LOS FABELMAN

-Cartel del film-

  Por aquellos tiempos, de hace ya más de un siglo, cuando nacía el cine en 1895, con el invento del cinematógrafo de los hermanos Lumière, sus descubridores, lo consideraban como un espectáculo de feria… 

 Cuando algo después Georges Meliès, el mago del cine fantástico, en su película Viaje a la luna, en 1902, lo confirmaba como un espectáculo de anticipación al futuro, un imaginativo espectáculo de ciencia ficción… 

 Mucho antes de que el cine fuese considerado como arte, industria, medio de comunicación social y lenguaje, en los tiempos del “Manifiesto de las artes”, en 1923, por el teórico italiano Riciotto Canudo el cine ya había nacido como espectáculo… 

 Hoy, sin duda, reafirmando su testimonial pasado, el cine -por sus numerosas salas, proyecciones, 3D…- sigue considerándose como el mayor espectáculo del mundo… 

 Acaso por ello, Steven Spielberg, inicia su filme Los Fabelban, rindiendo homenaje al espectacular filme, de ayer, de hoy y de todos los tiempos, como es El mayor espectáculo del mundo (de paradigmático tema circense, 1952)-, del maestro realizador Cecil B. DeMille. 

  Cinema Paradiso -reseñado en este blog el 1 de noviembre de 2014-, (filme italiano, de 1988) de Giuseppe Tornatore, y Los Fabelman de Steven Spielberg, son sin duda los filmes que, desde una perspectiva infantil y adulta, mejor han tratado el tema del “Cine en el Cine”; pero ningún otro filme ha logrado el realismo y la emotividad, el humanismo del primero, que bien pudiera inscribirse en los valores y la estética del neorrealismo italiano… 

 No obstante, Los Fabelman del “Rey Midas” de Hollywood, como se le considera a Spielberg, resulta más grandilocuente y espectacular, por lo que viene adquiriendo un inusitado reconocimiento de la crítica especializada internacional y del público en general, en las salas y en los más importantes eventos de la meca del cine estadounidense, en 2022. 

       Los Fabelman de Steven Spielberg, Premio Globos de Oro a la Mejor Película y Dirección

 Desde Tiburon -1975-, Indiana Jones y E.T. el terraterrestre -1982-, filmes que le catapultaron internacionalmente a la fama y superaron todas las cotas de taquilla en diferentes paises, Spielberg, con un historial de más de sesenta filmes, ha incidido polifacéticamente en los más variados géneros cinematográficos, siendo uno de los cineastas más reconocidos en la historia reciente del Séptimo Arte. 

 En su historial de cine humanista, son memorables, entre otros, los títulos: La lista de Schindler -1994-, Rescatando al soldado Ryan -1999- y Lincoln -2013-, por los que ha sido reconocido con los premios a Mejor Película y Director. 

 Entre sus reconocimientos más importantes destacan: las Condecoraciones de la Medalla Nacional de Humanidades -1999- y de la Orden del Imperio Británico -2001-, el Premio Cecil B. Demille -2009-, que se concede a la Mejor Trayectoria Cinematográfica, o el León de Oro Especial del Festival de Cine de Venecia -1993-. 

 El productor, guionista y director de cine Cesar B. DeMille, por sus filmes espectaculares, como: Los diez mandamientos, Rey de reyes, Cleopatra, Las cruzadas, Sansón y Dalila o El mayor espectáculo del mundo…, entre otros muchos, es considerado en la Historia del Cine como el gran maestro de Cine Espectacular. Por ello la Asociación de la Prensa de Hollywood creó el Premio Cecil B DeMille, que le sería concedido a Steven Spielberg, por su cine de referidas caracteristicas. 

 Y seguramente por ello, como homenaje y en reciprocidad de reconocimientos, Spielberg, inicia su filme Los Fabelman con su asistencia de niño a El mayor espectáculo del mundo, de cuya visión quedaría impresionado y fascinado, con la ensoñación que le desvela éste filme… 

 El cine, por su magia y poder hipnótico -condiciones físicas que se producen en la sala de proyección-, ha sido considerado siempre como una “fabrica de sueños”, que marcará a tantos cineastas y cinéfilos, y cómo no a Spielber, que soñaría de niño y joven, con manejar una cámara de Super 8 o 16mm., y con ser cineasta… 

       Expresiva escena del filme.

 Es sabido que, social y psicológicamente, la “ensoñación” de una vida mejor, de un futuro mejor, de triunfo y éxito…, es algo connatural a todos los humanos; es ésta la clave, no sólo de la historia familiar de Los Fabelman, sino también de otros exitosos filmes de Spielberg y, por ello, su extraodinaria acogida por crítica y público, por todo el mundo. 

 Poderosa razón por la que se le considera el rey midas de Holywood que convierte en oro todo lo que produce y realiza, para el sugestionador mundo de la sala oscura y luminosa de imágenes en movimiento, circunstancias propicias, reiteramos, del hipnotismo o deslumbramiento del cine; de lo que tanto habló y escribió el profeta sociólogo de la comunicación Herbert Marshall McLuhan (1911-1980), o nuestros pedagogos y psicólogos Juan Garcia Yagüe y Angel Lázaro, en su obra Condicionamientos ambientales de la personalidad -Magisterio Español.Ciencias de la Educación, 1971-. 

 Al igual que tantos literatos en un momento cumbre de su vida, deciden relatar sus memorias, en Los Fabelman, Spielberd, nos relata los aspectos de su vida familiar más influyentes en su niñez, jvventud y vocación por el cine. 

 Es decir, recurre a lo que es común a todo el mundo, a toda persona: las influencias familiares, personales y del entorno, en su formación y vocación; otra de las claves narrativas y del éxito del cine del éste realizador. 

 Aunque se trate de un filme autobiográfico, cuya historia y vivencias plasmadas nadie conoce mejor que su autor y realizador, su guión ha sido reforzado por el prestigioso dramaturgo y guionista Tony Kushner, quien aporta riqueza de situaciones y dramatismo al filme. 

 Con casi un centenar de trabajos realizados, la experiencia y el historial de Kushner son impresionantes, enriqueciendo sus guiones con importantes matices dramáticos de los temas que trata. Kushner fue también guionista de Spielber en otras ocasiones, caso del filme Múnich, con el que sería candidato al Óscar en 2005, y galardonado con el Premio Pulitzer -1992- por su obra Angeles en América: una fantasía, llevada a la televisión y al teatro.

Caracterización de John Ford, es una escena del filme.

 El filme Los Fabelman finaliza con otro paradójico e interesante homenaje y reconocimiento: la supuesta entrevista -cierta o incierta- que el gran maestro del cine John Ford concede al joven Steven Spielberg, acerca de su futuro… 

 Ford acaso el más prolifico director de la historia del cine, con más de ciento ciencuenta filmes realizados -quien con humor socarrón alardeaba de haber matado en su filmes western a más indios que el propio general Castle-, en el fondo era también un gran humanista: afirman sus historiadores que realizaba tantos filmes del oeste para dar trabajo a los indios obligadamente recluidos en reservas…

 Paralela a la colonización real del oste de los Estados Unidos de América, nacía el cine como medio de expresión; un medio en el que destacó John Ford, como otros grandes de su hisoria: Orson Welles, Ingmar Bergman, Steven Spielberg… 

 Francisco Montero.  

 

EMILY 

 -Cartel del film- 

 El aumento europeo actual de mujeres literatas y cineastas, en la producción, guión, realización, fotografía…, ha contribuido significativamente al creciente feminismo en las bellas artes y de manera muy destacada en los medios de comunicación de la literatura y el cine. 

 Una vez más, el viejo continente occidental ofrece ejemplos de humanismo, de valores y de derechos humanos, a oriente y sobre todo a los países musulmanes en los que el islamismo se obstina en tradiciones y costumbres atrasadas y que hoy no tienen razón de ser… 

 En España, jóvenes escritoras exitosas como la mallorquina balear Joana Marcús -autora de Antes de diciembre y Después de diciembre-, la madrileña Crístina Araújo -autora de Mira a esa chica-, la cordobesa canaria Guayarmina Pedraza -autora de Cayena pura-…, son ejemplos de actualidad, derechos humanos, libertad de pensamiento… 

 Es también el caso de la actriz británica australiana Frances O´Connor, guionista y realizadora del sorprendente filme de ficción Emily, -su ópera prima como directora-, basado en la fugaz vida de la célebre escritora inglesa Emily Brontë, autora de la apasionante y cinematográfica novela Cumbres borrascosas, adaptada al cine en numerosas ocasiones. 

 El feminismo de hoy que no surge de la noche al día y por “arte de la política” en la sociedad actual, tiene sus antecedentes en el de ayer, es decir, en la valentía de unas mujeres, adelantadas a su tiempo y que se atrevieron a expresar libremente sus pensamientos y sentimientos, su liberal sensualidad, sexualidad… 

 Fue la realidad y el hecho de hace dos milenios de las célebres escritoras Hermanas Brontë, que expresaron en sus famosas obras literarias la liberalidad de la mujer, tan oculta en disfraces morales y reprimida en aquellos tiempos por el puritanismo religioso, y que con tanta expresividad y belleza trata la cineasta Frances O´Connor, en su filme Emily… 

 Es la temática esencial de este filme que, sin rodeos ni máscaras moralistas, como si fuese un metaforico juego poético floral, un juego de despojarse de los disfraces de los convencionalismos, trata con sensibilidad y exquisitez la autora en su sorprendente Emily. 

      El hermano Branwell, el predicador William y las hermanas Brontë, en un expresivo juego de máscaras del filme.

 Como se desprende de la novela Cumbres borrascosas de Emily Brontë, aunque la obra sea un impresionante portento ficticio y creativo de la imaginación de la joven escritora, en su fondo, es un reflejo de la apasionada, tempestuosa y atormentada vida real de la autora; lo que trata con sutilidad y belleza O´Connor en el filme. 

 Es sabido que las hermanas Brontë, hijas de un severo pastor religioso, vivieron afectadas por la crucial moralidad puritana del momento y de su familia religiosa y la contrapuesta apertura de la cambiante sensibilidad cultural de la sociedad Victoriana inglesa, como reflejan en sus obras. 

 De hecho, para evitar los escollos de su avanzado pensamiento liberal -impropio de las mujeres de la época- y posibilitar la divulgación de sus obras, las tres hermanas, escribieron con seudónimos masculinos: Charlotte con el de Currel Bell, Emily con el de Ellis Bell y Anne con el de Acton Bell…

 En la época Victoriana inglesa, por algunos artistas, fue usual esconder la auténtica identidad y sentimientos tras un seudónimo y una máscara; literaria y poéticamente la máscara, entre otras significaciones, era símbolo de misterio, enigma, personalidad oculta… 

 Ya el genial e influyente dramaturgo inglés William Shakespeare, en su anterior época Romántica, fue conocido con el seudónimo o sobrenombre de el Bardo de Avon, y recurrió con frecuencia en sus obras a la significación y el simbolismo de la máscara: en su tragedia romántica de Romeo y Julieta, los antagónicos personajes se conocen en un báile de máscaras… 

 Frances O´Connor, la guionista y realizadora de Emily -quien parece admirar e inspirarse en citada tragedia romántica Romeo y Julieta de Shahespeare-, recurre magistralmente a este sofisticado artificio, no sólo del arte dramático y del cine, sino también de la realidad y las sociedades de todos los tiempos; lo que confiere extraordinario interés a su filme. 

               Frances O´Connor, guionista y directora de Emily.

 Historiadores y tratadistas de Cumbres borrascosas y de su autora Emily Brontë, coinciden que, como en la generalidad de los autores literarios y cinematográficos, sus obras, suelen ser reflejos muy fidedignos de sus auténticas personalidades. 

 Y O´Connor, sin que su filme Emily, pretenda ser una una biografía de la autora de la novela, logra una acertada y bella semblanza, no sólo de esta escritora, sino también de toda la familia Brontë, y la ambientación de la época. 

 Frances O´Connor, hija de una pianista y de un físico nuclear, auque nació en Ingaterra en 1967, pronto sus padres se trasladaron a Australia, dónde estudió Literatura y se formó como actriz en la Academia de Artes Escénicas de Australia Occidental, completando su formación artística en sus  numerosas actuaciones y experiencias en Estados Unidos. 

 En los inicios de la década de los 90, debutó en el cine e intervino en varias series de televisión. En 1997, el Premio de Mejor Actriz en el Festival de Montreal por su protagonismo en el filme Bésame o mátame, la catapultó internacionalmente a la fama y a una prolífica carrera e historial de una cuarentena de filmes y series de televisión. Protagonizando mas tarde otros filmes destacados como: Inteligencia artificial de Steven Spielberg (2001) o Cleverman, serie futurista de la televisión australiana, dirigida por Wayne Blair (2016). 

 En 1999, protagonizo el filme Mansfield park, basado en la novela homónima de la escritora Jane Austen, que fue considerada como una obra clásica y feminista de la literatura inglesa. Y en el 2000 protagonizó la miniserie televisiva Madame Bovary, basada en la novela -de realismo mágico romántico, también de carácter feminista- del francés Gustave Flaubert, por la que de nuevo obtuvo el Premio de Mejor Actriz… 

 Experiencias éstas influyentes en su carrera, porque le servirían para su primer filme como realizadora de cine realista, romántico, feminista y de época, como es Emily… 

           Emma Mackey, en una expresiva escena de Emily.

 De Emily, nos soprende la delicadeza y exquisitez de su romanticismo, la libertad de pensamiento del personaje frente al puritanismo moral imperante de la sociedad anglicana del momento, la recreación y ambientación historicista de la época, la emotiva interpretación de su protagonista Emma Mackey, la bella fotografía del filme y su sugestiva ilustración musical… Es decir, que una  realizadora, Frances O´Connor, en su debut, como directora principiante -aunque con dilatada experiencia como actriz-, haya logrado un filme tan perfecto. 

 Hemos referido en alguna ocasión que “los americanos llevan el cine en la sangre y los europeos en el corazón”; Emily, tema europeo, acogido para su difusión internacional por la norteamericana Warner Bros, dada la experiencia estadounidense de Frances O´Connor, auna ambos valores. 

 Francisco Montero.

 

SIMONE, LA MUJER DEL SIGLO 

          -Cartel del film.-

  Simone, la mujer del siglo, es, sin duda, uno de los estrenos cinematográficos más esperados para este final de año 2022, dado el rotundo éxito obtenido por Oliver Dahan, su director, con el filme La vida en rosa -Edith Piaf- estrenada en 2007. 

 La vida en rosa, es un relato biográfico sobre la legendaria y apoteósica cantante francesa Edith Piaf que, desde la más absoluta pobreza alcanzó grandiosas cimas de popularidad y fama. Relata la publicidad del filme que “el pequeño gorrión -como se la llamaba-, voló tan alto, tan alto, que sus alas se quemaron”… 

 Una vez más, el mito de Sísifo -“cuanto más alto se vuela, más estrepitosa puede ser la caída"- fue tratado con rotunda brillantez en éste filme que obtuvo más de una veintena de premios en los festivales y certámenes internacionales mas importantes del cine. 

 Con Simone, la mujer del siglo, Oliver Dahan, su realizador, dado el éxito obtenido con su anterior filme acerca de la singular cantante francesa Edith Piaf, vuelve al biopic cinematográfico sobre otra excepcional mujer como fue la abogada y política francesa, superviviente del Holocausto, Simone Veil, sin duda, otra mujer singular del anterior y presente siglo… 

 La activista social Simone Veil fue una polifacética mujer que legó a la actualidad inolvidables lecciones, no sólo a Francia sino a todo el mundo, de los que que fueran los principios de la Revolución Francesa: libertad, igualdad y fraternidad, de dignidad humana y auténtico feminismo…. 

 En España, su memoria permanece imborrable desde que en 2005, se le concediera el Premio Príncipe de Asturas de Cooperación Internacional por su comprometida labor en Europa, de cuyo Parlamento de Estrasburgo fuera la primera mujer Presidenta entre 1979 y 1982. 

Simone Veil, Premio Príncipe de Asturias de Cooperación Internacional, 2005.

 Como escritora y librepensadora Simone Veil nos ha legado más de una veintena de libros, en los que nos relata los que fueran su pensamiento, preocupación social y espiritual, filosofía y activismo, con títulos como: Una vida, Amanecer en Birkenau, Pensamientos libres, Mis combates, La amistad, Esta fe es la mía, A la espera de Dios, La persona y lo sagrado, La condición obrera, Opresión y libertad, Obras completas…

A grandes rasgos, la biografía de Simone Veil, nos habla de: su terrible y dura deportación a Auschwitz, su providencial liberación, regreso a Francia y estudios de derecho, su carrera judicial y política al frente de los Ministerios de Justicia y Sanidad, su Presidencia en el Parlamento Europeo, su activismo en la Oposición y como Ministra de Asuntos Sociales, Salud y Urbanismo, su labor como miembro del Consejo Constitucional de Francia; destacando entre sus grandes logros, entre otros, la encomiable lucha por los Derechos Humanos, la igualdad de la mujer, la legalización del aborto en Francia…

 Simone Veil obtuvo en vida una treintena de importante reconocimientos y premios internacionales, además del Premio Príncipe de Asturias, entre los que destacan: Premio Carlos V de la Fundación de la Academia Española de Yuste, Gran Cruz de la Legión de Honor de Francia, Dama Honoraria de la Orden del Imperio Británico, Premio Carlomagno de Alemania, Títulos Honoríficos de una veintena de Universidades: Princeton (EE.UU.), Cambridge (Inglaterra), Hebrea de Jerusalén (Israel), Edimburgo (Escocia), Urbino (Italia), Libre de Bruselas (Bélgica)… 

 Llamándose a la plaza principal del Parlamento Europeo de Bruselas, Agora Simone Veil, y editándose en 2018, después de su fallecimioento el año anterior, una moneda conmemorativa de su deportación a Auschwitz y de su Ley del Aborto… 

 De su profusa obra, y lo mucho que se ha escrito sobre Simone Veil, queda claro, el cineasta Oliver Dahan, ha contado con una valiosa documentación para realizar la interesante, minuciosa y fidedigna biografía sobre su vida real que se ha llevado con notable verismo, expresividad y sobrecogimiento a la gran pantalla. 

Oliver Dahan, director del film Simone, la mujer del siglo.

 El director y productor de cine francés Oliver Dahan, además de su multipremiado filme La vida en rosa -en el que se reconoció principalmente la interpretación de su protagonista, la actriz francesa Marion Cotillard-, cuenta en su historial con una quincena de títulos, entre largometrajes, episodios televisivos y videos, siendo los más importantes de ellos de notable carácter biográfico. 

 Entre sus títulos más destacados, sobresalen: Los ríos de color púrpura, (2004), Mozart, la ópera rock (2010), Gracia de Mónaco (2014)… 

 De la realización de Simone, la mujer del siglo, filme que como la mayoría de los filmes con fuerte contenido político, resultan un tanto abrumadores por su cantidad de referentes ideológicos, datos y situaciones, destacan sobremanera, por su crudeza, emotividad y sobrecogimiento los pasajes en los que se trata, con verismo de documental, la deportación y permanencia de Veil y sus correligionarios judíos en Auschwitz…

 Asimismo, en el filme, que, argumentalmente contiene, de forma alusiva u omitida, un duro alegato actual contra el maquiavelismo político arribista, las crueldades de las guerras, los campos de exterminio y refugiados o los panfletarios feminismos de hoy, entre otros temas de interés humanista, destacan las interpretaciones de las dos protagonistas que encarnan a Simone Veil en sus edades de joven, adulta y mayor: Rebecca Marder y Elsa Zilberstein. 

     Rebecca Marder y Elsa Zilberstein, en el papel de Simone Veil.

 El papel protagonista de Rebecca Marder, por caracterizar un mayor número de años, del personaje de joven y adulta, de la agitada y dramática vida de Simone Veil, y de su constante evolución y transformación personal, psicológica, familiar y social, es el de mayor interés en el filme. 

 Rebecca Marder, hija de una periodista francesa católica y de un músico estadounidense judío, y con una doble nacionalidad francesa y estadounidense, cuya personalidad se formó entre dos culturas familiares muy diferentes, era por sus vivencias personales, para el realizador Dahan, una actriz ideal para la caracterización del complejo personaje en los revulsivos años de Veil. 

 Marder, quien comenzó a actuar a la temprana edad de cinco años, estudió en la Escuela Nacional de Teatro de Estrasburgo, siendo descubierta por Éric Ruf, director de la Comedia Francesa, la compañía teatral más veterana y prestigiosa de Europa y acaso del mundo… 

 Sus sensibles, sentidas e impresionantes actuaciones en más de una treintena de obras de grandes autores, de teatro, televisión y cine, han definido a Rebecca Marder, como una actriz, cuyos personajes interpreta, provocan en el espectador profundas e inolvidables vivencias, sensaciones y emociones, caso del filme Simone, la mujer del siglo… 

 Francisco Montero.

 

 LA MATERNAL 

-Cartel del film-

 Oportunamente, en estos cruciales momentos de plena efervescencia de confrontación política por la controvertida ley feminista del “solo sí es sí”, se ha estrenado en España el filme La maternal de la cineasta zaragozana Pilar Palomero. 

 Aunque La maternal no es un filme político ni ideológico, sí que aborda desde una original perspectiva feminista el tema de la maternidad de la mujer en la adolescencia. 

 Su directora Pilar Palomeno, viene precedida del extraordinario éxito obtenido con su anterior ópera prima, Las niñas, Premio Goya, entre otros importantes reconocimientos, a la Mejor Película en 2020, reseñada en este blog el 17 de septiembre de citado año. 

 Entre las imnumerables nominaciones y premios obtenidos por el filme Las niñas, además de los premios Goya a Mejor Película, Guión, Dirección Novel y Fotografía, recordamos: Premio Feroz de la Asociación de Informadores Cinematográficos de España, Biznaga de Oro del Festival de Málaga, nominaciones a los Premios Ariel y Premios Platino de Mejor Película Iberoamericana… 

 Con el filme La maternal Pilar Palomero supera el alto nivel narrativo alcanzado con su anterior filme Las niñas. La historia de “la rebelde y contestataria adolescente Carla, aún niña, que queda embarazada a los catorce años, para cuya situación psicólogica no está preparada y es internada por una trabajadora social en el centro de acogida La Maternal”, es tratada desde un planteamiento muy introspectivo y reflexivo, sin cuestionamientos ideológicos, éticos o morales, y acaso, bastante diferente a como se hubiese resuelto desde las ideas imperantes del feminismo actual… 

 Su aproximación al cine humanista, psicológico y sociológico del universo bergmaniano, del gran maestro, realizador de cine y autor teatral sueco, Ingmar Bergman, definen a Pilar Palomero como una de las cineastas más interesantes del actual cine español y europeo. 

Pilar Palomero, guionista y directora de La maternal.

 La maternal, entre el cine argumental de ficción y el documental verista, impresiona por la naturalidad y el realismo con los que las adolescentes madres acogidas, en el centro donde transcurre la historia del filme, exponen sus vivencias y experiencias… 

 Declara Palomero que para la elaboración del guión de La maternal -cuya idea original se debe a la productora ejecutiva de sus dos filmes, Valérie Delpierre-, la cineasta visitó y se documentó en distintos centros de acogida de madres adolescentes de Barcelona. De ahí el extraordinario realismo del filme. De hecho Carol, educadora de uno de esos centros, colaboró en el guión, y al igual que algunas de las adolescente acogidas en ellos se interpretaron a sí mismas en la filmación. 

 Diferenciandose de su primer filme Las niñas, y de los filmes de las realizadoras del Nuevo Cine Feminista Español -realizado por directoras jóvenes que suelen relatar sus historias basadas en sus propias experiencias personales-, Palomero, como ella testimonia, ha realizado La maternal, tras un minucioso trabajo de investigación sobre casos reales de madres adolescentes, aún niñas, y para cuya maternidad forzada no están preparadas ni psicológica ni mentalmente… 

 Asimismo, un laborioso casting entre numerosas chicas entrevistadas, no profesionales del cine, llevaría a Palomero al descubrimiento de su protagonista Carla Quílez, resultando su difícil interpretación del personaje todo un acierto. 

 La interpretación del Carla Quílez -relevante valor del filme, por el que ha obtenido importantes reconocimientos-, como las interpretaciones del reparto en su anterior filme Las niñas, han denotado a la directora como excelente descubridora de talentos… 

Carla Quílez, protagonista de La maternal.

 Carla Quílez -quien en su papel de protagonista en el filme también se llama Carla-, fue descubierta en Instagram, y ha sido la actriz más joven en conseguir la Concha de Plata a la Mejor Interpretación en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2022. 

 Nuevamente Pilar Palomero, con este filme, ha sido nominada a los Premios Goya, como Mejor Película, Direccción y Actriz de reparto -por la interpretación de Angela Cervantes-, siendo también nominada a los premios Feroz de Mejor Dirección e Intrpretaciones, de Quílez y Cervantes. 

 Quílez en el Festival de San Sebastián, emocionó al público al dedicar el Premio conseguido “a su madre y a todas las mujeres guerreras y luchadoras…” 

 La maternal, se ha situado, hasta hoy, en el puesto 17 del top de películas de 2022, y en el 71 de entre los mejores filmes del cine español reciente, por lo que su visionado es de especial interés… 

 Palomero, afirma que La maternal no es sólo un filme acerca de la maternidad adolescente, sino también sobre la valentía, la fortaleza, la superación, el miedo al abandono, la soledad, la desprotección de las chicas embarazadas, y la incomunicación… 

 En el filme quedan muy patentes los problemas de incomunicación personal, familiar y social -tema tan propio del cine bergmaniano, en el que incide con rigor Palomero-, atrayendo la atención de los espectadores… 

 Destaca en el filme la incomunicación y el hosco enfrentamiento familiar de Carla con su madre, Penélope, que provocan el distanciamiento y el silencio antre ambas; tema muy habitual hoy entre las familias en situaciones de exclusión social… 

Expresivo fotograma de la incomunicación entre Carla y su madre Penélope.

 De hecho, en la historia del filme, Carla siente el miedo al abandono, la soledad y la desprotección de su amigo Efraín -adolescente, supuesto padre del hijo de la joven-, al que ella, valientemente, defendió en una pelea entre rivales del futbol, pero luego no se interesó por ella… 

 Carla, con fortaleza, parece superarlo todo, excepto que el hijo nacido, persistentemente llorando cuando ella estresada lo coge, no la quiera… 

 En el buen cine, las elipsis u omisiones de pasajes que se sugieren, suelen ser más expresivos que los que se presentan; es el caso de la sugerente narración de Pilar Palomero en La maternal. 

 En definitiva, un emotivo, sugerente y sugestivo filme reflexivo, de sumo interés para padres y educadores implicados en la formación sexual y emocional en la adolescencia. 

 Francisco Montero.

 

JOKER 

       -Cartel del film-

  Acaso con motivo de la celebración de la fiesta de Halloween -hoy “Fiesta del disfraz”-, se ha reestrenado en los cines de media España el éxitoso filme Joker, que figura entre los mejores filmes de los últimos años en el programa cinematográfico de la cadena de Televisión Home Box Office, HBO, de la distribuidora Warner Bros. 

 Las actuales fiestas diversivas de Halloween, fiestas de vísperas de las de Difuntos, de ancestral reminicescencia cristiana, son ahora fiestas de los espíritus o fantasmas, del disfraz y la máscara, o lo que es igual sobre las apariencias, o la doble personalidad oculta que puede tener todo el mundo… 

 Sobre esta interesante e intrigante temática, el director Todd Philps, ha llevado a la pantalla un inquietante filme que, de alguna manera, es también, entre otros, sobre el universal tema humanista, mitológico, filosófico, psicológico y social de Sísifo: “Cuanto más alto se sube, mas dura y estrepitosa es la caída”… 

 El tema de Joker -en ingles, payaso, clown, guasón…- inevitablemente, nos rememora: la emotiva ópera Pagliacci de Ruggero Leoncavallo, el genial filme Los clowns de Federico Fellini, o el magistral filme El rey de la comedia de Martín Scorsese, protagonizado por Robert De Niro, actor que también figura, junto al protagonista Joaquin Phoenix, en el reparto del filme que se reseña… 

 Joker nos recuerda también al inolvidable Charlot “el Vagabundo”, al que éste filme rinde sentido homenaje...

 No obstante, el filme se basa e inspira, recientemente, en el personaje de cómic Batman u “Hombre murciélago”, justiciero, disfrazado, de identidad secreta, popularizado por la Editorial DC Cómics y llevado a la gran pantalla como Superman o “superhéroe”… 

 Basándose en citados referentes anteriores acerca del superhéroe justiciero, en este caso un contradictorio personaje, un payaso aquejado por un trastorno mental, el cineasta Todd Philips, ha realizado su espectacular y exitoso filme Joker… 

Todd Philips, director de Joker.

 El veterano cineasta Todd Philips, como reza su historial, es un productor, guionista, director y actor estadounidense, de religión judía, dato importante para entender su filme Joker, por el cuestionamiento moral que efectúa en su protagonista -en el ser humano-, del bien y del mal… 

 Como tantos genios independientes, no llegó a guaduarse oficialmente en la Escuela de Cine de Nueva Yor NYC , porque prefirió dedicarse a la promoción de su primer polémico documental Hated: GG Allin -sobre el controvertido cantante punk, llamado al nacer Jesús Cristo Allin-. 

 El indómito Philips, sería también uno de los creadores del polémico Festival de Cine Subterráneo de Nueva York; referente característico de la personalidad de éste cineasta… 

 El polifacético Philips, en sus diferentes trabajos cinematográficos ha intervenido en una veintena de filmes, poco conocidos en España, pero muy reconocidos y nominados para los importantes premios cinematograficos estadounidenses y europeos como: Globo de Oro, Crítica Cinematográfica, Óscar, y BAFTA de la Academia Britanica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión y Festival Internacional de Cine de Venecia. 

 Entre sus filmes más conocidos destacan: Old School -Aquellas juergas universitarias, 2003- , Starsky & Hutch -Policía y Detective, 2004-, The hangover -Resacón en Las Vegas, saga de 2009, 2011 y 2013-, o Joker -Payaso-, 2019. 

 Entre premios y reconocimientos, el polémico filme Joker, obtuvo en 2019 más de una veintena de galardones cinematográficos, entre los que se citan: Globo de Oro, Óscar, Instituto del Cine de America, Asociación de Críticos de San Francisco, Chicago y Boston, BAFTA de Inglaterra, León de Oro de Venecia y David de Donatello de la Academia de Cine de Italia; siendo la mayoría de ellos a su protagonista Joaquin Phoenix, a su guion de Tood Philips y Scott Silver y a su sugestiva música de Hildur Guiönadóttir… 

Joaquín Phoenix, protagonista del justiciero "Batman" de Joker.

  Joker es una película de actor, en la que su protagonista Joaquín Phoenix es la alucinante estrella del universo discursivo del filme. Su humanista historia: “un pobre payaso, un hombre bueno que cuida a su madre enferma y cuya única ambición de subir muy alto es hacer reir a la gente, a la sociedad, cuyas violencias y acosos le transforman en un rebelde, un delincuente, un malvado, un loco…”; es impresionante, sobrecogedora… 

 Social y psicológicamente, es notorio -las absurdas guerras inhumanas de hoy, lo manifiestan-: las violencias, los acosos, los acorralamientos, los crueles derribos, trastornan y transforman al hombre en rebelde justiciero y vengativo animal… Es la reiterada historia de la humanidad, del halloweeniano Batman y la de Joker. 

 El payaso Arthur Fleck de la tragicomedia Joker, acaso de herencia, padece síndrome pseudobulbar, enfermedad cuyos episodios repentinos de risa descontrolada, le abocan a ser un personaje cómico con disfraz de guasón y burlón, socialmente irritante… 

 El actor Joaquin Phoenix, nacido en Puerto Rico, de ascendencia irlandesa y judía húngara, desde niño estuvo influenciado por el trabajo de su madre -secretaria-, en la cadena de televisón NBC. En su impresionante historial como productor, director y actor -que requeriría todo un libro-, se reseña haber trabajado en más de cincuenta filmes con los que ha obtenido, entre nominaciones y premios más de veinte reconocimientos y galadones en festivales nacionales e internacionales: Globos de Oro, Óscar, BAFTA, del Sindicato de Actores, EEUU. Venecia, Cannes… 

Su genial y magistral interpretación del personaje payaso loco Arthur Fleck en Joker, ha sido considerada como la mayor atracción del filme… 

 El guión de su polifacético director Tood Philips y del guionista Scott Silver, es muy rico y diverso en ideas y temas, tanto actuales y realistas, como ancestrales y mitológicos: desde la ficción del cómic y los trastornos mentales en la sociedad de hoy, hasta los mitos universales de la cultura clásica, el filme Joker, deslumbra al más exigente de los espectadores, con su expresionista y un tanto abigarrada narración… 

Fotograma de expresiva escena musical y metafórica sobre el mito de Sísifo.

 La sugestiva música del filme, es obra de la compositora y chelista islandesa Hildur Giönadóttir, quien considera que la música en general tiene una importante función social sensibilizadora. motivadora y educadora. Guiönadóttir, como compositora o intréprete ha trabajado en una veintena de filmes para cine y televisión, habiendo obtenido además de los cinematográficos, varios Premios Grammy musicales. 

 La música de Joker, subrayando la expresividad de las imágenes, desde la comedia a la tragedia, contribuye decisivamente al sobrecogimiento del espectador. 

 Joker tras su disfraz de payaso, como Halloween tras sus festivos disfraces, o como el ludólogo, musicólogo y educador social cubano Pedro Juan Fulleda afirma, y que confirma la elocuente y minuciosa escritora cordobesa-canaria Guayarmina Pedraza, en su multicultural, musicalizada y preciosa novela de idealismo mágico realista, Cayena Pura -de gran interés para ser llevada al cine-, nos hacen reflexionar humanistamente acerca del sabio y difundido adagio: “De músico, poeta y loco”, todos tenemos un poco… 

 Francisco Montero.

 

LOURDES 

-Cartel del film.-

  El género de Cine Religioso, a medida que ha ido decreciendo mundialmente la religiosidad popular, ha disminuido su presencia en las pantallas… 

 La desaparición de sus grandes maestros, como Carl Theodor Dreyer (Dinamarca), Robert Bresson (Francia), e Ingmar Bergman (Suecia), admirados por los cinéfilos de todo el mundo, ha contribuido también a su paulatina disminución como cine humanista de calidad intelectual. 

 No obstante, el difundido y conocido tema de humanismo religioso, espiritual y social de Lourdes, motivado por la multitudinaria peregrinación a esta ciudad del Alto Pirineo de Francia, como fenómeno de interés mundial, ha sido y prosigue siendo tratado por el cine… 

 Entre los numerosos filmes de ficción que se han realizado sobre el tema humanista de Lourdes, son destacables los exitosos: La canción de Bernardette de Henry King (1943), Bernadette de Jean Delannoy (1988), Lourdes de Lodovico Gasparini (2000), Lourdes de Jessica Hausner (2009)… 

 Siendo hoy, un documental sobre el tema, muy verista y realista, como es el filme Lourdes de Tierry Demaizière y Alban Teurlai (2019), el que, sin ninguna ficción, tras ser nominado a los prestigiosos Premios Cinematográficos César de Francia (2020), nos llega precedido del extraordinario éxito de crítica y publico que ha tenido en ese país… 

 Los autores del documental, el periodista de televisión Demaizière y el realizador de cortometrajes Teurlai, han declarado que: “si fueramos creyentes no hubieramos visto todo lo que hemos visto…”; por lo que su filme no está tamizado por el filtro de la religiosidad, ni de la fe, sino por un extraordinario humanismo, atento a los valores humanos… 

 “Nuestra película es más un filme sobre la condición humana que sobre la religión…” -han confirmado-; por lo que interesa tanto a creyentes, como a no creyentes, agnósticos o ateos… 

Tierry Demaizière y Alban Teurlai, autores de Lourdes.

  Tierry Demaizière es un prestigioso periodista de radio y televisión francés que ha venido colaborando con el director de fotografía Alban Teurlai, en la realización de reportajes audiovisuales sobre personajes célebres muy diversos… 

 Entre ellos: el del diseñador de moda alemán Karl Lagerfeld, famoso por sus trabajos para la Casa Chanel de París; los videos reportajes sobre bailarines de fama internacional, de la popular serie Move de Netflix; o el documental Relève, también sobre la danza en París… 

 Su documental, posterior a Lourdes, sobre jóvenes bailarines que desean hacerse profesionales, Allons enfants (2022), aún no es conocido en España. 

 Anteriormente a su nominación a los Premios César del Cine en Francia, Lourdes, fue presentado con éxito en HOT DOCS, el Festival Internacional de Cine Documental de Canadá, acaso el más importante del mundo; y, posteriormente, en el DOCVILLE (2021), Festival Internacional de Cine Documental de Bélgica, lo que refrenda el éxito y la popularidad del filme, obtenidas en Francia, donde ha superado records de taquillas. 

 Aseguran sus realizadores que, aunque no son personas religiosas, se han sentido sobrecogidos por la multitudinaria cifra de peregrinaciones anuales a Lourdes y el insólito numero de sanaciones de enfermedades que se han producido en el lugar… 

 Por lo que han tratado el tema, como hemos apuntado, con toda sinceridad, verismo y realismo, siendo para ellos un milagro cotidiano la humanidad natural, cariño y alegría, con que la congregación de hospitalarios del lugar, acoge a los peregrinos enfermos, muchos de ellos desahuciados y abandonados por la sociedad… 

Fotograma del filme, en que un enfermo que no puede hablar, se comunica señalando letras en el papel.

  En el filme Lourdes, se tratan no sólo numerosas enfermedades sobrecogedoras, físicas incurables, o en situación terminal, sino también trastornos y enfermedades psíquicas angustiantes y difíciles de sobrellevar… 

 Se trata el sensible tema de un travestí con cuerpo de hombre y psique de mujer que sufre insoportablemente su controvertida personalidad… 

 La terrible situación social de prostitutas que desean y no pueden escapar de su miserable situación de infortunio y necesidad… 

 Se tratan casos de enfermos impedidos, tetrapléjicos, a los que se ha de poner el alimento en la boca, lavar con pequeñas gruas o artilugios o, incluso, poner un pitillo en los labios… ; es decir, una humanidad incapacitada y necesitada para lo más mínima función normal, de la ayuda de los demás. 

 Y todo ello, con un espíritu de superación, altruismo y optimismo que, entendemos, alivia o ayuda a sanar sus dolencias a los peregrinos que acuden a Lourdes… 

 Pequeños milagros o misterios naturales invisibles, pero que han captado con su sensibilidad los realizadores del filme y sus cámaras, para sorprender a los espectadores con la emotiva fragilidad humana que se expone. 

 En declaraciones a los medios de comunicación han manifestado Demaiziète y Teurlai que, en ningún momento de la filmación, ni los enfermos ni sus acompañantes se han opuesto a que las cámaras captaran, hasta situaciones muy íntimas, por lo que el documental se ha realizado con absoluta libertad; incluso filmándose las presencia de pequeños peregrinos, como es el caso de un padre creyente y un menor que acuden a Lourdes a pedir por un hermanito en cuidados paliativos… 

Expresivo fotograma de la religiosidad en el filme.

 Aunque sus realizadores aseguren que no se propusieron efectuar un documental propio del cine religioso, como la religiosidad y la fe se encuentran tan presentes en el lugar, el filme, indudablemente, había de tener también ese carácter. 

 Al igual que sus autores, han confesado, se sintieron atrapados y sobrecogidos por la elocuencia espectacular de impresionantes situaciones de extremada espiritualidad y humanidad, éstas las han trasladado tan fielmente, que así ocurre a los espectadores, reiteramos, creyentes y no creyentes, que visionan el documental. 

 No todo se puede confiar solamente a la ciencia y la razón. Queda claro que filmes como Lourdes, con sus ejemplos de solidaridad, pueden motivar actitudes humanas positivas de espiritualidad y de fe, con las que una vida, mil vidas, millones de vidas, un mundo mejor sean posibles…

 Francisco Montero.

 

LA INOCENCIA 

   -Cartel del film-

 La inocencia es un filme perpicaz y muy interesante, de temática juvenil, coincidente con la de Ali, reseñado anteriormente, y que también figura en el programa estival “Somos Cine” de Televisión Española -pudiendo revisionarse ahora, en internet, gratuito-. 

 Dirigido por la joven cineasta valenciana Lucía Alemany, formada en la Ecuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña ESCAC, reune la mayoría de las características del “Nuevo Cine Catalán” -véase nuestra reseña de La voluntaria (junio, 2022)-, por lo que puede inscribirse en ese movimiento de nuevas realizadoras. 

 Es el debut en el largometraje de ficción de su valiente directora que, según sus declaraciones, tiene mucho de autobiográfico, en su temática de embarazo adolescente juvenil, por lo que su historia y narración, sin ser documental, cuenta con un extraordinario verismo y realismo… 

 Antes de La inocencia, Lucia Alemany, como guionista, directora y productora, sólo había realizado el corto 14 años y un día, con el que fue reconocida como prometedora cineasta… 

 El filme, La inocencia, de reciente realización, se rodó en 2019, en el pueblo de Traiguera (Castellón, Bajo Maestrazgo de la Comunidad Valenciana), donde se crió Alemany y desarrolló, con la oposición de sus padres su pasión por el mundo del circo, pretendiendo ser artista circense… 

 Esa pasión y ensoñación artística por el difícil mundo circense y la oposición familiar, le harían desarrollarse y pasar su obstinada adolescencia personal en un ambiente opresivo y de persistente conflicto… 

 Finalmente, Lucía Alemany, no recalaría en el mundo del circo, pero sí en el del séptimo arte fellinesco, del célebre genio neorrealista italiano Federico Fellini, para quien el circo en el cine era un metafórico reflejo del mundo… 

Lucía Alemany, guionista y directora de La inocencia.

 Cuando estudiaba cine, un profesor había aconsejado a Lucía: “Hablad de lo que conozcáis mejor que nadie, eso hará vuestro trabajo diferente, de interés…” 

 Y parece ser, que, Lucía Alemany aceptó esa orientación: nadie mejor que ella podía conocer sus propias vivencias y experiencias juveniles, en su pueblo, entre sus gentes; siendo ésta la clave del éxito de su filme realista… 

 Muchos cineastas, guionistas y realizadores/as principiantes, tratan temas que no conocen en profundidad, resultando sus óperas primas farragosas, indiferentes, de escaso interés para los cinéfilos y para el público en general, no siendo éste el caso del original filme La inocencia de Alemany, sobre cuya temática se habian realizado ya numerosos trabajos -Inocencia, La edad de la inocencia, El fin de la inocencia…- 

 Además de los ricos conocimientos que podían aportar los numerosos filmes anteriormente realizados sobre el tema de las vivencias y sentimiemtos en la adolescencia femenina -alguno de ellos muy notable, caso del magistral y multipremiado La edad de la inocencia de Martin Scorsese, interpretado por Winona Ryder-, el filme de Alemany cuenta también con una joven coguionista de excepción como es la catalana Laia Soler Aragonés -a quien no debemos confundir con la escritora Laia soler Torrente-… 

 La licenciada en periodismo y cinematografía en la especialidad de guión, Laia Soler Aragonés -quien dice humorísticamente en su curriculum que escribe “con los pies en el aire y la cabeza en el suelo”, cuenta con un impresionante historial como guionista y profesora de guión, por lo que, a su cercana edad juvenil, suma sus ricas experiencias profesionales, de las que resulta un trabajo pleno de autenticidad y realismo en La inocencia… 

 Autenticidad y realismo del filme, muy rico en matices vivenciales y situacionales contradictorios, de la protagonista que aspira a artista de circo frente a la tajante oposición familiar, subrayados con una expresiva y luminosa fotografía… 

Expresivo fotograma del filme La inocencia.

 La fotografía de La inocencia, obra del joven fotógrafo Joan Bordera -formado en la ESCAC de Cataluña-, cuenta con una espléndida planificación de tomas generales descriptivass y muy rica en primeros y primerisímos planos introspectivos que nos identifican y familiarizan emocionalmente con los más pequeños gestos y expresiones de las vivencia, pensamientos y sentimientos de sus protagonistas… 

 Joan Bordera, es director de fotografía cinematográfica en Reino Unido y España, en los diversificados filmes: Guía de supervivencia de un comediante (Reino Unido, 2016), Por amor o por dinero (Reino Unido, 2019), La inocencia (España, 2019), Nosotros no nos mataremos con pistolas (España, 2022)… 

 No obstante, de los múltiples valores literarios, técnicos y artísticos, con que cuenta el filme acaso el más relevante sea el de la realista interpretación de sus protagonistas femeninas: Carmen Arrufat -la joven Lis- y Laia Marull -madre de la joven-… 

 Por sus interpretaciones, el filme fue nominado en 2019 a los premios: Goya, Mejor Actriz Revelación, y Gaudí y Feroz, Mejor Actriz de Reparto; determinando a Lucía Alemany como excelente cazatalentos y directora de actores… 

 La joven actriz castellonense Carmen Arrufat, por su emotiva y verista interpretación en La inocencia, fue nominada, además, como Actríz Revelación a la Medalla del Círculo de Escitores Cinematográficos y ganadora del premio Ha Nacido una Estrella de Días de Cine. 

Carmen Arrufat y Laia Marull, protagonistas de La inocencia.

 Laia Marull es una veterana actriz catalana de cine, televisión y teatro, que cuenta en su historial con más de veinte interpretaciones en largometrajes cinematográficos y más de una veintena de papeles en cortos, televisión y teatro. Se formó en la Escuela de Arte Dramático Nancy Tuñón y estudió también canto y danza. Aunque, según sus palabras, su mejores conocimientos y experiencias los ha obtenido en los escenarios. Entre sus filmes y reconocimientos destacan los títulos: Fugitivas (2000), por el que obtuvo el Premio Goya de Mejor Actríz Revelación; Te doy mis ojos (2003), Goya a la Mejor Protagonista Femenina y Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos como Mejor Actríz; Pan Negro (2010), Goya de la Academia de las Ciencias y Artes Cinematográficas de España, como Mejor Actriz de Reparto… 

 En resumen, La inocencia es un aparentemente sencillo, pero complejo filme, que trata sutilmente y nos hace reflexionar sobre numerosas temáticas juveniles de hoy: relaciones familiares, enamoramiento, sexualidad, embarazo no deseado, la culpa y el perdón, la comprensión maternal… 

 Francisco Montero.