LA ULTIMA SESION DE FREUD 

-Cartel original del film.-

 Hoy que el psicoanálsis de Sigmud Freud y el cristianismo de C.S. Lewis -portentosas figuras antagónicas de la historia- están cuestionados por la razón y la fe, la ciencia y la religión; al ser la temática discursiva esencial, del filme, La última sesión de Freud, éste resulta de sumo interés. 

 En estos cruciales momentos en que los jinetes del apocalipsis -la guerra, el hambre, la enfermedad y la muerte-, y también el sentido de la vida, así como la vida sin sentido, se ciernen sobre Ucrania y Palestina, el filme, que en su trasfondo trata también citadas cuestiones sobre las guerras, provoca un profunda reflexión. 

 Basado en la exitosa obra de teatro de ficción historicista La última sesión de Freud, de Mark St. Germain, y ésta en el relato literario La cuestión de Dios, de Armand M. Ncholi, el filme de Matt Brown, auna múltiple atractivo y valor… 

 El neoyorquino Armand Mayo Nicholi, psiquiatra en el Hospital General de Massachussets y profesor en la Universidad de Harvard, adquirió reconocimiento, prestigio y popularidad por sus trabajos sobre la educación emocional en la infancia y la juventud y por un curso sobre La cuestión de Dios. C.S Lewis y Sigmund Freud, que impartió en esa Universidad, durante más de una treintena de años. De esa experiencia escribiría el libro La cuestión de Dios… 

 En ese libro Nicholi realiza una interesante confrontación entre la fe y la razón -o la ciencia-, y más concretamente sobre la confrontación y el pensamiento, acerca de Dios, el Amor, el Sexo y el Sentido de la vida, de los famosos y contradictorios personajes: C.S. Lewis -religioso, creyente- y Sigmund Freud -psiquiatra, ateo-, 

 El lbro, traducido a diversos idiomas, en su edición al español y publicado por Rialp, hoy es difícil encontrar. 

Armand M. Nicholi y su libro.

 El relato literario de Nicholi y sus conocimientos sobre el tema darían pie a una serie televisiva del Servicio de Radiodifusión Pública PBS, siendo también llevados al teatro por Mark St. Germain y otros dramaturgos. 

 Según sus entrevistadores, estudioso y conocedor de las teorías y opiniones de Lewis y Freud, sobre Dios, el Amor, el Sexo y el Sentido de la vida, Nicholi, ya en sus cursos universitarios y en su libro La cuestión de Dios, trató y relató las claves discursivas principales del antagonismo y la confrontación entre ambos personajes. Claves de interés social que, posteriormente, serían llevadas al teatro, por Germain, y al cine, por Brown. 

 Nicholi, en sus opiniones a entrevistadores sobre ambas celebridades, ha dudado de la rotundidad científica del psicoanálisis y de las teorías de Freud, argumentando: que éste atribuía a toda la sociedad las investigaciones que realizaba sobre sus pacientes enfermos; pero que sí acepta -por sus propias investigaciones personales- que las vivencias y experiencias en los primeros años de la vida, influyen, posteriormente, en la conducta de la persona adulta. 

Sobre el ateísmo del científico y su increencia sobre la existencia de una moral universal, indica Nicholi, que Freud no aportó al conocimiento social ninguna prueba fehaciente de la inexitencia de Dios, ni de la inexistencia de esa moral. 

 Sin embargo, considera muy razonables las teorías del prestigioso profesor de Oxford, C.S. Lewis, sobre la existencia de una moral universal y la existencia de una Inteligencia Superior -su concepto de Dios-, como prueban el cosmos y el universo galáctico… Igualmente, Nicholi, estima muy acertadas las tesis de Lewis, sobre los primeros años de la vida; y la moral sobre el bien y el mal, manifestada a través de sus famosas historias juveniles Las Crónicas de Narnia, heptalogía o serie de siete libros, también llevados al cine. 

 Efectuamos citadas extrapolaciones porque, en definitiva, configuran la trama discursiva de La última sesión de Freud, obra teatral y filme, homónimos, del dramaturgo Germain y del cineasta Brown… 

Mark St. Germain -dramaturgo- y Matthew Brown -cineasta-.

 El estadounidense, escritor, dramaturgo y guionista de cine y televisión. Mark St Germain, autor del guión fílmico de La última sesión de Freud, basado en su obra teatral homónima, debe su popularidad a ser autor de teatro, en el que, con una decena de obras escritas, ha alcanzado notable reconocimiento y prestigio. 

 Germain tiene predilección por el teatro de ficción historicista, y en las claves propias de ese género ha escrito sus obras mas destacadas. 

 Suele basar sus dramatizaciones en relatos literarios exitosos de otros autores, sobre personajes históricos populares o famosos como: Ann Atwater -activista estadounidense defensora de los derechos de los negros-; Karola Ruth -socióloga alemana huida de los nazis, exploradora, madre soltera y, finalmente, terapeuta experta en sexo en programas televisivos-; o C.S. Lewis y Sigmund Freud -antagónicos personajes históricos en temas de religión y ciencia-… 

 Las obras de Germain suelen tener gran éxito en los circuitos teatrales minoritarios de Estados Unidos, ajenos y diferentes a los grandes escenarios de Broadway y sus grandilocuentes espectáculos. El autor ha sido distinguido con los premios de: Círculo de Críticos del Teatro, Gremio de Dramaturgos, “Los Diez Mejores del Año” de la revista Time, entre otros… 

 Con ser su guionista dramaturgo y ser el filme una adaptación de su obra teatral a La última sesión de Freud, salvo contadas secuencias, los amantes del arte dramático, lo consideran como teatro filmado.

 Aludiendo al confrontado diálogo de sus personajes protagonistas, Freud y Lewis, sobre el bien y el mal, los jinetes del Apocalipsis de la Primera Guerra Nundial, y en las vísperas de la Segunda, configuran las escenas más cinematográficas del filme, distanciándole del teatro y provocando la reflexión sobre las absurdas guerras de ayer y de hoy, carentes de humanismo… 

Significativa escena bélica del filme con intencionalidad moral.

  Impresionan las expresivas, acertadas y magistrales actuaciones de sus protagonistas Anthony Hopkins -Sigmund Freud, ateo sin ningún asidero de fe, en los duros momentos finales de su vida- y Matthew Goode -C.S. Lewis, con su filosofía de creyente convencido de la existencia de Dios-, en este filme rico en primeros planos introspectivos y de difícil interpretación. 

 La última sesión de Freud es, sin duda, un Filme de Actor, resultando acertada y loable la elección de sus protagonistas por Matt Brown, su director. 

 Al definirse el filme como Cine de Actor, y que su trama se centre principalmente en el encuentro entre los personajes de Freud y Lewis, su director y guionista reparan también, de manera destacada, en el personaje de Anna, hija de Freud, interpretado por la actriz Liv Lisa Fries. 

 Anna, quien en la realidad acompañó a Freud hasta su muerte, heredó las teorías paternas del psicoanálisis, prosiguiendo sus investigaciones, y por las que seria considerada “Madre del Psicoanálisis”. 

 Mujer de personalidad muy compleja, ella misma fue paciente de su padre, quien la llamó Anna Antígona, atribuyéndole el mito edípico…; cuestiones éstas acaso poco tratadas en el sugerente e interesante filme humanista… 

 Francisco Montero.

 

MARÍA MONTESSORI

-Cartel original del film.-

 Hoy es habitual que las jóvenes debutantes, autoras, novelistas, locutoras, cineastas… realicen sus trabajos en los medios de comunicación con un tratamiento marcadamente “feminista”: asegura en parte su reconocimiento social y su éxito. 

 Dadas las corrientes culturales, ideológicas y políticas, imperantes en todos los países y sociedades, es la normal, a fin de no ir contracorriente, según la ley del péndulo que rige muchos de los movimientos de la historia… 

 El caso del filme biográfico y dramático, franco-italiano, La Nueva Mujer -titulado en España María Montesssori- acerca de la célebre científica y pedagoga italiana María Montessori, de la joven cineasta francesa Léa Todorov, es de un feminismo singular, de todos los tiempos, no del momento actual, ni oportunista. 

 María Montessori, fue una mujer singular, adelantada a su tiempo, y cuya meritoria labor pedagógica, acerca de la educación especial de niñas y niños diferentes está dejando aún su huella en la historia, sin acentuar discriminación docente alguna entre ambos… 

 La polifacética italiana, María Montessori, quien estudió antopología, biología, filosofía, psicología y psiquiatría, según confirma su interesante historial, en plena madurez se exilió de la Italia fascista de Mussolini -dado que sus avanzadas ideas liberales educacionales no eran aceptadas por éste régimen-, ejerció su labor pedagógica en España, Holanda y la India… 

 En España es muy conocida su obra pedagógica, teniendo diversos centros educacionales, que prosiguen su metodología, que revolucionó la educación y que se ha difundido mundialmente, siendo su meritoria obra, a lo largo de su vida, propuesta en diferentes ocasiones al Premio Nobel de la Paz. Montessori, quien siempre reivindicó los valores humanos, fue autora del tratado “Educación y Paz” (1934), que aún puede encontrarse en internet. 

María Montessori.

 María Montessori fue una pedagoga y feminista singular, no de palabrería y postureo ideológico, sexista, sino de hechos contundentes para la mayor igualdad entre niñas y niños normales y discapacitados, diferentes… 

De hecho en Córdoba (España), su Fundación -que cuenta con siete centros en la capital y la provincia- se denomina Futuro Singular. 

 Es propio, en todos los tiempos y de todos los sistemas políticos, que siempre intenten renovar los métodos educacionales, adaptándolos con intención adoctrinadora a sus ideologías. Motessori, discrepante de los métodos educativos tradicionales, estandardizados y homogeneizantes, creó su propia metodología que se ha difundido internacionalmente. 

 Ella fue partidaria de que la escuela se adaptase a la psicología y los intereses de los niños y no al contrario, los niños a la escuela. Su metología se caracterizó por el personalismo, de cada niña y niño según su desarrollo e intereses, la autonomía individual, y en un ambiente de libertad sin demasiadas dependencias coercitivas. 

 La música, como liberadora de sensaciones y emociones, tuvo en su metodología un papel esencial… 

 Hija del fiósofo Tzvetan Todorov y de la novelista Nancy Huston, la joven y polifacética cineasta francesa Léa Todorov, realizadora del filme María Montessori -titulado en Francia La Nouvelle Femme-, según su historial, es guionista, directora, productora y actríz , entre otros diferentes cometidos cinematográficos. 

 El historial cinematográfico de Léa Todorov, aún es breve y de ella sólo se conocen en España los filmes: Salvando a la humanidad en horario de oficina (2012) y Memorias de guerra (2017), aunque con el filme María Montessori (2023), demuestra un dominio extraordinario del medio. 

 La rica e interesante personalidad de la pedagoga María Montessori, ya fue llevada al cine en otras ocasiones; anteriormente, Gianluca María Tavarelli, realizó el filme María Montessori, una vida dedicada a los niños (2007), que aún puede visionarse en youtube. 

 No obstante, Todorov, con su biopic dramático-biográfico, actualiza el tema, educacional y feminista, y confiere al personaje de Montessori, a su época y a su trascendente pedagogía y activismo, un renovado interés social. 

Léa Todorov, directora y coguionista del filme María Montessori. 

 El guión del filme ha sido escrito por Léa Todorov y Catherine Paillé. La joven cineasta Paillé cuenta con veterana experiencia como coguionista, habiendo intervenido en una veintena de filmes, de distintos realizadores, destacando entre los más conocidos en Europa: Una vida mejor de Cédric Kahn (2011), Gente de bien de Franco Lolli (2014) y Profesor en Groenlandia de Samuel Collardey (2017)… 

 La coguionización del filme por dos jóvenes mujeres cineastas, de acusada sensibilidad actual, ha influido sin duda en la matizada caracterización del feminismo activista del personaje de María Mnntessori, como mujer de muy avanzado pensamiento para la peculiar sociedad de su tiempo. 

 En el filme María Montessori, de las guionistas Todorov y Paillé, prevalecen los aspectos de ficción dramática social; mientras que en el anterior Una vida dedicada a los niños, de Tavarelli, son más abundantes los datos de recreación documental humanista, acerca de los valores de la pedagogía de Montessori. 

 Todorov y Paillé, logran una interesante ambientación y caracterización de la personalidad de Montessori, de su entorno social y del momento histórico, basando el argumento del filme y sus diálogos, en algunas de las célebres frases conocidas, que han trascendido al personaje y se han traducido y difundido en diversos idiomas y países en los que se ejercen sus métodos educacionales... 

 Recordamos algunas de esas célebres frases, de carácter científico y que revolucionaron en sus tiempo la educación, configurando la metodología Montessori: “El instinto mayor de los niños es liberarse del adulto… Ayúdame a hacerlo yo sólo, por mí mismo… El niño guiado por un maestro interior trabaja con alegría por descubrir al hombre que lleva dentro… Todos los niños aprenden con el juego, porque el juego es el trabajo de los niños…” 

Expresivo fotograma del filme sobre la importancia del juego para las niñas y niños.

 De hecho, en el filme de Léa Todorov se ha dado extraordinaria importancia al juego y a los juguetes didácticos, con que cuentan en los numerosos centros de todos los países, que siguen la pedagogía Montessori. 

 La música y la danza, son otros elementos didácticos, tratados muy sensiblemente en el filme, confiriéndole relevante emotividad a las secuencias filmadas en los centros de educación especial que en él aparecen, junto a otros destacados valores, como es el de la interpretación de sus veteranas protagonistas: Jasmine Trinca y Leila Bekhti. 

 Concluyendo, en una actualidad en que la educación especial empieza a sentirse amenazada por la nueva deshumanización de la inteligencia artificial que pretende mayor prevalencia en la sociedad de las superinteligencias, ver el interesante y emotivo filme La Nueva Mujer, María Montessori, congratulará a madres y padres, educadoras y educadores… 

 Francisco Montero.

 

LAS COSAS SENCILLAS

-Cartel original del film.-

 

 “…Uno vuelve siempre 

a los viejos sitios donde amó la vida 

y entonces comprende 

como estan de ausentes las cosas queridas.

Por eso muchacha no partas ahora 

soñando el regreso 

que el amor es simple 

 y las cosas simples las devora el tiempo…” 

 Nos recuerda la canción del popular y famoso poeta argentino Armando Tejada Gómez, musicalizada y tantas veces interpretada por César Isella… 

 Emotiva canción, cuyo tema, humanista y universal, ha inspirado el interesante y bello filme francés Las cosas simples, del director Éric Besnard, distribuido en España por la empresa cualificada en cine de valores humanistas A Contracorriente Films, con el título Las cosas sencillas… 

 De las numerosas ocasiones que ha sido tratado por el cine, la literatura y la música, el tema humanista y universal, de todo tiempo y lugar, de las cosas sencillas o simples -que tantas veces dan sentido a la vida-, una de las más emotivas, sin duda, ha sido la popular canción de Las simples cosas de Armando Tajada y César Isella, que popularizaron internacionalmente, con sus sentidas y emotivas interpretaciones, César Isella y Mercedes Sosa… 

 Tejada e Isella, lograron reconocimiento, fama y prestigio internacional con las canciones, letra y música, de Las simples cosas y Canción con todos. De hecho, Canción con todos -traducida a una treintena de idiomas-, fue -declarada por la UNESCO, como himno y canción de Argentina y de América Latina e Himno de la Unidad de America Latina; contribuyendo a la difusión del tema de las cosas simples o sencillas, de los mismos autores, que podemos encontrar en internet y youtube…

Armando Tejada -poeta y letrista- y César Isdella -músico y cantante-.

 Conocedor o no, de referida canción de Las simples cosas, pero sí de su temática esencial de la naturaleza de las cosas y de la vida, Éric Besnard, ha realizado su filme Las cosas simples, con un planteamiento naturalista o de vuelta a los sencillos valores naturales de la vida… 

 Del argumento del filme: “Vincent -empresario de gran éxito- y Pierre -biólogo de reconocido prestigio-, prototipos de personas de extraordinaria complejidad, en una sociedad actual sumamente compleja, sofisticada, antinatural y artificial, conocen el triunfo, pero también el descontento de sus vidas, no se sienten felices, sus vidas carecen de sentido, por lo que desean volver a las cosas sencillas…”; interesa sobremanera la búsqueda del sentido de la vida, de la felicidad… 

 No obstante lo común y generalizado de su tema y argumento, y la correcta realización del filme, éste no cuenta con el interés y favor de grandes públicos, como denota su exigua y breve permanencia en algunas pantallas de nuestro país. 

 Resulta evidente que el título de Las cosas sencillas -acaso desafotunado para la cultura, o mejor expresado incultura cinematográfica de masas-, en las sociedades donde prevalecen la espectacularidad y el sensasionalismo del cine de evasión, no atrae… 

 Éric Besnard, guionista y director francés de cine de Las cosas sencillas, declaró a La Vanguardia que “No deseo vivir en un mundo en el que se tenga miedo uno a otro…” -caso del antagónico y enemistado mundo actual de guerras entre países, ideologías, sociedades, personas, hombre y mujer…-; cuya convicción le llevó a dirigir citado filme que trata esencialmente de la amistad y la confianza humanas, entre otros sensibles temas. 

 Éric Besnard, quien lleva el cine en la sangre -continuando la saga de su padre, el prestigioso cineasta Jacques Besnard-, aunque se inició en el mudo de las bellas artes como saxofonista, al no llegar a tener notoriedad en la música, siguió el camino paterno como guionista y director, en el que está alcanzando notable reconocimiento y fama. 

 Como guionista y dialoguista de filmes de otros realizadores, cuenta en su historial con mas de una quincena de trabajos muy diversos, en los que ha adquirido polifacético conocimiento y experiencia en el medio cinematográfico. 

 Como guionista y director, autor, ha realizado una decena de filmes, entre los que destacan: La sonrisa del payaso (1999), El sabor de las maravillas (2015), Espíritu de familia (2020), Delicioso (2021), junto a Las cosas simples (2023). 

Éric Besnard, director de Las cosas sencillas.

 En sus dos filmes anteriores, La sonrisa del payaso y Espíritu de familia, Besnard trata acerca del descontento de vivir y la infelicidad personal y familiar, por lo que esta temática no le es ajena y en ella profundiza, en su filme Las cosas sencillas. 

 El autoengaño personal y la mentira social, en un mundo y sociedad en los que se vive más de la fatuidad de la fama y del éxito, de la sofisticación y las apariencias, que de los valores humanos esenciales para la satisfacción, el contento de vivir y la felicidad, son aspectos de su insistente temática acerca del sentido de la vida, tratados en citados filmes y muy acentuados en el último de ellos. 

 Al tratarse de una historia en la que prevalece la temática intimista y personal -aunque de extensión social y prototípica, que afecta a todos los humanos-, Las cosas sencillas, es un filme de introspección psicológica que intenta penetar en el alma de sus personajes, caracterizandose, por tanto, como cine de actor. 

 En Las cosas sencillas, no hay movimientos de masas ni de espectaculares situaciones -propias del cine de acción trepidante o thriller- sino de personajes, que se desenvuelven en escenarios naturales, destacando sobremanera las interpretaciones sosegadas de sus protagonistas… Acorde con el tema, su elenco es reducido y simple -aunque de difícil interpretación, como suele ser el cine de actor-. 

 De los papeles de sus contradictorios personajes principales, ricos en diálogos para la reflexión: Vincent -afotunado empresario de éxito, aunque aquejado por el estrés-, Pierre -desafortunado biólogo, obstinado en sus teorías sobre la riqueza alimentaria del mar, aunque vive en plena montaña-,  Camille -viuda, madre de Zoé, pero aquejada por la soledad-, destaca el protagonismo de Vincent, interpretado por el célebre actor Lambert Wilson. 

Pierre, Camille, Zoé y Vincent, en una escena alusiva a la importancia de la vida familiar.

 -Con el afán de desarrollo y pretendido progreso estamos haciendo, hemos alcanzado, un mundo y una vida tan compleja y difícil de disfrutar, que nadie se encuentra satisfecho, ni se siente feliz en ella. Es por ello, por lo que se está convirtiendo en necesario, imprescindible, volver a la simplicidad, a la sencillez… 

 El filme, que se inicia con unos complejísimos planos de las redes de comunicaciones aéreas, de la inteligencia artificial terrestre que se nos avecina y de las aglomeraciones sociales de masas, intenta introducirnos metafóricamente, en la creciente complejidad del desarrollo regresivo al que estamos abocados; no obstante, el retiro a la vida natural y familiar de las cosas sencillas, vienen a ser, sin ánimo aleccionador, ni moralizante, sino humorístico, sus propuestas finales de reflexión… 

 Francisco Montero.

 

GUADALUPE: MADRE DE LA HUMANIDAD 

           -Cartel del film.-

  El hombre, la humanidad, desde los más lejanos albores, como atestigua la historia, desde las culturas y civilizaciones primitivas, indígenas, siempre ha tenido la necesidad de Dios, de dioses, de un dios con el que dar explicación a los enigmas o misterios de su vida, de su existencia… 

 Hoy sigue vigente el interesante libro del polifacético escritor, filósofo, político, humanista francés Roger Garaudy, ¿Tenemos necesidad de Dios? -publicado hace tres décadas-, en el que confirma que sí: un Dios Padre de razón y fe, que trasciende, el ateísmo, el agnosticismo, el materialismo…; y puede vivenciarse metafóricamente y en la espiritualidad de todos y cada uno de los seres humanos… 

 Y si aceptamos la necesidad de un Dios Padre de Todo, de la Creación, que dé sentido a nuestra vida, a cualquier vida, ¿cómo no vamos a tener también, prioritariamente, la necesidad de una Madre…?

 Esencialmente, de ello trata el filme, docudrama documental y argumental, Guadalupe: Madre de la Humanidad, de los prestigiosos directores españoles de Cine Religioso y de Valores Humanos, Andrés Garrigó y Pablo Moreno. 

 -No olvidemos que en 1956 nacía en Valladolid la Semana de Cine Religioso, vinculada a la Semana Santa local, y que a patir de 1960 se denominaría Semana Internacional de Cine Religioso y de Valores Humanos, hoy SEMINCI, o Semana Internacional de Cine, una de las más prestigiosas de nuestro país.

 España, históricamente, ha sido siempre el país con mayor relevancia religiosa y espiritual de Europa. El número de congregaciones y órdenes religiosas y los numerosos monasterios y conventos lo testimonian… 

 Y la advocación mariana a la Virgen de Guadalupe, en el municipio extremeño de Guadalupe (Ciudad Real), de donde sería llevada a México, es también testimonio de citada relevancia. 

 El nombre de Guadalupe, que etimológicamente puede provernir del árabe “wad al lubb”, o río oculto, como se designa al río Guadalupe que nace en la extremeña Serranía de Villuercas, es aplicable al misterio que entraña la difundida advocación mariana internacional, entre España y Latinoamerica, el viejo y el nuevo mundo. 

 Fenómeno internacional, religioso y social, que ha motivado el interés de los cineastas españoles Andrés Garrigó y Pablo Moreno. 

 Y su filme Guadalupe: Madre de la Humanidad, ilustra hoy, minuciosamente y con fehacientes testimonios, el fenómeno histórico, religioso y social de la Virgen de Guadalupe en México, que ha trascendido las fronteras de la historia y del país latinoamericano. 

             Andrés Garrigó y Pablo Moreno.

 Andrés Garrigó, productor guionista y director de cine, con su empresa Goya Producciones, está realizando una extraordinaria proeza: llevar al éxito nacional e internacional el género de Cine Religioso y de Valores Humanos. 

 Aunque España sea un país religioso, citado cine -poco sensacionalista-, no es precisamente de especial interés de los públicos mayoritarios, ni de las grandes plataformas y cadenas cinematográficas. 

 Garrigó y Goya Producciones han colaborado con la Asociación Nacional Cinemanet -que promueve un “Cine con Alma”, de Valores Humanos, Espirituales, Familiares, Educacionales…-, entregando y difundiendo el Premio Mundial “¡Qué bello es vivir!” (2016) -acerca de la grandeza de la vida-, otorgado a la película libanesa Gandhi, del realizador Amin Dora. 

 Entre las numerosas realizaciones propias de Goya Producciones y dirigidas o codirigidas por Andrés Garrigó y Pablo Moreno destacan: Luz de soledad (2016), Fátima. El último misterio (2017), Tierra Santa. El último Peregrino (2021), Corazón de Padre (2023)… 

 Luz de soledad, del realizador Pablo Moreno -véase la reseña de su film Petra de San José, en este blog, (febrero 2022)-, obtuvo en 2017 además de sus 31 nominaciones a los Goya, los importantes Premios: Mirabile Dictu, Cinemanet, Alfa y Omega, Bravo… 

 Pablo Moreno ha realizado la recreación argumental de Guadalupe: Madre de la Humanidad, filmada, entre otros países, en México, Alemania, Estados Unidos, España… 

Un momento del rodaje en la Sierra de Francia (Salamanca, España), con la actriz mexicana Karyme Lozano.

 El fenómeno multitudinario, religioso, espiritual y social, de la virgen de Guadalupe de México, dada la idiosincrasia de la sociedad latinoamericana, acaso haya superado a los de Lourdes y Fátima -éste anteriormente tratado también, por Goya Producciones-, por lo que  no podía quedar inédito. 

 En el filme Guadalupe: Madre de la humanidad, han intervenido, entre otras, autorizadas y conocedoras personalidades como: Monseñor Eduardo Chávez, director de la Basílica de Guadalupe de México, María Saavedra, profesora de Historia de América, de la Universidad San Pablo CEU de España, Patricia Sandoval, activista Provida y presentadora de televisión en Alabama, Estados Unidos… 

 Además de la rica y fehaciente documentación recopilada para la realización del filme, éste cuenta con testimonios recientes y reconstrucciones históricas, basadas en el relato tradicional Nicam Mopohua de Antonio Valeriano (1556) -sobre las apariciones de la virgen de Guadalupe al indígena Juan Diego en el Tepeyac (México), según el manuscrito náhuati-, que impresionan sobremanera a creyentes y no creyentes… 

 Junto a las relatadas milagrosas apariciones, sorprende, aún hoy, la indeleble y perfecta impresión de la Virgen, sobre la tosca tilma, o tela utilizada para diferentes usos por los indígenas, y que se conserva en la Basilica de Nuestra Señora de Guadalupe en México. 

 Superando diferentes aspectos de la leyenda negra acerca del exterminio de la religiosidad indígena del nuevo mundo, por la religiosidad cristiana llegada del viejo mundo, emociona conocer cómo ésta terminó con los salvajes rituales indígenas en los que se inmolaban a personas, según se relata en el filme… 

 Sorprende en el filme, según sus testimonios, cómo la fe mariana a la Virgen de Guadalupe contribuyó, y aún contribuye hoy, a enriquecer la espiritualidad y la religiosidad indígena… 

El actor mexicano Mario Alberto en el papel de Juan Diego y figurante indígena del filme.

 Pero impresionan, de manera extraordinaria, las multitudinarias aglomeraciones reales recientemente filmadas, de una humanidad que, posiblemente busque el milagro personal de encontrar un sentido más profundo a una vida insatisfactoria. 

 Actualmente, hoy como ayer, en esta aldea global que es el planeta, en el que todo se sabe por los avanzados medios de comunicación social -y entre ellos el cine- que ningún sinsentido dejan oculto: injustificables guerras, descomunales catástrofes, injustas diferencias humanas y sociales, enfemedades raras e incomprensibles para la ciencia…, la humanidad entera, de países superavanzados o subdesarrollados, acaso sí tienen necesidad de incomprensibles apariciones, misterios, milagros… 

 El filme Guadalupe: Madre de la Humanidad, que, a pesar de pertenecer a un genero de cine minoritario, viene obteniendo un clamoroso éxito en la generalidad de los países donde se exhibe, explica matices de la religiosidad y espiritualidad humana de siempre. 

 Francisco Montero.

 

EL LIMOSNERO 

      -Imagen documental-.

 Sin lugar a dudas, el mayor y mejor amor, para todas las doctrinas y filosofías del mundo, de la historia, es el de darse a los demás sin espera de recompensa alguna… 

 Es la hermosa historia, ejemplar, de “El Limosnero” de los Hermanos Hospìtalarios de San Juan de Dios, español, conquense y cordobés, Bonifacio Bonillo, cuya propuesta de canonización se tramita ahora en el Vaticano. 

 “Pordiosero de Dios”, y pedigüeño para los niños pobres, enfermos, desvalidos y vulnerables, a los que dedicó infatigablemente toda su andariega y misionera vida. 

 Es la emotiva temática que trató en su homilía el Obispo de Córdoba Demetrio Fernández, filmada recientemente (30 de Septiembre de 2023) en la Catedral de la Mezquita de Córdoba. 

 A Bonifacio Bonillo, antes de nacer, ya sus padres le predestinarían a ser un buen hombre, buena persona; seguramente su madre, como la generalidad de las madres, alentó con énfasis ese anhelo. No olvidemos que el nombre de Bonifacio proviene del latín “bonus facere”, buen hacer, buenas obras… 

 Bonifacio, seguro llegó al mundo, marcado con el gran anhelo de su madre Higinia Fernández, de que fuera una bondadosa, excelente persona: su predestinación de pordiosero, es decir, de pedir “por Dios”, ese dios muy humano que habita en todos, pero sobremanera en los pobres, los desposeídos, los enfermos, los desvalidos, los niños…, haría que se cumpliese su franciscano destino, gran hermano de todos… 

 Bonifacio Bonillo, con su humilde y modesto equipaje de amor, de ingenioso ángel, para nuestra desangelada tierra: la humildad, la modestia, la generosidad, la caridad, la laboriosidad incansable… -entre otras muchas virtudes-, al igual que su hermano predecesor San Juan de Dios, dejaría una profunda huella en nuestra indeleble historia reciente… 

Fehacientes libros histórico-biográficos sobre El Limosnero Bonifacio Bonillo.

 Estos preciosos libros no tienen precio; no solo por sus magistrales narraciones y ediciones, sino porque los generosos Hermanos de San Juan de Dios en sus acogedores Hogares y Clínicas Hospitalarias, los dejan a la buena voluntad de las pesonas interesada en ellos… 

 El Hermano Bonifacio. Excelentísimo Señor Limosnero, escrito magistral y amenamente por Juan Muñoz Cascos, es un prodigioso y meritorio documental literario que alcanza ya su segunda edición, y que ojalá sea llevado al cine… 

 El Siervo de Dios Hermano Bonifacio Bonillo, O.H., biografía esencial del Hno. José Ramón Pérez Acosta, O.H., reiteramos preciosamente editado, va camino de convertirse en “best sellers", o mejor dicho de solicitado éxito… 

 Ambas publicaciones nos rememoran, tanto por su contenido acerca de la personalidad excepcional de Bonifacio, como por su estilo literario fehaciente, sencillo y sin grandilocuencias, la biografía San Francisco de Asís, del Premio Nobel de Literatura Hermann Hesse, a quien fascinaba el sentido de la vida y la trascendencia espiritual del “Poverello”, pequeño pobre, hermano de los pobres y de las criatura más desvalidas… 

 El Limosnero Bonifacio, no pedía para sí, sino para los pobres y desvalidos y muy particularmente para los niños enfermos… 

 Desde su espiritualidad fue una persona muy creativa y con gran imaginación, un “santo” de hoy en el arte de pedir para los demás; él sabía convertir una dádiva en un beneficio para quien generosamente la concedía: “date una satisfacción a tí mismo, dándome lo que te pido para mis niños necesitados…” -como fuera el sabio postulado esencial de San Juan de Dios-. 

 En su arte de pedir para los demás, tenía perfectamente asumido el espíritu de los Hermanos de San Juan de Dios, tantas veces evocado en la Historia de las Bellas Artes. Caso, entre otras, de las numerosas y conocidas obras pictóricas famosas: Arcangel Gabriel y San Juan de Dios de Bartolomé Esteban Murillo, o San Juan de Dios salva a desvalidos de un incendio del arqueólogo y pintor Manuel Gómez-Moreno González. 

Arcangel Gabriel y San Juan de Dios.Murillo. San Juan de Dios salva a desvalidos de un incendio. Manuel Gómez.

 Dadas las considerables influencias del cine y los medios audiovisuales en la sociedad, es lógico que sus documentalistas y tratadistas se preocupen por personajes o temas de relevancia en las bellas artes, como ha venido siendo con la obra de Murillo… 

 En este caso, nos preocupamos por la relevante y emotiva homilía filmada, del obispo de Córdoba Demetrio Fernández, acerca de nuestro Limosnero Bonifacio y la remisión al Vaticano de su Expediente de Canonización… 

 Córdoba, histórica y simbólica ciudad mundial del Diálogo de Civilizaciones, Culturas y Religiones, es también Ciudad del Diálogo Humanista y Humanitario, y a ella -acaso como un signo más de su ejemplaridad- vino Bonifacio Bonillo para ejercer durante la mayor parte de su vida su persistente y ardua tarea de Limosnero. 

 Aunque ya se cuenta con la filmación de citada homilía realizada en la Catedral-Mezquita de Córdoba -símbolo también de Diálogo Ecuménico Universal-, un amplio filme de largometraje, sobre el popular Limosnero, está aún por realizar… 

 Citados libros, anteriormente reseñados, contienen fehacientes y valiosos datos y testimonios para ese filme. A una realización cualificada, que trate idóneamente la rica documentación que obra en los archivos de la Orden Hospìtalaria de San Juan de Dios en Córdoba, auguramos una extraordinaria difusión y el mayor de los éxitos. 

El interés en todas las culturas del planeta por personajes como el de nuestro Buen Limosnero o samaritano, sin duda, es también universal. 

Fotograma de la expresiva homilía del Obispo de Córdoba sobre Bonifacio Bonillo.

 Si el proceso de canonización llega en el Vaticano al Papa Francisco, al padre Jorge Bergoglio, quien asumió los postulados esenciales de San Francisco de Asís para su papado, es decir, el humanitarismo, la sencillez, la pobreza, humildad, caridad y generosidad con todas las criaturas… -que fueron en toda su vida los postulados de fray Bonifacio Bonillo, al igual que lo son de la congregación de los Hermanos Hospitalarios de San Juan de Dios-, seguro llegará a su buen termino: ejemplaridad… 

 Ejemplaridad para todas las filosofías doctrinas y credos del mundo -de judíos, cristianos, musulmanes…-; el humanismo o humanitarismo universal de hoy no tiene por que encontrarse enclaustrado sólo en una iglesia o creencia, se puede encontrar perfectamente junto al progreso, la ciencia o la tecnología, en un gran complejo hospitalario como es el de San Juan de Dios en Córdoba, o en otros lugares del planeta… 

 Francisco Montero.

 

¿QUÉ HICIMOS MAL? 

                                     -Cartel del film.-                                   

 ¡Ay, si la vida pudiera vivirse dos veces…! Seguro cometeríamos menos errores y no tendríamos que preguntarnos, tan frecuentemente, ¿qué hicimos mal… 

 La equivocación es cuestión universal y lugar común a todo el mundo, mujeres y hombres, personas y sociedades, naciones y países de todo el planeta… 

 Temática, sencilla y compleja, del filme que se reseña, que a todos interesa sobremanera, y seguro a nadie deja indiferente… 

 Es la temática que con sencillez narrativa y complejidad psicológica trata el filme ¿Qué hicimos mal?, de la introspectiva realizadora catalana feminista, Liliana Torres, que en estos días de final y principios de año, puede volverse a visionar con interés y agrado en internet, en el programa, gratuito, Somos Cine de Radio Televisión Española. 

 La cineasta Liliana Torres, guionista, directora, productora y actriz, se graduó en dirección en la ESCAC -Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña-, cursando posteriormente estudios de Videoarte en el Centro de Arte Santa Mónica (Barcelona) y de Especialización en Cine Documental (México); cuyos estudios marcarán la realización de su cine. 

 Uno de sus primeros trabajos cinematográficos fue el corto de 9’, Anteayer (2005), acerca de las mujeres artistas, cineastas, que fue muy aplaudido en la XX Muestra de Cine y Mujer de Pamplona. 

 De sus inicios creativos durante los años de estudios, y de carácter feminista, son también los documentales Todos los trabajos de las mujeres y Viviendo en la piedra. 

 Más tarde, en 2010, realiza el corto de 7’, sobre la adolescencia de una chica diferente, 15 años, con el que ganó la beca del Instituto de Estudios Cinematográficos de México y que fue reconocido como filme “Excelente”. 

 Durante su estancia en México, entre otras realizaciones, trabaja en el montaje de la exposición de videoarte Eternidad Fugitiva, presentada en el Palacio de Bellas Artes local, e interviene como productora ejecutiva en el film El lenguaje de los machetes, de Kizza Terrazas, estrenado en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia de 2012. 

Liliana Torres, guionista, directora y protagonista de ¿Qué hicimos mal?.

 De nuevo en España, en 2012, realiza su primer largometraje de ficción Family Tour, interpretado por familiares, con el que obtiene entre otros los reconocimientos: Premio de la Crítica en el Festival Internacional de Nuevos Talentos REC de Tarragona, Mención Especial en el Festival de Cine -online- Atlántida Film de Mallorca, y Premio Mejor Película de la Comisión Europea de Migración y Asuntos Internos. 

 En 2018, con importantes apoyos -Al Jazeera, France 3, TV3…-, codirigido con Sofía Escudé, realiza el documental Hayati (Mi vida), que obtendría el Premio Mejor Documental del Colegio de Periodistas de Cataluña y una Mención Especial del Jurado Joven del Festival Internacional de Cine de Málaga.

 Con el aval de más de una quincena de reconocimientos y premios nacionales e internacionales recibidos, Liliana Torres realiza la comedia dramática ¿Qué hicimos mal? (2021), -con una compleja coproducción múltiple- en la que interrelaciona las claves narrativas del cine dramático con las de un documental de ficción, acaso para mayor realismo de la historia que narra… 

 ¿Qué hicimos mal?, tuvo también una quincena de candidaduras a los Premios Goya de 2022, entre ellas: Mejor Película, Guión Original, Dirección y Actriz Revelación -Liliana Torres-, Mejor Actor Protagonista -Xúlio Abonjo- Mejor Sonido y Canción Original -Cumbia Güera, de Marcel Pascual y Patricia Cadaveira-, Mejor Dirección de Fotografía -Lucía C. Pan-… 

 Es de extraordinario interés la sugestiva y sugerente fotografía de la cineasta gallega Lucía C. Pan: una fotografía sencilla y compleja a la vez,   sin sofisticaciones, muy rica en primeros planos introspectivos -los más difíciles de interpretar-, realista, polisémica en connotaciones humanas y psicológicas, con multiplicidad de significados… -no podemos ovidar que la esencia del lenguaje cinematográfico es la imagen… 

Metafórico fotograma del viaje de Lili a su pasado, ante la Fuente del Po, en la Plaza de la Liberación de Turín.

 En la historia del filme, el personaje protagonista de Lili, que ama antes que nada su libertad y deseo de ser directora de cine -interpretado por Liliana Torres-, aunque mantiene una relación de pareja con el músico David -Xúlio Abonjo-, viaja a su pasado para intentar saber en qué se equivocó en sus anteriores relaciones -idílica con Kilian, abiertas con Manuel, liberales con Fede…-, a fin de rodar un documental y reflexionar sobre ellas para salvar la actual… 

 Apoyada por Xúlio, quien financiará, su viaje, ya que ella es una artista de cine pobre, sin recursos económicos, en la experiencia constatará que cada momento de la vida y cada relación son diferentes; su viaje al pasado, no le valdrá para afrontar su presente ni su futuro … 

 Es la sugestiva historia del filme ¿Qué hicimos mal?, que sin artificios narrativos emocionales, sobrecoge al espectador desde su intrigante principio al fin… 

 No obstante, ¿Qué hicimos mal?, obtuvo un emocionado apláuso del público en su presentación a las secciones oficiales de 2021 en: el Festival Internacional de Cine Black Nighs de Tallin (Estonia) -el más importante de los festivales de cine de los países nórdicos de Europa- y el Festival Internacional de Cine Europeo de Sevilla, en el sur. 

 El cine de Liliana Torres, que se inscribe en la llamada Nueva Escuela Catalana de Cine Realizado por Mujeres, cineastas exitosas -Pilar Palomero autora de La Maternal, Carla Simón, directora de Alcarrás…-; es un cine de marcado carácter feminista, intimista, de inspiración o basado en vivencias personales, sobre las que se relata la ficción, y con las que adquiere realismo de documental. 

 Con la sensibilidad, agudeza y minuciosidad propia de las mujeres realizadoras, en ¿Qué hicimos mal?, Liliana Torres, cuida hasta el perfeccionismo cada toma del filme: escenografía, ambientación, imagen, sonido…, para que la narración resulte muy natural, creible… 

Un momento del rodaje del filme en un escenario natural de Galicia.

 Para su mayor naturalidad y mejor ambientación y caracterización de personajes, en la historia de su viaje al pasado y a las vivencias de los recuerdos y de las anteriores relaciones de pareja de Lili -¿Liliana…?-, el filme se ha rodado en Galicia, Barcelona, Turín, México… 

 De su cuidado montaje, se aprecia la calidad de su banda sonora por la que, reiteramos, fue canditado a los 15 Premios Goya de 22, destacando el sonido y la música de Xavier Souto -Técnico de Sonido Directo-, y la canción “Cumbia Güera” de los prestigiosos compositores: el catalán Marcel Pascual -músico, compositor y pedagogo- y la gallega Patricia Cadaveira -música concertista, solista, en agrupaciones y compositora-, que puede escucharse en la web de citadas candidaduras… 

 El filme ¿Qué hicimos mal?, con tener un título tan sugerente y atractivo para la reflexión social y personal, intemporal, humanista, sigue hoy visionándose con gran interés. 

 Francisco Montero.

 WONKA

-Cartel del film.-

  Es sabido, no hay tarea más humanista, hermosa y encomiable que la de preparar a las niñas y niños para su futuro, el de la sociedad, un mundo mejor… 

 Es la compleja multitarea, tantas veces sumamente difícil, que realizan cotidianamente madres y padres, educadoras y educadores de todo el mundo, ante una sociedad y futuro cada dia más exigentes… 

 Una de esas complejas tareas es, sin duda, la formación y el desarrollo de la imaginación -la gran riqueza de la persona-, que le será muy útil para cualquier cometido: científico, investigador, escritor, músico, operario, deportista, o sencillamente ser buena persona… 

 Fue la tarea ejemplar, incansable, de “perseguir el sueño de su vida” que realizó siempre el polifacético, imaginativo y fantasioso escritor noruego-inglés Roald Dahl, autor del cuento para niños Charlie y la fábrica de chocolate, que ahora se ha llevado al cine por el británico Paul King con su filme Wonka… 

 El polifacético escritor cuentista, novelista, poeta y guionista británico de ascendencia noruega, Roald Dahl, durante sus años escolares en Repton (Inglaterra), de la multinacional de alimentación y dulcería Cadbury -cuenta en su historial-, se recibían en su colegio las nuevas tabletas de chocolate para que los alumnos las probaran… 

 Dahl, deslumbrado por el buen sabor del chocolate, soñó con crear una barra tan grande y deliciosa que superara a las que les enviaban de Cadbury… 

 El chocolate no solo alimentó su glotonería, sino también su prodigiosa imaginación, ensoñamiento y, ya de adulto, su inspiración para escribir Charlie y la fábrica de chocolate, el fabuloso cuento para niños que le abriría las puertas de la literatura infantil; las raíces para perseguir sueños y lograr realidades profundizaron en su creatividad y carácter de aventurero… 

    Roald Dahl y su multieditado cuento infantil.

 Según se relata en su biografía, en su infancia, repartida entre Inglaterra y Noruega -durante sus vacaciones-, Roald fue un niño aventurero en ocurrencias, travieso, divertido…; que serían los pilares de su fecunda obra literaria. 

 Tras su fantasiosa primera obra mitológica de los Gremlims (1943), escrita para Disney y que sería llevada al cine, Roald escribiría una veintena de libros de relatos y poemas para niños, entre los que destacan, junto al citado de Charlie, los títulos de: El dedo mágico, Charlie y el gran ascensor de cristal, La maravillosa medicina de Jorge, El gran gigante bonachón, Las brujas, Matilda, Cuentos en versos para niños perversos, Puchero de rimas… 

 Una treintena más de relatos para adultos y guiones para televisión y cine se alternarían entre sus obras infantiles, destacando entre otros los guiones cinematográficos de: Chitty Chitty Bang Bang, Un mundo de fantasía, Las brujas, Matilda, Charlie y la fábrica de chocolate (2005)… 

 Sin duda, en su polifacética y prolífica obra, la persistente y gran tarea literaria de Dahl ha sido la de sembrar, para niños y mayores, buen gusto y divertimento, humor, fantasía, imaginación…, para un mundo mejor. 

 La fantasía y divertimento en el exitoso filme de Tim Burton, Charlie y la fábrica de chocolate (2005), en el que se narra “la historia del niño Charlie que supera su vulnerable y extrema situación de pobreza con el poder de la imaginación que le infunde su vecino el fabricante de chocolate Willy Wonka”, ha sido de nuevo llevada al cine en el divertido y metafórico musical Wonka de Paul King… 

 En estos aciagos tiempos de trágicos enfrentamientos bélicos-políticos de países y sociedades, dominados por el terrible e inhumano sufrimiento -que no debería corresponderse con el progreso y desarrollo alcanzados-, filmes con fines humanistas sobre la función del “buen humor y divertimento” en la sociedad, resultan también, sin duda, entre otros muchos aspectos, encomiables… 

 Es el caso de Wonka, del director británico Paul King, protagonizado por el divertido actor francoestadounidense Timothée Chalamet, y la emotiva estrella infantil Calah Lane...

 Paul King (1978), es un guionista y director británico de cine y televisión de comedia, que aún no cuenta con un amplio historial filmográfico, pero que alcanzó popularidad con su imaginario, fantasioso y divertido filme Paddington (1914), el oso que deseaba conocer Londres, basado en el cuento infantil, homónimo, del escritor británico Michael Nond. 

Paul King -Hollywood Reporter-, director de Wonka.

 King doblemente nominado -adaptación del cuento y mejor filme- a los Premios de la Academia Británica de las Artes del Cine y la Televisión por su exitoso filme Paddington, realizó en 2017 una segunda parte del mismo, con la que alcanzó el prestigio que le llevaría a coguionizar y dirigir Wonka (2023). 

 Como director asociado de televisión, son notables sus trabajos en varios episodios de la series norteamericanas: Ven a volar conmigo (2010-2011) y Fuerza espacial (2020), entre otros, de los conocidos en España. 

 Wonka, junto a la fantasiosa historia del cuento original de Roald Dahl en la que se basa, y el ingenio imaginativo de Paul King, cuenta con un coguionista de excepción, el también británico Simón Farnaby… 

 El actor de comedia y guionista de cine y televisión Simon Farnaby, ha intervenido en una quincena de filmes de cine y en más de cien guiones de episodios y documentales televisivos. Con King coguionizó Paddington 2. Alcanzó gran fama con sus 65 episodios de la serie televisiva Historias Horribles, para la BBC, en los que, junto al divertimento, se enseña historia a los niños. 

 Con el filme estadounidense Wonka, reiteramos la idea de que “los americanos llevan el cine en la sangre y los europeos en el corazón…”; es un filme de acción y música trepidantes y de emociones sentimentales positivas, entre otros muchos aspectos. 

 Sus guionistas británicos manifiestan en él un profundo conocimiento de la historia del cine. En el musical Wonka, de alguna forma se recuerda y rinde homenaje al magistral filme Cantando bajo la lluvia (Estados Unidos), a Los paraguas de Cherburgo (Francia), a Cuatro pasos por las nubes (Italia), o a Un paseo por la nubes (Mexico-Estados Unidos) -con caciones del que fuera famoso director cubano de la Orquesta de Córdoba (España), Leo Brouwer… 

Paradigmático fotograma, en las nubes, de la emotiva secuencia musical de Wonka, "Un mundo mejor".

 Tras visionar la película, mis nietecitas Alicia y Lucía, ambas cinéfilas infantiles muy lúcidas, expresaron su acertada opinión: Wonka es una historia divertida, diferente, un cuento diferente… 

 Según su acertado criterio -las niñas y niños no suelen equivocarse en sus apreciaciones-: el protagonista Willy Wonka, Timothée Chalamet, es un mago muy mágico, la niña Calah Lane, Noodle, es muy emotiva, tiene muy buen corazón, en Wonka, el rey de la selva no es el león, que es un depredador, es la jirafa que es la más alta… 

 Efectivamente, la poética moraleja de la historia, del cuento, para pequeños y mayores, es de muy altas miras: la adulteración de los valores de la vida, la violación de los derechos humanos, la explotación de las personas débiles y vulnerables, los abusos de poder…; son males sociales y morales, entre otros, que el filme trata, seriamente y con humor… 

 Francisco Montero.