Azar y Felicidad 

 LA BUENA SUERTE 

-Cartel del film-.

 Dice el sabio refranero español -y universal- que “La buena suerte, a la mujer y al hombre, durmiendo les viene”… O sea, casualmente y cuando menos se espera, suelen venir muchas de las circunstancias, situaciones, momentos y estados de ánimo positivos de la vida… 

 Tener suerte en la vida o en algunos de sus momentos, aunque se busque con persistencia para ser feliz, como trata profusamente la sociología y la psicología, es cuestión de azar, de casualidad, de fortuna… 

 El tema positivista de la buena suerte ha sido con frecuencia tratado por la literatura y el cine, y en él han incidido la escritora Rosa Montero y la cineasta Gracia Querejeta, con sus obras homónimas “La buena suerte”, exitosa novela publicada por Alfaguara (2020) y filme que ahora nos llega a las pantallas… 

 La prolífica escritora Rosa Montero, periodista, columnista, novelista y autora de relatos de literatura infantil y juvenil, es una de las autoras actuales cuya diversificada obra es muy llevada al cine, la televisión y el teatro. 

 Cuenta en su historial con más de cuarenta títulos de obras de ficción y no ficción, habiendo obtenido extraordinaria popularidad como entrevistadora de personajes de fama internacional -Indira Gandhi, Malala Yousafzai, Olof Palme, Richard Nixon…- para El País, de cuyo diario fue redactora jefa del dominical. 

 Ha sido ponente en distintas universidades extranjeras e institutos -Pekín, Shanghái, Cervantes…-, publicándose sus artículos en diferentes diarios de Europa y América Latina -Stern (Alemania), Liberátion (Francia), The Guardian (Inglaterra), Clarín (Argentina), El Mercurio (Chile)…-. 

Rosa Montero y su novela La buena suerte.

  La escritura de Rosa Montero se caracteriza por aunar muy inteligentemente temas intelectuales, profundos, metafísicos, trascendentes… -entre otros muchos aspectos-, con temas antagónicos de mayor interés general, superficiales, ordinarios, intrascendentes…; es decir, los propios de públicos selectos y los de mayoritarios, por lo que cuenta con numerosísimos lectores y seguidores a los que cautiva con su literatura. 

  La escritora domina a la perfección las claves humanista y sensibles de agradar a todos los públicos, con temas actuales, cotidianos y comunes, que afectan a la generalidad de las gentes, de las sociedades y las personas… 

 En su prototípica novela La buena suerte, Rosa Montero conjuga la mayoría de las claves de su literatura, tratando temas de trascendencia moral -personal y social- como el bien y el mal, la culpa y la redención, el amor propio egoísta y el generoso hacia los demás…; en claves reflexivas y un tanto filosóficas, y también en claves de suspense policíaco… 

 Por ello, según tratadistas, su obra cuenta con el beneplácito anticipado de las editoriales y productoras, a las que asegura no solo su extraordinaria difusión y comercialidad, sino también su adaptación a otros medios; caso de La buena suerte al cine. 

 Desde su primera novela Crónica del desamor (1979) -obra que se inscribe en los iniciáticos movimientos de liberación de la mujer-, ya logró considerable reconocimiento y prestigio. En literatura para adultos, hasta La buena suerte, seguirían títulos destacados como: Te trataré como a una reina (1983), La hija del caníbal (1997) -Premio Primavera de Espasa Calpe y llevada al cine-, La loca de la casa (2003) -Premio Roman Primeur de Francia y traducida a numerosos idiomas-, La ridícula idea de no volver a verte (2013) -sobre Marie Curie y el feminismo, Premio de la Crítica Literaria de Madrid-, entre otros… 

 Es abrumante la cantidad de reconocimientos y premios -más de cincuenta-, recibidos por la escritora, destacando entre ellos: Doctor Honoris Causa en distintas Universidades, Miembro de Honor de la Universidad de Málaga, Premio el Ojo Crítico de Radio Nacional de España, Premio Nacional de las Letras Españolas, Medalla de Oro Española al Mérito en las Bellas Artes…; por lo que, lógicamente, la perspicaz cineasta Gracia Querejeta reparó en La buena suerte. 

Gracia Querejeta, directora de La buena suerte.

 Gracia Querejeta, está claro tiene la buena suerte de llevar el cine en la sangre. Es hija del famoso guionista, documentalista y productor, Elías Querejeta, fundador de Elías Querejeta P.C., que cuenta con más de ochenta títulos en su historial, de los que recordamos filmes tan importantes como El espíritu de la colmena y El sur -de Víctor Erice-, Ana y los lobos -de Carlos Saura-, El desencanto -de Jaime Chávarri-, Los lunes al sol -de Fernando León de Aranoa-… 

 Gracia Querejeta aunque cursó estudios universitarios de Historia, la configurada cátedra de cine universalista -con los mejores guionistas, realizadores, protagonistas, técnicos…- del cine español que producía el padre, pronto la advocaron a esta profesión como guionista y directora. 

 Con su primer filme como guionista y directora Una estación de paso (1992), ya obtuvo el Premio Especial del Público en el Festival Internacional de Cine de Valladolid. -La prestigiosa cátedra creada por el padre comenzaba a dar sus frutos.- A su ópera prima , hasta llegar a La buena suerte (2025) seguirían más de una veintena de exitosas y premiadas obras para cine y televisión, entre ellas: Héctor (2004) -Biznaga de Oro en el Festival de Cine de Málaga-, Siete mesas de billar francés (2007) -Mejor Dirección y otros premios Goya-, Premio a la Cinematografía de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (2021), Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos (2024)… 

 El filme La buena suerte, además de Gracia Querejeta, está coguionizado por la polifacética María Ruiz Cruz, y que siendo una adaptación de la novela homónima de Rosa Montero, confieren al filme una peculiar sensibilidad femenina… 

 Ruiz Cruz, bailarina, actriz, guionista, dramaturga y directora, muy vinculada, como traductora y adaptadora a los musicales del malagueño Antonio Banderas -Tocando nuestra canción y Gypsy-, y a Málaga, junto al buen reconocimiento que Gloria Querejeta -por su Biznaga de Oro- ya tenía en esta ciudad, parece ser decidieron el estreno internacional de La buena suerte, en el pasado Festival de Cine de Andalucía en 2024. 

 Tanto en la novela, como de manera enfatizada en el filme, seguramente por esa triple mirada femenina, el personaje protagonista Pablo -Hugo Silva-, exitoso arquitecto, no es un hombre fuerte, sino antítesis del machismo, una persona débil que huye de su pasado arrastrado por un sentimiento de culpabilidad, achacándose que su hijo sea un violento delincuente… 

 El personaje fuerte, pero de singular ternura, generosidad y humanismo es Raluca -Megan Montaner-, una rumana, no pedigüeña, que lucha por ganarse la vida honradamente, como cajera en un supermercado, y sueña optimista con un prometedor futuro… 

Los protagonistas del filme, Hugo Silva -Pablo-y Megan Montaner -Raluca-.

  En el simbólico y expresivo cartel publicitario del filme, Raluca está arriba y Pablo abajo, lo que define los posicionamientos psicológicos y sociales de la sugerente y controvertida historia… 

 Un arquitecto con un mundo interior derruido y una rumana de gran corazón caritativo, son, en definitiva, los personajes protagonistas, acaso irónicos y hasta humorísticos, propios de la portentosa imaginación y creatividad de Rosa Montero, quien bienintencionadamente pone el mundo del revés… 

  La buena suerte, seria, amena e intrigante novela y similar filme… 

 Francisco Montero.

 

Espiritualidad y Paz Interior 

 SABIDURÍA Y FELICIDAD

-Cartel del film-.

 Dada la minoritaria y reducida aceptación que las religiones no teístas, tienen en Occidente y en España, con escasa publicidad en los medios de difusión, llega a nuestro país este interesante documental cinematográfico budista, con escasa permanencia en la mayoría de nuestros cines. 

 El filme, cuya temática se centra en el sabio XIV Dalái Lama, líder actual del budismo, Tenzin Gyatso, Premio Nobel de la Paz en 1989, a pesar de estar promocionado por el popular actor y reconocido budista Richard Gere -casado con la publicista y activista española Alejandra Silva, y residentes en España-, no está teniendo la merecida acogida y éxito. 

 El documental, guionizado y dirigido por los cineastas suizos: Bárbara Miller escritora y directora, y el productor y realizador Philip Delaquis, -en cuyo proyecto ha colaborado Richard Gere, reconocido activista en las defensa de los derechos humanos y discípulo estadounidense del Dalái Lama-, repara esencialmente en la sabia filosofía de la espiritualidad y paz interior, que propugna el citado actual dirigente y maestro nonagenario. 

 La prolífica vida del religioso budista Tenzin Gyatso, es un rico compendio de aleccionadoras vivencias y experiencias, acerca de la paz interior, que han sido amenamente seleccionadas y recogidas en el documental Sabiduría y Felicidad. 

 A grandes rasgos, Gyatso, el Dalái Lama del Budismo Tibetano, o Maestro con tratamiento de Su Santidad -similar al del papa cristiano-, proclamado y educado para ser el reencarnado dirigente desde niño, según el budismo, asumió su liderazgo político y religioso desde muy joven, exiliándose de la China comunista… 

 En una compleja situación social y política en la que va avanzando la Declaración Universal de los Derechos Humanos, al inicio de la década de 2010, el Dalái Lama renuncia a su liderazgo político y asume sólo el religioso, para desarrollar su exclusiva e intensa trayectoria humanista y profundamente espiritual y religiosa… 

Tenzin Gyatso, XIV Dalái Lama.

 Por esta trayectoria espiritual y humanista en defensa de los valores y derechos humanos, Gyatso, además del Premio Nobel de la Paz, ha sido distinguido internacionalmente con más de una veintena de reconocimientos, entre los que destacan: Premio de la Memoria de la Fundación Danielle Mitterrand (1989), Avance de la Libertad Humana de la Freedon House (1991), Premio Libertades del Instituto Franklin y Eleanor Roosevelt (1994), Premio Humanitario Hilton (2003), Liga Internacional para los Derechos Humanos (2003), Doctor Honoris causa de la Universidad Iberoamericana (2004)… 

 Avala citados reconocimientos, su prolífica obra literaria, publicada en diversos idiomas y países -entre ellos, España-, de la que citamos los títulos: El buen corazón (1996), El arte de la felicidad (1998), El arte de la compasión (2001), Conócete a tí mismo (2006), Caminos de fe (2010)… -Títulos que describen y aluden a las declaraciones de Tenzin Gyatso en el filme-. 

 Siendo el último citado de especial interés, por su valiosa defensa del diálogo de religiones, tradiciones de fe, creencias, y de la compasión humana universal como sensible y espiritual medio de entendimiento y paz. 

 El filme Sabiduría y Felicidad, fue realizado en 2024 por los expertos cineastas suizos Bárbara Miller y Philip Delaquis, ambos muy interesados en los derechos humanos -tema esencial que tratan en sus filmografías-, y comparten en sus proyectos comunes como cofundadores de la productora Mons Veneris Films, adscrita al programa Creative Europe Media. 

 En dicha productora, interesados en proyectos documentales culturales y educacionales, han alcanzado reconocimiento y prestigio con sus dos filmes iniciales realizados por ambos, directora y productor: El placer femenino (2018) y Sabiduría de la felicidad: una conversación sincera con el Dalái Lama -título original del filme que se reseña- (2024). 

Bárbara Miller y Philip Delaquis, cofundadores de la productora Mons Veneris Films.

 La cineasta Bárbara Miller, guionista, directora y productora, se graduó en Derecho en la Universidad de Zurich, estudiando también filosofía y cine. Resalta en sus declaraciones que durante sus estudios trabajó como acomodadora en una sala de cine de arte y ensayo, lo que pronto despertó su interés por este séptimo arte y sus grandes maestros. 

 Sus primeros trabajos como educadora en Servicios Sociales de Suiza, con jóvenes de exclusión social, problemáticos, marginales y sin hogar, le llevó a interesarse durante años por ellos, trabajando más tarde como abogada y asesora de la productora suiza de cine y televisión C Films AG, en la que se inicia como directora. 

 Dadas sus anteriores experiencias sociales, educacionales y legales, se interesa por los derechos humanos y realiza sus primeros documentales sobre grupos sociales desfavorecidos en países y zonas de conflicto como India, Camboya, Kosovo, Líbano… 

 Su primer filme Voces prohibidas (2012), nominado ese año a Mejor Documental del Cine de Suiza, fue también galardonado en el XI Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián (España), recorriendo más de setenta certámenes y festivales de cine de todo el mundo, siendo muy valorado por Amnistía Internacional. 

Su segundo documental Placer femenino (2018), fue considerado el filme suizo mas exitoso del mundo, propiciándole la realización para cine y televisión de más de una veintena de exitosos filmes -con más de una veintena de premios y reconocimientos nacionales e internacionales,- hasta llegar a Sabiduría y Felicidad (2024). 

 El coautor del filme y cofundador de su productora C Films AG, Philip Delaquis, es también, como reza en su biografía, productor de teatro, y está vinculado a la importante Academia del Cine Europeo que crearon medio centenar de destacados cineastas como: Ingmar Bergman (Suecia), Bernardo Bertolucci (Italia), Claude Chabrol (Francia)…, contando actualmente con más de cincuenta países miembros, entre los que se encuentra España. 

 Delaquis estudió ciencias de la información, y trabajó en sus inicios como fotógrafo de periódicos y realizador de cortos, y promotor de eventos audiovisuales y otras productoras de cine como el Colectivo de Obras Audiovisuales GMBH, productora del filme Voces prohibidas, galardonada con el Premio SIGNIS de Amnistía Internacional sobre los Derechos Humanos. 

 Tras producir diferentes filmes cinematográficos multipremiados y de éxito y espectáculos teatrales -como el musical suizo trágico cómico La Visita (2013)-, se asoció con el guionista y director de cine israelí-estadounidense, Oren Moverman, y el actor budista Richard Gere para la realización del filme Sabiduría y Felicidad, sobre el Dalái Lama Tenzin Gyatso… 

Richard Gere, budista, productor del documental Sabiduría y Felicidad.

 A lo largo de su vida y de su obra Tenzin Gyatso ha reiterado que, como ser humano, está “comprometido con los valores humanos básicos” y que entre ellos la compasión constituye la base de la felicidad humana….; pensamiento que de manera implícita refrenda el documental Sabiduría y Felicidad… 

 Como es lugar común en el planeta, el objetivo de toda persona en su vida es, sin duda, encontrar la felicidad que, según Gyatso, consiste en buscarla con sabiduría… 

 Y, según él, como manifiesta con particular énfasis en el documental, el camino de esa sabiduría está en la espiritualidad, en la armonía consigo mismo, con los demás y con el mundo, en la paz interior…

 Francisco Montero.

Comunicación, lenguaje y entendimiento. 

 SORDA 

-Carteles de los filmes.-

  Aunque los medios de comunicación -cine, televisión radio…-, socialmente, están considerados como “cuarto poder”, los sentidos de la comunicación, vista y oído, son, indudablemente, el “primer poder” personal y social, con el que se cuenta para la interrelación humana nomal. 

 De hecho, la deficiencia o carencia de alguno de estos dos sentidos, para quienes las sufren, provocan graves problemas de interrelación personal y social, planteando diversas y diferenciadas situaciones extraordinariamente sensibles, cuestiones, temáticas y tratamientos de sumo interés general; por ello el cine, atento siempre a esos temas humanistas y universales de interés no podía quedar ajeno a ellos. 

 El diverso y complejo tema social de la sordera, fue llevado a la gran pantalla por filmes como La familia Bélier (2014), del realizador francés Éric Lartigau, y años después por CODA. Los sonidos del silencio (2021), de la cineasta estadounidense Sian Heder, -véase en este blog nuestra reseña de 6 de abril de 2022-.

 Siendo también el tema, diferenciado, que tratan con mayor originalidad y realismo los sensibles y emotivos filmes homónimos “Sorda” -ópera prima en cortometraje exitoso y posteriormente llevado a versión de largometraje-, por la cineasta murciana Eva Libertad. 

 Con una historia muy diferente a la de los filmes anteriores conocidos, la cineasta Eva Libertad, basada en las vivencias y experiencias de su hermana sorda, Miriam Garlo, actriz debutante protagonista del filme, han logrado unas originales y exitosas obras, sobre la comunicación personal, familiar y social de las personas sordas. 

 El cortometraje Sorda (2022) , protagonizado por Miriam Garlo, de unos veinte minutos de duración, fue nominado a los Premios Goya de 2023, a Mejor Cortometraje de Ficción, siendo también presentado en su trayectoria a más de un centenar de certámenes nacionales e internacionales y obteniendo más de cincuenta reconocimientos y galardones, según sus reseñas. 

 En la realidad, Miriam Garlo, en sus entrevistas declara que nació persona oyente y a los siete años, debido a una alergia medicinal fue perdiendo la audición hasta quedar sorda, aunque pudiendo pronunciar algunas de las palabras aprendidas en su infancia, pero con graves problemas de comunicación de joven y adulta… 

 Problemas de comunicación que, relatados a su hermana, la cineasta Eva Libertad, ésta guionizó y llevó a los filmes Sorda… 

Las hermanas Miriam Garlo, actriz sorda, y Eva Libertad, directora de Sorda.

 La cineasta guionista, directora y productora Eva Libertad García López, (Molina de Segura 1978), estudió sociología en la Universidad Complutense de Madrid, y más tarde arte dramático, completando su formación teatral fuera de España. Regresando a Murcia, su región natal, colaboró con asociaciones culturales feministas y se incorporó, junto a la directora Nuria Muñoz Ortín, a la productora Nexus Films, en la que inicia su labor cinematográfica. 

 Codirigido con Muñoz Ortín realiza su primer cortometraje de temática LGBT, Leo y Alex en pleno siglo XXI (2019), al que seguirían el cuento fantástico para televisión Nikolina (2020) y Sorda (2022), protagonizado por su hermana Miriam Garlo, y también codirigido con Muñoz Ortín. 

 Tanto el corto como el largometraje Sorda han llamado poderosamente la atención en cuantos festivales y eventos de cine y televisión se han presentado por su sensible temática humanista y social y original utilización en estos poderosos medios del lenguaje de signos. 

 El largometraje Sorda, divulgado en los cines españoles en versión original subtitulada, a fin de dar protagonismo a la lengua de signos, cuenta con un montaje de sonido muy particular que llama la atención a los espectadores oyentes, no familiarizados con la expresividad del lenguaje de signos… 

 En el interesante programa especializado de Radiotelevisión Española “En lengua de signos”, emitido el pasado vienes (4 de abril de 2025, a las 5,30 horas de la madrugada) la presentadora y actriz sorda Paloma Soroa -también participante en el reparto de Sorda-, explicó las particularidades esenciales del filme. 

Expresivo fotograma de celebración de cumpleaños en lengua de signos en Sorda.

 -La actriz y presentadora Paloma Soroa, ha protagonizado e intervenido en el reparto de los filmes sobre discapacidades: Vuelco -tema de la sordera, que puede aún visionarse en youtube- y Seis puntos sobre Emma -tema de la invidencia-, del malogrado guionista y realizador canario Roberto Pérez Toledo, cuyas pioneras historias inclusivas sobres citadas discapacidades sensoriales podrían haber influido en la guionización del filme Sorda-. 

 El largometraje Sorda, fue seleccionado para la Sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Berlín (2025), obteniendo el Premio de Autor Arthouse, otorgado por la Confederación Internacional de Cine de Arte y Ensayo, y el Premio del Público. 

 En el Festival Internacional de Cine de Málaga de 2025, Sorda obtuvo los premios: Biznaga de Oro a la Mejor Película Española, Biznaga de Plata a la Mejor Interpretación Femenina y Masculina -de sus protagonistas Miriam Garlo y Álvaro Cervantes-, y Premio del Público. 

 En citados Festivales de 2023, ya fue reconocido y premiado el cortometraje Sorda que, producido con los apoyos del Ayuntamiento de Molina de Segura, la Dirección General de la Mujer de Murcia y el ICCA -Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales-, también pueden considerarse como reconocidos premios. 

 Al ser la guionista y directora Eva Libertad, hermana en la vida real de la actriz protagonista de Sorda, la trama del filme es extraordinariamente rica en ideas, temas y matices vivenciales de ambas. 

 Aunque el tema principal se centra en los problemas personales de la maternidad de la protagonista sorda, Ángela -interpretada por Miriam Garlo-, en una sociedad de oyentes, también se narran otros temas de interés social como: la relación con la familia, las amistades y el esposo, -es decir, una prevalente sociedad de oyentes-; las dificultades de entenderse cuando se hablan diferentes lenguajes; los problemas de comunicación y educación de su pequeña hija oyente, que no puede entender su lenguaje de signos; las relaciones laborales… 

 Sobre las relaciones laborales de Ángela, resulta de sensible interés, la útil y productiva profesión de alfarera en la que la guionista caracteriza al personaje. Siendo conocido el hecho de que cuando se adolece de un sentido -en este caso del oído-, por compensación de la naturaleza se suele desarrollar más otro -por ejemplo el tacto-; en la alfarería para el buen quehacer de tornera, es esencial contar con un tacto excelente… 

Miriam Garlo, Ángela, de profesión alfarera en el filme Sorda.

  En su relación marital con Héctor -personaje oyente que protagoniza Álvaro Cervantes-, ante las dificultades de comunicación oral, el tacto, junto al lenguaje de signos, también se ha utilizado en el filme con sutileza, sensibilidad y expresividad dramática. No obstante ni con su escasa y desabrida voz, ni con el tacto, Ángela, podrá competir con el padre en la comunicación con la pequeña… 

 Sorda, sin el menor atisbo de pretensión moralizante, es un filme de concienciación social y de valores humanistas que sensibiliza acerca de las discapacidades sensoriales y las dificultades de comunicación interpersonal y social. 

 Las hermanas García López, Eva Libertad -directora- y Miriam Garlo -protagonista-, reiteramos, efectivamente, han logrado un filme conmovedor, muy emotivo y entrañable… 

 Francisco Montero.

               Política sin Humanismo y Resiliencia                        

AÚN ESTOY AQUÍ 

     -Cartel español del film.-

 La historia lo demuestra, las dictaturas políticas, los regímenes políticos dictatoriales, ayer y hoy -reparemos en los causantes de las actuales guerras de Ucrania, Palestina, Siria…-, siempre han sido ajenos al más esencial humanismo. 

 En la década de 1970, en la dictadura militar de Brasil, ajena al humanismo e irrespetuosa con los fundamentales Derechos Humanos, se cometieron atrocidades que, por la literatura y el cine, aún conocemos precisamente ahora y aquí… 

 Es el tema que trata el brasileño Marcelo Rubens Paiva en su obra biográfica familiar y acerca del régimen brasileño del momento histórico, en su narración literaria Aún estoy aquí … 

 Obra que ha sido exitosamente llevada a la pantalla por el cineasta -tambien brasileño- Walter Salles en su emocionante filme homónimo, biopic o filme de docuficción, documental y argumental, galardonado en los últimos premios Oscars. 

 El novelista, dramaturgo y guionista Marcelo Rubens Paiva (Sao Paulo, Brasil, 1959), estudió Ciencias de la Información en la prestigiosa USP, Universidad de San Pablo y en el Centro Teatral de la ciudad, además de otros estudios literarios. 

 En plena juventud, a los veinte años, en un aparatoso accidente deportivo queda tetrapléjico, y tras una intensa, esforzada y voluntariosa fisioterapia de rehabilitación, física y mental, recupera el movimiento de sus manos y escribe su primera novela -un tanto autobiográfica-, Feliz Año Viejo; obra que, con una narración desenfadada, en su temática de superar la adversidad, marcaría las claves, los temas y el estilo de su literatura… 

 Y en esas premisas, en 2015, escribe Aún estoy aquí, biografía familiar y documento social sobre el régimen dictatorial militar brasileño en la década de los años 1970. -Rubens, su padre, por sus ideas sociales, en 1971, fue secuestrado, torturado y asesinado, sin que aún se haya esclarecido del todo el caso-… No obstante, la obra no se centra en el grave documento social, sino en el ejemplar espíritu de resiliencia de su madre Eunice Paiva, esposa de Rubens. 

 Como novelista y dramaturgo, con una treintena de obras publicadas, obtuvo notable reconocimiento y fama en Brasil, llevándose algunas de ellas -como guionista, coguionista, o por sus interesantes argumentos de superación personal y social- a la pantalla: Malu en bicicleta (2011), Entonces…¿comiste? (2012), Más fuerte que el mundo (2016), Aún estoy aquí (2024)… 

El escritor y su obra Aún estoy aquí.

 -El adagio universal de “A mal tiempo, buena cara”, es una sentencia que encierra toda una filosofía de vida y el pleno sentido del espíritu humanista de la resiliencia, o de resistirse y superar la adversidad…- 

 Y similarmente, Feliz año viejo, la primera obra del tetrapléjico Marcelo Rubens Paiva, ya en sólo su título entraña ese espíritu de superación humana que narra la obra, como si se tratara de una motivadora parábola; al igual que la biográfica Aún estoy aquí, sobre el desaparecido padre Rubens, que la familia sólo volvió a ver en las simbólicas y significativas fotos o en las películas amateurs de super 8, presentes en la memoria histórica sobreyacente del filme. 

 Un filme con el que el cineasta brasileño Walter Salles -quien conoció personalmente a la familia de Rubens Paiva-, con la sugestión propia del cine, ha superado la emotividad de la obra literaria y cautivado a la generalidad de los espectadores cinéfilos, amantes del buen cine. 

 Salles, guionista, realizador y productor, quien estudió Comunicación Audiovisual en la estadounidense Universidad de California y Economía en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro, viene plasmando la formación adquirida en su larga veintena de filmes realizados, con los que ha logrado un extraordinario reconocimiento internacional. 

 Las temáticas recurrentes de sus historias, suelen tratar: del encuentro consigo mismo, de la búsqueda de la identidad personal en diversas situaciones, de la movilidad y el desarraigo en las multiculturales sociedades de hoy, cuestiones muy comunes a todos los humanos, por las que sus polifacéticos filmes gozan de gran interés y éxito… 

Walter Salles, Oscar de Hollywood por su filme Aún estoy aquí.

 Walter Salles, conjuga con maestría la comedia y el drama, la alegría y la tristeza, la felicidad y la infelicidad, la acción y la reflexión, claves antitéticas de su éxito…; por las que su filme Aún estoy aquí (2024), ha sido merecedor de diferentes reconocimientos: el prestigioso Globo de Oro a la excelencia profesional -otorgado por la Asociación de la Prensa Extranjera- y el mercantilizado Oscar de Hollywood, otorgado a la maestría de los profesionales de la industria. 

 Salles, además de los premios citados, ha sido también reconocido con los premios: Oso de Oro de Berlín y Perla del Cantábrico de San Sebastián, por su filme Estación Central de Brasil (1998); del Jurado Ecuménico de Cannes (2004) y BAFTA de Inglaterra, por Diarios de motocicleta (2005), entre otros… 

 Aún estoy aquí, situado entre los cuatro mejores filmes brasileños de todos los tiempos y entre los cinco de 2024, ha obtenido también, en ese se año, el Premio al Mejor Guion en el Festival de Venecia y el Premio Goya de España a la Mejor Película Iberoamericana, junto al Globo de Oro a la Mejor Actriz Principal, Fernanda Torres, en el papel de Eunice Paiva. 

 Fernanda Torres (Río de Janeiro, 1965), escritora columnista y novelista, y actriz de cine, televisión y teatro, nultipremiada por su dilatada trayectoria artística y creativa, se ha convertido en un icono cultural de Brasil. 

 Hija de los populares, el actor Fernando Torres y la actriz Fernanda Montenegro, está claro que, junto a la motivadora formación familiar, lleva el arte y la creatividad en la sangre; estando además casada con el cineasta, guionista, director y productor brasileño Andrucha Wadddingthon. 

 Torres, por su primera novela El fin, con más de 200.000 ejemplares vendidos, traducida a más de media docena de idiomas y llevada a la televisión brasileña en una miniserie, obtuvo con ésta popularidad y prestigio.

Fernanda Torres, protagonista de Aún estoy aquí.

    Fernanda Torres, como escritora y novelista muy identificada con los resortes que mueven la sensibilidad de los personajes, ha logrado una impresionante creación de su personaje Eunice Paiva, pletórico de sutilidad, emociones y sugerencias, esencial atractivo del filme Aún estoy aquí. 

 El filme, narrado en un intrigante flash back, o salto atrás en el tiempo, en el que se rinde homenaje al cine y a los medios de comunicación social -que tanta importancia tuvieron en la revolución cultural y social latinoamericana-, por sus valores de ser conciencia y testigos de la historia, provocan una profunda reflexión sobre la política sin humanismo y la resiliencia reales, del presente y del futuro. 

 En resumen, Aún estoy aquí es un sugestivo y sugerente filme sobre la memoria histórica -de Brasil o de cualquier otro país-, que ninguna amnesia, alzhéimer, ni silencio político dictatorial alguno, pueden borrar. 

 Francisco Montero.

 

Neurosis y serenidad 

 MI ÚNICA FAMILIA

-Cartel español del film.-

 En las grandes urbes de las sociedades contemporáneas, a medida que avanza el desarrollo y el progreso, la complejidad de vivir, las persistentes insatisfacciones cotidianas, el estrés…, avanzan también los desequilibrios psicológicos y las enfermedades mentales, males crecientes de nuestro tiempo, de los que ni las personas ni las sociedades pueden sustraerse. 

 Son males que no sólo desequilibran y destrozan a las personas, sino que también desestructuran y rompen las familias, las sociedades… 

 El cine humanista y de valores trascendentes, acerca del bienestar, de la satisfacción de vivir, de la felicidad, o de sus generalizadas y comunes contradicciones, no podía quedar ajeno a citadas temáticas… 

 Y son éstas las que trata explícitamente, con suma claridad y dureza el magistral e impresionante filme Mi única familia -cuyo título traducido del original sería Duras verdades-, del veterano realizador inglés Mike Leigh. 

 El médico escocés William Cullen (1710-1790), según los tratados de neurología, fue el primero en utilizar el término de neurosis, al estudiar y tratar los trastornos sensoriales del sistema nervioso. 

 Más tarde, el austríaco Sigmund Freud (1856-1939), Padre de Psicoanálisis, incorporaría la neurosis a sus estudios y terapias. Siendo este personaje por sus investigaciones muy tratado por el cine; véase en este blog nuestra reseña (16 de Junio de 2024), sobre el filme La última sesión de Freud. 

 Pues bien, desde William Cullen y Sigmun Fred, el tema de la neurosis y sus consecuencias personales y sociales, humanistamente, el realizador inglés Mike Leigh, ha sido, sin lugar a dudas, quien con mayor claridad y explicitez ha tratado el tema de la neurosis en su minucioso y original filme Mi única familia, acerca de las secuelas cotidianas que citada patología causa en nuestras sociedades contemporáneas. 

William Cullen y Sigmund Freud.

 Aunque Mi única familia, trata la historia de dos hermanas, un esposo y prole, hijo e hijas, en el fondo es el tema de dos familias totalmente diferentes, contrapuestas: una de ellas serena, complaciente, integrada, a gusto con su realidad y vivencias; la otra neurótica, desquiciada, desintegrada, a disgusto con la realidad que le ha tocado vivir. Es decir, dos miradas muy realistas, contrapuestas, de las complejas sociedades de hoy… 

 En realidad, ambas familias vienen determinadas por las influyentes y diferentes personalidades de las dos hermanas, cuyas caracteriologías, se remontan, en el filme, a las primeras vivencias de sus años infantiles que marcarían sus futuros -como aduce Freud en sus teorías del psicoanálisis, acerca de los determinismos de los primeros años de la vida-… 

 No obstante Mi única familia, no es un filme marcadamente coral, acerca de las dos familias, sino un “Filme de Actor” -actrices-, que se centra introspectivamente, minuciosamente, en las diferenciadas personalidades de las dos hermanas: Pansy -Pensamiento- y Chantelle. 

 Destaca sobremanera en el guion y en la interpretación, el protagonismo y el papel de Pansy, la hermana neurótica que nos familiariza con las patologías y secuelas actuales: estrés, insatisfacción, rupturas personales y familiares, angustias, miedos… 

 Como puede saberse, un filme de actor o actriz no es un filme estelar, del “star system”, llamado al lucimiento de su protagonista; contrariamente, en este filme -al igual que ocurre a tantas personas en la realidad, que les toca asumir un papel desgraciado, repelente y odioso-, Pansy es la hermana neurótica que con todo el mundo choca, provocando el rechazo y el desprecio… 

 No obstante, su protagonista, la genial actriz Marianne Jean-Baptiste, por su expresivo papel, es, después del guion, el principal atractivo del filme, por el que ha sido reconocido y premiado en numerosos certámenes y festivales de cine; Jean Baptiste ha logrado una interpretación magistral de Pansy, que a todos los públicos impresiona y emociona. 

Marianne Jean-Baptiste, en el papel de Pansy -Pensamiento-.

 La británica Marianne Jean-Baptiste, guionista, directora y actriz de cine, televisión y teatro, se formó en la Real Academia de Arte Dramático de Londres y ha interpretado unos cuarenta papeles en el cine y más de una veintena en la televisión. 

 Adquirió prestigio, reconocimiento y fama, por su papel de Hortense -joven negra de padres adoptivos, hija natural de madre soltera-, en el filme Secretos y Mentiras (1996), siendo nominada como Mejor Actriz de Reparto a los Premios Globos de Oro, Círculo de Críticos de San Francisco, Academia Británica de las Artes del Cine y la Televisión -BAFTA- y Oscar de Hollywood. 

 Ya veterana actriz, su consagración definitiva en la interpretación, la ha conseguido en el filme Mi única familia (2024) -en el que interpreta el papel de Pansy, madre de familia, neurótica-. Con el que ha sido reconocida como Mejor Actriz Protagonista por la Asociaciones de Críticos de Cine de San Diego, San Francisco y Estados Unidos, entre otros. Siendo dirigida en ambos filmes por el experto en dirección de actores y actrices Mike Leigh. 

 El guionista, director de cine y teatro, Mikel Leigh, estudió en la Escuela de Cine de Londres y en la Real Academia de Arte Dramático de esta ciudad. Tras sus inicios como director teatral y algunos años compatibilizando teatro, televisión y cine, irrumpió de lleno en el largometraje con temáticas centradas principalmente en las clases trabajadoras londinenses; a las que bien conocía, dado que su padre, médico, ejerció en un barrio obrero de la ciudad. 

 Es de interés ese dato familiar, puesto que marcaría las temáticas recurrentes sobre las clases sociales obrera y media, de la mayor parte de su obra, al conocer por su padre las preocupaciones, vivencias y problemas de las familias que a diario como médico trataba. 

 Con un dilatado historial de una veintena de obras de teatro dirigidas -no conocidas fuera de Inglaterra- y otras tantas de televisión y cine, adquirió, gran prestigio internacional con su obra cinematográfica, por la que sería premiado en los principales festivales europeos de Londres, Cannes, Venecia… 

Mike Leigh, veterano director de Mi única Familia.

 Entre sus filmes más conocidos destacan: Naked o Indefenso -1993, sobre el consentimiento sexual y las falsas denuncias de violación, Premio Mejor Director en el Festival de Cannes-; el anteriormente citado Secretos y mentiras -1996, Palma de Oro en Cannes-; El secreto de Vera Drake -2004, drama sobre una familia muy humilde y los abortos clandestinos-, Premio León de Oro en el Festival de Venecia… Contando también por toda su obra con la distinción de Caballero de la Orden Oficial del Imperio Británico, entre otros reconocimientos. 

 Pese a sus aparentes contradicciones, crudeza y realismo, con el cine de Leigh, se identifican y familiarizan, la generalidad de los espectadores y a ello debe su popularidad, estima, reconocimiento, fama… 

 Aunque en una lectura denotativa de Mi única familia pueda parecer que el filme es una dura denuncia de la conducta tóxica, corrosiva, inaceptable y repudiable de una mujer neurótica y desquiciada; contrariamente, atendiendo a teorías del psicoanálisis, el filme, en su final fundido a negro, pero abierto a polisémicas interpretaciones, bien puede ser una amable conmiseración acerca de los males que aquejan a las sociedades de hoy… 

 Francisco Montero.

                 Trascendencia contra Aceleración

 EL DINERO 

 -Cartel original del film.-

  Hemos indicado en reiteradas ocasiones que uno de los signos más representativos de nuestro tiempo es la aceleración. Vivimos demasiado deprisa, vertiginosamente, con la intención de conseguir rápidamente logros inmediatos en todas nuestras metas… 

 Y sin lugar a dudas, uno de los elementos aceleradores de esa carrera vertiginosa sea la rentabilidad de nuestras dedicaciones, el poder del dinero, que al no lograrse frena tantas carreras. 

 Éticamente, los valores universales, verdad, bondad y belleza y su trascendencia, suelen verse afectados, malbaratados, con frecuencia, por esa prisa de vivir. 

 En los medios de comunicación, literatura y cine, tan atenidos a la moda de la rentabilidad, pocas obras permanecen en candelero, en cartel, más de una breve temporada. No obstante, filmes magistrales de valores humanistas como El Dinero, del cineasta francés Robert Bresson -basada en el relato El cupón falso de León Tolstói-, a través de las filmotecas y bibliotecas, sí desafían a la aceleración; reivindicando el arte de la trascendencia… 

 Acaso por su carácter anarquista, al controvertido humanista social, cristiano y gran escritor ruso León Tolstói, considerado uno de los mayores literatos de la historia universal, propuesto en varias ocasiones durante la primera década de los años 1900, a los Premios Nobel de Literatura y de la Paz, no se le llegaron a otorgar citados reconocimientos. 

 Tolstói prolífico autor realista de más de setenta obras: cuentos, novelas, ensayos, obras educativas y religiosas, entre otras temáticas, alcanzó la celebridad con sus novelas Guerra y Paz (publicada inicialmente en fascículos entre 1865-1869) y Ana Karénina (1875-1877). Otras conocidas obras suyas fueron La sonata de Kreutzer (1889), Resurrección (1899), y El cupón falso (1911). Todas ellas llevadas al cine en diferentes ocasiones, por lo que a Tolstói se le considera como escritor clásico muy cinematográfico. 

 Su obra maestra religiosa, considerada obra cumbre del pensamiento cristiano del autor, censurada en Rusia y publicada en Alemania (1894), fue El reino de Dios está en vosotros -duro alegato contra quienes hacen las guerras-, de la que Mahatma Gandhi dijo: “Me abrumó y dejó una impresión imborrable”… 

León Tolstói, retrato de Ilya Efimovich (1887).

  Sobre León Tolstói, el cineasta estadounidense Michael Hoffman realizó el filme biográfico La última estación (2009), muy reconocida por sus interpretaciones, para los Premios Sindicato de Actores, Globo de Oro y Oscar, contribuyendo a un mejor conocimiento del escritor en el cine, al igual que las múltiples versiones de Guerra y Paz y Ana Karénina, llevadas a las pantallas. 

 Dado el extraordinario reconocimiento internacional del escritor humanista y su obra en el cine, en Francia, el prestigioso cineasta -también religioso y humanista- Robert Bresson, se interesaría por el autor adaptando magistralmente el universal tema de El cupón falso en su reflexivo filme El Dinero; profundizando en los problemas vivenciales, sociales y morales, para el bien y para el mal, del poderoso medio de interrelación humana, de todos los tiempos y lugares… 

 El guionista, director y productor de cine Robert Bresson (1901-1999), no tuvo una filmografía muy extensa pero sí intensa y de profunda significación estética y ética para el séptimo arte; el genial director de la Nouvelle Vague Francesa y escritor de Cahiers du Cinema, Jean-Luc Godard, le caracterizó perfectamente: “Él es el cine francés…” 

 Con su docena de largometrajes realizados como guionista y director obtuvo los mayores reconocimientos en los Festivales Internacionales de Cine de Europa: En Berlín, Oso de Plata por su filme El diablo, probablemente (1977); en Cannes, Palma de Oro al Mejor Director por sus filmes Un condenado a muerte se ha escapado (1957), y El Dinero (1983), y Gran Premio del Jurado por su filme El proceso de Juana de Arco (1962; en Venecia, Premio Internacional, Premio de la Oficina Católica Internacional del Cine y Premio de la Crítica Italiana por su filme Diario de un cura rural (1951), Mención Especial, Premio New Cinema y Premio San Jorge por su filme Al azar de Baltazar (1966), Premio Secciones Paralelas por su filme Mouchette (1967), y León de Oro Honorífico (1989) por su trayectoria cinematográfica; en San Sebastián, Concha de Plata a la Mejor Dirección por su filme Una Mujer dulce (1969), entre otros… 

Robert Bresson, minucioso y detallista realizador en un rodaje.

 Robert Bresson, quien antes que cineasta fue pintor y fotógrafo, declarado jansenista cristiano, admirador del ascetismo y misticismo del escritor Georges Bernanos, trató esos temas en su filme citado Diario de un cura rural, basado en la novela homónima del escritor, quien influiría en lo sucesivo en su forma de hacer cine. 

 Tras alistarse en el ejército francés en los inicios de la Segunda Guerra Mundial, fue apresado en 1940 y llevado a un campo de concentración alemán, cuyas vivencias le valdrían posteriormente para realizar el filme Un condenado a muerte se ha escapado, y alentar su idiosincrasia humanista. 

 Bresson, con su reducida obra, no sólo revolucionó por sus temáticas humanistas la ética del cine francés, sino que también, estéticamente, revolucionó su lenguaje, considerándosele “Padre del Lenguaje del Cine Moderno y Maestro de la Nueva Ola Francesa”. 

 Estéticamente, la narrativa de Bresson se caracteriza por su lenguaje austero, sobrio, pletórico de sugerencias y significados, que confieren a sus filmes poesía y motivaciones para una profunda reflexión… 

 Su lenguaje ha contribuido a confirmar la conocida confrontación de: “Los realizadores americanos llevan el cine en la sangre y los directores europeos en la mente y la imaginación…” 

 La narrativa del director es rica en: sugerentes elipsis, simbólicos y significativos planos de detalle, introspectivas tomas para penetrar en los pensamientos y sentimientos de los personajes, escuetas ambientaciones para no distraer de las vivencias profundas de los protagonistas y actores -en muchas ocasiones, no profesionales-… 

Expresivo y significativo plano de El Dinero.

 Éticamente, como pensador religioso jansenista, a Robert Bresson le preocupaban: la conciencia personal y social, el bien y el mal, la moralidad y el pecado, la culpa y la redención…; cuyas temáticas, entre otras, trata en sus filmes, caso de El Dinero. 

 Buena parte de la literatura, el cine y los medios audiovisuales de hoy se preocupan preferentemente por temáticas de acción, con un acelerado y trepidante tratamiento de thriller, para satisfacer los gustos de las sociedades del momento induciéndolas a la inmediatez y la irreflexión… 

 Contrariamente, la literatura de Tolstói y el cine de Bresson, obras universales e intemporales, de todo lugar y tiempo, de plena actualidad, motivan vivencias positivas más reflexivas y trascendentes. 

 En estos momentos en que tantos psicólogos y sociólogos coinciden en asegurar que el dinero es el principal dios al que rinden culto todas las sociedades, revisar novelas como El cupón falso de Tolstói, o filmes como El Dinero de Robert Bresson, que se encuentran en numerosas bibliotecas y filmotecas, resulta de sumo interés. 

 Francisco Montero.

 

 

LA FLOR DEL BURITÍ 

-Cartel del film.-

 El cine documental-argumental, o docuficción, aunque no sea un género predilecto del gran público y de multitudinarias expectaciones, sí viene ganándose la atención de los veteranos amantes del cine y de los jóvenes cinéfilos… 

 Es el caso del exótico filme indigenista La flor del burití, multipremiado en los prestigiosos festivales internacionales cinematográficos (2023) de: Cannes, Francia, -Premio Un Certain Regard-Prix d´Ensemble-, Múnich, Alemania, -Premio Cine-Visión- y Huelva, España, -Premio Especial del Jurado-; además de otros importantes reconocimientos de carácter antropológico y social. 

 El filme, con alto valor humanista, pedagógico y poético, de manera minuciosa, emotiva y realista, narra concisamente una historia del pueblo indígena de los Krahô en el corazón de la selva amazónica de Brasil… 

 Conviene recordar que el expresivo título de La flor del burití, alude a que para los indígenas la palmera burití tuvo la significación de “árbol de la vida”… 

 Este filme, a través de los escudriñadores e intrigantes ojos de una niña, hija del indígena Patpro, que mira con miedo y esperanza el futuro de su tribu, describe tres cruciales momentos de la historia de su pueblo y sus gentes indígenas, avocadas irremisiblemente a la civilización de su entorno etnográfico, y al progreso de su país, pero sin una paulatina y adecuada preparación para ello. 

 El interesante guion de La flor del burití, ha sido escrito por el matrimonio de cineastas Joao Salaviza y Renée Nader Messora, basados en relatos de algunos de sus protagonistas y actores indígenas krahô: Henrique Ihjac Kraho, Ilda Patpro Kraho y Francisco Hyjno Kraho, los que confieren autenticidad, verismo y realismo a la vertiente documental del filme. 

 El cineasta guionista, director, editor y productor portugués Joao Salaviza (Lisboa, 1984), es hijo de cineastas -Edgar Feldman, director, y madre productora-, por lo que lleva el cine en la sangre. Se formó en la Escuela Superior de Teatro y Cine del Instituto Politécnico de Lisboa y en la prestigiosa UBA, Universidad de Buenos Aires de Argentina, que cuenta con las especialidades de Ciencias de la Comunicación y Diseño de Imagen y Sonido. 

Joao Salaviza y Renée Nader Messora, realizadores de La flor del burití.

 Salaviza, tras un período inicial en la publicidad se dedicó al cortometraje, obteniendo extraordinario reconocimiento y prestigio con una decena de cortos realizados. Entre ellos: Dos personas (2004), Premio Mejor Realización en el Certamen de Cortometrajes de Oeiras y Premio de Mejor Ficción en el Hyperion de Budapest; Arena (2009), Palma de Oro en el Festival de Cannes; Rafa (2012), Oso de Oro en el Festival de Berlín… 

 Su primer largometraje El canto de la selva. Lluvia y cánticos en la aldea de los muertos (2018) codirigida con Renée Nader Messora, en el que ya aborda la temática indigenista de los krahô, obtuvo los reconocimientos: Premio Especial del Jurado-Una Cierta Mirada, en el Festival de Cannes y Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine latinoamericano de Mar del Plata de Buenos Aires. 

 Renée Nader Messora, licenciada en cinematografía por la Universidad de Buenos Aires, se inició en el mundo del cine como asistente de dirección en varios países de latinoamerica y Portugal, asumiendo tareas de encargada de cámaras, cuya experiencia le valdría para dirigir la fotografía de La flor del burití. 

 En 2009, conoce y se relaciona con una comunidad indígena krahô, colaborando con ella en diversos cometidos culturales y de formación, lo que motiva la guionización y realización de su primer filme El canto de la selva, junto a su esposo Joao Salaviza… 

 Su sensible mirada femenina, humanista, naturalista y ecologista de las formas de vida del pueblo Krahô, no pasó desapercibida en el Certamen Internacional de Cine de Cannes, por lo que el filme fue reconocido con citado Premio Especial del Jurado “Una Cierta Mirada”. 

 La atrayente forma de tratar y filmar los pensamientos, sentimientos, vivencias, costumbres, fiestas, rituales…, de las gentes de las tribus indígenas, en el filme, despertaron la atención en diversos festivales, siendo distinguido con una veintena de reconocimientos… 

Significativo fotograma de los rituales krahô.

 Del guion tripartita, indígenas krahô y matrimonio de cineastas, y de las entrevistas efectuadas a Renée Nader Messora y Joao Salaviza, se deduce prevalece en la historia del filme el pensamiento y la mirada feminista de Messora… 

 La historia del pueblo krahô se narra, divida en tres partes y en el transcurso de tres tiempos diferentes, a través de la elevada mirada de la niña indígena que parece escudriñar inquisitiva y poéticamente en las alturas -cielo, copas de los árboles, vuelo de los pájaros…-, se inicia, en La flor del burití, con un parto embrionario -símbolo ancestral de los orígenes remotos desconocidos del pueblo indígena-, al que sigue una masacre de la tribu por los ocupantes blancos en 1940, y concluye con una manifestación reivindicativa de los derechos de su cultura, sus vidas independientes, su territorio, frente a la moderna y avanzada Brasilia, durante el gobierno de Bolsonaro, contrario a los movimientos indigenistas… 

 El filme es una sensible  mirada que, acaso, pretende hacer reflexionar profundamente acerca de los valores del progreso y desarrollo de las avanzadas sociedades actuales en contraposición a los valores naturales de las sociedades más primitivas, pero quizás más felices. 

 En las sociedades y comunidades de hoy, en las que tenemos la sensibilidad y el sentido de la vida, coartados y acorralados por los angostos, estrechos y artificiosos espacios vitales de las ciudades actuales, contemplar los escenarios abiertos y sin límites de la naturaleza en el filme La flor del burití, es, ciertamente, una relajante y balsámica mirada para la sensibilidad y el espíritu. 

 Aunque el filme tiene un protagonista colectivo claro, el pueblo krahó, no se han descuidado en él los aspectos y matices de la personalidad individual del indígena, de sus gentes: sus preocupaciones vitales y de trascendencia, sus tareas cotidianas, sus relaciones personales… 

 En esta vertiente, documental y de ficción, el filme, interpretado por auténticos actores indígenas es rico en primerísimos planos que logran penetrar en la psicología de sus personajes y trasmitir expresivamente sus vivencias, pensamientos, sentimientos… 

Expresiva imagen del protagonista indígena del filme.

 En su introspección humanista, La flor del burití, plantea también una sutil reflexión acerca del dualismo dialectico existente entre la vida materialista del desarrollo y progreso y la vida menos artificiosa y más natural; así como sobre el afán de poder político individualista en las sociedades democráticas actuales y las formas de regirse, al generoso servicio de sus comunidades indígenas de antaño. 

 La flor del burití, incidiendo en la similar temática del pueblo Krahô, que su precedente El canto de la selva, es un filme de mayor riqueza y profundidad descriptiva, social e ideológica, acerca de la defensa de los pueblos indígenas, tantas veces masacrados por los colonizadores de sus territorios, sus culturas, sus costumbres y formas de vida. 

 La historia, Madre y Maestra dando lecciones que nunca se aprenden, adquiere en La flor del burití, un acentuado interés, refrendado en los festivales de cine más importantes del mundo en los que el filme se ha presentado, aunque en España su difusión en las grandes salas comerciales, está siendo muy exigua. 

 Francisco Montero.