Vivir la infancia, la juventud, la madurez, la senectud, la vida… 

 VIVIR LA TIERRA 

-Cartel del film.-

 Vivir la tierra, es un metafórico y paradigmático filme, que igual podría tomar su título de vivir y cuidar las estaciones de la tierra o de la vida: infancia, juventud, madurez, senectud…

 Aunque en una lectura denotativa del filme, pudiera parecer que se trata de una historia funesta, triste y de desgracias acerca de la vida de una familia y sociedad campesina, muy humilde y modesta y muy vinculada a la tierra y a sus ciclos estacionales de primavera, verano, otoño e invierno, Vivir la tierra, es también un regocijante filme que repara profundamente en los pequeños grandes gozos, de alegrías y júbilos de esos clanes familiares y sociales en sus sacrificadas vidas, a lo largo de las sucesivas etapas de su vida, desde la infancia hasta la senectud. 

 Su historia está ambientada en 1991, dos años después de la famosa Revuelta de Tiananmén, en la que el pueblo, en su mayoría estudiantes, fue duramente represaliado por el gobierno de la República Popular China. Tras citada Revuelta, el filme de Huo Meng, Vivir la tierra, sin delatar políticamente ese suceso, trata con minuciosidad los principales cambios sociales, culturales y económicos, vivenciales, que se produjeron en aquella ancestral sociedad campesina, vinculada a la tierra, que iniciaba entonces una acentuada Revolución Industrial. 

 En unos momentos críticos en que España y parte de Europa, están siendo asoladas por terribles incendios, producidos entre otros criterios por la dejadez y abandono en que se encuentran el mundo rural y muchas de sus tierras -tierras vaciadas de gentes, de pastoreo ganadero y de procedimientos de mantenimiento y limpieza adecuados-, llega a nuestras pantallas el filme metafórico de Huo Meng, sobre sacrificadas y resignadas gentes que sí vivían la tierra. 

 Mundialmente, el abandono de la vida en los espacios rurales y el progesivo crecimiento social en grandes urbes, junto a la dejadez de medios de vida tradicionales en el sector primario de la agricultura, para incorporarse a los más atrayentes medios industriales y tecnológicos, es la contundente realidad que evoca el reflexivo y paradigmárico filme de Huo Meng, Vivir la tierra. 

 En el epílogo de textos con que finaliza el filme, Huo Meng relata que su historia, ambientada en los inicios de la década de 1990, está dedicada a sus infancia y a los seres queridos de su localidad natal, en la que “A medida que el estilo vida trdicional se desvanecía gradualmente, fui testigo de su existencia basada en su economía de subsistencia, cuyo recuerdo atesorare para siempre”. 

Huo Meng, director de Vivir la tierra, Premio Oso de Plata en Berlin.

 El guionista, director y productor de cine, Huo Meng, autor de Vivir la tierra, natural de Zhoukou, Condado de Taikang (1954), se graduó en Derecho, en la prestigiosa Universidad de Comunicación de China, cuyo centro cuenta también con Facultades e Institutos de Radio, Televisión y Cine y Escuela de Formación de Talentos, entre otros numerosos estudios. 

 Antes de su filme más conocido internacionalmente, Vivir la tierra (1925) -también titulado Vivir la vida y El viento es imparable-, Meng ha realizado otros tres largometrajes: Mis amigos inseparables (2015), Cruzando la frontera de Zkaoguan (2018), Nuestros cuarenta años (2019) y dos cortometrajes Casa Nueva y Los buscadores de luz (2020), entre otros cortos. 

 Además del destacado Oso de Plata de la Berlinale y los prestigiosos Premios Gallos de Oro del Cine Chino -equivalentes a los Oscars de Hollywood- Huo Meng, ha sido también reconocido con el Premio al Mejor Director de Cine en el Festival Internacioal de Cine de Pingyao (China), entre otros; siendo selecionado su filme Vivir la tierra, para la Sección Oficial de la SEMINCI de Valladolid (2025). 

 Temáticamente, los filmes del guionista y realizador Huo Meng, son extraordinariamente ricos en ideas y argumentos, reiterándose a su vez en ellos, diversas temáticas como: la vida familiar, sus diferentes etapas personales, las circunstancias estacionales del tiempo… 

 En su estilo, aunque Vivir la tierra es un film de ficción, buena parte de sus planteamientos siguen las claves propias del documental, como son realismo y verismo, con los que su narración adquiere matices historiográficos acerca de la sociedad y la época, resultando su relato sumamente creible. 

 Pese a no ser un filme de denuncia política, no obstante, dado su realismo y verismo social de la época, Vivir la tierra nos induce a la reflexión sobre los controles, intervencionismos e injerencias requisitorias del Gobierno de la Republica, del partido comunista del momento, en la vida de los ciudadanos: registro censal de familias, planificación familiar e intromisión en la intimidad de la mujer, intervencionismo económico, requisos en las cosechas…; ejercidos por el Comité de Aldea y Secretario del Partido. 

Significativo fotograma del sórdido censo, registro de familias y planificación familiar en el filme.

  Vivir la tierra es un prototípico filme del escasamente estudiado Neorrealismo Chino, que trata con exhaustiva minuciosidad acontecimientos y hechos que pudiera parecer carecen de importancia, pero en su contexto social y familiar sí la tienen la mayoría de sus secuencias… 

 Sin el menor atisbo lúgubre, el hecho de enterrar juntos a familiares allegados, en medio de un campo de trigo -al que Huo Meng dedica toda una minuciosa secuencia-, tiene un simbólico y sugerente sentido costumbrista de trascendencia espiritual, humanista y de fertilidad. El niño de diez años Xu Chuang -protagonizado por el actor Wang Shang-, que va a la escuela, estudia y lee, explicará a su bisabuela analfabeta que “las bacterias de los cuerpos se esparcirán por la tierra acrecentando su fecundidad…” 

 En otra minuciosa secuencia, en un descanso para el almuerzo, de la calurosa y agobiante tarea manual de la siega, para la pobrísima familia, tomarse unos polos helados, será un gratificante refrigerio y festiva celebración, un poético “regalo celestial…”; aunque los polos para todos los había adquirido en las afueras del pueblo la generosa joven casadera de la familia Li Xiuying, tía de Chuang -cuyo papel interpreta la actriz Zang Chuwen-. 

 La compleja técnica del claro-oscuro en las bellas artes de la imagen, pintura y cine, -cuya teoría definió el pintor Cennino Cennini en su Libro del Arte, a finales del siglo XIV-, tiene especial importancia en el filme Vivir la tierra, por su valor metafórico y narrativo; no sólo para expresar la sórdida oscuridad de un viejo mundo que muere y la luminosidad de otro nuevo que nace, sino también para acentuar el contraste dramático de una sociedad en profundo trance de transformación… 

 El cartel del film expresa significativamente ese contraste y dramatismo, entre el nuevo mundo que nace, con el niño leyendo en primer plano, y la bisabuela analfabeta, en el plano de atrás: lo aclara y precisa Huo Meng en el epílogo textual del filme cuando escribe “Esta película está dedicada a mi infancia”. 

 Aunque el filme pueda resultar algo sórdido por la mayoría de sus planos oscuros, referentes al viejo mundo que desaparece, contrasta y cobra alegría con la luminosa y esperanzadora poesía del nuevo mundo que nace, representada, por ejemplo, en la bella secuencia de los personajes protagonistas Chuang y Xiuying en el verde trigal… 

En Vivir la tierra, la escenografía y el paisaje tienen categoría de protagonistas. 

Expresivo y bello fotograma sobre el nuevo y esperanzador mundo de Vivir la tierra.

 Aunque la mujer en la China tradicional vivió sometida al imperante régimen patriarcal confucianista del varón: padres, esposos e hijos, con la Revolución Cultural del país, cambió su protagonismo; lo que trata Huo Meng con especial atención -y acaso rindiéndole singular homenaje- en Vivir la tierra… 

 -No obstante lo narrado en el filme acerca de la persistencia de las tradiciones y costumbres en la zonas rurales más atrasadas del país, como indica la historia, citada Revolución Cultural China, en las décadas de 1960 y 1970, ya fue cambiando el papel social de la mujer que adquirió mayor igualdad, protagonismo y liderazgo en las decisiones familiares y en el trabajo; lo que el político y filosofo Mao Tse-Tung o Mao Zedong popularizaría en el proverbio “Las mujeres sostienen la mitad del cielo”… 

 En conclusión, Vivir la tierra es un sugestivo filme de interés universal para el conocimiento del pasado, pero que abre puertas para el entendimiento del presente y acaso del futuro… 

 Francisco Montero.

 

Un futuro mejor… 

 VIAJE AL PAÍS DE LOS BLANCOS

-Cartel del film-.

 Al igual que el cine es tantas veces una fábrica de sueños, es obvio, el sueño de todo ser humano -sea amarillo, blanco o negro…- es anhelar, soñar, prepararse y luchar por un futuro mejor… 

 Es el caso onírico y real, poético y realista, del niño ghanés analfabeto Ousman Umar, cuyo sueño estelar, desde que contempló un grandioso e impresionante pájaro metálico, un avión, volar en las alturas, sobre el cielo de su atrasada aldea lugareña africana de Fiaso. 

 Aquel impresionante artefacto volador, acaso obra de gigantes, de superhombres avanzados, -según su padre, chamán del lugar-, le provocó un ambicioso sueño, un realista e irresistible anhelo infantil y juvenil: su gran aventura de futuro, convertirse en uno de esos superhombres, superestrellas, dioses, que podían, a plena luz del día volar por las alturas del cielo, sin caer a tierra como los juguetes que él lanzaba, viajar… 

 Es la historia, el crudo tema real, pero emotivo y entrañable, que trata el libro autobiográfico Viaje al país de los blancos, del propio Ousman Umar, y el filme homónimo del joven cineasta Dani Sancho, basado en ese relato. 

 El interesante y realista libro autobiográfico Viaje al país de los blancos, de Ousman Umar, narra la epopeya de un adolescente que, durante cuatro penosos años, en cuya trayectoria murieron muchos de sus compañeros, se jugó la vida hasta llegar a Barcelona, cuyo nombre escuchado en televisión en una partido del Barça le orientó al destino de su sueño. 

 Aquel niño de cuerpo pequeño que le permitía introducirse en angostos artilugios mecánicos, de escasa formación y conocimientos, inicialmente se ganó la vida como soldador de chapas, en la capital de Ghana, Accra, por el mísero salario de un puñado de arroz diario. 

 Tras una larga y angustiosa travesía en el desierto del Sahara de más de medio mes, en el que al quedar sin agua ni comida, milagrosamente por el hallazgo de la cantimplora de un fallecido, estuvo también a punto de desfallecer, llegó a Libia, donde, según Usmar “la vida de un perro tenía más valor que la de un inmigrante negro”,,, 

 Tras esos cuatro difíciles años de sacrificios y duros trabajos, hasta conseguir el dinero que le exigían las mafias para embarcarse en patera, naufraga, y exhausto, es rescatado por la Cruz Roja; por fin ha llegado a Fuerteventura, donde empieza a hacerse realidad su sueño de viaje al país de los blancos, su tierra prometida… 

Ousman Umar y su libro.

 Atraido por el nombre de Barça, sin saber nada de Barcelona, sólo que allí hay un gran equipo de futbol, Ousman se dirige a la ciudad. Con un pasaje de viaje, un bocadillo, un plátano isleño y una botella de agua que le dieron -como relata-, Umar, duerme en un banco y al despertar de su sueño real, desconcertado y desorientado se encuentra con dos desconocidos ángeles y un cielo abierto: Monserrat Roura y Eva, quienes le indican la dirección de la Cruz Roja… 

 En ese cielo abierto, el inteligente y despabilado Ousman, estudia catalán y español, cursa bachillerato, llega a la Universidad -que tiene que dejar por no poder pagarse los estudios con su sueldo de mecánico de bicicletas- y estudia Relaciones Públicas y Marketing, un máster en Dirección y Gestión de Ongs y funda NASCO Fedding Minds, para ayudar a inmigrantes… 

 Como se connota en su libro, los sueños, de perseguirse con esfuerzo, tesón y enormes sacrificios, sin esfallecer, sí son posibles… 

 En esta ocasión el prestigioso y aclamado dramaturgo y guionista de cine y televisión catalán, Guillem Clua, no lo ha tenido muy complicado. Ousman Umar le ha dado con su best seller el argumento del filme un tanto resuelto y listo al guionista y al cineasta Dani Sancho; en el que diferentes productoras de España y Francia, se han interesado por el proyecto, entre otras: A Tres Media Cine, A Contracorriente Films, Noodles… 

 Guillem Clua, Premio Nacional de Literatura Dramática, otorgado por el Ministerio de Cultura, con su característico buen hacer de guionista, ha conferido al filme el dramatismo, la vivacidad y la proximidad propias del teatro, incrementando el interés del relato realista. 

 Guillem, cuenta con un prolífico historial de una treintena de variadas obras teatrales y una decena de guiones de cine y televisión. Por el filme Los renglones torcidos de Dios, dirigido por el cineasta Oriol Paulo y basado en la novela homónima de Torcuato Luca de Tena, obtuvo la Medalla al Mejor Guión Adaptado del Círculo de Escritores Cinematográficos (2022); siendo también nominado por citado filme y guión adaptado, a los premios Goya y Gaudí. 

Guillem Clua, guionista de Viaje al país de los blancos.

  El historial de premios y reconocimientos del veterano Gillem Clua es impresionante, por lo que resulta obvio colegir que se haya elegido por el joven cineasta Dani Sancho, para guionizar su ópera prima Viaje al país de los blancos; filme que, por discurrir entre una conocida realidad social y periodística, documental -como es la de la inmigración- y su cinematográfica y teatralizada puesta en escena, conlleva ciertas dificultades de credibilidad… 

 Ya con su primera obra de teatro Invisibles (2002), Gillen Clua obtuvo el Premio de Teatro Ciudad de Alcoy, galardón que logró también por La piel en llamas (2004) y por Aldamunt dels nostres cants (El canto de la Bandera, 2017). Su obra Smiley, una historia de amor (2012), en años sucesivos obtuvo: Premio Butaca al Mejor Texto Original y al Mejor Espectáculo, Premio Time Out a la mejor Obra de Creación, Premio Queer de Teatro de Atenas y un extraordinario reconocimiento del colectivo LGBT; por su obra En el desierto (2016), Premio Max al Mejor Espectáculo; por Justicia (2020), Premio Nacional de Literatura Dramática… 

 En definitiva premios a su obra humanista, en la que se tratan siempre con especial atención y sensibilidad las claves de humanismo universal de: la razón, la libertad, la dignidad, la educación… 

 La ópera prima de Dani Sancho, Viaje al país de los blancos, es un filme humanitario y humanista, que auna las vivencias reales del inmigrante Ousman Umar con la experiencia del guionista Gillem Clua. 

 El actual filme tiene otros antecedente cinematográficos sobre el tema de la inmigración: 14 Kilómetros (2007), del realizador cordobés Gerardo Olivares, Premio Espiga de Oro en la Semana Internacional de Cine de Valladolid; y Fuego en el mar (filmado en Lampedusa en 2016), por el cineasta italiano Gianfranco Rosi, Premio Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín. 

 No obstante el actualizado y didáctico filme de Dani Sancho, acerca de la superación personal, llega a nuestras pantallas en unos oportunos momentos en los que se debaten: en España la controvertida Ley de Regularizacíón de la Inmigración, y en Europa la polémica visita del Papa León XIV a la isla de Lampedusa -principal punto de llegada de los inmigrantes africanos al continente europeo-, lo que ha contribuido al interés por el visionado de Viaje al país de los blancos. 

Ousman Umar, inmigrante, autor de la historia, y Dani Sancho, director del filme.

 Del sencillo, pero emotivo filme, que provoca la comprensión y compasión humanitaria -no sentimentaloide- hacia los inmigrantes, impresiona y destaca la enfática música de la compositora francesa de música de cine, Laetitia Pansanel-Garric, que subraya los momentos álgidos de la historia… 

 Hoy, mientras redacto estas líneas, la convincente voz del Papa León XIV, en su viaje a Lampedusa como en su reciente encíclica Magnífica Humanidad, ha sonado bien claro y fuerte: “los bienes de la tierra pertenecen a todos, sin exclusión, migrantes y no migrantes, la dignidad humana es patrimonio natural de toda persona…” 

 Y a esa clamorosa voz, se une el filme de meridiana sencillez universal Viaje al país de los blancos, de Ousman Umar y Dani Sancho, para hacernos reflexionar sobre tan claras y fuertes palabras… 

 Francisco Montero.

 

“Excepcional Humanismo

 MAGNIFICA HUMANIDAD 

 -Portada de la Encíclica.-

 En estos convulsos e inquietantes momentos planetarios noticiables de disparatados maquiavelismos, prepotencias, falacias, guerras, desastres, miserias…; afortunadamente, también tenemos con nosotros tres preciosos filmes basados en un pequeño gran libro y en su humanista autor… 

 Esos filmes son: León de Perú, Leo fron Chicago y Presentación de la Encíclica Magnifica Humanitas, basados, en citado pequeño gran libro como es la Carta Encíclica Magnífica Humanidad y en las, acaso predestinadas, vivencias de su autor Robert Francis Prevost, el actual Papa León XIV. 

 Citados expresivos e interesantes filmes documentales que, seguro interesaran, a religiosos y no religiosos, a creyentes y no creyentes, a agnósticos y ateos, de todo el mundo, han sido producidos por el departamento o Dicasterio para la Comunicación de la Santa Sede y realizados por Vatican News Media. 

 Los filmes pueden visionarse en diferentes versiones, idiomas y subtitulaciones -caso de la versión en español-, en la plataforma de internet You Tube Video. 

 Los tres filmes documentales, pletóricos de autenticidad, verismo y realismo -claves esenciales de todo fehaciente y buen documental cinematográfico o televisivo-, configuran una interesante trilogía sobre la semblanza: del joven seminarista, sacerdote misionero, obispo, cardenal y ahora Papa León XIV. 

 De citada trilogía, sin lugar a dudas, el primer documental realizado, León de Perú, es el más popular y emotivo; dado que en él se narra su carismática vocación misionera y, por tanto, sus encuentros y relaciones con las clases más populares y sencillas de Perú. 

 Poco después de su ordenación como sacerdote en 1982, fue destinado a Perú -país de misión de la Orden Agustina-, desarrollando durante más de una década una importante labor eclesial, misionera y social; siempre del lado de las gentes más vulnerables y pobres, con lo que se granjeó imnumerables afectos y admiraciones de ellas. 

 En su larga estancia en Perú, Robert Prevost, adquirió doble nacionalidad en ese país; desempeñando importantes funciones y realizando numerosas obras en las diócesis de Lima, Callao, Trujillo, Chiclayo y Chulucanas. 

 Dada su sólida formación, entre sus numerosas funciones como sacerdote y más tarde obispo, fue prior de comunidad, profesor y director de formación de los aspirantes agustinos y profesor de Derecho Canónico en el Seminario Mayor, entre otros importantes cometidos… 

 Entre sus interminables realizaciones: fundó la Parroquia de Nuestra Señora de Monserrat y la Capilla Madre de la Iglesia en la Parroquia de Santa Rita de Cascia (Trujillo). Desarrolló una importante labor de provisión de alimentos y medicinas durante el coronavirus en el barrio de Pachacútec (Callao), impulsó una solidaria y popular labor asistencial “Oxigeno de la Esperanza“ para los enfermos (Chiclayo), apoyó a las Religiosas Adoratrices en su Casa Asistencial y de Formación de trabajadoras sexuales (Lima), la creación de un Comedor Popular (Trujillo), propició la recuperación de graves estragos climáticos (Íllimo)… 

Expresiva imagen del entonces solidario obispo Prevost.

 Como se deduce de las numerosas manifestaciones de los intervinientes en el documental León de Perú, los datos fehacientes y bienintencionados acerca de la labor del padre Prevost en el país, serían interminables y rebasarían la intencionalidad del filme; por lo que éste sólo subraya las datos más significativos de su sencillez y bondad natural, su entregado carisma misionero y su cercanía e identificación con las clases más humildes, modestas y vulnerables, como principales aspectos… 

 Robert Prevost nació en Chicago (EE.UU., 1955). El documental León de Chicago, que se inicia con la llegada de un tren al suburbio de Dolton (Illinois), donde transcurrió su infancia, narra la vida familiar de Rob o Bob, por sus hermanos, Louis y John, buenos conocedores de la misma. 

 Rob y Bob, para la familia y los amigos, ya en su infancia cantó en el coro de la Parroquia de Sta. María de la Asunción, de la que fue monaguillo, estudiando luego en el Seminario Menor Agustino de Holland, obteniendo después la licenciatura en Filosofía en la Universidad Vilanova Agustiniana y la de Teología en la Catholic Theological de Chicago; desde los inicios de su formación, como hijo de San Agustín, su vocación espiritual y religiosa, se veía ya predestinada. 

 La filosofía doctrinal, patrística y humanista de San Agustín de buscar la verdad y felicidad humana, mediante la iluminación divina, sería, por tanto, clave en toda su trayectoria espiritual, religiosa y eclesial. 

Fotograma que ilustra la identificación de Robert Prevost con la obra de San Agustín.

 En síntesis, el documental León de Chicago, es un filme que nos da a conocer la evolución de la personalidad y vivencias más relevantes del Papa León XIV, narradas, principalmente, por sus hermanos Louis -militar- y John -director de escuela-. 

 Los fehacientes testimonios familiares de los hermanos, se completan con los muy próximos y amigables de: compañeros y compañeras de estudios, profesores y profesoras de los centros de formación primaria, universitaria y de teología, por los que pasó. 

 A través de esos testimonio cercanos, se nos caracteriza su personalidad: muy espiritual y religiosa desde niño -en que ya jugaba a ser sacerdote-; joven alegre, jovial, abierto, sociable y extrovertido, pero recatado y moderado; adulto de ideas, pensamientos y convicciones muy nobles, profundas y clarividentes… 

 Diversos testimonios coinciden en que era persona muy natural y humanitaria, siempre del lado de los más débiles, desfavorecidos y vulnerables; con su sólida formación y personalidad humanista, optó por los pobres y su labor de misionero, en lugar de profesor universitario… 

 Durante sus estudios teológicos, manifestó una persistente preocupación por la Justicia Social y la Doctrina Social de la Iglesia en la Historia; pensamientos que resultan muy patentes en su encíclica Magnifica Humanitas. 

 A pesar del rigor y la seriedad del documental León de Chicago, en el mismo no faltan la amenidad y el humor; se relata por un pizzero lugareño que, dado el gusto culinario del joven Bob, Robert, por sus pizzas pepperoni, tras ser elegido pontífice, creó la especial “Papa-roni”, como atractivo turístico y de comensales de su pizzería 

 Según testimonios del filme, antes de ser elegido Papa, Robert Prevost, había visitado más de cincuenta países de todo el mundo; lo que denota su universalidad y condición de Papa Viajero… 

 La acentuada preocupación por la Justicia Social Universal de León XIV, es clave para el entendimiento histórico de su nombramiento y de su Encíclica Magnifica Humanistas. Su antecesor León XIII, en su Encíclica Rerun Novarun (1891), ya manifestaba su preocupación por la dignidad del trabajo, el mundo de los trabajadores y la justicia social; continuidad que parece ser influyó en las deciciones del nuevo Papa, desde sus años sacerdotales… 

Robert Prevost -a la derecha de la imagen- en una manifestación por la Justicia Social.

 El tercer documental Presentación de la Encíclica Magnifica Humanitas, que contó con una multidudinaria asistencia religiosa y laica proveniente de todo el mundo, fue filmado en el Vaticano el pasado 25 de Mayo de 2026. 

 En el acto de interés mundial, presentado por el Cardenal Pietro Parolin -Secretario de Estado de la Santa Sede-, intervinieron autorizadas personalidades: Víctor Manuel Fernández -teólogo, biblista, profesor y escritor argentino, Prefecto del Dicasterio para la Doctrina de la Fe-; Anna Rowlands -especialista en teología política, profesora inglesa en la Universidad de Durham y colaboradora en el Dicasterio para el Servicio del Desarrollo Humano Integral-; Christopher Olah -joven canadiense, especialista en ética de la Inteligencia Artificial y cofundador de la empresa de investigación y desarrollo de IA Anthropic-; Leocadie Lushombo -escritora teresiana, teóloga y académica congoleña, profesora de ética en la Escuela Jesuita de la Universidad de Santa Clara (Berkeley, EE.UU.-; y Michael Czerny -jesuita, cardenal canadiense, Prefecto del Dicasterio para el Servicio del Desarrollo Humano Integral-; quienes apreciaron los valores de la Encíclica Magnifica Humanitas, desde sus conocimientos, vivenciass y experiencias; clausurando el acto la gratitud a los ponentes y asistentes y la Bendición de León XIV. 

 El visionado de citados documentales, para reconocer, identificarse y familiarizarse con León XIV y el excepcional humanismo de su viva obra y Encíclica, puede ser una forma ideal de darle la bienvenida a su llegada, mañana, a España… 

 Francisco Montero.

“Magistral Lección Humanista” 

 EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA 

-Cartel del film-.

 La Filmoteca Española de Andalucía -con salas en Córdoba, Granada, Sevilla y Almería-, al estar dirigida por un emprendedor creativo humanista, viene desempeñando una didáctica y destacada labor cinematográfica, no solo provincial y regional, sino también ejemplar a nivel nacional e internacional… 

 Su director Pablo García Casado, Licenciado en Derecho, es un reconocido y premiado poeta y novelista, que cuenta en su historial -entre publicaciones propias e inclusiones en antologías-, con una quincena de obras, habiendo sido reconocido con los premios: Ojo Crítico de Poesía de Radio Nacional de España (1997) y Mejor Poemario de la Crítica de la Asociación Española de Críticos Literarios (2026), entre otros. Entre sus memorables obras poéticas, destacan: Las afueras (1997), El mapa de América (2001), La cámara te quiere (2019), Cada uno es mucha gente (2025)… 

 Creatividad y emprendimiento, con los que propulsa, reiteramos, la sobresaliente y ejemplarizante labor de la Filmoteca de Andalucía, a nivel regional, nacional e internacional en el actual Panorama Cultural y Didáctico del Cine, en el que se inscribe el interesante filme oriental El cuento de la princesa Kaguya, de Isao Takahata, basado en el célebre cuento clásico de la lilteratura universal El cuento del cortador de bambú, de autor anónimo. 

 Aunque sea una remota y milenaria leyenda oriental del siglo IX, El cuento del cortador de bambú, por su moraleja y sabias enseñanzas de valores humanos, para mayores y pequeños, como ocurre con todas las historias de los cuentos clásicos universales -Alicia en el país de las maravillas, Blancanieves y los siete enanitos, Caperucita roja…-, su historia no se ha visto menoscabada ni en otras culturas, ni en el tiempo… 

 Hoy más y mejor que ayer, en sus numerosas e incontables versiones, de todos los países de oriente y occidente, en la mayoría de los idiomas, la fabulosa y fantástica historia japonesa de “la princesa que vino a la tierra de la luna, la bellísima Kaguya”, en la literatura, la radio, el teatro y sobre todo en el cine, sigue interesando a todas las gentes. 

 En nuestro idioma español, escritas, ilustradas, en papel, en formato digital, ebooks o kindle, en muchas editoriales, son interminables las publicaciones que existen del intrigante cuento humanista de El cortador de bambú. 

 Prosiguiendo la iconográfica y profusa tradición japonesa de ilustrar historias populares, se pueden encontrar numerosas versiones, como la clásica de Cuentos Ilustrados Japoneses o la moderna de El cuento del cortador de bambú, que se reseñan, publicadas por las editoriales Satori y Chidori… 

 Son muy estimadas las versiones actuales de El cuento del cortador der bambú, de la Editorial Chidori: literaria, traducida e introducida por el prestigioso japonista Iván Hernández Núñez, y la delicadamente ilustrada por la conocida Abe, Ana Belén Villalba García. 

Dos versiones, clásica y moderna, de cuentos japoneses.

 Pues bien, en esa espléndida tradición iconográfica, japonesa y oriental, de tratar temas literarios populares y universales, basado en la historia de El cuento del cortador de bambú, se realizó el año 2013 el filme de El cuento de la princesa Kaguya, de Isao Takahata, producido por la prestigiosa productora de dibujos animados GHIBLI. 

 Precioso filme, el último del genial realizador japonés Takahata, que hoy, como si se tratase de un merecido homenaje al realizador -fallecido por cancer de pulmón-, nos rememora la Filmoteca de Andalucía. 

 El guionista, director y productor japonés de cine de animación Isao Takahata (Tokio, 1935-2018), graduado en Literatura Francesa en la Universidad de Tokio, relata en su historial que, influido por el filme francés de dibujos animados El Rey y el ruiseñor, de Paul Grimault, con guión de Jacques Prévert -basado en el popular cuento de Hans Christian Andersen, La pastora y el deshollinador-, prefirió dedicarse al cine de animación 

 Tuvo sus inicios profesionales trabajando como ayudante de dirección en los legendarios Estudios de Animación TOEI, en los que realiza su primer filme Las aventuras de Hols, Príncipe del sol (1968), junto al guionista, ilustrador, animador y realizador Hayao Miyazaki; inseparable tándem que también trabajó en los Estudios NIPPON y otros, fundando y creando más tarde su propio Estudio GHIBLI. 

 En Nippon, con la colaboración de Miyazaki en diversos cometidos, Takahata, realiza para televisión las series: Heidi, la niña de los Alpes (1974), Marco, de los Apeninos a los Andes (1976) y Ana de las tejass verdes (1979), cuyos clamorosos éxitos internacionales, le catapultarán a la fama. 

Isao Takahata, director de El cuento de la princesa Kaguya.
 

 Además de otros trabajos como productor, entre los que destaca El castillo en el cielo (1986), dirigido por Hayao Miyasaki, en su Estudio Ghibli, hasta culminar su obra final El cuento de la Princesa Kaguya (2013), Takahata dirige cuatro filmes en los que manifiesta su maestría y plenitud artística: La tumba de las luciérnagas (1988), Recuerdos del ayer (1991), Pompoko (1994) y Mis vecinos los Yamada (1999); filmes que, por su original forma de narrar y peculiar estética expresionista, marcan un alto hito en la Historia del Cine de Animación de Japón y Mundial. 

 Por la magistral y ejemplar trayectoria humanista de su filmografía, Takahata ha sido distinguido con importantes reconocimientos como: Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (Francia), por su filme Pompoko; Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de (Francia), por su contribución al desarrollo mundial del cine de animación; Premio Windsor McCay -célebre historietista estadounidense-, por las emotivas y conmovedoras historias de sus filmes; y nominación al Oscar al Mejor Filme de Animación (2015), por El cuento de la princesa Kaguya, entre otros. 

 En 2013, en el Estudio Ghibli, se realizan dos filmes memorables, basados en sendas obras literarias y técnicas de animación características y propias del estudio, muy similares: El viento se levanta, de Hayao Miyazaki -nominada al Oscar de ese año- y El cuento del cortador de bambú, de Takahata. 

 El cuento del cortador de bambú o El cuento de la princesa Kaguya, ética y estéticamente por su extraordinarios valores temáticos, morales o moraleja, y artísticos, exprerionistas, es, sin lugar a adudas, la obra cumbre de Isao Takahata. 

 Aunque pueda pacecer que, hoy, actualmente, la estética del filme está muy superada con las modernas técnicas de animación por ordenador y con inteligencia artificial, no es así; con los aparentemente, sencillos dibujos tradicionales, realizados a mano, de citados filmes, sus realizadores logran una cálida, expresiva, sensible, y emotiva comunicación, no conseguida con los avanzados, pero fríos, procedimientos vanguardistas “sobresalientes en mucho ruido y pocas nueces…” 

Sencillo, pero expresivo fotograma de la belleza de la princesa Kaguya.

 A través del desarrollo físico y psicológico de la princesa Kaguya -infancia, adolescencia, juventud…-, el cuento, literario y cinematográfico, trata emotiva y minuciosamente importantes temas vitales como: las relaciones con la naturaleza, las relaciones familiares y sociales, los valores existenciales, el misterio de vivir, la felicidad, la alegría, la tristeza… 

 El cuento, con su fabulosa fantasía cuya historia se narra y subraya como ”Kaguya, la princesa que vino de la luna”, y a la que metafóricamente vuelve; dada la tradicional filosofía oriental acerca de los aforismos y proverbios, es un claro alegato sobre la vuelta a los valores naturales y al regreso de la adulteración a la pureza del ser niño… 

 La luna -atendiendo al sabio y profundo refrán de “estar en la luna”-, viene a ser en el cuento un símbolo de la trascendencia hacia el más allá, del viaje hacia la luz de los valores espirituales, desdeñando la persuasiva falacia de los terrenales y materiales. 

 A lo sumo, El cuento del cortador de bambú de Takahata es un poético, filosófico y reflexivo filme humanista y universal, que nos hace pensar sobre los auténticos valores de la verdad, bondad y belleza, que dan sentido a nuestra vida, a cualquier vida… 

 Francisco Montero.

“La belleza de la duda” 

 LA GRAZIA

-Cartel del film.-

 En una España conmocionada por la sentida y controvertida muerte por eutanasia de la joven de 25 años Noelia Castillo, cuya tragedia ha corrido como un reguero de pólvora ardiente y ha conmovido también a medio mundo, llega a nuestras pantallas el sugerente y reflexivo filme italiano de Paolo Sorrentino, La Grazia, sobre el delicado tema moral e ideológico de la muerte inducida y el indulto o perdón a sus inductores… 

 Tras citado deceso por eutanasia de Noelia, se ha conocido un documento -según opiniones mediáticas, al parecer, redactado sin plena conciencia y firmado por coacciones-, difundido por Abogados Cristianos, en el que la joven, por sus dudas pidió el aplazamiento de su muerte… 

 Sea como fuere, lo cierto y verdad, es que el tema de la duda, acerca de la aceptación de la aplicación -humanista, moral, política, médica, jurídica…- de la eutanasia-, ha trascendido socialmente a nivel mundial… 

 Como ya ocurrió en Italia en un caso real de eutanasia, en el que un marido la aplicó a su esposa enferma grave de alzhéimer, durante la presidencia del político católico Sergio Mattarella; tema que inspiró el filme de ficción La grazia de Paolo Sorrentino, según declaraciones del cineasta. 

 Para interpretar algunos aspectos del filme de ficción La grazia de Sorrentino, inspirado en el actual presidente de la Republica de Italia, Sergio Mattarella, a quienes desconozcan a éste, no les viene mal saber del político real al que, muy seriamente -pero con cierto humor socarrón- alude el personaje del presidente protagonista del filme ficticio, Toni Servillo, en el papel de Mariano de Santis… 

 A grandes rasgos, el célebre político, Sergio Mattarella, actual Presidente de la República Italiana (desde 2015), es abogado, jurista y académico, católico, fue miembro de Democracia Cristiana y uno de los fundadores del Partido Popular y del Partido Demócrata de Italia, entre otras organizaciones.. 

 Cuenta con una larga trayectoria en la política italiana como: Diputado de la República de Italia, Ministro de Relaciones con el Parlamento, Ministro de Educación, Vicepresidente del Consejo de Ministros, Ministro de Defensa y Juez de la Corte Constitucional, antes de llegar a la Presidencia. 

 En su vida familar, estuvo casado con Marisa Chiazzese (fallecida en 2012), tiene dos hijos y una hija, Laura Mattarella, abogada y ejerciente como primera dama, asesora junto al padre… 

 Datos relevantes que, sin duda, han servido a Paolo Sorrentino, para la realización de su filme, aunque él reitere no se trata de un filme político. 

Sergio Mattarella, actual Presidente de Italia y Toni Servillo, presidente en el filme de ficción La grazia.

 Desde 2017, en que el popular DJ Fabo, Fabiano Antoniano, tetrapléjico irreversible, antes de acudir a Suiza para su suicidio asistido, solicitó la muerte por eutanasia en su país para terminar con su sufrimiento, y que en 2019 el presidente Mattarella, tras sus dudas propias de católico, concedió la gracia del indulto a un anciano que, por compasión humanitaria, mató a su eposa gravemente enferma de alzhéimer; dada la inexistencia en Italia de una Ley de Eutanasia, ésta ha sido muy debatida en el país… 

 Datos personales del político y hechos sociales reales que, reiteramos, su conocimiento es clave para entender e interpretar convenientemente, el interesante, reflexivo y crítico filme de ficción, La grazia, de Paolo Sorrentino. Filme que, en su versión original, sin una precisa versión española puede dar lugar a interpretaciones equívocas. 

 Al cine de Paolo Sorrentino, por su ética y estética, se le considera hoy influenciado y seguidor de la obra del genial cineasta italiano Federico Fellini, maestro del Neorrelismo Italiano y gran cineasta de todos los tiempos y de la Historia del Cine. 

 El novelista, guionista y director de cine, Paolo Sorrentino cursó estudios universitarios de economía en Napoles, pero dejó la carrera para dedicarse a la literatura y el cine. 

 Sus primeros pasos creativos en la comunicación, antes de dedicarse al cine, los realizó como novelista, alcanzando cierta notoriedad con sus obras literarias: Todos tienen razón, (2010), Tony Pagoda y sus amigos (2012), La juventud (2016),  El peso de Dios (2017), La gran belleza (2023), entre otros títulos. 

 Su literatura se caracteriza, esencialmente, por la reflexión sobre los temas de: el sentido de la vida, la esperanza, la belleza, el paso del tiempo, la decadencia…; relatados, estilísticamente, de manera contradictoria en claves de solemnidad, ironía, humor, sátira, onirismo…; claves temáticas y estilísticas que lleva también a su cine con singular acierto y mayor éxito. 

Paolo Sorrentino, director de La grazia. Foto EFE.

 Con más de una decena de filmes de éxito clamoroso del publico y de la crítica especializada, Sorrentino, en la plenitud de su carrera, ha logrado ya un destacado lugar en la historia del cine europeo. De sus trece filmes realizados destacan: Un hombre de más (Debut del cineasta, 2001), Las consecuencias del amor (Acerca del desamor y la soledad, 2004), Il divo o La espectacular vida de Giulio Andreotti, (2008), La gran belleza (Recreación del argumento de La dolce vita de Fellini, sobre la decadencia humana, 2013), Fue la mano de Dios (Filme un tanto autobiográfico, 2021), La gracia (2025)… 

 Filmografía con la que Sorrentino ha obtenido los más importantes reconocimientos y premios del Séptimo Arte de las Bellas Artes, como: Premios de la Academia del Cine Italiano, David de Dobatello, a Mejor Película, Guión y Director (2005), Premios de los Jurados Artístico y Ecuménico en el Festival de Cannes (2011), Premios del Cine Europeo a Mejor Película y Director (2023), Premios BAFTA y Globo de Oro (2014), Premios Mejor Guión en el Festival Internacional de Cine de Chicago, a La grazia, y Mejor Actor, a Toni Servillo, en el Festival de Venecia (2025)… 

 En el cine de Sorrentino, aunque en el estén presentes la política y la religión, no se trata de un cine político ni religioso -como él ha declarado en varias ocasiones-; sino de valores humanos, humanista y espiritual, que intenta adentrarse e indagar, introspectivamente en el alma del hombre y la sociedad, en sus muchas contradiciones, en sus certeza y dudas… 

 En su filosofía, el escritor y cineasta, ha manifestado que detesta la arrogancia de los políticos, religiosos o científicos que se creen poseedores de la verdad absoluta. Para el artista creador, “la duda tiene su belleza”, como subtitula en el inicio el filme La grazia. 

 El presidente ficticio del filme, Mariano de Santis -magistralmente interpretado por Toni Servillo-, busca la verdad, pero se encuentra siempre asaltado por la duda: duda de su infabilidad política para el bien de la sociedad, duda de la trascendencia en el más allá de sus creencias religiosas, duda de que el futuro sea mejor que el pasado y el presente, incluso duda del amor y de la fidelidad de su fallecida esposa… 

El presidente Mariano de Santis -protagonizado por Toni Servillo- en un expresivo plano de La grazia.

 Para plasmar con credibilidad, interés y belleza cinematográfica, citadas dudas humanistas, son imprecindibles: un excelente guión, una atractiva puesta en escena y una genial interpretación, con los que cuenta La grazia, protagonizada por Toni Servillo. 

 El veterano actor italiano de cine y teatro Marco Antonio Servillo, “Toni”, considerado uno de los mejores actores actuales del Cine Europeo inició su formación con los Salesianos, estudiando después Psicología en la Universidad de Roma La Sapienza, cuyos estudios abandonó para dedicarse al teatro y al cine. Datos importantes éstos, por su aguda introspección picológica de los personajes que interpreta; y recordarnos que, el carismático e influyente educador y escritor religioso, humanista, Don Bosco -hoy Patrono Internacional del Cine y los Actores, de los Magos e Ilusionistas, de la Imprenta…-, fue el fundador de los Salesianos y de sus Escuelas Profesionales… 

 Toni Servillo, quien cuenta en su historial con una cincuentena de filmes interpretados y numerosos reconocimientos y premios nacionales e internacionales de prestigio, es actor habitual de Paolo Sorrentino; ambos logran con La grazia una profunda y emotiva reflexión sobre la eutanasia y la compasión humana ante el dolor y el sufrimiento… 

 Francisco Montero.

Deshumanización y Humanismo 

 CIUDAD SIN SUEÑO 

-Cartel del filme.-

 “No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie. 

No duerme nadie. 

Las criaturas de la luna huelen y rondan sus cabañas. 

Vendrán las iguanas vivas a morder a los hombres que no sueñan 

y el que huye con el corazón roto encontrará por las esquinas 

al increíble cocodrilo quieto bajo la tierna protesta de los astros…” 

 Son los intrigantes versos iniciales del expresivo poema surrealista “Ciudad sin sueño”, de la obra “Poeta en Nueva York”, de Federico García Lorca, que ilustran el final del impresionante filme realista de Guillermo Galoe y dan título al mismo. 

 El interesante filme, sobre el que habla Galoe en su reciente entrevista en el programa televisivo La Aventura del saber de RTVE -coproductora del filme-, presentado esta semana en la plataforma televisiva y también coproductora FILMIN, en la que puede visionarse desde el pasado día 20, es una numerosa coproducción española-francesa; fue estrenado en los cines españoles el pasado noviembre de 2025, tras su aplaudido debut en la Semana de la Crítica del Festival Internacional de Cine de Cannes, en mayo de ese año. 

 El poema surrealista Ciudad sin sueño, del compendio de poemas Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca -cuya vida y obra son muy conocidas-, es un caleidoscopio policromático de metáforas, polisémico, susceptible de múltiples significaciones e interpretaciones, a veces contradictorias, como suelen ser las ensoñaciones del surrealismo… 

 No obstante, todos los tratadista del poeta y dramaturgo, coinciden en que citada obra, ciertamente, se trata de una sugerente crítica a las formas de vida de Nueva York; ciudad que aprisiona, esclaviza y deshumaniza a sus habitantes, según opinión del célebre escritor, también autor del Romancero gitano… 

 Pues bien, citadas obras poéticas de Lorca, parece ser han inspirado algunos aspectos del caleidoscópico filme -en algunos planos, intencionadamente, multicolor y variopintos- de Gillermo Galoe, sobre las fomas de vida en La Cañada Real de Madrid; considerada como el mayor enclave chabolista de Europa, cuya pobreza y formas de vida son hoy antiéticas y antitéticas y contradicen las de la riqueza y vida supuestamente progresista de ciudades como Madrid, Nueva York… 

Guillermo Galoe, director de Ciudad sin sueño. Foto RTVE.

 El experto cineasta Guillermo García López -Galoe, Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid-, aunque aún no cuenta con un amplio historial en el campo del largometraje, sí lleva el cine en la sangre -su padre trabajó siempre como documentalista en Radio Televisión Española-, y tiene dilata experiencia como profesor en másters de cine en diferentes universidades y centros sociales y culturales, guionista y realizador de cortometrajes, con los que ha obtenido importantes reconocimientos y premios nacionales e internacionales. 

 En el campo del documental y el cortometraje ha coguionizado y realizado: Frágil equilibrio (2016), la serie de docuficción Atlánticas -Deshielo, Inmersión y Oscilación- (2017), y Aunque es de noche (2023). 

 Aunque es de noche, es un documental de ficción acerca del “incierto futuro del adolescente gitano Toni, que malvive en La Cañada Real de Madrid, sin agua potable, ni luz y pasa el frío de las noches al calor de una hoguera…”; docuficción cuyo visionado y referencias pueden encontrarse aún en la plataforma YouTube, y cuya temática ampliaría en el consiguiente largometraje Ciudad sin sueño. 

 Muy pocos cineastas con un historial tan corto, como es el de Guillermo Galoe, han obtenido tantos reconocimientos y premios nacionales e internacionales -más de una treintena- por sus filmes; lo que indica los numerosos valores cinematográficos, artísticos, sociales y humanistas, entre otros, de la obra de su autor. 

 Entre esos reconocimientos y premios destacan: Premio Goya al Mejor Documental, Premio DOC de la Asociación de Productoras de Documentales de España en la Semana Internacional de Cine de Valladolid, Premio Miradas DOC de Movistar +, Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Cine Las Américas (Austin, Texas), Premio del Jurado y Premio del Público en el Festival de Cine HADOC (Leiria, Portugal), al documental Frágil equilibrio, 2017; Premio Fundación Princesa de Gerona de Las Artes y las Letras (2020); Premios Goya y Forqué Mejor Cortometraje de Ficción a Aunque es de noche, 2023; Premio Mejor Guión de la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos SADC de Francia, en la Semana de la Crítica de Cannes (2025); Premio Goya Mejor Actor Revelación a Antonio Fernández Gabarre, protagonista de Ciudad sin sueño (2026)… 

Antonio Fernández (Toni) y Jesús (Abuelo), protagonistas de Ciudad sin sueño.

 Aunque el argumento de Ciudad sin sueño trata principalmente de las vivencias e incierto futuro del joven gitano chatarrero Toni, en el enclave de exclusión social de La Cañada Real de Madrid, en el filme laten con vivacidad otros muchos temas de interés social y humanista como son: las relaciones entre clanes familiares, la pobreza y falta de medios de vida, la adicción a la droga, el desalojo del deshumanizado enclave, la liberación de las opresoras circunstancias, la difícil y problemática adaptación a otras formas de vida, el futuro de los jóvenes… 

 Temas de los que Galoe es buen conocedor por haber llevado anteriormente a La Cañada sus enseñanzas de cine, a fin de ofrecer a sus jóvenes un ilusionante y posible futuro; como lo ha sido el Premio Goya Mejor Actor Revelación al protagonista del filme Toni, Antonio Fernández. 

 Es también dato de interés social en esta temática, el hecho de que Guillermo Galoe sea miembro del Consejo Asesor de la Fundación Princesa de Gerona, cuya organización se preocupa por la promoción de los valores humanos y sociales y el futuro de la juventud…

 Ciudad sin sueño, aunque en el periódico El Mundo, en su estreno en Cannes, el filme fue reseñado figuradamente como “Soberbio western en Cañada Real” -según reza su cartel anunciador-, conviene aclarar que no se trata de un filme del género Western propiamente dicho, pero sí comparte algunas de sus características más genuinas… 

 Ciudad sin sueño es un filme de “Fronteras”: no entre indios y colonizadores, sino entre las sociedades urbanas enraizadas y estructuradas y las desarraigadas y desestructuradas; entre el ayer, hoy y mañana, entre el pasado, presente y futuro, de abuelo, padres y jóvenes; entre las culturas y las subculturas; entre la organización y el orden, frente a la desorganización y el desorden, entre la libertad e independencia frente a la esclavitud y dependencia de la droga… 

 En un carismático sentido humanista, recordemos que el gran cineasta maestro de referido género, John Ford, realizó multitud de filmes western para dar trabajo y protagonismo a los indios que vivían postergados y sin recursos en las reservas. Paradigmáticamente, Guillermo Galoe ha llevado también sus enseñanzas de cine y su ilusionante filme a La Cañada, a fin de propiciar trabajo, protagonismo e ilusión por su futuro a los jóvenes… 

En la proyección de Ciudad sin sueño, realizadores, protagonistas y voluntarios de Cáritas en La Cañada Real.

 El aleccionador filme, magistralmente coguionizado por Guillermo Galoe y Víctor Alonso Berbel, por sus destacados valores sociales y humanistas, ha sido multipremiado. 

 El cineasta, guionista y director, Berbel, formado en las prestigiosas Universidades UPF Pompeu Fabra de Barcelona y en la UCLA de Los Angeles (California), es miembro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España, de la Academia del Cine Europeo y profesor de Dramaturgia y Guion, cuya participación en el filme, que protagonizan los jóvenes, resulta notable… 

 Junto a los voluntarios de Cáritas Madrid que trabajan muy familiarmente y con tesón en La Cañada y presentes en el desarrollo del filme y en su proyección, opinamos que en este vulnerable mundo de exclusión social, los sueños sí son posibles. 

 Francisco Montero.

 

 

Magistral Cine Didáctico 

 AVERROES Y MAIMÓNIDES, LUZ DE AL’ÁNDALUS 

-Cartel del film-. 

 Córdoba, históricamente, ha sido Madre y Maestra; Madre de ilustres y grandes hombres y Maestra de Civilizaciones y Culturas, por cuyo rico legado, cultural y monumental, posteriormente, se le ha reconocido como Perla de Occidente, Ciudad Universal Patrimonio de la Humanidad… 

 Por ello, hoy, es tambien muy distinguida y reconocida con el expresivo y emblemático lema de “Córdoba Ciudad Educadora”, cumpliendo, significativamente, más de treinta años en el contexto mundial de las ciudades asociadas bajo ese lema. 

 En citados reconocimientos es destacable la importante labor que vienen realizando: el profesor universitario, escritor, poeta y guionista de cine, Carlos Clementson, y el veterano cineasta, director y productor, Miguel Ángel Entrenas, a través de la empresa Producciones MAEL Films, como han dejado patentes en varias realizaciones del tamden, y muy especialmente en su filme didáctico de ficción documental Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus… 

 En síntesis, el musulmán cordobés, andalusí, polímata humanista, filósofo y científico, Averroes -aristotelista, jurista, médico, astrónomo…, Córdoba, 1126-Marrakech, 1198-; históricamente, como filósofo, se distinguió por la defensa de los valores del aristotelismo y la razón, frente a la religión… 

 Descendiente de cadíes o jueces gobernantes en Córdoba -cuyo abuelo fue también imán en la Mezquita aljama-, tuvo una esmerada, disciplinada y exigente educación familiar, que le avocaría a su polifacética y azarosa vida, durante los imperios almorávide y almohade. 

 En la corte de Marrakech, donde ejerció para desarrollar proyectos educacionales, conoció al prestigioso mentor y polímata granadino Ibn Tufail, coincidiendo con éste en el aristotelismo y en la conciliación ente la razón y la fe, o religión, para la búsqueda de la verdad. 

Monumentos de homenaje en Córdoba a los maestros Averroes y Maimónides y a la Sabiduría de sus Libros. 

 El judío Maimónides, igualmente polímata -filósofo, médico, teólogo, rabino…, Córdoba 1135-El Cairo 1204-; fue descendiente de jueces rabínicos, en los años de esplendor de la cultura judía en al’Ándalus. 

 En su rigurosa formación religiosa, estudió y fue también rabino, o maestro, con cuya obra contribuyó a la creación de la Ecuela Talmúdica, en la que se estudió: la Torá -Pentateuco o Biblia Hebrea, compuesta por los cinco Libros, Génesis, Éxodo, Levítico, Números y Duteronomio-, y el Talmud -significativa obra que recoge aspectos importantes de la cultura judía, costumbres tradiciones, leyes civiles y religiosas…- 

 Ambos personajes coetáneos, en su relación y convivencia, contribuyeron con sus libros y sabias enseñanzas al respetuoso y emblemático Diálogo de Civilizaciones, Culturas y Religiones, como implícitamente se trata en el guión del filme. 

 Datos históricos y didácticos relevantes, sobre ambas figuras, en los que se basa el guionista de Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, Carlos Clementson, para la narración y realización del filme. 

 -No obstante, al inicio de la narración fílmica, se advierte en créditos que no se trata de un filme documental historicista sino de una docuficción didáctica. 

 El guionista de Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, Carlos Clementson, profesor de Literatura Española, poeta y traductor, es un escritor culturalista -dados los ricos y profusos datos culturales de sus textos-, cuya veteranía docente queda muy patente en los filmes realizados junto a Miguel Ángel Entrenas para la productora MAEL. 

 -Véanse en este blog nuestras reseñas de los filmes: Carlos Clementson. Poeta, Cordobés Univesal (23, octubre, 2025) y Séneca y Lucano. La virtud del imperio (13, agosto, 2023). 

 Como se previene al inicio del filme en él no se pretende el rigor histórico pero sí la fidelidad y verdad de los acontecimientos y hechos que se narran; así como la caracteriología, vivencias y aspectos más significativos de las obras de los personajes protagonistas, Averroes y Maimónides. 

 Para mayor afinidad e interés del filme en los medios educacionales, no se ha recurrido a actores profesionales del cine, sino a colaboraciones de centros artísticos y alumnos de centros de enseñanza como: Escuela Superior de Arte Dramático, Escuela de Arte Mateo Inurria, IES El Tablero, Angel de Saavedra y Maimónides, CEP San Acisclo y Santa Victoria, Academia de Danza Oriental Ashira, además de numerosas Asociaciones, Organizaciones, Peñas… 

El guionista Carlos Clementson y el realizador Miguel Ángel Entrenas (Foto ABC). 

 La riqueza cultural de los guiones de Clementson, se acrecienta extraordinariamente, en cada nuevo, de los numerosísimos estrenos de Entrenas, con la peculiar y estilizada puesta en imágenes del avezado cineasta -que ha realizado más de cincuenta filmes, cortos, medios y largometrajes-, con los que ha obtenido más de setenta premios y reconocimientos. 

 Los filmes de Entrenas son puro cine en esencia y presencia. El cineasta repite con frecuencia que, desde las influencias de su padre -actor teatral aficionado- realiza cine “por amor al Arte”. Él, no vive del cine. Su vocación social, le indujo a desarrollarla en una institución, compatibilizándola con la de cinéfilo y cineasta desde niño. Por ello sus filmes tienen una esencial dimensión de cine social y humanista. 

 Desde su primer cortometraje, Silencio, se rueda, realizado en super 8, premiado en el Certamen Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud de Gijón (1985), el cine de Entrenas ha crecido, crecido, crecido… en arte y valores. 

 En su cine, considerado como Arte, Comunicación, Espectáculo, Lenguaje e Industria, salvo ésta última atribución -dado que Entrenas declara constantemente que no realiza cine comercial para vivir de él-, sus filmes y máxime el de Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, resultan magistrales por su peculiar realización artística, de comunicación, espectacular y lingüística. 

 De las bellas artes que conforman este cine como arte de artes, la literatura del guión del filme, despierta el interés y la atención por la singular expresividad y poesía que le confiere el poeta Clementson. 

 La música del filme, obra de Miguel Linares, genial y talentoso compositor de partituras para espectáculos teatrales, cinematográficos y televisivos, enfatiza las escenas, emociona y sobrecoge. Linares, cuenta en su historial con una treintena de composiciones, teatrales y cinematográficas en las que destacan: Inca Garcilaso, el mestizo, Valle Inclán y Julio Romero y Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, (de Miguel Angel Entrenas, MAEL Films). 

 La danza, arte del movimiento, del espacio y del tiempo, confiere espectácularidad, gracia, sensualidad y amenidad al filme, deslumbrando y haciendo atractiva, desde su inicio, con la exótica danza de bailarina, jinete y caballo, su lección historicista. Protagonizan con deslumbrante brillantez la danza en el filme: la Academia de Danza Oriental “Ashira” y “Ganesha’s Dance”, con sus sugestivos conjuntos de bailarinas. 

 Expresiva escenografía y ambientación de las lecciones de Averroes en el filme. 

 Haciendo gala de las artes espaciales del cine, escenografía, ambientación, fotografía, efectos especiales…, el filme, por la magnífica puesta en imagenes de sus numerosos participantes, logra trasformar espléndidamente, a la Córdoba monumental, en un idealizado, artístico y sorpendente plató para el rodaje. 

 Las lecciones sobre el Diálogo de Civilizaciones, Culturas y Religiones, y de reflexión acerca de las bárbaras invasiones y luchas, contrarias, que didácticamente, nos propone el filme, aunque nos remitan a veinte siglos atrás, hoy, siguen siendo aplicables a situaciones mundiales terribles como las de Ucrania, Gaza… 

 Por ello, desde que en 2016 se estrenara el filme Averroes y Maimónides, luz de al’Ándalus, no cesa de ser requerido por centros de enseñanza, instituciones, organizaciones, asociaciones culturales…, teniendo pendientes aún diversas solicitudes de exhibición y la presencia de sus realizadores, próximamente… 

 Francisco Montero.