EL PAN DE LA GUERRA 

-Cartel original del film-

 La tarea de convertir una sociedad, región o país, en otros más positivos y avanzados, que adquieran para sí los logros de la actualidad, el desarrollo y el progreso requiere de las técnicas, los procedimientos, las comunicaciones más eficaces… 

 Y el Cine, universalmente aceptado, que siempre cumplió esa importante tarea en todas las revoluciones culturales, es, por méritos de su eficacia, una de esas comunicaciones… 

 Hace unas horas, apenas un par de días, tras la toma de Kabul por los talibanes, la cineasta más prestigiada del incipiente cine de Afganistan, Sahraa Karimi, primera mujer directora de la agencia estatal Afghan Film, lanzaba a todo el mundo, a los cineastas y cinéfilos…, un angustioso mensaje: “Salvad nuestro cine, salvad a nuestras mujeres…” 

 Este desesperado mensaje -tras el que pueden existir amenazas de muerte-, nos hizo recordar y revisionar el interesante, bello, realista y poético, filme de animación “The Breadwinner” -La sostenedora de la familia- El pan de la guerra… 

 El pan de la guerra, inicialmente, es una preciosa historia realista de literatura infantil y juvenil, magistral y educacional, que trata de como “Parvana, una niña afgana de 11 años de edad, tras el injusto encarcelamiento de su padre por los talibanes, al estar prohibido en la vida pública que la mujer gane dinero, tiene que disfrazarse de chico para sostener a su familia y conseguir liberar a su padre…” 

 Fue la primera obra de la escritora pacifista canadiense Deborah Ellis, quien cooperó en un campamento de refugiados afganos en Pakistan en 1997, donde encontraría la inspiración para sus libros sobre Parvana. 

 Según reza su historial, Ellis es una Activista por la Paz, filántropa, que colabora con organizaciones como UNICEF o Mujeres para Mujeres en Afganistan… 

 Su obra está considerada, como una de las más importantes de la literatura infantil y juvenil de vanguardia. Por ella ha sido distinguida con los reconocimientos: Orden de Ontario (Canadá, 2006) o el Premio de Honor de Children´s Africana Book de la Asociación de Estudios Africanos (ASA, 2012), entre otros. 

            Deborah Ellis y su libro El pan de la guerra.

 De la veintena de libros publicados, en español, sus títulos más conocidos son: La tienda del cielo (2004), Ningún lugar seguro (2010), No cualquier día (2011), La ciudad de los sueños (2014), además de la serie de cuatro narraciones en las que se relata la historia de Parvana: El pan de la guerra, El viaje de Parvana, Ciudad de barro y Me llamo Parvana. 

 El exitoso best sellers, o superventas, en que se convirtió El pan de la guerra, atrajo la atención de la cineasta irlandesa Nora Twomey, quien había tenido sus propias vivencias personales como embajadora de ACNUR en Afganistan… 

 Nora Twomey, es guionista, directora, animadora, actriz de doblaje y productora. Tras estudiar Bellas Artes y graduarse en el Centro Superior de Estudios de Animación Ballyfermot de Dublin en 1995, colaboró en la fundación de los Estudios de Animación Cartoon Saloon, junto al productor Paul Young y el dibujante y animador Tomm Moore, en 1999. 

 Tras varios trabajos de animación iniciales, en 2009, codirigió con Tomm Moore, y actuó como actriz de voz en el largometraje El secreto de Kells, que fue estrenado con gran éxito en el Festival Internacional de Cine de Berlín. 

 Entre 2009 y 2014, trabajó en el Departamento de Animación y como actriz de voz en los filmes Colmillos Viejos, Canción del mar y En algún lugar de la línea. Despues de varios trabajos para televisión como productora, dirigió en el 2017 su filme mas conocido The Breadwinner, titulado en español El pan de la guerra, para el que contó con la actriz de voz Saara Chaudry y la producción ejecutiva de Agelina Jolie 

        Nora Twomey -directora-, Saara Chaaudry -actriz de voz- y Angelina Jolie -productora del film-.

 Tanto El Secreto de Kells como The Breadwinner -La sostenedora de la familia o El pan de la guerra-, fueron nominados al Mejor Largometraje de Animación por la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas -Oscars de Hollywood, 2009 y 2017-. El pan de la guerra, además de otras nominaciones, obtuvo: Premios del Jurado y del Público del Festival de Annecy -Mejor Música-, Premio Annie -Mejor Película Independiente-, Premio Asociación de Críticos de los Angeles -Mejor Filme de Animación-, entre otros… 

 Posteriormente, Twomey, fue productora y actriz de voz en el filme de animación y fantasía Wolfwalkers -Naturaleza de lobos-, que dirigió su socio de Cartoon Saloon, Tomm Moore , y que fue nominado al Mejor Largometraje de Animación para los premios Oscars, Globos de Oro y BAFTA…

 Ultimamente, dirige el filme El dragón de mi padre, basado en el libro infantil homónimo de la famosa escritora estadounidense Ruth Stiles Gannett, finalista al Mejor Libro Infantil por la Asociación de Bibliotecas Estadounidenses (1949), y entre los “100 Mejores Libros para Niños” de la Asociación Nacional de Educación de Washington (2012)… 

 En estos días de temor, miedo y desesperación en Afganistan, por salir del país y huir de las imposiciones del poder taliban -una vez manifiesto el insolidario abandono de la sociedad y la cultura occidentales-, el testimonial filme de animación El pan de la guerra, sin concesiones al espectáculo cinematográfico ni a la teatralidad, expresa al mundo, perfectamente, ¡qué se teme y de que se huye…!

 Con este filme cobra pleno sentido la angustiosa llamada de la cineasta afgana Sahraa Karimi: “¡Salvadnos…!”-que indicamos al principio de esta reseña-, siendo eco amplificado de su voz la sensible y acertada realización de la cineasta irlandesa Nora Twomey… 

 El pan de la guerra, huye también de las grandilocuencias a que nos tiene habituados el cine de animación actual, realizado con extraordinarios medios técnicos informáticos pero carente con frecuencia de positivos mensajes humanistas y educacionales… -¡Mucho ruido y pocas nueces!-. 

         Expresiva escena de la pobreza de la familia afgana de Parvana.

 El pan de la guerra, no está realizado con los avanzados medios técnicos de hoy, sino con la sencillez y la insuperable poesía y belleza del buen cine de animación dibujado a mano… 

 Sus fotogramas y escenas nos sobrecogen de tal manera, que es imposible no identificarse y familiarizarse solidariamente con la cruda y terrible realidad de la sociedad afgana. 

 La joven actriz de voz, protagonista de Parvana, Saara Chaudry, espera que El pan de la guerra, sirva de inspiración a las niñas de todo el mundo, afirmando: “Sigue a tu corazón y sé fiel a ti misma…” 

 Sus inolvidables guion, imágenes y música nos emocionarán muy grata y positivamente… 

 Por sus altos valores didácticos, recomendamos a padres y educadores este filme, que se encuentra en Netflix y puede visionarse mediante el servicio multimedia de streaming, sin tener que descargarse previamente su contenido. 

 Francisco Montero.

 

CERCA DE TU CASA 

 

         -Cartel internacional del film-

 La Declaración Universal de los Derechos Humanos, proclamada por las Naciones Unidas en 1948 y asumida por nuestra Constitución Española en 1978, dice en su artículo veinticinco: “Toda persona tiene derecho al bienestar: alimentación, vivienda, asistencia médica, vestido y otros servicios sociales básicos”… 

 La pandemia Covid, que ha acrecentado la perdida del trabajo, el empobrecimiento de numerosas familias de nuestra sociedad, y no poder pagar las hipotecas contraídas de viviendas, ha agravado las situaciones de desahucios… 

 En pocos días vence el decreto con el que, temporalmente, a falta de una Ley de Vivienda idónea, se protegía en España de los desahucios a las familias vulnerables… 

 El conocimiento de la angustiosa situación de tantas familias afectadas, ha suscitado nuestro interés por filmes que tratan el tema. Uno de ellos es Cerca de tu casa… 

 Cerca de tu casa, aunque es un filme de 2016, realizado por Eduard Cortés, no ha perdido vigencia y puede visionarse hoy en el programa “Somos Cine” que emite Televisión Española en Internet, de películas de éxito y participadas por el Ente en su producción.. 

 El catalán Eduard Cortés es un guionista y director de cine y televisión, cuya obra se ha desarrollado a través de diferentes géneros y estilos, especializándose en los dramas realistas, por los que ha sido muy reconocido, obteniendo por ellos premios y disntinciones. 

 Por su guiones y dirección de los filmes La Vida de nadie (2002) y Otros días vendrán (2005), fue nominado, respectivamente, a los Premios Goya de Mejor Dirección Novel y Mejor Guión Original. Su telefilme El Payaso y el Führer (2007), obtuvo los Premios del Público en los Festivales de Picassent y en el Europeo de Igualada, y el de Mejor Película en el Festival Internacional de Anchorage (Alaska). Cerca de tu casa (2016), entre otros reconocimientos, obtuvo: el Premio a la Mejor Canción Original, y nominación a Mejor Actriz Revelación, por el papel de su protagonista, la cantante Silvia Pérez Cruz, Premio a la Mejor Banda Sonora en el Festival Internacional de Cine de Málaga y Premio Gaudí a la Mejor Música. 

Eduard Cortés, guionista y director de Cerca de tu casa.

 Cerca de tu casa es un filme atípico y poco convencional, su publicitación lo define como “un drama musical sobre los desahucios”… 

 Recurir al género de Cine Musical para tratar el tema de los desahucios, puede resultarnos poco ortodoxo… 

 El Cine Musical recurre a la música o la canción para expresar con plenitud y con mayor énfasis las situaciones de alegría, felicidad y y optimismo, que suele tratar; en él no sólo tienen principal importancia los intérpretes y las melodías, sino también la coreografía, la danza, la escenografía, la comedia, el romanticismo… Y pocas veces la tragedia o el drama, son esenciales del mismo, -aunque filmes dramáticos como West Syde Story, Los Miserables, o Moulin Rouge, hayan sido obras maestras del género-. 

 Como actriz protagonista, Cerca de tu casa, es el primer filme que interpreta Silvia Pérez Cruz, por el que, reiteramos, fue nominada a Mejor Actriz Revelación en los Premios Goya 2017… 

 Parece ser, el guión y la realización del filme, se han concebido a medida de la popular cantante y compositora catalana. 

 El dilatado e intenso historial musical de Silvia Pérez Cruz es impresionante. Hija del popular compositor, guitarrista, arreglista y cantante Càstor Pérez y de la poeta Gloria Cruz, dió sus primeros pasos artísticos en la Academia Alartis dirigida por su madre, y en la que, años más tarde , Silvia sería profesora. 

 Muy motivada por su ambiente artístico familiar, desde muy temparana edad cursó estudios musicales, formándose después en la Escuela Superior de Música de Cataluña, estudiando solfeo, armonía, piano, saxo, cajón, canto, composición y arreglos, licenciánsose en canto. 

 Desde niña, acompañaba a su padre -muy conocido por sus composiciones habaneras-, realizando conciertos taberneros, en cuyo repertorio interpretaban, además de sus composiciones personales, temas famosos populares como: Alfonsina y el mar, 20 años, Quisiera vivir en La Habana… 

 En su adolescencia y juventud formó parte de diversos coros, actuó con famosos músicos catalanes, y fundó en 2004, junto a otras instrumentistas, el grupo Las Migas, que obtendría el Premio al Mejor Grupo Flamenco del Instituto de la Juventud de España. 

Carla Fabregat -Andrea-, Silvia Pérez -Sonia- e Iván Massagué -Dani-, protagonistas del filme.

  Abruma revisar su más de centenar y medio de colaboraciones musicales: discográficas, teatrales, coreográficas y cinematográficas, con solistas o grupos y equipos de trabajo; además de sus álbumes personales o en solitario: Granada, Domus -recopilatorios de los temas de Cerca de tu casa-, Vestida de noche, Joya, Vivir en Tokio…, temas que ha cantado o difundido por más de una veintena de países. 

 En cine ha compuesto y cantado temas musicales para argumentales de imagen real y de animación, colaborando con diferentes realizadores y filmes. Entre ellos: Pablo Berger (Blancanieves, 2012), Maria Ripoll (Rastros de Sándalo, 2014), Eduard Cortés (Cerca de tu casa, 2016), Álvaro Brechner (La noche de 12 años, 2018), Benito Zambrano (Intemperie, 2019), el dibujante Aurèlien Froment -mas conocido como Aurel- (Josep, filme de Animación, 2020)… 

 En cine documental, ha colaborado y participado, entre otros, con los realizadores y filmes: Franc Aleu (El Somni, 2013), José Luis López Linares (El Bosco, el jardín de los sueños, 2016), Anastasi Rinos (Ana María Moix, pasión por la palabra, 2016), Juan José Ponce (Luna Grande, un tango por García Lorca, 2017)… 

 Cerca de tu casa, por su temática social, contestataria y reivindicativa, para la compositora, cantante y actriz, Silvia Pérez Cruz, sería por tanto, su mayor exponente y vinculación con el cine… 

      Fotograma del filme Cerca de tu casa.

  Aunque el tema principal del filme parezca ser el de los desahucios, en realidad, es el de la pobreza y la vulnerabilidad que ésta genera, por la falta de trabajo. 

 En el filme -como en la vida real-, la pobreza desintegra la familia, provoca el desafecto, la inhumanidad, la delincuencia, la marginalidad de los sin techo, las conductas forzadas de empleados y policías, la insolidaridad, las inmoralidades, las estafas… 

 En realidad, Cerca de tu casa es un filme, humanista muy interesante, sobre la estafa social, jurídica y política, de un sistema de vida capitalista y liberal para el que la Declaración Universal de los Derechos Humanos, es papel mojado… 

 En el filme hay escenas muy emotivas y sobrecogedoras, sobre todo las participadas por la pequeña Andrea -Carla Fabregat-, que no entiende que los policías, violentamente, les echen de su casa, que no haya nada en la nevera de los abuelos, no tener una pequeña tarta para su décimo cumpleaños…; por lo que, compungida, musita a su desempleado, maltrecho y desaliñado padre: “papá no quiero ser pobre…” 

 Francisco Montero.

 

VIDA HUMANA

 

-Cartel del film-

 El Cine, con ser arte, industria, espectáculo, lenguaje y medio de comunicación social, qué duda cabe, es uno de los fenómenos socioculturales más representativos de nuestro tiempo… 

 De citados aspectos, el de mass media o medio de comunicación social internacional de masas, es el que, en su sencillo pero expresivo subtitulo de “La vida siempre vale la pena”, mejor define y representa al filme Human Life. 

 En este filme, no asistimos a una espectacular, grandilocuente y costosa obra de arte cinematográfico, sino a un fehaciente y profundo mensaje humanista, acerca del gran valor de la vida, aún en las circunstancias más adversas… 

 Una docena de testimonios reales que nos alientan hacia el optimismo, la lucha cotidiana contra las adversidades y dificultades, el sentido de la vida, la ilusión de vivir… 

 Hoy, dados los avances de los medios audiovisuales y cinematográficos digitales, con una buena idea y rodeandose de un buen equipo de técnicos, no es muy difícil realizar un filme documental de extraordinario interés… 

 Es el caso del filme documental Human Life, realizado por los brasileños el director de fotografía Luiz Henrique Marques y el músico Gustavo Brinholi, quienes han tenido la encomiable idea de la defensa de la vida, aún en las más adversas y difíciles circunstancias. 

 Como cineastas, no cuentan con amplia experiencia anterior en los medios del largometraje y de la grandes pantallas internacionales de cine, pero sí con un acendrado amor e idealista convicción espiritual por la defensa de la vida humana… 

Luiz Henrique Marques -fotógrafo- y Gustavo Binholi -músico-, directores del filme.

 Aunque algunos medios han tildado al filme de tendenciosidad religiosa y católica, la verdad es que su temática humanista es de interés general: de creyentes y no creyentes, de agnósticos y ateos, de todos lo credos religiosos… 

 Los temas que trata, acerca de la importancia de la vida, en las más difíciles y duras circunstancias, en las que han tenido extrema experiencia una docena de personas, han sido filmados en diferentes países -Alemania, Brasil, Estados Unidos, Italia…-, plasmando elocuentes y fehacientes testimonios estremecedores… 

 El filme reúne una docena de conmovedores casos -bailarina embarazada que no renuncia a su difícil gestación, pintor tetrapléjico que no renuncia al arte de pintar con la boca, fundador de una casa de acogida para deficientes, surfista sin manos que se enfrenta a la fuerza de las olas, medallista olímpica que ayuda a mujeres embarazadas en situación precaria, amor familiar a una niña con síndrome de Down, sobreviviente del holocausto sin resentimiento…- que ilustran racional y emocionalmente sobre el valor y el sentido de la vida humana… 

 Parece ser que, Gustavo Brinholi, tras haber sufrido la experiencia familiar de varios abortos de su mujer, y componer la banda musical del filme del cineasta brasileño Josias Teófilo, El jardín de las aflicciones (2017), se inspiró en éste, y en la filosofía humanista de Olavo Carvalho, para la realización de su filme Human Life… 

 El filme El jardín de las aflicciones de Josias Teófilo, está basado en el ensayo literario homónimo de Olavo Carvalho, y trata acerca de la obra y la filosofía del pensamiento existencialista y liberal sobre la objetividad y la verdad de este prolífico pensador latinoamericano de reconocido prestigio internacional… 

 Olavo Carvalho, político, periodista y filósofo es uno de los pensadores occidentales contemporáneos que más se ha preocupado por el sentido de la vida en su extensa obra. Respecto a nuestra cultura latina, española y occidental, su obra El pensamiento de Ortega y Gasset, obtuvo el Primer Premio de la Embajada de España en Brasil (1983). Otros prestigiosos reconcimientos del autor han sido: Medalla del Pacificador de Brasil (1999), Medalla Tiradentes o Ciudadano Benemerito del Estado (2011), Caballero de la Orden de Rio Branco (2019)… 

El filósofo Olavo de Carvalho con algunas de sus obras.

 Carvalho, aunque nació en Sao Paulo (Brasil, 1947), sus disensiones políticas le llevarían a exiliarse a los Estados Unidos (2005), en cuyo estado de Virginia reside actualmente, junto a su numerosa familia.  

De su intenso periplo idealista, filosófico y vital: primero militante comunista en su juventud y posteriormente místico sufí vinculado a la filosofía de Frithjof Schuon, terminó convirtiéndose al catolicismo, de cuya experiencia surgirían los postulados humanistas y defensores del sentido de la vida en su obra… 

 Uno de los testimonios de mayor interés general del filme Human Life, es el de la Comunidad de Jesus Menino de Brasil, creada por el vocacional maestro de Educación Especial Antonio Carlos Tavares de Mello, que acoge a un centenar de discapacitados abandonados por sus familias: afectados por daños cerebrales, autistas, débiles visuales, paraplejicos… 

 Como revela el filme y la web de Iglesia en el Mundo, hoy, esta comunidad acoge a la más numerosa y diferente de las familias: hombres y mujeres sin vínculos de sangre, pero unidos por los extraordinarios valores humanos vinculantes de la solidaridad y el amor a la vida… 

Meninos y el fundador de su Comunidad, Antonio Carlos Tovares de Mello -a la derecha-.

 Aunque se echan en falta en el filme testimonios positivos de gestantes de fetos con malformaciones graves y de pacientes con enfermedades terminales irreversibles, reiteramos, Human Life es un hermoso canto a la vida, en las mas adversas circunstancias y dificultades, de sumo interés para los defensores de la misma, religiosos y no religiosos, creyentes y no creyentes, agnósticos y ateos… 

 Artísticamente, admiramos del filme la expresiva puesta en imágenes realistas de Luíz H. Marques y la emotiva música de Gustavo Brinholi, que ameniza acertadamente la crudeza de los temas tratados. 

 En la sesión de su visionado un solo espectador…; lamentamos su escasa acogida por los amantes del cine y del público en general -dada su exigua publicidad, al no ser un filme comercial de grandes presupuestos-, y agradecemos a European Dreams Factory su distribución en Andalucía, y a MK2-Cinesur su atenta proyección.

FRANCISCO MONTERO.

 

HIJOS DEL SOL

-Cartel del film.-
 

 Todos somos hijos del sol… 

 De no ser por el sol, no existiría nuestra vida en el planeta; acaso otra forma de existencia, pero no la que tenemos... 

 Físicamente, el sol nos da luz y calor, pero, espiritualmente, también el gozo de la luz, la contemplación, la admiración de la naturaleza y la vida, la alegría de vivir… 

 Sin su luz y calor nuestra vida sería un oscuro y frío túnel hacia lo desconocido… 

 El sol, poéticamente contemplado, puede ser la más hermosa de las metáforas; no sólo fuente de luz y calor, sino también de fantasía, magia, divina y humana, espiritual… 

 Pues bien, por esta sensible órbita y estela discurre el intrigante filme de aventuras, realismo y poesía, Hijos del Sol, del cineasta iraní Majid Majidi. 

 Sin pretenderlo, el filme Hijos del Sol de Majid Majidi, nos recuerda la ancestral y tradicional poesía metafísica de Persia-Irán -país de Oriente Próximo de extremada espiritualidad-, patria del maestro místico sufí Yalal ad-Din Muhammad Rumi y de grandes y numerosos poetas. 

 Citamos este recuerdo porque todos los filmes del cineasta Majidi, en su planteamiento humanista y social, están impregnados de poesía y realismo. Sus filmes, nos recuerdan también la esencia y sensibilidad del más puro y trascendente neorrealismo y realismo mágico italiano: El limpiabotas (1946), Ladrón de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica… 

 La historia del filme Hijos del Sol -en la que se nos relata la aventura altruista de unos docentes que intentan sacar adelante una Escuela del Sol para acoger, formar y capacitar a niños y jóvenes pobres, sustrayéndolos de la indigencia, la delincuencia, la explotación…-, nos recuerda, asimismo, la gran obra del salesiano Juan Bosco, creador en Italia, en los años 1850, de las primeras escuelas profesionales que, con idénticos fines, se extenderían por todo el mundo… 

 Acaso por todo ello, Hijos del Sol, obtuvo en la 77ª Mostra de Cine de Venecia (2020), el Premio Marcello Mastroianni, al Mejor Actor Revelación, el joven iraní Rouhollad Zamani, en el papel protagonista de Ali… 

             Majid Majidi, director de Hijos del Sol.

 El guionista, director y productor de cine iraní, Majid Majidi, inició su carrera en el Instituto de Arte Dramático de Teherán, actuando primero como actor de televisión y cine, para dedicarse posteriormente a la realización de documentales y cortometrajes… 

 Cuenta en su historial, entre cortos y largometrajes, con más de una veintena de filmes realizados, entre los que destacan títulos como: El padre (1996), Niños del cielo (1997), El color del paraíso (1999), Las cenizas de la luz (2005), El canto de los gorriones (2008), Hijos del Sol (2019)… 

 Aunque la cinematografía iraní y los filmes de Majidi no son muy conocidos en España, con sus filmes el realizador ha obtenido importantes reconocimientos y premios nacionales e internacionales. Su filme El padre, fue premiado en el Festival Iraní de Cine de Fajr (Teherán, 1995), y en los festivales internacionales de Sao Paulo, Turín, San Sebastián… 

 Niños del cielo, además de ser premiada en el Festival de Fajr, obtuvo el Gran Premio de Cine de las Américas en el Festival de Montreal (Canadá), siendo también nominada a los Oscar como Mejor Película de Lengua Extranjera en 1999… 

 Con igual fecha, El color del paraíso, fue también premiada en los Festivales de Teherán y Montreal y seleccionada por los críticos de New York Times como una de las diez mejores películas del año, obteniendo el Premio del Jurado Joven en el Festival Internacional de Cine de Gijón (España). 

 Su fábula social y espiritual, El canto de los gorriones, además de obtener los mas importantes premios del Festival de Fajr de Irán, obtuvo el Oso de Plata de la Berlinale (Festival de Cine de Berlín, 2008), Premio Mejor Película Extranjera del Consejo Nacional de la Crítica de Cine de Nueva York, y Premio Excelencia Cinematográfica al Mejor Actor, Reza Naji, en el Asia Pacific Screen Awards, que respalda la UNESCO… 

Shamila Shirzad -Zahra- y Rouhollah Zamani -Ali-, protagonistas del filme Hijos del Sol.

 Majidi, además de magistral guionista de todos sus filmes, es un excelente director de actores que incluye en sus trabajos a profesionales y no profesionales, caso de los niños protagonistas de Hijos del sol, Shamila Shirzad -la inmigrante agfana, Zahra- y Rouhollah Zamani -el intrépido aventurero, Ali-…

 Aunque en un lectura denotativa el filme pudiera parecernos sólo una historia de aventuras -en la que el adolescente Ali, inducido y manipulado por un traficante de drogas, busca denodadamente un supuesto tesoro escondido en los sótanos y cloacas de la Escuela del Sol, con la ilusión de rescatar a su madre de un hospital, tras quemarse ésta en un incendio-, su lectura connotativa nos lleva a un sorprendente poema dramático, trágico, muy actual, y de denuncia política, social, humanitaria… 

 La Escuela del Sol, en la que se inscribieron Ali y sus amigos para buscar el tesoro escondido, es desahuciada y cierra por falta de benefactores y recursos… 

 Los políticos, con su policía, persiguen y encarcelan a los pequeños desintegrados, pero no arbitran medios para su formación e integración social… 

 El joven adolescente Ali, descubrirá que ha sido engañado por el explotador traficante y tras su agobiante aventura por el oscuro y frío túnel de las cloacas verá el cierre de la Escuela, pero también la luz y el calor del sol…; es la pura metáfora y poesía del filme… 

Los jóvenes desintegrados Ali y sus amigos, en la Escuela del Sol.

 Con temáticas que insisten en tratar la pobreza, la infancia y la integración social, y narrados en un estilo muy personal, sugestivo y atrayente, los filmes de Majidi, conjugan ética y estética cinematográfica, realismo y poesía, para ofrecernos relatos que nos llevan siempre a una profunda reflexión y meditación. 

 Los Hijos del Sol, en estos momentos críticos de problemática y preocupación social en los países desarrollados, acerca de la inmigración incontrolada de jóvenes y menores , desintegrados, pobres y sin futuro, es de sumo interés...

Francisco Montero.

 

AMANECE EN CALCUTA

 

-Cartel del film-.

 En los testimonios acerca de los valores humanos y espirituales orientales de los Premios Nobel de Literatura y de la Paz, el poeta Rabindranath Tagore y el político Mahatma Gandhi, suele creer todo el mundo…

 Agnóstico o ateo, religioso o no, creyente o no creyente, cristiano, budista o de otro credo, la pura verdad es que, en los testimonios humanos, espirituales y religiosos, referentes a la Madre de la Caridad Teresa de Calcuta, también cree todo el mundo…

 Existen más de un centenar de libros y filmes que nos hablan de esta “pequeña gran mujer” que con su magna obra -creación de la Congregación de las Hermanas de la Caridad -, para asistir a los más pobres, desfavorecidos y enfermos, en la India y en buena parte del planeta, ha revolucionado el mundo… 

 Pero también existen hoy testimonios humanos muy elocuentes de personas a las que ésta Madre y Maestra de la Humanidad, con su ejemplaridad, ha cambiando sus vidas… 

 Es el tema que trata el extraordinario y fehaciente documental fílmico Amanece en Calcuta, del periodista , escritor, director y guionista de cine, José María Zavala, con la producción ejecutiva de su esposa y colaboradora Paloma Fernández… 

 En el Festival de Cine Internacional Madre Teresa -MTIFF-, que se celebró, previamente a su canonización, en el centro cinematográfico y cultural de Nandan -Calcuta, Agosto de 2016-, se presentaron más de una veintena de filmes de carácter documental, con el fin de dar a conocer y divulgar la vida y la obra de ésta singular mujer. Este Festival, organizado por la Asociación Católica Mundial para la Comunicación SIGNIS, trasladó también sus filmes, posteriormente a su canonización, a numerosos lugares de la India y otros países… 

 -SIGNIS, trabaja con los profesionales de los medios de comunicación y tiene jurados en los más importantes festivales de cine del mundo, para promover una cultura de paz, dignidad, humana, justicia, conciliación…- 

 Por todo ello, el minucioso periodista Zavala, ha investigado exhaustivamente para ofrecernos hoy el elocuente y expresivo documental Amanece en Calcuta, que actualiza con sus testimonios la figura de la Madre de los Pobres… 

Paloma Fernández -Productora-, Emmanuel Leclercq -Filósofo- y José María Zavala -Director-.

  José María Zavala, aunque es miembro de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de España, antes que cineasta, es un prestigiado periodista, escritor y novelista, con una treintena de libros publicados. Destacan entre ellos: Los horrores de la Guerra Civil, Bastardos y Borbones: los hijos desconocidos de la dinastía, Las apariciones de El Escorial, La pasión de José Antonio -el fundador de la Falange Española-, Padre Pío. Los milagros desconocidos del santo de los estigmas…

 Como periodista ha trabajado, entre otras publicaciones, para los diarios: El Mundo, Expansión, La Razón, The Guardian, y las revistas Capital y Paris Match… Interviniendo también en programas televisivos de Televisión Española, Antena 3, Telecinco, Intereconomía TV… 

 Para el cine antes de Amanece en Calcuta, ha dirigido tres filmes de marcado carácter documentalista: El Misterio del Padre Pío, Renacidos, el Padre Pío cambió sus vidas y Wojtyla, la investigación…

 Paloma Fernández, productora ejecutiva de Amanece en Calcuta, es esposa de José María Zavala y ha colaborado con él en sus otros filmes y en algunos de sus libros. 

 Junto a ella, aparece en la producción del film Filomeno Martínez quien, además de productor cinematográfico, es consejero de la empresa distribuidora del film European Dreams Factory -especializada en Cine de Valores, con ubicación en Sevilla (España)- y presidente de la Asociación de Exhibidores de Cine de Andalucía, por lo que el filme cuenta con una distribución especial para España y nuestra región, pudiendo solicitársele proyecciones especiales en la web donde se publicita el film. 

 El documental Amanece en Calcuta, es un ágil recopilatorio que se narra amenamente a través de dos vertientes distintas: una abundante y selectiva información historicista acerca de la Madre Teresa, y seis elocuentes y emotivos testimonios de personas que transformaron su vida por su influencia: el sacerdote Christopher Hartley, el filósofo Emmanuel Leclercq, la deportista de élite Rosario Dueñas, la enfermera y fisioterapeuta Amaya -María de Himalaya-, el budista cristiano Kinley Tshering y la periodista Patricia Moreno. 

El autorizado filósofo Emmanuel Leclercq.

 Aunque todos los testimonios personales del filme, sobre la extremada humanidad, espiritualidad y religiosidad de la Madre Teresa, y cómo su milagrosa influencia cambió las vidas a esas personas; a agnósticos y ateos, a personas religiosas y no religiosas, a creyentes y no creyentes, a todos, impresionan sobremanera los manifestados por el filósofo Emmanuel Leclercq y por la enfermera y fisioterapeuta María de Himalaya… 

 Testimonia Leclercq, en internet y en el filme, que su familia, acuciada por la pobreza y sabiendo que no podría sacarle adelante, a los pocos días de nacer, le depositó en un contenedor de basura de la periferia de Bombay, frente a un centro de las Hermanas Misioneras de la Caridad, pensando en que ellas le recogerían, como así fue. Con menos de un año, se le dio en adopción a una familia francesa. En Francia se ha formado y alcanzado el título de Doctor en Filosofía, Ética y Moral…

 Leclercq, fundador del Circulo de Pensamiento Devenir para Actuar -con los objetivos de formar a los jóvenes en Antropología, reflexionar sobre el hombre y aprender a hacer el bien-, como profesor, ha enseñado en una veintena de centros de estudios de Francia y cuenta en su historial con una decena de trabajos y libros sobre el amor, el valor y la esperanza, con títulos como: Amistad en la verdad, Pequeños elogios de la verdad, Dar sin contar ¿es darlo todo?, la Cruz de María, Medita con la Madre Teresa, Ética en la investigación… 

 Como se afirma en internet, las Hermanas de la Madre Teresa, ofrecieron a Leclercq la más preciosa de las oportunidades: “¡la oportunidad de vivir!”… 

Amaya, María de Himalaya.

 También en internet, podemos encontrar los testimonios de humanidad, espiritualidad y religiosidad que María de Himalaya -enfermera abortista, atea y anticlerical, antes de familiarizarse con la obra de la Madre Teresa- manifiesta en el filme. 

 Una emotiva entrevista a María de Himalaya, de hora y cuarto de duración, emitida por Mater Mundi Televisión en la red, en junio de 2019, provoca una profunda reflexión que sobrecoge hasta a los más reacios, acerca del “Amor incondicional”, que postula ésta expresiva y sensible mujer… 

 Aunque en la web oficial del filme, se habla de un “Cántico, con el ritmo trepidante de un thriller…”, indicamos que los grandes maestros del cine humanista, espiritual y religioso como Dreyer, Bresson y Bergman, hicieron sus filmes con intencionalidad reflexiva, a la que bien puede invitarnos Amanece en Calcuta, y máxime en estos momentos terribles de crematorios, por la pandemia, en las calles de la India...

Francisco Montero.

 

TIERRA NÓMADA

-Cartel del film-

 Según relata La Biblia, somos un humanidad nómada, siempre en busca de una tierra prometida en la que mane leche y miel … 

 Salvo los afortunados -que aman la seguridad y la estabilidad, o sea el stablishment-, todos y máxime los desafortunados, somos nómadas, siempre en busca de un mañana mejor… 

 A veces, cuando se han perdido los seres más queridos, la familia, el hogar, la seguridad del trabajo, la juventud, la belleza…; la búsqueda puede ser más espiritual que física y material… 

 Es la Noche Oscura del alma, de San Juan de la Cruz, que lleva a su Cántico Espiritual: Buscando mis amores,/ iré por esos montes y riberas;/ ni cogeré las flores,/ ni temeré las fieras y pasaré los fuertes y fronteras… 

 Es un poema, una metáfora vanguardista, la búsqueda del misterio de la vida… 

 Esto es el filme de la cineasta Chloé Zhao y la obra literaria -en la que se basa-, Tierra nómada: supervivientes del siglo XXI, de la periodista Jessica Bruder… 

 Jessica Bruder es una periodista estadounidense, graduada en Periodismo en la Universidad de Columbia (2005), en la que imparte clases de Narrativa. Ha ejercido el periodismo para los prestigiosos informativos: The New york Times, New York Magazine, Harper’s Magzine y la revista Wired; especializándose en temas subculturales, o de personas desafortunadas, empobrecidas… 

 Con su primer libro Burning Book -acerca del espectacular acontecimiento festivo Burning Man, gran concentración de hippies, punks, geeks, ravers, estudiantes, turistas…-, obtuvo popularidad y reconocimiento que le animarían a su aventura de Nomadland… 

 Para el proyecto de Nomadlan pasó tres años en una caravana y recorrió más de veintemil kilómetros, familiarizándose con las vivencias de los nómadas americanos pobres, supervivientes desahuciados de la sociedad, que viven en la carretera, sin otro hogar que sus caravanas, furgonetas, coches… 

 La obra Nomadlan: supervivientes del siglo XXI, fue distinguido como Libro Notable, por The New York Times en 2017, obteniendo ese mismo año el prestigioso Premio estadounidense Barnes Noble, y quedando finalista de otros Premios como Helen Berstein y J. Anthony Lukas… 

Jessica Bruder y su libro Nomadland, publicado en España por Capitán Swing.

 El exitoso libro, convertido en bets seller, y rebasando las fronteras internacionales dada su temática humanista y universal, pronto atrajo la atención de la industria del cine y de los cineastas, caso de la china-estadounidense Chloé Zhao… 

 De alguna forma, Chloé Zhao guionista, directora y productora de cine, es una nómada. Nació en Pekín (China), inició su formación en Brigthon (Inglaterra), estudió Ciencias Políticas en Massachusetts y se hizo cineasta en la Universidad de Nueva York (EE.UU). No es de extrañar, por ello, que se interesara por el ensayo de Bruder, Nomadland: supervivientes del siglo XXI… 

 Hizo su debut en el cine, como guionista y directora, con el largometraje Canciones que me enseñaron mis hermanos (2015). Filme realizado en la reserva india de Pine Rige en Dakota del Sur y que trata acerca de la subcultura de los relegados indios sioux. El filme se estrenó con éxito en el Festival de Cine estadounidense de Sundance, siendo nominado posteriormente en el Festival Internacional de Cannes, al Premio Cámara de Oro a la Mejor Opera Prima. Al año siguiente sería nominado al Premio Mejor Fotografía en los Independent Spirit Awards. 

 Su siguiente filme El jinete -ídolo caído-, es un simbólico y humanista western contemporáneo que trata la historia de un caballista, estrella del rodeo, que tras un accidente queda incapacitado para montar, arruina y frustra su vida, arrastrando a su familia a la pobreza… El filme, por sus valores humanos y sociales de superación del infortunio, obtuvo una decena de prestigiosos reconocimientos y premios internacionales, entre los que destacan los de: Consejo Nacional de la Crítica de Cine de Nueva York, Asociación de los Críticos de Los Angeles, Art Cinema del Festival de Cannes, Espiga de Plata de la Semana Internacional de Cine de Valladolid… 

Chloé Zhao, guionista, directora y productora de Nomadland.

 Aunque sea una historia de ficción, Nomadland, tanto el ensayo literario de Bruder como el filme de Zhao, por su extremado realismo y verismo se aproximan mucho al documental, por la autenticidad que logran… 

 La historia de la nómada Fern -magistralmente interpretada por Frances McDormand-, mujer mayor de los cincuenta que, tras perderlo todo, se lanza a la carretera en su vieja furgoneta, para sobrevivir como temporera y en trabajos muy precarios, de un lugar a otro…; hoy, no es sólo el relato sobre ésta mujer, sino el de muchos infortunados, pobres y temporeros que intentan sobrevivir y sobreponerse, física y espiritualmente, a un destino aciago… 

 Acaso sean la adversidad y la desgracia los temas sobre los que se hayan escrito mayor número de acertados y célebres aforismos. Aplicados a los protagonistas de Nomadland, nosotros nos quedamos con varios: “En las adversidades sale a la luz la virtud.” (Aristóteles), “La adversidad vuelve sabia a la persona.” y “La desgracia es ocasión para la virtud.” (Séneca),“El día que las desgracias hayan aprendido el camino de tu casa, múdate.” (Manuel del Palacio)… 

 Pues bien, esto es lo que hacen muchos nómadas como Fern, la protagonista de Nomadland…

 Dadas su magistral realización, fotografía e interpretación, la profundidad y sensibilidad social y psicológica acerca de los temas que trata, Chloé Zhao y Normadland han sido muy reconocidos y multipremiados en los más importantes medios cinematográficos. Más de una trintena de galardones, en 2020, lo acreditan, entre ellos: cuatro nominaciones a la mejor dirección y película en los Globos de Oro, siete nominaciones en los BAFTA (Academia Británica del Cine), cinco nominaciones de los Premios Independent Spirit y seis nominaciones en los Oscars, Mejor dirección, guión adaptado, película y fotografía de la Crítica Cinematográfica de Estados Unidos, León de Oro a la Mejor Película en el Festival de Venecia, Mejor película, dirección, fotografía y actriz de la NSFC (Asociación Nacional de la Crítica de Cine)… 

Frances Mcdorman, protagonista de Nomadland.

 El “Star System” o estrellato cinematográfico que puso de moda Hollywood basándose en la belleza física y atractivo personal del intérprete -y que, según el filósofo y sociólogo Edgar Morin, proponía una dialéctica de la personalidad del actor o actriz-, fue desapareciendo a medida que crecía la cultura cinematográfica y se valoraban más otras cualidades humanas e interpretativas… 

 Frances Mcdorman, protagonista de Nomadland, es una consolidada estrella que ha brillado siempre por sus geniales dotes interpretativas. Cuenta en su historial con más de sesenta importantes papeles en cine y televisión y más de dos centenares de los mayores reconocimientos y premios. 

 Su sensible humanidad, en este filme, es una cualidad de la desafortunada Fern, que nos lleva a reparar mejor en los valores espirituales y virtudes humanas del personaje… 

 Francisco Montero.

 

JEAN FRANÇOIS Y EL SENTIDO DE LA VIDA

-Cartel del film-

 Prosigue la pandemia del Covid 19, prosigue el cierre de cines y la ausencia de estrenos de películas, y prosigue el programa “Somos Cine” de Televisión Española en el que se nos ofrecen por internet -gratis- filmes de interés que en su día pasaron un tanto desapercibidos… 

 Es este el caso del largometraje, ópera prima, Jean François y el sentido de la vida, del joven realizador catalán Sergi Portabella, estrenada en 2018… 

 ¿Tiene la vida sentido? ¿Quién no se ha preguntado por el sentido de la vida? ¿Preocupa el sentido de la vida?... 

 Este es el interesante e intrigante tema juvenil y humanista que trata Sergi Portabella en su sencillo -y a la vez complejo- filme acerca de la búsqueda de ese sentido… 

 Un filme que, si hoy se estilara aún el cineclubismo cinematográfico didáctico, sería de sumo interés general revisar… 

 Decía anteriormente, sencillo y complejo filme, porque, casualmente, he mantenido un coloquio con un joven adolescente de edad aproximada a la del protagonista del filme Jean François y el sentido de la vida, el cual visionó, resultándole un tanto confuso… 

 Este joven cinéfilo no conocía el mito clásico de Sísifo, ni tampoco la obra sobre el tema del Premio Nobel, Albert Camus, ni su obra literaria, como novelista, ensayista, dramaturgo, filósofo… 

 Le orienté de que otro gran filósofo francés, Roger Garaudy -siempre preocupado por el sentido de la vida y admirador por ello, del también famoso escritor francés, novelista, ensayista, historiador, filosofo…, Romain Rolland-, confirmaba a Camus como “profeta del absurdo”, y poco preocupado por la adolescencia… 

 Sin embargo Romain Rolland, también Premio Nobel de Literatura, en su extensa obra Jean Cristophe -con la que tiene un cierto paralelismo el filme de Sergi Portbella- sí que se preocupó, en su época, por la adolescencia y el sentido de la vida, que se inicia en esa edad. 

                                Romain Rolland y su novela Juan Cristobal.                                              

  La famosa novela Juan Cristobal: el fin del viaje, de Rolland, se publicó en las diez partes: El alba, La mañana, La adolescencia, La rebelión, La feria en la plaza, Antonieta, En la mansión, Las amigas, La zarza ardiente y El nuevo día; viaje por metafóricos círculos infernales o absurdos, en los que se busca el sentido de la vida, la esperanza, la armonía… 

 Traemos a colación el sentido de la vida en la obra de Rolland, porque, efectivamente, cualquier vida sin sentido cae en el absurdo del ensayo de Camus, El mito de Sísifo; y para reflexión contrastada de jóvenes o mayores a los que, también, resulte confuso el interesante filme de Portabella… 

 Se sobreentiende que la secuencia inicial del filme Jean François y el sentido de la vida, en la que se describe la ficticia muerte del protagonista, y a la que sigue otra de clarificación de su imaginario pensamiento, en una sesión de psicoterapia, no es sino un efectismo cinematográfico y de llamada a la intriga que late en todo el filme… 

 Como la novela de Rolland, o La Divina Comedia de Dante Alighieri -viaje a los círculos del Infierno, Pulgatorio y Paraiso; que vienen a significar, del teocentrismo al antropocentrismo-, el filme de Portabella tiene una estructura narrativa similar, de road movie o viaje que discurre por los pasajes de: Francesc, Jean François, Jean François y Lluna, El deseo, Las mentiras, La muerte de Camus, El absurdo y El mito de Sísifo…; o sea, etapas de reflexión juiciosa, tras lo cuales Francesc descubre sus sentimientos y entiende que puede tener sentido su vida… 

 El guión de Jean François y el sentido de la vida, fue seleccionado por la organización que promociona a los nuevos cineastas emergentes, Berlinale Talents, y obtuvo ayuda para su realización del programa cinematográfico Europa Creative Media… 

 Siendo el polisémico -o de múltiples posibilidades de interpretación-, filme de Portabella, seleccionado en 2019 para participar en el visionado especial de Egeda-Veoplatino, organización que concede los premios Platino a filmes de interés del Cine Iberoamericano… 

    Sergi Portabella, director del filme Jean François y el sentido de la vida.

 Sergi Portabella, como indica su historial, es un guionista y director con intensa experiencia en múltiples tareas cinematográficas, como ayudante de dirección, script, director de fotografía, montador… 

 Como todo buen road movie, o cine de viaje, el filme cuenta con unas variadas y cuidadas escenografía y fotografía que contribuyen a su amenidad. 

 Anteriomente a su largometraje Jean François y el sentido de la vida, Portabella guionizó y realizó los cortometrajes: Te quiero (2009), El astronauta en el tejado (2010) y El fin del mundo será en Brasil (2013); por los que, según su autor, obtuvo más de sesenta premios y reconocimientos en numerosos certámenes y festivales de cine. 

 Portabella ha demostrado también tener buenas dotes para la dirección de actores, como queda patente en las interpretaciones de su filme Jean François y el sentido de la vida; sobre todo en las de sus dos jóvenes protagonistas: Claudia Vega -en el papel de la joven Luna- y Max Megías -en el doble papel del adolescente Francesc y Jean François-… 

 -El joven Francesc, es un adolescente de trece años, introvertido, amblíope, y que por su estrabismo y ojo tapado, sufre burla y acoso escolar; débil e inseguro -acaso por falta de referencia paterna-, accidentalmente descubre el libro El mito de Sísifo de Albert Camus y se obsesiona con viajar a Paris, para encontrar al escritor y le explique el absurdo de la vida… 

 Como en La divina comedia de Alighieri, en la que Beatriz -que personifica la Fe- guía a Dante por los tres círculos simbólicos en los que discurre la obra, en el filme de Portabella, Luna, conduce a Francesc en su viaje hasta el descubrimiento de la falsedad de su absurda obsesión suicida y de que la vida sí tiene sentido… 

 Narrado con planteamientos humanistas, personales y sociales de hoy, el filme viene a ser una metáfora que actualiza, juvenilmente y con frescura, las magistrales obras de Dante Alighieri y Romain Rolland… 

   Francesc y Lluna, en un momento de su aciago viaje.

 Francesc y Lluna, el adolescente y la joven, protagonistas del filme, tras pasar por los alegóricos círculos infernales: de irresponsabilidad, abandono de hogar y familia, desengaños amorosos y sentimentales, hurtos, mentiras…; es decir el absurdo, descubren el sin sentido de su viaje y el valor de regresar a los afectos de la familia, el seguir aprendiendo y formándose, la importancia de los sentimientos y el enamoramiento, o lo que es igual: un esperanzador devenir y un ilusionante futuro…. 

 Aunque la narración del filme pueda parecer algo confusa y ligera, resulta amena y de extraordinario interés para su revisión y reflexión. 

 Deja evidente que a Sergi Portabella le aguarda un prometedor porvenir como guionista y realizador de cine. 

 Francisco Montero.