EL REGRESO DE LAS GOLONDRINAS 

 -Carteles original y español del film.- 

 Aunque el sugerente cartel original del film no esté realizado a plumilla, ni nos remita al Romanticismo o Posromanticismo Español, el filme Return to dust, El regreso de las golondrinas, sí tiene algo que ver con Espronceda y con Bécquer y su popular consabido poema de “Volverán las oscuras golondrinas…” y, sobre todo, con un Realismo Poético Universal y de todos los tiempos, de ayer, de hoy, y acaso de mañana… 

 El regreso de las golondrinas, del joven realizador chino Li Ruijun, nos llega aclamado como uno de los mejores filmes de la Historia del Cine Chino, y nosotros, sin exgerada apología, lo consideramos uno de los más poéticos y bellos filmes de la Historia del Cine Mundial… 

 El filme, presentado en España en la SEMINCI (2022), Semana Internacional de Cine de Valladolid -considerada como de Valores Humanos y Espirituales-, obtuvo su máximo reconocimiento y galardón de la “Espiga de Oro”. 

 El regreso de las golondrinas, cuyo título original es Regreso al polvo, a la tierra, a la naturaleza a la que todos pertenecemos, es un memorable, fascinante, hermoso y bello canto, camino cinematográfico y humanista de la filosofía y espiritualidad del taoísmo… 

 Con este filme, no solo rememoramos el magistral canto humanista del Premio Nobel de Literatura Hermann Hesse sobre Francisco de Asis, sino que reflexionamos también sobre El lobo estepario: el mercantilismo materialista de las sociedades actuales, en las que todo, incluso el amor y los valores humanos, hasta el desarraigo de la tierra -la vida natural y rural vaciada-, se compra y se vende… 

 El polifacético Li Ruijun, guionista, director, actor, compositor cinematográfico y productor, inicialmente estudió música y pintura, cuya formación le valdría despés para el acusado esteticismo pictórico que resalta en la composición de las escenas y planos de sus filmes. 

 Posteriormente, se graduó en los estudios de Radio, Cine y Televisión de la Universidad de Comunicación de China, iniciándose profesionalmente como programador de televisión, donde adquiriría un amplio conocimiento del mundo audiovisual y del cine. 

 En 2007, realiza su primer largometraje, como guionista, director, compositor y productor, El solsticio de verano -sobre las vivencias de una familia en el cambiante mundo del siglo XXI-, que presenta al Panorama Internacional de Realizadores de Cine y Video Independientes, en el que obtuvo el Premio Especial al Largometraje. 

 A este filme, seguirían, en su polifacética labor, media docena de filmes -poco conocidos en Europa- hasta que realiza en 2017 Caminando más allá del futuro -tragedia acerca de una familia que tras fracasar en el artificioso y sofisticado mundo urbanita de la ciudad regresa a su aldea…- que fue muy aplaudido en la sección “Una Cierta Mirada” del Festival Internacional de Cine de Cannes (2017). 

Li Ruijun -en el centro- junto a los protagonistas de Caminando más allá del futuro.

 A este filme, seguiría Regreso a la tierra, o El regreso de las golondrinas; filme con el que Ruijun reafirma su interés por la infelicidad de las progresistas y sofisticadas sociedades actuales y su regreso a tradicionales valores humanos y de la naturaleza… 

 Li Ruijun parece conocer bien el cine europeo e inspirarse y rendir homenaje al mismo: a Hermano sol, hermana luna -filme preciosista de Franco Zeffirelli, epígono del neorrealismo italiano, sobre San Francisco de Asís-, y Al azar de Baltazar -filme humanista del realizador francés Robert Bresson, padre del lenguaje del cine moderno y jansenista, sobre un metafórico burro expiatorio que carga con los problemas morales y espirituales, culpas y pecados humanos…- 

 Hermann Hesse, seguramente confirmaría hoy que El regreso de las golondrinas, es un filme franciscano sobre la naturaleza y la fraternidad: hermano renacuajo, hermana golondrina, hermana gallina, hermano burro…; pero también hermana familia y sociedad humana… 

 La burrita de carga, protagonista, junto a la infortunada y pobre pareja que forman el matrimonio de la humilde y modesta Ma y el sencillo y tímido Cao, en El regreso de las golondrinas, no es sino la poética metáfora de las cargas que pesan sobre la desterrada familia y desarraigada sociedad humana actual, de hoy, de mañana… 

La burrita, Ma y Cao, en una metafórica escena del filme.

 En el filme, la familia y sociedad que retrata Ruijun, son clanes o tribus interesadas y mercantilistas que no dan nada a cambio, por lo que carecen del sentido altruista y solidario, de la donación fraternal, del amor… 

 Cao, imbuido por las leyes de la naturaleza no es así: es donante de sangre desinteresado que mantiene la vida de pacientes que tienen necesidad de ella, a pesar de su miedo y fobia a los hospitales y extracciones… 

 En su aciago matrimonio con Ma que fue forzado por la conveniencias familiares, intentará persistentemente motivar y suscitar la generosidad y el amor… 

 Aunque no exclusivas, son pautas del pensamiento y la filosofía taoísta -en las que desarrolla Li Ruijun su filme, acaso poco entendido hoy en occidente-: el sí frente al no, lo positivo en lo negativo, la belleza en la fealdad… -

-En la primera noche de la boda de los protagonistas, un cineasta occidental, seguro hubiera introducido y resaltado en la narración una sensual y escabrosa escena erótica de sexo…- 

 Ruijun, dada la incontinencia urinaria de Ma, filmará que los contrayentes duerman en jergones separados, incluso que Cao, como sucesivas noches, alimente la rudimentaria estufa de leña de la habitación para que ella alivie, seque, su vergonzante y angustiosa situación: puro amor y poesía, pura belleza de la fealdad…. 

 La infertilidad de Ma, imposibilitará que la reducida familia pueda tener hijos y aumentar; no obstante, Cao soñará que tras la póxima cosecha del maíz, podrá llevarla a un buen médico: puro taoísmo acerca de la resignación y la esperanza… 

 Aunque Cao no se resignará; ideará una maltrecha incubadora con una simple caja de cartón y una cálida bombilla y en ella darán a luz a los pollitos y pollitas que integrarán su numerosa familia: es la persistencia en doblegar la adversidad, ateniéndose a las leyes de la naturaleza… 

Ma y Cao, con su metafórica incubadora familiar.

 Cada plano y cada escena de Return to dust, El regreso de las golondrinas, son un sencillo pero sugestivo poema, y una fascinante metáfora… 

 Además del imaginativo guion y la acertada dirección de Li Ruijun, las sensibles y sentidas interpretaciones de Christina Hai en el papel de Ma, junto a la de Wu Renlin, como Cao, y la espléndida fotografía preciosista de Wang Weihua, hacen de Return to dust un filme inolvidable, y de los de mayor interés universal de las últimas décadas. 

 Como enseña el Tao -y en su filme, Li Ruijun-, al igual que las golondrinas regresan siempre a su nido de barro, a su origen, Ma y Cao, tras el enorme esfuerzo de edificar una modesta casa de adobes de  barro, un acogedor hogar, inexorablemente, regresarán también a su origen, a la tierra, al polvo; pero, a pesar de las adversidades, habrán conocido, el amor, la felicidad de haber vivido en paz y armonía con su frágil destino, con la naturaleza… 

 Francisco Montero.

 LA RULETA DE LA FORTUNA Y LA FANTASIA 

-Cartel del film.-

 Como cada año, con la llegada de la temporada estival se reduce considerablemente el estreno de grandes filmes cinematográficos, que suele reservarse para los momentos de mayor afluencia a las salas. 

 Salvo temas diversivos y de carácter vacacional, es difícil encontrar en las salas de estreno un filme de cine y humanismo, de valores, de los que hacen historia y sea de interés especial para los cinéfilos. 

 No obstante, atenta a este fenómeno estival, Radio Televisión Española, en su programa de internet “Somos Cine”, nos ofrece interesantes reestrenos nacionales e internacionales, de filmes de sumo interés para revisar y disfrutar. 

 Es el caso del filme japonés La ruleta de la fortuna y la fantasía, obra excepcional de carácter cinematográfico y literario, que nos rememora al gran maestro japonés del cine mundial Akira Kurosawa y sus interesantes Conversaciones con Gabriel García Márquez, periodista y crítico de cine, además de novelista Premio Nobel de Literatura. 

 En contadísimas ocasiones se consigue un filme magistral que aune interés cinematográfico y literario, inolvidable para los amantes del cine y de la literatura. 

 Citado filme, de éxito internacional y para todas las culturas, haciendo fehaciente gala en su publicitación de “delicia absoluta y milagro cinematográfico”, realizado por el joven japonés, Ryûsuke Hamaguchi, en 2021, nos recuerda que estuvo entre los mejores y primerísimos filmes de valores en las listas de prestigio de los más aplaudidos del año. 

 Hoy, podemos volver a disfrutar de él, gracias a su reestreno en citado programa, gratuito, de Radio Televisión Española, y rememorar el substancioso encuentro y diálogo entre los maestros Kurosawa y García Márquez, por la alusiva humanista y sutil filosofía de cine y literatura en La ruleta de la fortuna y la fantasía, de Hamaguchi… 

 La ruleta de la fortuna y la fantasía, sin pretenderlo, nos recuerda los filmes de Kurosawa: Ikiru, Vivir -véase nuestra reseña en este blog, marzo, 2020-, Sueños -filme en episodios al igual que el que ahora se reseña- y el último del maestro Rapsodia en agosto -vease en este blog la reseña de agosto de 2014- sobre el que mantuvo las Conversaciones con Gabriel García Márquez… 

Ryûsuke Hamaguchi, realizador del introspectivo e intrigante filme.

 El guionista y director japonés Ryûsuke Hamaguchi se formó en la Universidad de Bellas Artes y Música de Tokio, graduándose con su película Passion (2008), y dedicándose inicialmente a la publicidad.

 Pocos años después participó en la realización del documental Las victimas del terremoto y tsunami de Japón de 2011, al que seguirían otros documentales, que le familiarizarían con el cine y le abrirían las puertas hacía el largometraje de ficción… 

 Su primer largometraje dramático, como guionista y director, Happy hour (2015), se presentó en el Festival Internacional de Cine de Locarno, obteniendo los premios a Mejor Guión y Mejor Interpretación -exaequo- de sus cuatro actrices protagonistas. Ese mismo año el filme sería reconocido con el Premio Especial de la Crítica Japonesa. 

 Su último filme -poco conocido en España- Drive My Car (2021), obtuvo el Óscar de ese año como Mejor Película Internacional y el Premio BAFTA -Academia Británica de Cine y Televisión- como Mejor Pelicula de Habla No Inglesa. 

 Su filme anterior, La ruleta de la fortuna y la fantasía se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Berlín ((2021), en el que obtuvo el Gran Premio del Jurado Oso de Plata… Y el exitoso reconocimiento del público en el Festival Internacional de Cine de San Sebastian de ese año. 

 Hoy, vivimos un mundo, unos países, unas sociedades y familias carcomidas por las diferencias, rivalidades y egoísmos -acaso frutos de las mentiras y los maquiavelismos ideológicos y políticos que inducen y gobiernan nuestras vidas-; profesores, psicólogos y psiquiatras de prestigio como el español-estadounidense Luis Rojas Marcos -en sus libros sobre la pareja y la familia rota o las semillas de violencia- y su hija Laura Rojas Marcos -en su libro sobre las relaciones tóxicas en la familia, o en sus talleres de convivencia-, lo vienen manifiestando… 

 Socialmente, es sabido que nuestra cotidianidad y trivialidad estan envenenadas por una significativa adversa ruleta de la fortuna: el destrozo de la magia de las relaciones sentimentales, la insatisfacción o frustación sexual, la falta de felicidad y desencanto de vivir… 

 Y con seguridad, la imaginación -la gran riqueza del hombre-, las dosis de fantasía y de realismo mágico, que aportan los tres episodios del filme La ruleta de la fortuna y la fantasía, en citados aspectos, sean las claves de la aceptación social y singular éxito del filme… 

 -A ellos nos remiten también rememorada fantasía de los Sueños de Akira Kurosawa y el realismo mágico de los Cien años de soledad de Gabriel García Márquez… 

Fotograma sobre las relaciones sentimentales, en el filme de Hamaguchi.

 Las trivialidades cotidianas -relaciones amorosas, sexualidad y erotismo, la felicidad y el contento de vivir, a través de los tres episodios o historias cortas del filme: Magia (o algo menos reconfortante), Una puerta abierta de par en par y Una vez más- comunes a todos los humanos, pero tratadas con gran imaginación y fantasía, reiteramos, son las claves del éxito del filme, junto a los valores de su fotografía, interpretación, música… 

 En La ruleta de la fortuna y la fantasía, resulta de extraordinario interés, la confrontación de literatura-cine que efectúa su realizador entre los dos recursos narrativos, con una exquisitez y sutileza, pocas veces conseguida en la complementariedad de los dos medios expresivos, palabra e imagen… 

 Las sencillas pero expresivas imágenes de su actual y contemporáneo lenguaje, son de justo anillo a su dedo, sugerente y sugestivo guión… 

 Sin duda, el filme de Hamaguchi, al igual que los fantasiosos e insinuantes filmes de Kurosawa o las novelas de realismo mágico de García Máquez, que nos rememoran, es de sumo interés para los amantes del buen Cine y Literatura…

Intrigante y sugerente fotograma del episodio Una puerta abierta de par en par.

  Aunque de las tres historias cortas o episodios en que se narra el filme, la final, Una vez más, sea la de mayor profundidad e interés social y humanista; Una puerta abierta de par en par, la segunda, acerca de la sexualidad y el erotismo, resulta más impactante y sugestiva… 

 Otro de los valores de interés del filme de Hamaguchi es el de su intimismo y profundidad psicológica. Los tres episodios de La ruleta de la fortuna y la fantasía, están narrados en clave de confidencialidad. Sus personajes manifiestan sus vivencias y se interrelacionan muy intimistamente, logrando identificación personal con el espectador… 

 Las secuencias del filme se desarrollan en largos planos temporales y escenarios cerrados que acentúan su intimismo y confidencialidad. La abundancia de primerísimos planos introspectivos, filmados con magia narrativa, fantasía y sugerencia, contribuyen sobremanera a penetrar sensiblemente en las vivencias, pensamientos y sentimientos de los personajes… 

 Por suerte, filmes como La ruleta de la fortuna y la fantasía, el cine, aunque muy de tarde en tarde, sigue siendo un espectáculo humanista, positivo y optimista, de magia y fantasía -como lo concibiera el mago e ilusionista del cine Georges Méliès-: una fábrica de sueños… 

 Francisco Montero.

 LIBRES

-Cartel del film.-

 Todos venimos a la vida “enclaustrados” en el calor de un seno materno. Una madre amorosa que nos protegerá de ¡tantas acechanzas y peligros!... 

 Incluso de que el misterioso aliento de la vida nos abandone en el vacío, en la nada, en la inexistencia, en el aborto. 

 En el calor y la protección de ese vientre, ese claustro, iremos conformando nuestro ser, hasta nuestra llegada a la luz, a la libertad de aprender a decidir qué hacer de nuestra vida… 

 Paulatinamente, iremos aprendiendo, con interminables lecciones vitales, y en las poderosas razones aducidas por nuestro sabio filósofo Ortega y Gasset de que “yo soy yo y mis circunstancias”; aunque, acaso, no perderemos del todo, la luz, la claridad de decidir cómo dar el mejor sentido a nuestra vida, a nuestra libertad…. 

 De esa libertad y de ese sentido de la vida trata este misterioso filme Libres, en cuyo título reza la metafórica frase latina duc in altum, alto y profundo… Son, según el evangelista San Lucas, las elocuentes y animosas palabras de Cristo a sus desalentados discípulos pescadores con las redes aún vacías: “Remad mar adentro”… 

 Es decir, en un mundo desalentador por tantísimas circunstancias, en un lenguaje de hoy: rema alto y profundo hacia tu interior, espiritualmente, poéticamente, hacia ese otro claustro maternal en el que te sientas protegido, echa las redes y libérate de desalientos… 

 La pesca de la esperanza, del sentido de tu vida, según los testimonios de Libres, es posible. 

 De ello trata el impresionante y sobrecogedor filme del joven cineasta Santos Blanco, coproducido por Variopinto Films y Bosco Films -carismática productora de filmes de valores humanos y espirituales-, entre otras empresas. 

Santos Blanco, director de Libres.

 Aunque la cultura literaria y la transmisión del pensamiento de forma verbal, hablada o escrita, no pierde su vigor de siglos, es evidente que la Galaxia Marconi audiovisual, se ha impuesto sobre la Galaxia Gutenberg de la imprenta. 

 Hoy se piensa más en imágenes y secuencias, que en palabras y frases. Hasta los más célebres y populares novelistas actuales escriben sus obras de forma muy cinematográfica. 

 Dada la ingente cantidad de comunicaciones que recibimos por los prolíficos medios adiovisuales -telófonos móviles, ordenadores, televisiones…-, hoy, subconscientemente, se ha adquirido una amplia formación en el lenguaje de la imagen, que, junto a los exclentes medios técnicos de que se disponen, capacita a las nuevas generaciones para ser buenos comunicadores con ellos, competentes realizadores de televisión, buenos cineastas… 

 En el historial de Santos Blanco, joven cineasta, director-realizador del filme Libres, se destaca la creación de la empresa Variopinto Producciones, que sí cuenta con una considerable experiencia en los medios audiovisuales: producción, creatividad, dirección artística, fotografía, publicidad…, y una considerable trayectoria. 

 Con la excelente idea de Libres y en coproducción junto a Bosco Films -reiteramos, veterana ya en el género de Cine de Valores Humanos, Religiosos y Expirituales-, además de otras colaboraciones, Santos Blanco y Variopinto Films han logrado un documental que viene sorprendiendo en los cines de España, por su exitosa acogida de público y permanencia en las carteleras. 

 La consolidada idea de que España es el país más espiritual de Europa, dada su cantidad de claustros, monasterios, conventos, religiosas y religiosos, está atrayendo a las salas cinematográficas a un numerosos público interesado en ello. 

Expresivo fotograma de un pintor de éxito que optó por la vida monacal.

 En los documentales de entrevistas a personajes, como es Libres, el mayor mérito del tema de la vida en los monasterios y conventos, de los religiosos y religiosas que viven en ellos, lo encontramos en el interés de las manifestaciones y testimonios personales… 

 En este filme, son los vivos y sentidos pronunciamientos en las entrevistas, acerca de la verdad, bondad y belleza, como búsqueda y motivaciones fundamentales de la felicidad y el sentido de la vida para los declarantes, que lo son también para todos los humanos. 

 De las más de veinte horas de filmación de las entrevistas realizadas, su director Santos Blanco, afirma que la mayor de las dificultades del trabajo, ha sido la de reducir a las dos horas del filme, el sumo interés de todas ellas… 

 Sobrecogen algunas entrevistas como las del pintor de éxito que deja la aprehensión de la belleza lograda con su arte plástico , por la más profunda y espiritual encontrada en la vida del claustro… 

 Libres es una sensible y sutil expresión humanista de quienes se desembarazan de todas las ataduras mundanas, para decidirse por una espiritualidad más alta y profunda -como reza su título “duc in altum”-, de un inefable mundo interior. 

 El filme, aunque subraya, acaso con exceso, la recatada y misteriosa luz de la vida interior en los claustros, explicita una llamada vocacional, en la voz de las religiosas y religiosos entrevistados, a una alegría superior, dificilmente descriptible para las personas normales que transcurren atadas a las circunstancias de sus preocupaciones cotidianas… 

 Una alegría de vivir que resulta más evidente en las hermanas religiosas, que se contentan en la verdad, bondad y belleza, naturales y franciscanas, de la vida sencilla, sin sofisticaciones, de las pequeñas cosas… 

Expresivo fotograma del documental Libres.

 Antecedente similar del filme Libres, lo encontramos en el aplaudido La isla de los monjes, de la directora francesa Anne Christine Giraldot, que figura también entre los distribuidos por Bosco Films. 

 Filmado acerca de los monjes del monasterio cisterciense de Sion de los Paises Bajos, que tuvo capacidad para más de ciento veinte religiosos y en el que solo quedaron siete, venden el monasterio y se trasladan al lugar de  La isla de los monjes, el documental se adentra en altura y profundidad en el universo místico de esta reducida comunidad de religiosos… 

 Libres, diferentemente,  se ha filmado en una docena de comunidades religiosas y claustros, de los más de setecientos que aún existen en España; este dato confirma la importancia de nuestro país como el de mayor espiritualidad de Europa. 

 El documental es un bello filme que, con sus testimonios, ayuda a reflexionar acerca de la liberación de los miedos, incertitumbres y procupaciones de no saber con certeza, sí o no, estamos dando el mejor sentido a nuestra vida… 

 Francisco Montero.

 

ALFARERIA, ALMA DE LA RAMBLA 

-Cartel de la serie-

 Córdoba (Andalucia, España), “Ciudad Joya”, Ciudad Patrimonio de la Humanidad, dada la ancestral riqueza de plata en su Sierra Morena, a lo largo de los siglos, se erigió como significativa Ciudad Mundial de Plateros y Joyeros… 

 En Córdoba, no hace mucho, se creó, por la espiritual e inquieta palestina Salma Al Taji Al Farouki, el Museo de la Alquimia Al-Iksir. Este Museo no trata solo de los transformación de la materia, de los metales nobles, piedras y otros elementos, en joyas preciosas, sino de la transformación espiritual de la materia en valores de vida,“joyas del alma”… 

 Para la presentación de ese Museo, acerca del gran filósofo Roger Garaudy -infatigable luchador, junto a Salma, por el Diálogo de Civilizaciones y Culturas y los Valores Humanos Espirituales- escribí “Contra la oscuridad, la alquimia del alma…” 

 Hoy, motivado por la serie de magistrales cortometrajes fílmicos Alfarería, alma de La Rambla, de la guionista Guayarmina Pedraza y del realizador Dany Ruz, sobre la milenaria Alfarería de La Rambla -pueblo de Córdoba muy reconocido internacionalmente por su valores artísticos, artesanales, y su magnífico Museo de la Cerámica-, junto a citados cortometrajes, necesariamente, tengo que tratar también de la alquimia del alma… 

 En La Rambla, “Meca Andaluza de la Alfarería y la Cerámica” y “Pueblo Patrimonio de la Humildad”, como es reconocido por paisanos y visitantes -a pesar de su grandeza en citada artesanía y arte-, acaso premonitoriamente, se descubrieron ejemplares y significativos Vasos Campaniformes, de antes de nuestra era común, con unos cinco mil años de antigüedad, que se citan en uno de los documentales y pueden conocerse en el Museo Arqueológico y Etnológico de Córdoba; éstos vasos acaso fueron realizados, por algún alfarero local de la prehistoria, ya que junto a ellos se encontró el punzón con el que posiblemente habrían sido tallados… 

 La original abundancia de barro en el subsuelo de La Rambla, único en el mundo por sus propiedades de moldeabilidad, pureza y blancura, elaborado por mágicas manos de artistas y cocido al fuego, siglo tras siglo, daría lugar también a su propia y original alfarería y cerámica, ”alquimia del alma”. 

 A los elementos fundamentales de la creación y la vida como son: tierra, agua, fuego, aire y éter -muy conocidos desde las tradicionales filosofías india y china del Ayurveda y del Tao, y que ilustran el significativo cartel de la serie-, los jóvenes cineastas de los documentales, Guayarmina Pedraza y Dany Ruz, con sensibilidad e inteligencia, han añadido las manos -a las que insufla su energía y fuerza transformadora la quintaesencia del éter-, como tratan en sus filmes… 

Guayarmina Pedraza -guionista y directora- y Dany Ruz -realizador-, autores de la serie.

 Como indican los títulos de crédito de la serie, de Guayarmina Pedraza, han sido la dirección, el guion y la producción del trabajo, en la que ha participado el Ayuntamiento de La Rambla. La cineasta Guayarmina, es una exitosa y reconocida narradora, por su cinematográfica novela Cayena Pura -escrita no hace mucho sobre Colombia, durante los acuerdos de paz entre el Gobierno y las FARC-, y su anterior documental cinematográfico y televisivo: Alfahar, una vida en el barro, también sobre la creación en la alfarería y la cerámica. Desde muy joven, tuvo una acusada y sensible vocación creadora: ceramista decoradora, música clarinetista y saxofonista en diferentes agrupaciones musicales, y en la célebre y aplaudida Gran Canaria´s Women Band… 

 Cayena Pura, además de ser un relato muy cinematográfico y de interés para ser llevado al Séptimo Arte de Artes, es una polifacética narración: humanista, multicultural y feminista, entre otros valores, que muy acentuadamente trata la autora en todos sus trabajos, y cómo no en ésta serie… 

 Dany Ruz, es un joven, pero muy veterano ya en los medios audiovisuales, que cuenta con un impresionante historial de realizaciones. Tras cursar estudios de Filosofía y Comunicación Audiovisual en Málaga, este cordobés de Montilla -tierra del Buen Vino y sus orígenes, al igual que La Rambla del Buen Barro-, se afinca en su pueblo natal, donde está revolucionando el panorama cultural con sus creaciones cinematográficas-televisivas y la música. En sus incontables y polifacéticas creaciones destacan: su productora Imprevisible Films -que cuenta con un nutrido historial de filmes de ficción y documentales-, el evento musical Soma Club Band -Festival Musical-, y el de cine Soma Club Films -Festival de Cortometrajes-, junto a los que ha publicado innumerables trabajos. 

 Entre los títulos de extraordinario interés del realizador, destacamos: Lobas -guionizado por el prestigioso dramaturgo montillano, cordobés, Juan Carlos Rubio-, Diario de un amor -serie de una joven relación amorosa, sobre la expresión corporal y el baile-, Siempre vuelven -documental patrocinado por el Ayuntamiento de Rute y la Diputación de Córdoba-… 

 Por sus originales realizaciones Dany Ruz ha sido muy reconocido con: Premio Córdoba Joven del Instituto Andaluz de la Juventud (2017), Premio LGTB Andalucía (2019), Premio Especial del Público en el Festival Internacional del Cortometraje en San Roque (Cádiz, 2019)… 

 Dany Ruz, coincide con la humanista y valiosa idea de la directora de la serie sobre alfarería, Guayarmina Pedraza, en que hay que luchar contra la deshumanización y despersonalización de los grandilocuentes proyectos de la grandes plataformas internacionales, a los que sobre todo interese el espectáculo comercial… Sus cortometrajes para YouTube, reiteran la ejemplarizante leyenda e historia de “David contra Goliat”… 

Angel M. Ruiz, Profesor de Historia y Cronista de La Rambla.

 En la interesante serie, Alfarería, alma de La Rambla, que no solo trata de la trasformación de la materia en obras de arte y artesanía, sino en valores humanos de vida, en valores espirituales, etéreos y de trascendencia, “alquimia del alma”, se ha contado con un nutrido equipo de autorizadas colaboraciones. Entre las colaboraciones destacadas que ilustran esta concisa Historia de la Alfarería y la Cerámica de La Rambla, no solo para Córdoba, Andalucía y España, sino también mundialmente, la serie recopila, con los testimonios propios de todo buen documental -autenticidad, verismo y realismo- los de: Carlos Capilla -Maestro-, Angel M. Ruiz -Profesor de Historia y Cronista-, Javier López -Profesor de Historia-, Elena Salinas -Arqueóloga y Profesora-… 

 No obstante, los innumerables testimonios personales, fehacientes, vivos, de las propias experiencias de los alfareros y las ceramistas del pueblo, con lo que piensan, lo que sienten lo que aman, lo que sueñan…; son los que confieren su acentuado humanismo a esta bella serie documental. 

 No pudiendo relacionar todos esos testimonios de mayores y jóvenes que persisten en esta milenaria tradición, quintaesencia, y etérea trascendencia espiritual del alma de la alfareria de La Rambla, sí podemos citar a algunos de sus representantes: José Luis Parra -investigador y rescatador de la Cerámica Califal en su Alfar Wallada-, Lucas Urbano -quien atesora el pequeño gran museo familiar con las magistrales obras de su padre Antonio-, Alvaro Montaño -quien auna todas las tareas del oficio de la Alfarería Típica Tradicional con la Presidencia de la Asociación de Artesanos-, el Museo de la Alfarería y Cerámica de la localidad -que, dirigido con muy buen acierto por Lorena Muñoz, año tras año configura la historia creadora con las “joyas del pueblo”, de sus alfareros y alfareras, de sus ceramistas… 

Expresivo fotograma de Alfarería, alma de La Rambla.

 Hoy que las sociedades de masas viven muy alienadas por la publicidad y comercialidad, no es extraño en el estreno de un filme de valores humanos, escasamente publicitado, encontrarse en una gran sala con un solo espectador… 

 Por ello, sin ambargo, en estos momentos en que influencers y youtubers, con modestos proyectos creativos pero geniales ideas, vienen ganando difusión y numeroso público, series de valores humanos, sociales y artísticos, como la de Alfarería, alma de La Rambla, de Guayarmina Pedraza y Dany Ruz, en medios y plataformas menos comerciales, como YouTube, resulten de extraordinario interés… 

 Francisco Montero.

 EL CAFTÁN AZUL

-Cartel del film-

 Hace unos años, el Certamen Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud de Gijón, con veinticinco ediciones ya en su historial, llegó a ser, por su dedicación a los niños y jóvenes, por su importancia, el primero de Europa y el segundo del mundo… 

 En este Certamen no sólo concursaban películas para la infancia y la juventud, realizadas por cineastas profesionales de prestigio, sino también modestos filmes realizados por niños y jóvenes aficionados… 

 Veteranos cineastas profesionales asistían con extraordinario interés a éstas sesiones de aficionados. Una poderosa razón: “los niños y jóvenes no tienen ni capacidad ni medios para realizar un buen filme, pero sí frescura y originalidad en sus ideas…”; que después eran llevadas a la gran pantalla por profesionales. 

 Algo similar, ocurre con los temas vírgenes de las jóvenes cinematografías emergentes, de países con escasa experiencia en el cine, caso de la cinematografía magrebí y del filme El caftán azul de la joven cineasta Maryam Touzani… 

 No obstante, El Caftán azul es un filme escrito con mayúsculas, con la esencia del buen cine, el puro lenguaje de la imagen, en el que sobran numerosas palabras; es decir la verborrea en la que incurren multitud de filmes escasamente cinematográficos. 

 En este filme de la joven cineasta Maryam Touzani, prevalece el explícito lenguaje no verbal de la imagen en el que importan sobremanera las miradas, los gestos, los ademanes, los significativos primerísimos planos y de detalle de la acción, que nos desvelan una narración introspectiva y connotativa, plena de sensaciones, emociones, vivencias: “buen cine…” 

 El caftan azul de Touzani, nos recuerda al gran maestro, Robert Bresson, padre del lenguaje del cine moderno y de la la nouvelle vague francesa: François Truffaut, Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Alain Resnais… 

 -El denudo lenguaje de la imagen, sin el revestimiento de la palabrería, con la que suele arroparse verbal y futilmente la mayoría del cine actual, arrebatándole sus papeles a la novela, al teatro y a la televisión, en muchas ocasiones.- 

     Expresivo fotograma de las distanciadas miradas de los protagonistas en El caftán azul.

 La historia del matrimonio desavenido de sus protagonistas, Halim y Mina, a los que falta la atracción sentimental, sensual y sexual del deseo, por la homosexualidad del marido -“aunque la mona se vista de seda, mona se queda…”-, en un pais como Marruecos u otros islámicos, anclados en el pasado, en los que se persigue la homosexualidad, El caftán azul, es un original y simbólico filme de extraordinario interés internacional… 

 Maryam Touzani, guionista, realizadora y actriz, aunque nació en Tánger, estudió comunicación y periodismo en Londres, por lo que su formación es europea, cuya forma de pensar inculca a sus realizaciones, en temáticas de su país natal. 

 El caftán azul, coproducido por Marruecos, Francia y España, es considerado por algunos tratadistas como un filme LGTBI, aunque su inteligente y sensible planteamiento humanista y de relaciones humanas y sociales supera esta equívoca y mera etiqueta. 

 Para un entendimiento profundo del simbólico filme de Maryam Touzani, como el caftán o kaftán es una prenda no muy conocida en todas las culturas, es conveniente saber de su origen otomano, regio y de uso musulmán, y entender la significación metafórica de su color natural, de agua y aire, con connotaciones simbólicas de paz, serenidad, amistad, lealtad, confianza… 

 Matices éstos muy convenientes de apreciar para una mejor comprensión del filme El caftán azul de la sensible, expresiva y minuciosa realizadora Touzani y su coguionista Nabil Ayouch. 

Maryam Touzani y Nabil Ayouch, directora y coguionista del filme.

 Touzani, aunque joven -Tánger, 1980-, es una realizadora con cierta experiencia. En 2019 realizó su primer filme Adam, otro tema muy original en el que denuncia la dramática situación de “ilegalidad de las mujeres solteras embarazadas en Marruecos”, entre otros temas de exclusión social, que no ocurren en países culturalmente más avanzados… 

 Su primer cortometraje Quand ils dorment -también de tematica magrebí-, obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Huesca, además de otros importantes diecisiete premios. Ha realizado también documentales e intervenido como actriz o guionista en varios largometrajes, junto a su cónyugue, el veterano productor, guionista y director francés -de origen marroquí- Nabil Ayouch. 

 Aunque sus filmes no son muy conocidos en España, ha trabajdo como guionista en varios largometrajes -sobre temáticas de exclusión social- y guionizado y dirigido un documental de carácter feminista sobre el primer Día de la Mujer en Marruecos. 

 El tema de la homosexualidad masculina no es de extraordinaria originalidad para los países de culturas más avanzadas y progresistas, pero sí para los países magrebíes, donde ser homosexual es poco menos que antinatural y delictivo. 

 En el filme, Touzani incide metafóricamente en las leyes de la naturaleza y trata con delicadeza, poesía y contenido dramatismo el que pudiera resultar escabroso tema. Su clave narrativa de interés es el sutil, sugerente y expresivo lenguaje fílmico que utiliza; en él los silencios verbales los superan con creces las elocuentes imágenes... 

 El caftán azul es un sugerente y locuaz filme de expresivas imágenes y pocas palabras… 

 En su expresividad son claves las interpretaciones de sus protagonistas Saleh Bakri -el esposo Halim- y Lubna Azabal -la esposa Mina-. 

 Lubna Azabal, por su interpretación en el filme, ontuvo el Premio de Mejor Actriz en la Semana Internacional de Cine de Valladolid, de 2022, -tradicionalmente considerada de Valores Humanos-. 

Lubna Azabal, expresiva protagonista de El caftán azul.

 Lubna Azabal es una grandilocuente actriz belga-marroquí de cine y televisión, como se suele expresar en el argot artístico, “una actriz como la copa de un pino”, sus difíciles interpretaciones en una treintena de filmes, y con realizadores muy exigentes lo demuestran en títulos como: Los hombres libres, María Magdalena, Tel Aviv en llamas… 

 Y confirma su grandilocuencia interpretativa en El caftán azul, un metafórico, poético y bello filme sobre la fealdad de la vida en una relación muerta, de sentimientos, pensamientos y actitudes desencontradas en el desamor: heterosexualidad frente a homosexualidad… 

 Francisco Montero.

LOS FABELMAN

-Cartel del film-

  Por aquellos tiempos, de hace ya más de un siglo, cuando nacía el cine en 1895, con el invento del cinematógrafo de los hermanos Lumière, sus descubridores, lo consideraban como un espectáculo de feria… 

 Cuando algo después Georges Meliès, el mago del cine fantástico, en su película Viaje a la luna, en 1902, lo confirmaba como un espectáculo de anticipación al futuro, un imaginativo espectáculo de ciencia ficción… 

 Mucho antes de que el cine fuese considerado como arte, industria, medio de comunicación social y lenguaje, en los tiempos del “Manifiesto de las artes”, en 1923, por el teórico italiano Riciotto Canudo el cine ya había nacido como espectáculo… 

 Hoy, sin duda, reafirmando su testimonial pasado, el cine -por sus numerosas salas, proyecciones, 3D…- sigue considerándose como el mayor espectáculo del mundo… 

 Acaso por ello, Steven Spielberg, inicia su filme Los Fabelban, rindiendo homenaje al espectacular filme, de ayer, de hoy y de todos los tiempos, como es El mayor espectáculo del mundo (de paradigmático tema circense, 1952)-, del maestro realizador Cecil B. DeMille. 

  Cinema Paradiso -reseñado en este blog el 1 de noviembre de 2014-, (filme italiano, de 1988) de Giuseppe Tornatore, y Los Fabelman de Steven Spielberg, son sin duda los filmes que, desde una perspectiva infantil y adulta, mejor han tratado el tema del “Cine en el Cine”; pero ningún otro filme ha logrado el realismo y la emotividad, el humanismo del primero, que bien pudiera inscribirse en los valores y la estética del neorrealismo italiano… 

 No obstante, Los Fabelman del “Rey Midas” de Hollywood, como se le considera a Spielberg, resulta más grandilocuente y espectacular, por lo que viene adquiriendo un inusitado reconocimiento de la crítica especializada internacional y del público en general, en las salas y en los más importantes eventos de la meca del cine estadounidense, en 2022. 

       Los Fabelman de Steven Spielberg, Premio Globos de Oro a la Mejor Película y Dirección

 Desde Tiburon -1975-, Indiana Jones y E.T. el terraterrestre -1982-, filmes que le catapultaron internacionalmente a la fama y superaron todas las cotas de taquilla en diferentes paises, Spielberg, con un historial de más de sesenta filmes, ha incidido polifacéticamente en los más variados géneros cinematográficos, siendo uno de los cineastas más reconocidos en la historia reciente del Séptimo Arte. 

 En su historial de cine humanista, son memorables, entre otros, los títulos: La lista de Schindler -1994-, Rescatando al soldado Ryan -1999- y Lincoln -2013-, por los que ha sido reconocido con los premios a Mejor Película y Director. 

 Entre sus reconocimientos más importantes destacan: las Condecoraciones de la Medalla Nacional de Humanidades -1999- y de la Orden del Imperio Británico -2001-, el Premio Cecil B. Demille -2009-, que se concede a la Mejor Trayectoria Cinematográfica, o el León de Oro Especial del Festival de Cine de Venecia -1993-. 

 El productor, guionista y director de cine Cesar B. DeMille, por sus filmes espectaculares, como: Los diez mandamientos, Rey de reyes, Cleopatra, Las cruzadas, Sansón y Dalila o El mayor espectáculo del mundo…, entre otros muchos, es considerado en la Historia del Cine como el gran maestro de Cine Espectacular. Por ello la Asociación de la Prensa de Hollywood creó el Premio Cecil B DeMille, que le sería concedido a Steven Spielberg, por su cine de referidas caracteristicas. 

 Y seguramente por ello, como homenaje y en reciprocidad de reconocimientos, Spielberg, inicia su filme Los Fabelman con su asistencia de niño a El mayor espectáculo del mundo, de cuya visión quedaría impresionado y fascinado, con la ensoñación que le desvela éste filme… 

 El cine, por su magia y poder hipnótico -condiciones físicas que se producen en la sala de proyección-, ha sido considerado siempre como una “fabrica de sueños”, que marcará a tantos cineastas y cinéfilos, y cómo no a Spielber, que soñaría de niño y joven, con manejar una cámara de Super 8 o 16mm., y con ser cineasta… 

       Expresiva escena del filme.

 Es sabido que, social y psicológicamente, la “ensoñación” de una vida mejor, de un futuro mejor, de triunfo y éxito…, es algo connatural a todos los humanos; es ésta la clave, no sólo de la historia familiar de Los Fabelman, sino también de otros exitosos filmes de Spielberg y, por ello, su extraodinaria acogida por crítica y público, por todo el mundo. 

 Poderosa razón por la que se le considera el rey midas de Holywood que convierte en oro todo lo que produce y realiza, para el sugestionador mundo de la sala oscura y luminosa de imágenes en movimiento, circunstancias propicias, reiteramos, del hipnotismo o deslumbramiento del cine; de lo que tanto habló y escribió el profeta sociólogo de la comunicación Herbert Marshall McLuhan (1911-1980), o nuestros pedagogos y psicólogos Juan Garcia Yagüe y Angel Lázaro, en su obra Condicionamientos ambientales de la personalidad -Magisterio Español.Ciencias de la Educación, 1971-. 

 Al igual que tantos literatos en un momento cumbre de su vida, deciden relatar sus memorias, en Los Fabelman, Spielberd, nos relata los aspectos de su vida familiar más influyentes en su niñez, jvventud y vocación por el cine. 

 Es decir, recurre a lo que es común a todo el mundo, a toda persona: las influencias familiares, personales y del entorno, en su formación y vocación; otra de las claves narrativas y del éxito del cine del éste realizador. 

 Aunque se trate de un filme autobiográfico, cuya historia y vivencias plasmadas nadie conoce mejor que su autor y realizador, su guión ha sido reforzado por el prestigioso dramaturgo y guionista Tony Kushner, quien aporta riqueza de situaciones y dramatismo al filme. 

 Con casi un centenar de trabajos realizados, la experiencia y el historial de Kushner son impresionantes, enriqueciendo sus guiones con importantes matices dramáticos de los temas que trata. Kushner fue también guionista de Spielber en otras ocasiones, caso del filme Múnich, con el que sería candidato al Óscar en 2005, y galardonado con el Premio Pulitzer -1992- por su obra Angeles en América: una fantasía, llevada a la televisión y al teatro.

Caracterización de John Ford, es una escena del filme.

 El filme Los Fabelman finaliza con otro paradójico e interesante homenaje y reconocimiento: la supuesta entrevista -cierta o incierta- que el gran maestro del cine John Ford concede al joven Steven Spielberg, acerca de su futuro… 

 Ford acaso el más prolifico director de la historia del cine, con más de ciento ciencuenta filmes realizados -quien con humor socarrón alardeaba de haber matado en su filmes western a más indios que el propio general Castle-, en el fondo era también un gran humanista: afirman sus historiadores que realizaba tantos filmes del oeste para dar trabajo a los indios obligadamente recluidos en reservas…

 Paralela a la colonización real del oste de los Estados Unidos de América, nacía el cine como medio de expresión; un medio en el que destacó John Ford, como otros grandes de su hisoria: Orson Welles, Ingmar Bergman, Steven Spielberg… 

 Francisco Montero.  

 

EMILY 

 -Cartel del film- 

 El aumento europeo actual de mujeres literatas y cineastas, en la producción, guión, realización, fotografía…, ha contribuido significativamente al creciente feminismo en las bellas artes y de manera muy destacada en los medios de comunicación de la literatura y el cine. 

 Una vez más, el viejo continente occidental ofrece ejemplos de humanismo, de valores y de derechos humanos, a oriente y sobre todo a los países musulmanes en los que el islamismo se obstina en tradiciones y costumbres atrasadas y que hoy no tienen razón de ser… 

 En España, jóvenes escritoras exitosas como la mallorquina balear Joana Marcús -autora de Antes de diciembre y Después de diciembre-, la madrileña Crístina Araújo -autora de Mira a esa chica-, la cordobesa canaria Guayarmina Pedraza -autora de Cayena pura-…, son ejemplos de actualidad, derechos humanos, libertad de pensamiento… 

 Es también el caso de la actriz británica australiana Frances O´Connor, guionista y realizadora del sorprendente filme de ficción Emily, -su ópera prima como directora-, basado en la fugaz vida de la célebre escritora inglesa Emily Brontë, autora de la apasionante y cinematográfica novela Cumbres borrascosas, adaptada al cine en numerosas ocasiones. 

 El feminismo de hoy que no surge de la noche al día y por “arte de la política” en la sociedad actual, tiene sus antecedentes en el de ayer, es decir, en la valentía de unas mujeres, adelantadas a su tiempo y que se atrevieron a expresar libremente sus pensamientos y sentimientos, su liberal sensualidad, sexualidad… 

 Fue la realidad y el hecho de hace dos milenios de las célebres escritoras Hermanas Brontë, que expresaron en sus famosas obras literarias la liberalidad de la mujer, tan oculta en disfraces morales y reprimida en aquellos tiempos por el puritanismo religioso, y que con tanta expresividad y belleza trata la cineasta Frances O´Connor, en su filme Emily… 

 Es la temática esencial de este filme que, sin rodeos ni máscaras moralistas, como si fuese un metaforico juego poético floral, un juego de despojarse de los disfraces de los convencionalismos, trata con sensibilidad y exquisitez la autora en su sorprendente Emily. 

      El hermano Branwell, el predicador William y las hermanas Brontë, en un expresivo juego de máscaras del filme.

 Como se desprende de la novela Cumbres borrascosas de Emily Brontë, aunque la obra sea un impresionante portento ficticio y creativo de la imaginación de la joven escritora, en su fondo, es un reflejo de la apasionada, tempestuosa y atormentada vida real de la autora; lo que trata con sutilidad y belleza O´Connor en el filme. 

 Es sabido que las hermanas Brontë, hijas de un severo pastor religioso, vivieron afectadas por la crucial moralidad puritana del momento y de su familia religiosa y la contrapuesta apertura de la cambiante sensibilidad cultural de la sociedad Victoriana inglesa, como reflejan en sus obras. 

 De hecho, para evitar los escollos de su avanzado pensamiento liberal -impropio de las mujeres de la época- y posibilitar la divulgación de sus obras, las tres hermanas, escribieron con seudónimos masculinos: Charlotte con el de Currel Bell, Emily con el de Ellis Bell y Anne con el de Acton Bell…

 En la época Victoriana inglesa, por algunos artistas, fue usual esconder la auténtica identidad y sentimientos tras un seudónimo y una máscara; literaria y poéticamente la máscara, entre otras significaciones, era símbolo de misterio, enigma, personalidad oculta… 

 Ya el genial e influyente dramaturgo inglés William Shakespeare, en su anterior época Romántica, fue conocido con el seudónimo o sobrenombre de el Bardo de Avon, y recurrió con frecuencia en sus obras a la significación y el simbolismo de la máscara: en su tragedia romántica de Romeo y Julieta, los antagónicos personajes se conocen en un báile de máscaras… 

 Frances O´Connor, la guionista y realizadora de Emily -quien parece admirar e inspirarse en citada tragedia romántica Romeo y Julieta de Shahespeare-, recurre magistralmente a este sofisticado artificio, no sólo del arte dramático y del cine, sino también de la realidad y las sociedades de todos los tiempos; lo que confiere extraordinario interés a su filme. 

               Frances O´Connor, guionista y directora de Emily.

 Historiadores y tratadistas de Cumbres borrascosas y de su autora Emily Brontë, coinciden que, como en la generalidad de los autores literarios y cinematográficos, sus obras, suelen ser reflejos muy fidedignos de sus auténticas personalidades. 

 Y O´Connor, sin que su filme Emily, pretenda ser una una biografía de la autora de la novela, logra una acertada y bella semblanza, no sólo de esta escritora, sino también de toda la familia Brontë, y la ambientación de la época. 

 Frances O´Connor, hija de una pianista y de un físico nuclear, auque nació en Ingaterra en 1967, pronto sus padres se trasladaron a Australia, dónde estudió Literatura y se formó como actriz en la Academia de Artes Escénicas de Australia Occidental, completando su formación artística en sus  numerosas actuaciones y experiencias en Estados Unidos. 

 En los inicios de la década de los 90, debutó en el cine e intervino en varias series de televisión. En 1997, el Premio de Mejor Actriz en el Festival de Montreal por su protagonismo en el filme Bésame o mátame, la catapultó internacionalmente a la fama y a una prolífica carrera e historial de una cuarentena de filmes y series de televisión. Protagonizando mas tarde otros filmes destacados como: Inteligencia artificial de Steven Spielberg (2001) o Cleverman, serie futurista de la televisión australiana, dirigida por Wayne Blair (2016). 

 En 1999, protagonizo el filme Mansfield park, basado en la novela homónima de la escritora Jane Austen, que fue considerada como una obra clásica y feminista de la literatura inglesa. Y en el 2000 protagonizó la miniserie televisiva Madame Bovary, basada en la novela -de realismo mágico romántico, también de carácter feminista- del francés Gustave Flaubert, por la que de nuevo obtuvo el Premio de Mejor Actriz… 

 Experiencias éstas influyentes en su carrera, porque le servirían para su primer filme como realizadora de cine realista, romántico, feminista y de época, como es Emily… 

           Emma Mackey, en una expresiva escena de Emily.

 De Emily, nos soprende la delicadeza y exquisitez de su romanticismo, la libertad de pensamiento del personaje frente al puritanismo moral imperante de la sociedad anglicana del momento, la recreación y ambientación historicista de la época, la emotiva interpretación de su protagonista Emma Mackey, la bella fotografía del filme y su sugestiva ilustración musical… Es decir, que una  realizadora, Frances O´Connor, en su debut, como directora principiante -aunque con dilatada experiencia como actriz-, haya logrado un filme tan perfecto. 

 Hemos referido en alguna ocasión que “los americanos llevan el cine en la sangre y los europeos en el corazón”; Emily, tema europeo, acogido para su difusión internacional por la norteamericana Warner Bros, dada la experiencia estadounidense de Frances O´Connor, auna ambos valores. 

 Francisco Montero.