cuento de Navidad de Robert Zemeckis (Dibujos animados, 2009)… 

 Filmes, basados en la obra de Dickens, a los que los argumentos y atrayente narrativa del escritor, aseguraban sus éxitos y que, sin duda, han contribuido hoy a contar La Vida de Nuestro Señor por Seong-ho Jang, en dibujos animados, como una gran aventura, en su filme El Rey de Reyes. 

Seong-ho Jang, realizador de El Rey de Reyes. 

 Aunque Corea es un país oriental con tecnología audiovisual muy avanzada, su cine, muy influenciado por las ideologías, luchas y censuras políticas ente Norte y Sur, no ha tenido demasiada difusión en Occidente -no siendo muy conocido, por tanto, en España-. No obstante, a partir de la separación política del país, a la globalización de la industria cinematográfica -por las grandes plataformas audiovisuales, como Netflix-, y a las nuevas olas de cineastas -más familiarizados con los valores culturales de occidente-, el cine surcoreano producido por la empresa Mofac Studios VFX Animation y distribuido por la norteamericana Angel Studios -que difunde Cine de Valores-, está siendo más conocido en los países occidentales. 

 Es el caso del cineasta surcoreano Seong-ho Jang y su filme El Rey de Reyes, basado en citada obra de Dickens. 

 Seong-ho Jang es un prestigioso productor, guionista y realizador de Dibujos Animados, que ha sido distinguido en su país, en repetidas ocasiones, con los Premios Surcoreanos del Ministerio de Cultura, que se otorgan a quienes realizan una destacada labor creativa y de valores culturales, sociales y artísticos. 

 Por indicados valores, como se reseña en la web de MOFAC STUDIOS, ha sido también reconocido en otros países asiáticos, en varias ocasiones, desde 2003 a 2025, con los prestigiosos premios cinematográficos: Blue Dragón, Grand Bell, Hong Kong Film, Asian Film, y por Korean Animation por su último filme El Rey de Reyes. 

 Esta realización de Seong-ho, a fin de interesar a los niños en la historia de Jesucristo, cuenta con la intrigante y curiosa originalidad de incluir como personaje en ella al hijo de Dickens, a quien el escritor dirigió su narración: al fantasioso Walter con su gatita Lila, logrando con ello motivar emocionalmente y acaparar la atención de los pequeños… 

Expresivo fotograma del filme: el novelero hijo de Dichens, Walter, y su gatita Lila. 

 A estas alturas de la historia de la comunicación, tras los numerosísimos y exhaustivos estudios y tratados de toda índole acerca de la vida, pasión y muerte de Jesucristo, poco se podría aportar a la misma. Sin embargo, el filme El Rey de Reyes, con la original introducción del personaje infantil, Walter, como testigo y conciencia inocente en la historia, sí le aporta renovación y frescura. 

 A esa ingeniosa y sorprendente tarea han contribuido decididamente los expertos y afamados: el coguionista Rob Edwards y el director de fotografía Woo Hyung Kim. 

 El guionista norteamericano Rob Edwards, quien ha trabajado para Disney, cuenta en su historial con una veintena de guiones para cine y televisión, de imagen real y animación. Ha sido nominado en varias ocasiones al Oscar al Mejor Guión de Cine de Animación y ha sido Premio al Mejor Guión de la Asociación de Críticos de Cine Afroamericanos. 

 Woo Hyung Kim, es un experimentado y brillante director de fotografía surcoreano, muy reconocido en Europa. Ha sido nominado a la Palma de Oro del Festival de Cannes, y premiado por la Academia Británica de Cine y Televisión BAFTA. Su expresiva, cálida y emocionante fotografía hacen de El Rey de Reyes, un filme de verdad, bondad y belleza, inolvidables 

 Francisco Montero.