jueves, 26 de diciembre de 2019





FROZEN

-Cartel del film-

A la dimensión espiritual del ser humano no sólo pertenecen la religión, la teología, lo sagrado…; sino también la imaginación, la fantasía, el ensueño…

Aunque el arte del ensueño, el séptimo arte, el cine -arte de imágenes en movimiento- se inicia en 1895 con el cinematógrafo de los Hermanos Augusto y Luís Lumière, el cine de animación o de dibujos animados, realmente, tiene sus orígenes en los remotos tiempos prehistóricos, cuando en las cuevas rupestres -por ejemplo, de Altamira- se dibuja un jabalí con ocho patas, imaginario del movimiento…

El libro sagrado de La Biblia, desde su mitológica Creación del Génesis -de la que no existe ningún testimonio histórico fehaciente-, ya es, en sí, un interesante fenómeno de imaginación, fantasía, ensueño…

Queremos decir con todo ello, como las claves del Cine de Animación -imaginación, fantasía, ensueño…- forman parte de la misteriosa y alta espiritualidad humana…

Siendo los filmes de dibujos animados, Frozen I y II, una altísima muestra de las claves del cine de animación, de espiritualidad, de mitología…; es decir, de valores humanos, de humanismo…

Los dibujos y el cine de animación, fruto de personas con extraordinaria imaginación y creatividad, han cumplido siempre la alta función espiritual y humanista de plasmar a personajes y hechos tan idealizados que con el realismo no se pueden lograr…

Escritor de extraordinaria y portentosa imaginación -que llevó a medio mundo-, fue el danés, autor de cuentos infantiles y juveniles, Hans Christian Andersen. Acaso el más famoso de sus cuentos fue La Reina de las nieves, en el que -con una historia muy distinta-, se inspiraron los filmes Frozen I y II, considerados como el mayor logro de animación -técnica y estética- de los Estudios Disney…

Famoso cuento de Andersen y estatua del escritor en Málaga, España.

De los más de 150 cuentos que escribió Andersen, dada su fabulosa imaginación y fantasía, muchos de ellos han sido tratados por numerosos ilustradores de libros y llevados al cine con gran éxito. La reina de las nieves ha sido llevada al cine de animación en diferentes ocasiones: por los estudios rusos Soyuzmultfilm y Wizart Animation (en 1957 y 2012), por los estudios ingleses Animation (1995)… Y, en imagen, real por Canadá y EEUU. (2012)…

Exitosos antecedentes que, unidos al del aclamado filme -basado en cuento también de Andersen- La Sirenita (Walt Disney Pictures, 1989), deciden a la productora acometer la segura y gran aventura de animación que es Frozen

Muchos de los cuentos de hadas de Andersen, está inspirados muy imaginariamente en sus propias vivencias personales; El patito feo, por ejemplo alude a su propia personalidad de niño muy feo -por su deforme nariz-, inseguro, tímido…

El argumento original del cuento de Andersen La reina de las nieves, la “historia de amor y amistad entre Kay y Gerda” -acaso inspirado en el amor no correspondido que el autor sintió por la soprano Jenny Lind, quien sólo le quiso como a un hermano y fríamente se distanció de él-; en Frozen es una historia totalmente distinta acerca de “la relación entre dos hermanas: la afectuosa y cálida Ana y Elsa que tiene el poder mágico y maléfico de convertir en hielo todo lo que toca…

No obstante, las moralejas claves del cuento persisten en las distintas versiones en que ha sido tratado, las dicotomías: entre el bien y el mal, el amor y la amistad, la calidez y la frialdad, las cualidades personales que se desearían tener y las que realmente se tienen, la perseverancia y el desfallecimiento ante los grandes deseos…

Ana y Elsa, símbolos sentimentales de la calidez y la frialdad en Frozen.

Todas las versiones literarias ilustradas y cinematográficas que conocemos, aunque basadas en la idea original han añadido temáticas complementarias al argumento central…

Por ello, no es de extrañar que Disney, para superarlas a todas, se propusiera realizar el filme de mayor presupuesto y equipo de creadores -guionistas, dibujantes, músicos, dobladores, publicidad, medios artísticos y técnicos…- de la historia del cine de animación, con lo que Frozen I conseguiría numerosos reconocimientos y premios, y entre ellos el Oscar a la Mejor Película de Animación y a la Mejor Canción Original Let it go

La más atractiva y admirada de las aportaciones de los Estudios Disney a Frozen, es, sin duda, su Versión Musical, a cuyas claves emocionales y estéticas, artísticas y técnicas, de filmes anteriores, ya tiene habituados a sus espectadores.

En Frozen I interpretaron sus pegadizas canciones: Kristen Bell, Idina Menzel, Jonathan Groff, Josh Gad, Santino Fontana…

Let it go -Libre soy-, interpretada por la popular cantante estadounidense Idina Menzel, ha sido muy difundida por multitud de televisiones y coreada por niños y jóvenes de todo el mundo. En la versión española, la canción, con el título y leitmotiv de ¡Suéltalo!, fue interpretada por la catalana Gisela -interprete también de los temas centrales de los cortometrajes musicales doblados Frozen Fever y Frozen: Una aventura de Olaf

Expresivo y bello fotograma de la escena musical Let it go de Frozen I.

En la versión española de Frozen II, la canción Hacia lo desconocido, -Into The Unknown-, titulada en español Mucho más allá, ha sido interpretada enfáticamente por el cantante andaluz David Bisbal.

Dado el rotundo éxito del filme Frozen -por su derroche de imaginación, magia y fantasía-, “El reino del hielo”, es también un Musical Dramático de la productora Teatral Disney que, desde 2018, triunfa en Broadway e inicia su andadura por otros países…

La enorme cantidad de artículos industriales para niños y jóvenes -ropa, enseres escolares, regalos, juguetes, recuerdos…-, que utilizan las imágenes de Frozen, creando infinidad de puestos de trabajo, son impresionantes, escalofriantes…

Sociólogos y especialistas de los medios de comunicación, coinciden en considerar a Frozen y su zaga, por sus motivaciones espirituales, artísticas y culturales, como una significativa aventura futurista, representativa de nuestro tiempo…

Francisco Montero.

viernes, 29 de noviembre de 2019






GLORIA MUNDI

-Cartel del film-

El título de la película, “(Sic transic) GLORIA MUNDI”, expresión latina originaria de la filosofía cristiana, etimológicamente, alude a la transitoriedad o fugacidad poética de los logros y situaciones de la vida…

Todo el filme discurre en una sutil poesía dramática, en la que la pequeña bebé recién nacida Gloria, con todo el futuro por delante, es una expresiva antítesis de la larga vida que le espera…

Ella y su abuelo Daniel -Gèrard Meylan-, presidiario por una culpa ajena a su voluntad, propiciada por las circunstancias y el que, para evitar males mayores en su familia, asume otra culpabilidad, sacrificio y dolosa condena, son los desencadenantes de la poética trama del filme…

Tanto en su fondo como en su forma de narrar, el filme nos remite a la obra del gran maestro del cine francés Robert Bresson -jansenista cristiano y padre del lenguaje del cine moderno-, y más concretamente a sus filmes El carterista y Al azar de Baltasar, en los que trata los temas de la culpa personal y la redención social…

En una controvertida actualidad mundial, en la que tan “entredicho y desatendidos” se encuentran la Declaración Universal de los Derechos Humanos, y entre ellos: la libertad, el trabajo, la familia…, el filme Gloria Mundi, de Robert Guédiguian, plantea una seria reflexión acerca de éstos, incidiendo particularmente en la solidaridad y la justicia social…

El cine de Guédiguian, marsellés que ha vivido muy de cerca en su industrializada y obrera ciudad natal los conflictos derivados de los principios de toda democracia -libertad, igualdad y solidaridad-, trata habitualmente en su interesante obra la problemática de las clases trabajadoras.

El cineasta Robert Guédiguian (Marsella, 1953), productor, guionista director y actor, aunque estudió sociología y estuvo algún tiempo vinculado al partido comunista francés, pronto decidió plasmar su ideología social a través de cine…

Robert Guédiguian, en la presentación de Gloria Mundi en el Festival de Cine de Sevilla, España.

Con una veintena de largometrajes en su historial, la obra de Guédiguian ha sido muy aclamada por la crítica más exigente y por el gran público, entre sus filmes destacan: El dinero da la felicidad (1992), De todo corazón (1998), Presidente Mitterrand (2005), Las nieves del Kilimanjaro (2011, Espiga de Plata y Premio del Público en el Festival de Cine Valladolid, España), La casa junto al mar (2018) y Gloria Mundi (2019).

Además del ya citado en el Festival de Cine de Valladolid, entre los reconocimientos de su obra, se reseñan: Premio de Cine Louis Delluc -otorgado por la Crítica y el Periodismo de Francia-, Premio de la Academia Europea de la Crítica Cinematográfica, Sección Oficial en el Festival de Cine de Sevilla, Caballero de la Legión de Honor Francesa, Oficial de la Orden Nacional del Mérito de Francia, y Premio Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia a Ariane Ascaride, su esposa , protagonista de Gloria Mundi

Hija de un representante de artistas italiano -de quien heredaría su vena artística-, Ariane Ascaride estudió sociología en la prestigiosa Universidad de Provenza -Aix-en-Provence- Marsella, donde conoció a su esposo Robert Guédiguian-. También estudió interpretación en el Conservatorio Superior de Arte Dramático, donde se decidió su vocación de actriz.

La mayoría de sus exitosas interpretaciones han sido en los filmes de Guédiguian. Entre ellas se reseñan: Marius y Jeannette (1997), De todo corazón (1998), El pueblo está tranquilo (2001), Marie Jo y sus dos amores (2002), El viaje a Armenia (2006), Las nieves del Kilimanjaro (2011), El cumpleaños de Ariane (2014), La casa junto al mar (2017), Gloria Mundi (2019)… Destacando también sus interpretaciones con otras direcciones como: Bordadoras -de Éléonore Faucher-, La delicadeza -de David Foenkinos-, El arte de amar -de Emmanuel Mouret-, La profesora de historia -de Marie Castille Mention Schaar-…

Ariane Ascaride, Premio Mejor Actriz por su papel en Gloria Mundi, en el Festival de Venecia.

Además de su Premio Copa Volpi como Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia, por su interpretación en Gloria Mundi, Ariane Ascaride ha sido también distinguida como Merjor Actriz por sus papeles en Marius y Jeannette -Premio Cesar del Cine en Francia- y El Pueblo está tranquilo -Espiga de Oro en la Semana Internacional de Cine de Valladolid-, contando también con el reconocimiento de Comendador de las Artes y las Letras de Francia.

Las interpretaciones de Ariane Ascaride, caracterizadas por su gran sensibilidad y humanidad, en papeles muy próximos a toda mujer -trabajadora, ama de casa, esposa, madre, abuela…-emocionan al espectador con su extraordinaria naturalidad, verismo y realismo. Lejos del glamour y la sofisticación, Ascaride suele encarnar en el cine los valores personales y sociales de un idealizado humanismo…

En un papel secundario, de aparente escasa importancia, emociona igualmente el actor Gerard Meylan -Daniel, en el filme-, en su polifacético rol familiar de esposo separado, abuelo, expresidiario… Pero, sacrificado redentor de las desgracias, males y vicios de su compleja familia trabajadora…

En el exiguo rol expresivo de Daniel -como en los personajes de los referidos filmes del gran maestro del cine moderno Robert Bresson-, importan más sus actitudes, gestos, miradas, silencios, que la locuacidad de sus pocas palabras…

Expresivo fotograma de Daniel -Gerard Meylan-, en el papel de abuelo de la pequeña Gloria.

Gloria Mundi es un filme puramente cinematográfico en el que casi importan más las imágenes que las locuciones…

Como la mayoría de los filmes de Guédiguian -ricos en temas colaterales al su trama central-, en Gloria Mundi, junto a su temática acerca de las dificultades de una familia trabajadora actual, se tratan también: el egoísmo y la insolidaridad en las generaciones más jóvenes, sus adicciones al sexo y la droga, la sempiterna lucha entre capital, trabajo y sindicalismo…

Aunque alguna crítica ha tratado al filme de ser un tanto extremista y maniqueo en la temática que trata, la mayoría de especialistas en cine y sociología, aprecian en él su verismo, realismo, autenticidad…

Gloria Mundi, en definitiva, es un filme para reflexionar, rico en valores humanos y sociales, que a nadie deja indiferente.

Francisco Montero.

sábado, 26 de octubre de 2019





ABUELOS

-Cartel del film-

Aunque pueda parecer que “no viene a cuento” la alegoría, parábola, o símil que utilizamos de referencia para la introducción a la reseña de este filme, inmediatamente entenderán que sí…

Hoy, por los logros del progreso -impresionantes cámaras y teleobjetivos que nos muestran los más pequeños detalles de la vida animal-, conocemos a la perfección la cruel y triste vida depredadora de la naturaleza salvaje…

En la cadena alimenticia depredadora animal, uno de los últimos eslabones es el de los carroñeros buitres…

Hoy, en las que dicen ser sociedades progresistas y avanzadas, uno de los fenómenos más salvajes y depredadores del humanismo -que tan subrepticia y cruelmente actúan- son las políticas y empresas de fondos y trasfondos buitres…, en las que importan más que las personas y su trabajo los beneficios capitalistas…

Hoy, la Declaración Universal de los Derechos Humanos, es papel empapado, ante las políticas insociales y voracidad capitalista de demasiadas empresas que hincan sus poderosas fauces en el cuello de sus víctimas más débiles e indefensas, hasta desahuciarlas cruelmente en el abatimiento del paro -como en la naturaleza salvaje-: con su terrible ley del más fuerte...

¡Y cuántos abuelos, a temprana edad, son víctimas desahuciadas de esos fondos y trasfondos carroñeros…!

Admiramos la intencionalidad utópica y humanista del filme @buelos, del principiante Santiago Requejo, -y sobre ella centraremos animosamente esta reseña-; aunque no nos agrade demasiado, ver, una vez más, en nuestro cine español, su frecuente etiqueta de cine comediante, en el que tantos temas serios se tratan con cierto buen humorismo, que en demasiadas ocasiones por el gran público se toma a guasa…

Santiago Requejo, director del filme.

Requejo, es un joven director y guionista plasentino que en su breve trayectoria cinematográfica ha puesto de manifiesto una bienintencionada e idealista preocupación social en su fondo y forma de hacer cine; el largometraje @buelos y sus cortos Rhodéa y Noche de paz, como él ha declarado, lo confirman.

Su cortometraje Noche de Paz obtuvo el Primer Premio en el Festival Plasencia en Corto de 2018. Plasencia en Corto es un Festival de Cine Internacional, organizado por el Ayuntamiento de Plasencia, la Filmoteca y Junta de Extremadura -Consejerías de Educación y Empleo, Cultura e Igualdad-, la Asociación Fotogramas 24…

Como ya ocurrió en la revolución cultural de latino américa, con el cine como agente promotor y por méritos de su propia idiosincrasia social y educacional, concretamente el filme @buelos ha propiciado otras loables iniciativas…

Con el germen del filme, Fernando Lallana y Carlos Sanz -socio de su productora 2:59 Films-, han sido dos de los promotores del interesante proyecto de los Premios + 50 Emprende, que ha iniciado su andadura por España…

Fernando Lallana, Especialista en Dirección de Recursos Humanos y Emprendimiento y Ana I. Virtudes, Especiaslista en Preparación y Psicología de la Mediación, a partir del filme y subrayando algunos de sus diálogos, han publicado en Alienta Editorial el libro Abuelos, nunca es tarde para emprender

Ana I. Virtudes y Fernando Lallana, autores del libro Abuelos, nunca es tarde para emprender.

Ya desde el germen de sus inicios por los hermanos Lumière, con el “sueño cinético” -de imágenes en movimiento- de Louis, el cine, en su Historia, desde 1895, fue paulatinamente definiéndose como “fábrica de sueños”. El gran maestro de la historia del cine, Orson Welles, quien tan genialmente llevó a la pantalla la obra del emprendedor autodidacta Shakespeare, lo confirmaría como “sueño de realidades…”

Hoy, Fernando Lallana, en España, desde Toledo, otro ensoñador del emprendimiento y de realidades, admirador de Shakespeare, con sus libros Emprender o no emprender y Abuelos, nunca es tarde para emprender, subrayando textos del filme @abuelos -que parece ser está muy influenciado por sus libros-, reafirma al cine como fábrica de ensoñaciones, o utopías que pueden hacerse realidad…

A las utopías emprendedoras de muchos abuelos -a los que la realidad ha convertido en “chachas todoterreno” o insuperables guarderías personales y afectivas de sus nietas y nietos, a fin de que los hijos puedan pagar sus temibles hipotecas-, han dado locuacidad, imagen y voz, en el filme @buelos, un estupendo equipo de actores y actrices…

Clara Alonso, Ramón Barea, Ana Fernández, Carlos Iglesias, Santiago Requejo, Roberto Alvárez y Eva Santolaria.

Cotejamos que muchos abuelos “chacha” aplauden el emprendimiento de Fernando Lallana, Ana I. Virtudes, Santiago Requejo y su admirable Equipo de cineastas…

También cotejamos que sugieren: ¡Ojalá emprendan proyectos de guarderías geriátricas para abuelos, sin nietas ni nietos, desahuciados de sueños y de realidades…!

-La sociedad deshumanizada y depredadora que implacablemente se ha implantado, salvo admirables emprendimientos de escasas organizaciones sociales y religiosas, sí que empresarial y capitalistamente está multiplicando por doquier las guarderías geriátricas cuyo principal ánimo es el lucro…-

¡Ánimo Lallana y Requejo en nuevas fábricas de sueños y de utopías realizables…!

Francisco Montero.

lunes, 16 de septiembre de 2019






                                                                                                                         VIVIR DOS VECES

-Cartel español del film-


¡Ay, si pudiésemos volver a vivir, vivir dos veces…!

¡Cuántos desaciertos y errores evitaríamos…!

Aunque, lo confirma la sabiduría del adagio… “La persona es el único animal que tropieza dos veces -y mil- con la misma piedra”…

Acaso una de las esencias de la vida, de todas las vidas, de cualquier vida, sea precisamente eso: errar, no acertar, equivocarse…

No obstante, el humanismo esencial de la poesía, la inefabilidad, el buen humor…, nunca suelen equivocarse…

Y ese es el gran acierto de la guionista valenciana María Mínguez y la directora barcelonesa María Ripoll con su emotivo filme Vivir dos veces


Aunque para el espectador resulte difícil, imposible, saber qué ideas, ocurrencias, anécdotas…, pertenecen al guion literario de un filme o a su realización, es evidente que el guion de Vivir dos veces, es muy rico en ellas…

La creatividad y la versatilidad humanista de su guionista, María Mínguez, qué duda cabe, son impresionantes, dadas la imaginación y la amenidad que confieren al filme y a sus personajes…

Resulta ejemplar, por ocurrente, conmovedor y divertido, el papel de la pequeña protagonista Blanca, protagonizado por la actriz infantil Mafalda Carbonell, toda una revelación…

Por los acertados papeles de los protagonistas del filme, muy ricos en caracteres y recursos humanos, María Mínguez, demuestra un sutil conocimiento de la psicología de mayores y pequeños…

Titulada en Periodismo, Comunicación Audiovisual y Guion, cuenta con un historial impresionante en el que aparecen más de cuarenta frentes de trabajo en guiones -y distinciones obtenidas-… Especialmente nos llama la atención su historia sobre la niña Xusi Jones, en la que pone de manifiesto su identificación y aproximación a la psicología infantil, y con la que pretende abordar el campo de la realización…

María Mínguez, guionista y María Ripoll, directora del filme.

Considerada como una de las directoras más taquilleras del Cine Español, María Ripoll, quien realizó estudios de cine en la Universidad Politécnica de Barcelona y en la prestigiosa Universidad Californiana de los Ángeles -UCLA-, no cuenta con un historial cinematográfico muy dilatado -tan sólo ocho filmes-, pero sí exitoso y premiado.

En su historial destacan los títulos: Lluvia en los zapatos (1998), Tu vida en 65 minutos (2006), Rastros de sándalo (2014) y Vivir dos veces (2019). Su filme Lluvia en los zapatos ha sido distinguido y galardonado en los Festivales de Cine de Montreal, Sitges y Bogotá; obteniendo también el Premio Gaudí de la Academia de Cine Catalán y el Premio del Público del Festival de Montreal, por su filme Rastros de sándalo

En la comedia dramática Vivir dos veces, Ripoll deja patente su acusada sensibilidad para la dirección de actores. Resultan especialmente convincentes y muy humanos los papeles del Abuelo Emilio, viudo y afectado por el alzhéimer -Oscar Martínez-, y de su perspicaz nieta Blanca -Mafalda Carbonell-…

Vivir dos veces es un filme muy original, realista y actual, que trata de forma bien dosificada, entre el humor y el dolor, pero sin concesiones fáciles ni a la comedia ni al dramatismo, el tema tan delicado y de tanta preocupación social como es el de citada enfermedad degenerativa…

A través de éste, se efectúa también una acertada radiografía, aunque algo somera, de la creciente descomposición familiar en la sociedad del momento…

Inma Cuesta -Julia-, Oscar Martínez -Emilio. y Mafalda Carbonell -Blanca-, protagonistas del filme.

La protagonista del filme -valenciana, jienense, cordobesa, sevillana, madrileña…, lugares donde se ha formado en la artes dramáticas y escénicas y ha desarrollado su intensa vocación y profesión- la conocida Inma Cuesta, es hoy una de las actrices más destacadas del Cine Español.

Con más de treinta actuaciones en cine, televisión, teatro y publicidad, ha sido ganadora o nominada con importantes premios de nuestro cine, televisión y teatro musical.

Entre otros, como Mejor Actriz de Cine, por sus filmes Tres bodas de más, La novia y Primos, ha sido ganadora de los premios: Fotogramas de Plata, Unión de Actores, Feroz, Cosmopolitan…; también como Mejor Actriz de Televisión, por su protagonismo en Águila Roja y Arde Madrid, ha sido ganadora de los premios: Fotogramas de Plata, Feroz y Pétalo…; como Mejor Actriz Protagonista y Revelación Musical, por su papel en el musical Hoy no me puedo levantar, ha sido ganadora y nominada en los premios: Telón Chivas y Amigos de los Musicales…

El actor de cine, televisión y teatro, autor y dramaturgo argentino, Oscar Martínez, requeriría no una breve reseña, sino un voluminoso libro para tratar adecuadamente su dilatada obra y personalidad artística…

Sus más de setenta actuaciones en cine, televisión y teatro y una veintena de importantes premios nacionales e internacionales en cine y televisión, entre los que se destacan los de Mejor Actor en los Festivales Internacionales de Cine de Venecia, Iberoamericano de Latinoamérica, San Sebastián, Málaga…, por sus filmes: El nido vacío, Relatos salvajes o El ciudadano ilustre, son, entre otros, prueba de ello.

El complejo y humanísimo papel del abuelo Emilio, aquejado de alzhéimer, en Vivir dos veces, es una fehaciente muestra de sus valores interpretativos…

Mafalda Carbonell, en el papel de la chispeante nieta Blanca.

Junto al abuelo protagonista, sobresale en el filme la “pispenda” y perspicaz nietecilla Blanca, interpretado por Mafalda Carbonell, revelación como actriz infantil y original contrapunto humorístico del filme en su vertiente dramática….

Paradójicamente, en Vivir dos veces, con tan peculiar y divertido personaje “ya no son los abuelos los que enseñan a los pequeños, sino los pequeños los que enseñan a vivir hoy a los abuelos…

Hija del popular humorista y actor español Pablo Carbonell, viene a confirmar el conocido adagio “de tal madera, buena astillita”… No sólo por sus dotes artísticas, sino también, por haber roto con los estereotipados modelos del star-system infantil y por la heroica superación que lleva en su vida personal…

Francisco Montero.

lunes, 26 de agosto de 2019






ESTE NIÑO NECESITA AIRE FRESCO

-Cartel español del film-

Nuestro planeta entero necesita mucho aire fresco…

Los migrantes que huyen de la guerra, la violencia, el hambre, le miseria…, para no fallecer, necesitan aire fresco…

Los glaciares y el cambio climático que calienta estrepitosamente el planeta, necesitan aire fresco…

La Amazonía y numerosas reservas de la biosfera, ardiendo, necesitan mucha lluvia y aire fresco…

Los políticos de los países más ricos del mundo, del G7, de Occidente y de Oriente, de Europa…, necesitan aire fresco…

Hermosísima parábola la de éste filme, acerca de la urgente necesidad, en nuestro viciado mundo, de mucho aire fresco…

El humorístico, animoso y terapéutico filme, de carácter biográfico, Este niño necesita aire fresco, está basado en los años infantiles y adolescentes del genial, célebre y polifacético actor cómico, humorista, presentador, cantante, escritor… alemán, Hape Kerkeling.

Kerkeling, a pesar de ser un niño regordete y sufrir las constantes burlas de sus compañeros de colegio, él no se amilanaba y, por contrario, aprovechaba su jocoso físico para hacer sonreír a los demás… Sabía reírse de sí mismo y sembrar por doquier las actitudes positivas y el optimismo…

Es memorable que la mayor proeza de Kekerling fue, sin duda, hacer reír a su madre, e intentar librarla de la grave depresión que padecía y que la llevaría finalmente al suicidio…

Por su constante sentido universal, fino y elegante del humor y su actitud positiva ante la vida, Kerkeling, antes de retirarse del mundo del espectáculo, por su intensa y amplia actividad artística, recibió numerosos reconocimientos y distinciones nacionales e internacionales…

De su visita a España, para hacer el Camino de Santiago, su libro diario de la ruta Jacobea “Bueno, me largo” -Suma de Letras, 2009-, llegó a ser un bestseller en varios países…

Hape Kerkeling y Julius Weckauf -Hans-Peter- protagonista del filme.

Pues bien, basado en la atractiva personalidad infantil y adolescente de Kerkeling, la realizadora alemana Caroline Link, ha recreado su biopic, Este niño necesita aire fresco, atenido a la polifacética idiosincrasia del personaje, muy rico en valores humanos y cinematográficos.

Con una decena de filmes para cine y televisión en su historial, Link ha sido muy reconocida nacional e internacionalmente por su obra. La Cruz de la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania y de Baviera, el Bavarian Film Award -como Mejor Directora-, el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Tokio y el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa -por su filme En un lugar de África, 2002-, son galardones que la han catapultado a la fama.

-Creo de interés efectuar una pequeña interpolación en la reseña de este filme: el día antes de su visionado, la sesión de otro filme de dibujos animados "...", nueva versión, de gran éxito comercial, por su publicidad, su admirable realización, su fantasía, sus efectos especiales grandilocuentes, trepidante acción, estruendo sonoro…, pero escasa originalidad argumental y de contenido, tras más de un mes en cartelera, la sala tenía un gran aforo de público, mayor, joven e infantil…

En el módico día económico del espectador, en la sesión del realista y reflexivo filme Este niño necesita aire fresco, un solo asistente…

El cine de grandilocuencias espectaculares, ha adormilado, ha drogado, ha derruido la sensibilidad del público…

Simbólico y expresivo fotograma de los valores reales del humanismo cristiano en el filme.

En el filme de la realizadora alemana Caroline Link no hay dramatismos, efectismos ni estridencias; la narración discurre de manera muy realista, consuetudinaria, natural, sencilla… Son éstas, claves estilísticas propias de los grandes maestros del cine…

Paralela a la biografía infantil y adolescente de Hape Kerkeling, Hans-Peter -que protagoniza con gran acierto y credibilidad el niño Julius Weckauf-, transcurre en fechados saltos temporales la historia de su amplia familia, en las tres generaciones que la conforman…

Además de filme biográfico, Este niño necesita aire fresco, es un filme muy positivo sobre las relaciones humanas, sociales y familiares, que tan controvertidas, decrépitas y decepcionantes se encuentran en nuestro tiempo, y tan pesimistamente se presentan hoy por los medios de comunicación social…

Al igual que en su anterior y premiado filme En un lugar de África -en el que se nos narra muy críticamente la historia de una familia judía que huye del nazismo y emigra a Kenia-, Link pone su acento en Este niño necesita aire fresco, junto al humor, en la importancia de las relaciones sociales y familiares positivas, para la convivencia y el sentido de la vida…

No pasa desapercibido, ni es nada fútil que los abuelos, tras el suicidio por depresión de la madre, insistan al dolido adolescente Hans-Peter -que tanto optimismo intentó infundirle a ella con su humor-: “Pero la vida sigue…

Toda una filosofía, doctrina, metáfora humanista…; entrañada en una concisa frase…

Caroline Link, directora alemana del filme.

Nos resulta encomiable la labor de Wanda films, distribuidora española de Este niño necesita aire fresco, que se preocupa por divulgar en nuestro país films de difícil comercialización y dudosa rentabilidad.

Por sus valores humanos y didácticos, recomendamos el filme que se reseña para programaciones escolares, infantiles, adolescentes…

El propio Hape Kerkeling, en los planos finales del filme, con la mirada vuelta hacia atrás, retrospectiva y risueña, parece aprobar de pleno su acertada realización…

Francisco Montero.

viernes, 19 de julio de 2019






AYLA. LA HIJA DE LA GUERRA


-Cartel español del filme.-

Es bien sabido que la generalidad de la gente, la mayoría de las promesas “inquebrantables” que realiza, no las cumple.

-Casi todas las promesas, dice el adagio: “se las lleva el viento…” ¡Tantas parejas se prometen “amor eterno”, que no dura más de un par de años!...

Según la psicología conductual evolutiva -que no es una ciencia exacta-, los cambios de la personalidad a lo largo del tiempo y las imposiciones de las circunstancias, son algunas de las causas de ello…

Pues bien, el idealizado y bellísimo filme Ayla. La hija de la guerra, del realizador turco Can Ulkay, y la historia real en la que se basa, vienen a desmentir utópica y poéticamente, de manera estremecedora, teorías y generalidades acerca de las promesas y la fidelidad a ellas…

La historia de amor casi “paterno filial” entre una pequeña niña coreana, cuyo padres mueren en los estragos de la trágica guerra de su país y es salvada por un soldado turco, teniendo que separarse, pero con la fiel promesa del reencuentro; trama central del filme -y muy rico en otros temas colaterales-, conmoviendo conciencias, sentimientos y pensamientos, a nadie deja indiferente…

Prueba de ello la veintena de reconocimientos, premios y distinciones que ha obtenido en importantes certámenes y festivales cinematográficos internacionales. Entre ellos: Candidatura al Oscar en representación de Turquía como Mejor Película de Habla no Inglesa, Ganador del Festival Internacional de Cine y la Música de Richmond, Ganador del Worldfets de Boston, Ganador del Festival del Cine Asian World -EE.UU.-, Sección Oficial del Festival de Cine de Toronto -Canadá-…

Premios y distinciones que han catapultado a Can Ulkay, con una breve trayectoria cinematográfica -en un país como Turquía, donde la industria del cine no es muy fuerte, ha sufrido notables altibajos y es poco conocida fuera de Europa-, al reconocimiento internacional…

Can Ulkay, director de Ayla. La hija de la guerra.

Can Ulkay, estudió historia del arte, cine y televisión en Turquia, y cuenta con una amplia trayectoria en televisión y publicidad, aunque solo se conoce ha intervenido en la realización de cuatro largometrajes: Sarikami (2017) y Muslum (2018) -en co-dirección y no conocidos en España-, Ayla. La hija de la guerra (2017) y Helado turco (2019) -de dirección única y pendiente de difusión éste último-…

No obstante su conciso historial filmográfico en el largometraje, con su magistral filme Ayla.La hija de la guerra, ha demostrado un talento, conocimiento y dominio del medio cinematográfico, poco superables…

Basado en el documental anterior Kore Ayla -My Korean Daughter, dirigido por Hwang Byunghun y producido por Chuncheon MBC, 2010, que puede visionarse en YouTube-, el largometraje Ayla. La hija de la guerra, es un filme excelente en guion, realización, fotografía, música, interpretación, montaje…; y muy diversivo y notable en dramatismo, romanticismo, amor, humor, acción, reflexión…

Destaca en el filme su idealizado y poético guion, polifacético y muy rico en ideas, pensamientos y sentimientos, acerca de las vivencias y las situaciones en las que se ven envueltos sus personajes…

Su autor Yigit Güralt, es un experimentado guionista de televisión, que demuestra en Ayla. La hija de la guerra, poseer una amplia cultura cinematográfica, como deja patente en el filme en los homenajes que se hacen en el mismo: a las conocidas actuaciones de Marilyn Monroe en los frentes de guerra de Corea, para animar a las tropas estadounidenses, o al inolvidable final de Charles Chaplin y el niño Jackie Coogan, en el filme El Chico

Emotivo fotograma de los protagonistas: Kim Seol -Ayla- e Ismail Hacioglu -Süleiman-.

Al ser un filme muy diversivo y polifacético en situaciones, acciones y personajes, su narración requiere una fotografía muy variada y compleja: desde los planos generales donde se hace protagonista al paisaje, hasta los primeros planos intimistas en los que se nos introduce en la psicología de sus numerosos personajes, caracterizando sus maneras de ser, vivencias, estados de ánimo, pensamientos, sentimientos…

Jean Paul Seresin, su director de fotografía, logra unos planos espléndidos, muy agradables y complacientes. Seresin, de origen británico, es un fotógrafo de cine y televisión, con experiencia en ambos medios, habiendo trabajado en filmes de muy diversos géneros y estilos: Montana -intriga y suspense policiaco-, Robinson Crusoe y Cuma -aventura y comedia romántica-, Ayla. La hija de la guerra -belicismo, romanticismo, humor…-; dominando el “arte de la imagen” para emocionar al espectador…

La interpretación del amplio reparto de personajes, en su conjunto, es, sin duda la estrella del filme. Can Ulkay demuestra ser un buen director de actores, no sólo por la acertada elección de sus protagonistas, sino también por el casting y la caracterización de los diversos papeles secundarios del filme…

Ismail Hacioglu -Süleiman, “Daddy, el papi adoptivo de Ayla”-, caracteriza muy convincentemente su papel de “persona de buen corazón y valores humanitarios, que libra a la pequeña de la muerte y antepone su cuido a los duros y rigurosos deberes militares…” -Hecho éste clave, que pasó a ilustrar la Historia real de la contienda bélica coreana, como recoge el fidedigno documental Kore Ayla: My Korean Daughter

Hacioglu, comenzó su carrera de actor infantil a los cinco años en el teatro de su colegio, continuando su formación teatral en diversos centros, hasta graduarse en el Conservatorio Estatal de la prestigiosa Universidad Mimar Sinan. Ha intervenido en más de treinta actuaciones de cine y televisión y obtenido una veintena de premios, entre ellos el de “Mejor Actor del Año” en Turquía…

Expresivo fotograma de la protagonista, Kim Seol -Ayla-.

Pero, la deslumbrante estrellita del filme es Kim Seol en su papel de Ayla -Carita de Luna, como la bautizó Süleiman, al rescatarla de la soledad, el frio y la muerte, bajo la luz de la luna…

La actriz infantil Kim Seol, ya había deslumbrado anteriormente en su papel de Jinju, en la popular serie televisiva de Corea del Sur, Reply -Respóndeme-…

Tras ver el emotivo e inolvidable filme Ayla. La hija de la guerra, con toda seguridad, cada vez que contemplemos el deslumbrante astro nocturno, recordaremos, inefablemente, a Carita de Luna

Francisco Montero.

viernes, 21 de junio de 2019





EL SECRETO DE LAS ABEJAS


-Cartel español del film-

A pesar de los esfuerzos mitológicos de La Biblia y las religiones, por explicarnos los grandes misterios de la Creación, el espíritu de la vida humana, sigue siendo uno de ellos…

Ninguna ciencia empírica, ni la psicología conductual más avanzada, inmersos ya en el siglo XXI, han conseguido, a plena certeza y satisfacción, desvelarnos el gran misterio del espíritu de la vida humana. Sólo aproximaciones, insatisfactorias…

El por qué espiritualmente se es de una forma u otra: bella o fea, blanca o negra, buena o mala, sencilla o compleja, individual o gregaria…; sigue siendo un insondable misterio… A pesar de quienes se empeñan en opinar lo contrario.

Acaso la poesía, con su inefabilidad, sea la que más se haya aproximado a ello a través del simbolismo…

La vida de las abejas, que tantos misterios entraña, ha sido siempre y sigue siendo uno de los símbolos ejemplares de la poesía para aproximarnos metafóricamente al entendimiento de algunos aspectos de la vida natural o espiritual humana…

El ejemplo poético y simbólico de las abejas, se ha utilizado por la literatura y el cine en diferentes ocasiones para aludir a la vida personal o social humana. Recordemos, entre otros, el guion o novela de los filmes: El espíritu de la colmena, de Víctor Erice -1973-, La vida secreta de las abejas de Gina Prince -2008-…

Siendo ahora el caso del filme El secreto de las abejas de la cineasta Annabel Jankel, basado en el “bestseller” o superventas Tell it to the Bees -Díselo a las abejas-, hermosa historia sobre la homosexualidad y el lesbianismo, de la escritora inglesa Fiona Shaw.

La escritora inglesa Fiona Shaw y su novela.

Fiona Shaw, es una escritora de una inteligencia y sensibilidad excepcionales; con su poética novela Díselo a las abejas, ha transformado la consabida, vulgar y zafia expresión de “salir del armario”-con toda la significación que esta conlleva-, en un relato pletórico de valores humanos, inefabilidad y delicadeza…

-No se debe confundir a ésta escritora con la actriz irlandesa homónima, también Fiona Shaw, muy popular por sus papeles de Tía Petunia en la saga de filmes sobre Harry Potter… Interprete, de enorme talento, tildada precisamente de homosexual por su relación con la también actriz británica Saffron Burrows…

La novelista y académica Shaw, quien vive con sus dos hijas en York, y es profesora en su universidad de Literatura Creativa, ha escrito media docena de exitosas novelas, publicadas en Inglaterra, Francia, Alemania, Noruega, Estados Unidos…, pero no en España.

En nuestro país, no siendo de los más reacios del planeta sobre la homosexualidad y el lesbianismo, es consabido existen organizaciones religiosas e ideológicas que se empecinan en tratar estos aspectos de la personalidad como males morales o enfermedades psicosomáticas, necesitadas de terapias…

Y acaso por contradicción, el filme El secreto de las abejas tuvo un exitoso preestreno en España, en abril y mayo: en el Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi -festival comprometido con los valores pedagógicos del cine-, y en la VIII Muestra de Cine Lésbico de Madrid.

El bello filme El secreto de las abejas, de la cineasta británica Annabel Jankel, trata la homosexualidad y el lesbianismo, al igual que la novela, desde una perspectiva naturalista y poética -con su metáfora sobre las abejas-, incidiendo prevalentemente en sus aspectos más espirituales, pensamientos, sentimientos…

Annabel Jankel, directora del filme.

Jankel, es una brillante realizadora de televisión y cine, que ha trabajado intensamente en el sugestivo mundo de la música y la publicidad y sabe muy bien de los gustos y afinidades de todos los públicos, aún de los más exigentes…

Hermana del famoso músico inglés Chaz Jankel -compositor, instrumentista, arreglista y productor-, y casada con el director de cine Rocky Morton, se inició junto al marido, en los medios audiovisuales, creando dos Productoras -en Inglaterra y Estados Unidos- y realizando videos musicales para solistas y grupos…

Jankel y Morton, consiguieron prestigio y popularidad con su larga serie de programas televisivos sobre más de setenta artistas musicales, como: Elvis Costello, Miles Davis, George Hatrison… Emitidos en las cadenas más importantes de Inglaterra y EEUU., fueron muy premiados y suscitaron el interés para su conservación: del Museo Nacional de Arte y Diseño Victoria y Alberto de Londres y del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York.

Además de varios trabajos de éxito con Morton -los filmes de fantasía Max Headroom y Super Mario Bros-; Jankel realizó, en solitario, exitosos anuncios publicitarios para Bacardi, Coca – Cola, Greempeace… y el filme que se reseña.

Los protagonistas, Anna Paquin, Holliday Grainger y Gregor Selkirk.

De la interpretación, del trio de protagonistas del filme, Anna Paquin -Jean-, Holliday Grainger -Lydia- y el niño Gregor Selkirk -Charlie-, es destacable la delicadeza y sutilidad que impone la novela y que mantiene la realizadora del filme Annabel Jankel, en una temática como la de la homosexualidad y el lesbianismo, que pudiera prestarse a la escabrosidad…

Resulta muy convincente la interpretación de Anna Paquin, actriz declarada bisexual en la realidad. Ambas actrices muy galardonadas -y con más de cincuenta interpretaciones relevantes en el historial de cada una- requerirían para su correcta reseña una dedicación personalizada…

Dadas las altas posibilidades pedagógicas del cine -tantas veces apuntadas-, se entienden de gran interés los valores del filme sobre su sensible temática. El papel del niño -actor caucásico de unos diez años de edad-, “descubriendo la verdad y las realidad de la vida”, se desarrolla ejemplarmente en ese sentido.

- No obstante, dada la debida adecuación del cine a la psicología y los intereses del menor, es reseñable que a Selkirk, parece ser, no se le permitió asistir al visionado del filme en su presentación de estreno, por su edad…

Afirmaba el sabio místico hindú Osho que “la felicidad consiste en ser uno mismo”… Y ese es el poético y gran secreto que nos desvelan y enseñan las abejas, la novela de Fiona Shaw y el filme de Annabel Jankel: ser una misma…

Francisco Montero.

viernes, 31 de mayo de 2019







                                                                                           CLARA Y CLAIRE

-Cartel español del film-


Acaso, la peor de las mentiras de la persona, sea la de mentirse a sí misma, simulando ser lo que no se es…

Afirmaba el afamado lingüista, filósofo y politólogo socialista libertario, estadounidense, Avram Noam Chosmsky -naturalista y estudioso del lenguaje humano y de la psicología cognitiva, uno de los pensadores más influyentes del siglo XX- que “Una de las características más definitorias del lenguaje humano es su falsedad, la mentira…” Sobre Internet opinaba que “Es como cualquier otra tecnología, básicamente neutra, pero se puede utilizar de forma constructiva o dañina. Las formas constructivas son reales, pero muy pocas…

Y, acaso con intención o sin ella , sobre citadas premisas, la novelista francesa Camille Laurens escribió su obra Celle que vous croyez, en la que se basa el filme del cineasta francés Safy Nebbou, titulado en español Clara y Claire

Camille Laurens es una controvertida novelista y profesora de literatura, con una amplia obra -novelas, ensayos, artículos…- de índole feminista.

Buena parte de su obra, en la que aborda las problemáticas de la mujer en las sociedades más desarrolladas, tiene un marcado carácter introspectivo, de experiencias reveladas por mujeres próximas, y de vivencias personales vividas, un tanto autobiográficas, o de autoficción, como ella las llama…

Laurens, opina y mantiene en su obra que “hombre y mujer son dos continentes muy separados” y de difícil relación y conciliación, sin pronunciarse acerca de la defensa de alguna de las partes.

Su obra más conocida “En esos brazos” -publicada en español por Seix Barral-, obtuvo en Francia los premios Femina 2000 y Renaudot para Estudiantes, los que le abrirían las puertas a la fama literaria y a otros reconocimientos y distinciones, entre ellos: Nominación al Gongourt, premios de literatura Borgoña y Eve Delacroix…

No obstante, aunque realiza una dilatada labor literaria en círculos de escritores, importantes diarios y revistas especializadas, algunas de sus obras -y entre ellas Celle que vous croyez- no han sido publicadas en otros idiomas y países, caso del español y de España…

La novelista y su obra, en la que se basa el filme Clara y Claire.

Parece ser que, en la experiencia personal de  divorcio de su marido -quien la dejó por una sobrina joven y atractiva-, se basa Celle que vous croyez, aunque la autora mantenga que la novela tiene buena dosis de autoficción

En las tramas de la novela y del filme Clara y Claire, el tema principal es el de la relación que Claire -Juliette Binoche- mantiene a través de Internet con un joven al que dobla en edad; es una relación falsa y mentirosa por suplantar ella la imagen de su sobrina Clara -Marie Ange Casta, hermana de la famosa modelo Laetitia Casta-, muy joven y atractiva…

Es por tanto, el tema de interés del filme, el de las falaces y equivocas relaciones virtuales, que se inician a través del popular medio de comunicación, el autoengaño personal de un amor imposible, que Claire se obstina en mantener…

En la historia de Clara y Claire, se apuntan otras temáticas como: el miedo de la protagonista a perder su juventud y el atractivo para los demás, la relación con los dos hijos de su frustrado matrimonio, el desdén o venganza hacia el marido infiel, la futilidad de sus sentimientos y su vida, el descubrimiento real de su personalidad por el que acude al psicoanálisis…

El filme, en el deficiente panorama actual del Cine de Valores, siendo de interés, brilla sobre todo por su amanerada historia de “amor fou”, o amor loco, y -según serios críticos, cineastas y psicoanalistas- su tópica liberación feminista…

Safy Nebbou, director francés del filme.

El cineasta francés de ascendencia paterna argelina, Safy Nebbou, es guionista, director de teatro y cine, con un breve historial, pero de interés social, por abordar temas de actualidad y vanguardia…

En teatro, obtuvo cierto reconocimiento en Francia -2017-, por la dirección de la obra Escenas de la vida matrimonial, de Ingmar Bergman, y el protagonismo de Laetitia Casta.

En cine, como guionista y director -con una docena de filmes, entre cortos publicitarios o de ficción y largometrajes-, su filme más relevante fue El cuello de la jirafa -2004-, que obtuvo, entre otros, los reconocimientos: Gran Premios del Público y de la Crítica en el Festival de Cine de Marsella, Premio del Jurado en el Festival de Cine de Florencia, Premio al mejor Debut en el Festival de Cine de El Cairo…

A este, le seguirían, entre otros trabajos de interés: el fragmento La infancia de Ingmar Bergman -2007-, Marca de un ángel -2008-, Premio al mejor Guion y Dirección en el Festival de Cine de El Cairo, y el que reseñamos Quien crees que soy -2019-, titulado en España Clara y Claire…

Característica destacada de la obra de Nebbou -como ocurre en teatro- es su profuso discurso literario que, a veces, como en Clara y Claire, dificulta la narración y la claridad y pureza del lenguaje fílmico de imagen, o sea cinematográfico…

Juliette Binoche y François Civil, Claire y Alex, en el filme.

Aunque el tema de fondo de Clara y Claire, como es la liberación y la igualdad de la mujer, sea de extraordinaria actualidad e interés, buena parte de la crítica cinematográfica solvente, coincide en tachar al filme de pseudofeminista…

Su historia virtual de ficción, resulta poco realista y creíble; pero cuenta con la sobresaliente interpretación introspectiva de Juliette Binoche, en el difícil papel de Claire, que nos emociona sobremanera adentrándonos en el complejo mundo interior y los sentimientos del personaje.

Efectuar una adecuada reseña de La Binoche -como se la conoce afectuosamente- requeriría un extensísimo estudio. Actriz de cine y teatro, con más de sesenta actuaciones con los directores de mayor prestigio del Cine Europeo, está considerada como la actriz más internacional y representativa del mismo. Habiendo sido distinguida con los mayores galardones y premios del cine, entre otros: Cesar de Francia, BAFTA de Inglaterra, Globo de Oro y Oscar de Estados Unidos…

La sutil interpretación de La Binoche, hace de Clara y Claire un filme de apreciados valores cinematográficos, por su protagonista…

                                                                                                                   Francisco Montero.