LA HISTORIA DE MARIE HEURTIN

-Cartel del film-

En 2013, fecha en que concluía el “Año de la Fe”, se publicaba la primera carta encíclica religiosa del Papa Francisco La Luz de la Fe…

En esa fecha, el cineasta francés Jean Pierre Améris, rodaba el luminoso filme La historia de Marie Heurtin, acerca del sentido humanista y universal -no sólo religioso- de la fe…

El emotivo y conmovedor filme, basado en una historia real -acaecida en el Instituto Larnay (Poitiers, Francia), en el que las Hermanas de la Sabiduría enseñaban a comunicarse a niñas sordociegas-, refrenda el sentido universal de la fe, consistente en creer que todo es posible…

El filme se inspira en la interesante historia Un alma encarcelada de Louis Arnould, sobre la pequeña salvaje de diez años, sorda y ciega, Marie Heurtin, que llegó a Larnay en 1895, atada como un violento y agresivo animalito, sin ninguna educación, y sería transformada por la Hermana Marguerite, gracias a su trabajo, tesón, fe en la persona…

En el cine, La historia de Marie Heurtin, tiene importantes antecedentes en los filmes: El milagro de Ana Sullivan, de Arthur Penn, 1962, sobre la transformación de la niña sordociega Anna Sullivan en una destacada activista social; y en El pequeño salvaje, de François Truffaut, 1970, acerca de la educación y socialización del pequeño Víctor Aveyron, encontrado en estado salvaje en los bosques de Toulouse.

Marie -Ariana Rivoire- y Marguerite -Isabelle Carré-, a su llegada a Larnay.

La difícil y sentida interpretación de sus protagonistas Ariana Rivoire e Isabelle Carré, es uno de los valores del filme que más contribuyen a su conmovedor relato.

Ariana Rivoire -Marie Heurtin-, no es una actriz profesional -aunque ha sido nominada como Mejor Actriz Revelación para los Premios César del Cine Francés-. Ella, sorda de nacimiento, aún completaba su formación en el Instituto Nacional para Jóvenes Sordos de Chambéry, cuando fue elegida para el filme; por lo que ha logrado una excelente caracterización de su discapacitado y complejo personaje.

Isabelle Carré -Hermana Marguerite-, sí cuenta con una exitosa carrera profesional en la interpretación de personajes de difícil caracterización, en el teatro y el cine. Ha trabajado con los directores franceses más importantes y cuenta con más de sesenta papeles en su historial, destacándose los títulos: en teatro, El jardín de los cerezos, No juegues con el amor, Dostoiesvki va a la playa, La tragedia de Otelo, La noche canta, Invierno bajo la mesa, Un muchacho imposible…; y en cine, El mejor momento, Bellos recuerdos, Los sentimientos, Sus manos, Asuntos privados en lugares públicos, Tímidos anónimos…

Ha sido reconocida como Mejor Actriz en una decena de interpretaciones teatrales y cinematográficas y se le ha distinguido con los premios: Molière, Romy Schneider Award, Luces, Cesar…

Anteriormente a La historia de Marie Heurtin, ya trabajó con el director Jean Pierre Améris, en el filme Tímidos anónimos, por cuyo papel fue nominada al premio César de la Academia del Cine Francés, como Mejor Actriz…

El cineasta francés Jean Pierre Améris, quien siempre trata en sus filmes, con extraordinario humanismo, las historias de personajes muy complejos y en situaciones límite, como bien ha demostrado en La historia de Marie Heurtin, tiene un físico y una sensibilidad gigante…

Ariana Rivoire y Jean Pierre Améris, en el Festival de Locarno -Photo Call-.

Con sólo una docena de filmes y con su persistente lema humanista de “Cuando todo el mundo te diga es imposible, inténtalo…”, Améris, una vez más, demuestra en el expresivo y poético filme de La historia de Marie Heurtin, que el sentido universal de la fe no tiene ni fronteras ni límites…

Améris, quien tuvo que superar de niño y adolescente problemas de timidez y autismo, y convivió durante años con niños sordociegos, declara en sus entrevistas haber conseguido una sensibilidad especial, para penetrar en el mundo interior y el intimismo de las personas con dificultades para comunicarse, entendiéndose muy bien con ellas.

Por lo que, en su casual encuentro en el centro de educación especial de Chambéry, con Ariana Rivoire -quien de niña fue abandonada en Albania, vivió en un orfanato y tuvo que superar sus problemas de incomunicación, ira y rechazo social- pronto entendió que ella sería, por sus vivencias, la protagonista idónea de Marie Heurtin…

En una sociedad extremadamente sensorial y fatuamente saturada de comunicación falsa e hipócrita, personajes como Marie Heurtin y personas como Ariana Rivoire, pueden aportar mucho a otras formas de comunicación diferente, más auténtica, sincera, pura…

Poética imagen del filme, en la que Marie Heurtin aprecia en su tacto la belleza de la nevada.

En el filme, son impresionantes las escenas en las que Marie -quien según los propios escritos del personaje real, aprendió a comunicarse en braille, escribir en cinco idiomas, ser profesora de otras niñas sordociegas…-, aprecia, a través del tacto: la protección y el cariño paternos, los valores de la amistad, la solidaridad, la espiritualidad…

Aunque Jean Pierre Améris no sea muy pródigo de reconocimientos y premios y que su excepcional obra -Malas compañías, La vida, Tímidos anónimos, La alegría de vivir, El hombre que ríe…- no sea muy conocida en España -sí en la SEMINCI, Semana Internacional de Cine de Valladolid, donde deslumbró con La historia de Marie Heurtin-, recomendamos, por su singular buena nueva, el visionado de los filmes de este genial evangelista del cine…

Francisco Montero.

SELMA

-Cartel Español del film-.

A lo largo de la historia de la humanidad, el poder -todo poder: político, económico, religioso…-, ha determinado siempre lo que es positivo -que es lo que le conviene e interesa al mismo-, y lo que es negativo -lo que ni le conviene, ni le interesa-…

El prestigioso y vanguardista teólogo español José Mª Castillo, lo confirma e incluso asevera, que el poder determina la moralidad y, por tanto, lo que es bueno y lo que es malo…Y ello, aunque, humanista y socialmente, ni sea objetivo, ni justo, ni razonable…

Valga este conciso referente como preámbulo de interés para reseñar y reflexionar sobre el filme Selma, de carácter historicista, acerca del tema sobre el opresivo poder establecido en su momento y lugar, frente a los escamoteados derechos civiles, que tan heroicamente defendiera Martin Luther King…

Aunque las dramatizaciones biográficas de personajes importantes, han sido siempre temas predilectos de la gran pantalla, como subgénero del cine historicista, últimamente, acaso por la gran corrupción y descomposición social que impera por doquier y la necesidad humanista de prototipos de ejemplaridad, las películas biográficas o biopic, están de moda y suelen tener éxito…

En nuestras reseñas hemos tratado recientemente los filmes: Vicente Ferrer -ejemplar misionero español-, En busca de Muhyiddin -Ibn Arabi, gran místico andalusí-, Belle -Dido Elizabeth Belle, pionera en la lucha contra la esclavitud-, Descalzo sobre la tierra roja -Pedro Casaldáliga, pionero de la Teología de la Liberación-, La teoría del todo -Stephen Hawking, excepcional científico-…

Y en esta tendencia se inscribe el filme que se reseña Selma, basado en la biografía del Premio Nobel de la Paz Martin Luther King y su ejemplar lucha contra el racismo, en la defensa de los derechos civiles de los ciudadanos negros…

Histórica marcha de manifestantes, de Selma a Montgomery, encabezada por Martin Luther King y su esposa.

Cincuenta años después de los históricos sucesos acaecidos en el legendario puente de Edmund Pettus de la localidad de Selma -que los medios de comunicación social convertirían mundialmente en símbolo de la lucha por los derechos civiles en los Estados Unidos-, el filme Selma, de la directora Ava DuVernay, ha rememorado la historia, siendo por ello muy elogiado, incluso por el presidente negro Barack Obama, quien en más de una ocasión, aludiendo a Martin Luther King y su lucha, ha declarado: “Estoy aquí porque me apoyo en el hombro de gigantes”…

Desde hace casi una década, el rey Midas del cine Steven Spielberg, ya había adquirido derechos para llevar a la pantalla la vida y el pensamiento del pastor baptista y gigante del humanismo Martin Luther King…

Pero, gracias a los desvelos del actor negro, londinense de origen nigeriano, David Oyelowo, -devoto de King y admirador del personaje-, promotor y protagonista del filme, Selma ha salido a la luz de la gran pantalla…

Oyelowo, actor de cine y televisión, y actor, director, productor y escritor de teatro, tras formarse en la Academia de Música y Arte Dramático de Londres, inició su carrera en las artes escénicas como actor, y adquirió fama en la interpretación de personajes del teatro clásico, siendo el primer actor negro que protagonizó al personaje de Shakespeare de El Rey Enrique VI, obteniendo por su papel el prestigioso Premio Ian Charleson Award.

En cine y televisión ha actuado en una cincuentena de papeles, siendo muy reconocida su interpretación en los filmes: Como gustéis, El último rey de Escocia, En medio de la nada, Lincoln, Interestelar, Mundo Jurásico…

David Oyelowo, interpreta a Martin Luther King en Selma.

En el filme En medio de la nada -Premio a la Mejor Dirección de Ava DuVernay, en el Festival de Cine de Sundance 2012-, se consolidó una estrecha relación profesional entre la directora y el actor, siendo el motivo por el que éste abogó para que la cineasta dirigiera el filme Selma…

Con citado filme, que obtuvo un resonado éxito en el continente americano, DuVernay, sería la primera directora de cine afroamericana, reconocida con citado galardón en los Estados Unidos; distinción ésta que le valdría, frente a otros realizadores de prestigio, para la dirección del filme que se reseña.

Ava DuVernay, quien se graduó y especializó en Estudios Afroamericanos en la Universidad de California en Los Ángeles, acaso por la influencia de su padre -avezado hombre de negocios-, se inició en los medios de comunicación como Publicista -creando su propia Agencia DuVernay-, dedicándose posteriormente a la televisión y al cine, como Distribuidora, Guionista, Directora…

Con una decena de realizaciones para la televisión y el cine -cortos, publireportajes, documentales…- y sólo tres largometrajes de ficción para el cine -Voy a seguir, En medio de la nada y Selma-, DuVernay ha sido muy reconocida por: las Asociaciones de Críticos de Cine de Ohio y Georgia, la Alianza de Mujeres Periodistas de Cine, premios Satellite e Independent Spirit Awards, Globo de Oro…

La canción “Gloria” de Common y John Legend, de la banda sonora de Selma, ha sido premiada con el Oscar 2015 a la Mejor Canción… No habiendo sido nominado el filme a la Mejor Dirección, parece ser, por el polémico tratamiento historicista del presidente Lindon B. Johnson, en sus controvertidas relaciones con Martin Luther King…

Ava DuVernay, en un momento de la filmación de Selma.

Con demasiada frecuencia se ha argumentado por el pensamiento conservador y tradicionalista que “la historia es maestra de la vida…”

El filme Selma -que a nadie deja indiferente- con las luctuosas manifestaciones por los derechos civiles que nos rememora, nos hace reflexionar y seguramente aducir, que la historia no es tal maestra…

En los momentos en que redactamos esta reseña, en Frankfurt, en una manifestación pacífica, también por derechos civiles, se desató la violencia, las cargas policiales, las detenciones… En una Europa en que se debiera luchar por la erradicación de la pobreza y las crecientes, abismales y luctuosas desigualdades económicas, a los políticos del poder establecido no se les ocurre mejor idea que dilapidar mil trescientos millones de euros en un nuevo edificio para el Banco Central Europeo, causa, entre otras,  del racismo económico y la descomunal segregación por la pobreza de hoy…

Francisco Montero.

TIMBUKTU

-Cartel español del film-

El andalusí Ibn Arabi -de quien este año se cumple el 850 aniversario de su nacimiento en Murcia, España-, gran maestro sufí de la espiritualidad universal, sabio filósofo, poeta…, en su singular obra mística proclamó el hermoso cántico de libertad, tolerancia, fe…:

                                                “Mi corazón puede adoptar todas las formas,

                                                prado para las gacelas, monasterio para monjes cristianos,

                                                Templo para ídolos y Kaaba del peregrino,

                                                Tablas de la Torá Judía y Libro de El Corán Islámico.

                                                 La religión que profeso es la del Amor…”

Sabio, trascendente y bellísimo canto, acerca de los principios de libertad y tolerancia del maestro Ibn Arabi, que nos ha sido rememorado -precisamente en este año de sus efemérides-, por el emotivo filme humanista Timbuktu del singular realizador mauritano Abderrahmane Sissako.

El filme Timbuktu se inicia con las impactantes imágenes de un grupo de yihadistas armados, sobre un todoterreno, persiguiendo y disparando a una especie de “gacela” para abatirla…

La secuencia viene a ser una expresiva y metafórica antítesis de citado poema de Ibn Arabi; no hay verde prado sino árido desierto, la gacela no pace plácidamente sino que huye aterrorizada de sus perseguidores…

El filme finaliza con la desesperada carrera de la niña Toya -inocente gacela-, en busca de sus padres, víctimas del absurdo terrorismo impuesto…

Es el significativo relato de un pueblo, una sociedad, unas gentes -débiles e indefensas gacelas-, aterrorizadas por fanáticos político-religiosos que les privan de libertad, es la antítesis de la religión universal del Amor predicada por el místico sufí universal…

Los niños Mehdi Ag Mohamed -Issam- y Layla Walet Mohamed -Toya-, con el director Abderrahmane Sissako.

El filme, inspirado en hechos reales ocurridos en la comuna maliense de Aguelhok en el 2012 -según información de su director y distribuidora-, viene a ser un emotivo alegato para la reflexión sobre las absurdas imposiciones e intransigencias del extremismo político-religioso que sojuzga trágicamente a la mujer y prohíbe reír, escuchar música, fumar, jugar al futbol… -es decir, contra multitud de costumbres provenientes de la cultura occidental, trasfondo de la cuestión…--

El Cine, que es un importante medio de comunicación social que contribuye a la tarea cultural de transformar a la sociedad, y que utilizado positivamente es un medio de humanismo digno y loable que puede abrir los ojos a la libertad, al desarrollo, al progreso…, tiene con este filme y con la obra de Abderrahmane Sissako, unos excelentes aliados…

En Timbuktu, la desesperada carrera final de la pequeña Toya en busca de sus bondadosos padres protectores -víctimas de una arbitraria y contradictoria política y legislación, que como tantas absurdas legislaciones no protege en justicia al débil-, es una poética metáfora universal abierta a un mundo mejor, más justo…

La justicia social, la protección de los más débiles, la erradicación de la pobreza y la incultura, la resistencia y enfrentamiento a las imposiciones arbitrarias del fundamentalismo ideológico político o religioso…, son constantes de la reducida pero grandilocuente obra de Abderrahmane Sissako, que aporta, con realismo y sencillez, reflexivos e interesantes principios al devenir del diálogo de culturas mundial…

Y su último filme, Timbuktu, en una terrible actualidad que vive latentemente amenazada por todo tipo de terrorismos impuestos -de los estados constitucionales, de los grupos insubordinados…-, viene a ser, como reza su cartel, un hermoso canto a la libertad y a la resistencia…

En Timbuktu, la pescadera que se resiste a la policía y es castigada por trabajar con sus brazos descubiertos...

El cineasta Abderrahmane Sissako, guionista, realizador y productor mauritano, quien se formó en su juventud en Malí y conoció la vida y costumbres de este estado africano, estudió cine en el Instituto de Cinematografía de Guerásimov -considerado el centro de estudios de Cine, en Rusia, más antiguo del mundo-.

Posteriormente, pasó a residir en Francia, donde, tras sus primeros cortos y mediometrajes, documentales y de ficción, realizados en distintos lugares de África y Europa, desarrolló su carrera profesional, en cuyo historial cuenta con una decena de interesantes realizaciones.

Entre los títulos de su obra, en 1993, su cortometraje Octubre, realizado en Moscú, fue reconocido para el importante galardón de “Una cierta mirada”, en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

Posteriormente, tras la adaptación de fábulas de La Fontaine, filmadas en Mauritania, y otras realizaciones de carácter documental, en 1998 y 2002, realiza los filmes: La vida en la tierra, filmado en Sokolo, -pueblo de su padre-, y Esperando la felicidad, que obtuvieron, respectivamente, un reconocimiento especial y Primer Premio en el Festival Panafricano de Cine y Televisión de Ouagadougou -FESPACO-.

En 2006, su filme Bamako -localizado en la capital de Malí, y en el que se cuestiona la responsabilidad del Banco Mundial y el Fondo Monetario Internacional, en el subdesarrollo y la pobreza en África-, obtuvo: el Primer Premio FACE -Film Award del Consejo de Europa-, en el Festival Internacional de Cine de Estambul, Premios Lumière, del Público y César en Francia…

Su siguiente filme El sueño de Tiya -uno de los 8 cortometrajes realizados para la OMD, Objetivos para el Desarrollo del Milenio de la ONU, de erradicar la pobreza, el hambre, la enfermedad…-, cuenta con un extraordinario reconocimiento de la Organización de las Naciones Unidas…

Kessen Tall, coguionista, y Abderrahmane Sissako, director de Timbuktu, nominado a los Oscar 2015.

Sin lugar a dudas, la obra de Sissako, cuenta con el mayor reconocimiento que podría obtener el tratamiento del Humanismo en el Cine…

Citada obra, se encuentra en la interesantísima filmoteca del Festival Africano de Cine -FACT, anteriormente celebrado en Tarifa y ahora en Córdoba, España-, y contactar con ella a través de la web de la Asociación Al Tarab.

Nuestro mejor aplauso, felicitación y éxitos para Abderrahmane Sissako…

Francisco Montero.

LA TEORÍA DEL TODO

-Cartel anunciador del filme-

¿Han llegado a un acuerdo convincente, ciencia y religión, razón y fe, ateos y creyentes, acerca de los orígenes del universo, la vida, el hombre…?

Aún no, sigue prevaleciendo el misterio…

Hay filmes muy interesantes que, intencionadamente o no, provocan profundas reflexiones acerca de los temas que con cierta sencillez y aparente superficialidad, denotativamente los tratan…

Es el caso del filme, de carácter biográfico, La teoría del todo, que trata acerca de la interesante vida del prestigioso científico, ateo, Stephen Hawking, junto a su esposa Jane Wilde Hawking, creyente anglicana, filóloga y escritora.

El filme está precedido y procedido por dos relatos literarios, que tras su aparición mundial en las pantallas de cine, sus reconocimientos en los Premios Globos de Oro y sus nominaciones a los Oscar, ambos están teniendo un extraordinario éxito de difusión.

La teoría del todo, con guion cinematográfico de Anthony McCarten, está basado en el relato literario Hacia el infinito. Mi vida con Stephen Hawking, obra de la primera esposa del científico, Jane Wilde, quien ha precisado sobre la misma: “Preferí escribirla personalmente, antes de que se publicaran otras historias imaginarias poco verídicas y realistas…”

Jane, estudiante de Lenguas Romances y Filología Hispánica, conoció a Stephen en una fiesta universitaria; se enamoraron, se casaron en 1965 y tras veinticinco años de matrimonio y tres hijos, se separaron en 1991, volviendo a mantener una relación profesional literaria con el científico, tras la separación de éste en su segundo matrimonio con la enfermera que le atendía…

Fruto de esa nueva relación ha sido la publicación, entre otros, de los respectivos libros de ambos, Hacia el infinito y Breve Historia de mi vida, y la película La teoría del todo, que han manifestado les ha complacido…

Publicaciones recientes de los libros de Jane Wilde y Stephen Hawking.

El singular matrimonio de Jane Wilde y Stephen Hawking, de la filóloga romántica creyente con el pensador científico ateo, puede considerarse también, sin duda, como un original matrimonio entre espiritualidad y ciencia, religión y razón, creencia y ateísmo…

Seguramente, a la denodada fe en la vida de Jane -que tanto influyó en la deficiente vitalidad de Hawking, terriblemente afectado por la esclerosis lateral amiotrófica…-, se debió en parte la extraordinaria obra del genio; la rica, prolífica y prodigiosa obra científica de una mente privilegiada, atrapada en un pobre y decrépito cuerpo…

El impresionante filme La teoría del todo, del prestigiado cineasta británico James Marsh, logra poner en atrayentes, emotivas y conmovedoras imágenes la impactante vida del matrimonio…

Marsh, quien cuenta con una brillante trayectoria -no extensa pero sí muy intensa- como realizador de filmes de carácter documental para la televisión y el cine, vivió su infancia y adolescencia sometido a la influencia de un padre, riguroso cristiano, que le prohibió ver películas…

Pero ya se saben los resultados de las prohibiciones, motivan y estimulan los contrarios objetivos y deseos… Y Marsh, tras licenciarse en filología, se hizo cineasta…

Durante la pasada década de los años 90, Marsh trabaja como guionista y realizador para la televisión BBC inglesa, destacándose de éste periodo sus exitosos trabajos: Los últimos años de Marvin Gaye -famoso músico y cantante de soul-, El Animador -sobre el realizador multimedia de teatro y cine surrealista Jan Svankmajer-, La hamburguesa y el Rey -La vida y la cocina de Elvis Presley-...

James Marsh.

Su consagración como cineasta la alcanzaría en el 2008 con su filme documental de suspense Man on wire -sobre el famoso equilibrista francés de la cuerda floja, Philippe Petit, y su hazaña entre las Torres Gemelas del World Trade Center de Nueva York-. Por este filme, Marsh fue galardonado con una decena de los más importantes premios cinematográficos, como: BAFTA, Independent Spirit Award, Karlovy Vary…

Con su siguiente filme, en 2011, Proyecto Nim -acerca del trabajo de investigación sobre el lenguaje animal y humano con el chimpancé Nim Chimpsky-, Marsh obtuvo otros tantos importantes reconocimientos: Premio Humanitas, Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Boston, Premio al Mejor director del Festival de Cine de Sundance…

Una de las funciones esenciales de las Bellas Artes ha sido siempre la sublimación o idealización de la realidad, clave fundamental del cine como Séptimo Arte o “Arte de Artes”, y clave que James Marsh domina con maestría y a la cual deben buena parte del éxito sus filmes.

En los recientes premios Globos de Oro 2015 -que concede la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, a los mejores trabajos anuales del cine y la televisión-, el filme que se reseña La teoría del todo, ha sido reconocido con los premios: al Mejor Actor Dramático Eddie Redmayne -por su complejo papel de Stephane Hawking-, y a la Mejor Banda Sonora de Johann Johannsson.

Asimismo, el filme cuenta con cinco nominaciones a los próximos Oscar 2015 -22 de febrero-, como mejor: Película, Actor y Actriz, Banda Sonora y Guion Adaptado.

Felicity Jones, Jane Wilde Hawking, Eddie Redmayne y Stephane Hawking, en la presentación del filme.

Uno de los grandes atractivos del filme es, sin lugar a dudas, la difícil caracterización de los personajes reales, por ser muy conocidos, su fama, tener su obra plena actualidad…

James Marsh, con su característica idealización de las temáticas biográficas que trata, además de una emotiva historia, logra plasmar en el filme, reiteramos, un interesante diálogo humanista y reflexivo entre ciencia y conciencia, razón y fe, materialidad y espiritualidad…

-Prosigue el misterio acerca del origen del universo, la vida, el hombre…

Francisco Montero.

     LA SAL DE LA TIERRA

-Cartel español del film-

La parábola de Jesús de Nazaret “Vosotros sois la sal de la tierra…”, es de una profundidad, significación y trascendencia espiritual, cultural y social extraordinaria…

La sal -un bien muy escaso y preciado en tiempos de Jesús- ha sido siempre utilizada no sólo para sazonar los alimentos, sino también para preservar de su putrefacción o corrupción; se usaba como elemento purificador en rituales religiosos; como era un bien social escaso y preciado, a veces, el trabajo se pagaba en especie con sal -de donde proviene el término “salario”-; la sal produce sed…

Pues bien, referidas y otras muy diversas connotaciones, adquieren expresiva significación en el filme de Wim Wenders, La sal de la tierra, basado en la obra del gran fotógrafo brasileño Sebastiao Salgado.

El célebre fotógrafo, autodidacta, Sebastián Salgado, tras diferentes ocupaciones no vinculadas a la fotografía, trabajó para las prestigiosas agencias Gamma y Magnum Fotos hasta crear su propia agencia Amazonas Imágenes.

Por los Valores Artísticos, Humanos y de Denuncia de su fotografía Documental Social, en países subdesarrollados y en extrema pobreza, en 1998 fue reconocido con el premio español Príncipe de Asturias de las Artes. En 2001 fue distinguido por las Naciones Unidas y UNICEF como Representante Especial de esta Organización por su libro y exposición en Nueva York “Niños”, en los que, a través de noventa fotografías, denuncia la situación de mujeres y niños desplazados, en situaciones de miseria…

Aunque ha sido tildado de explotar comercialmente -y con una estética que puede distorsionar la realidad-, la pobreza y miseria humanas, su labor ha sido muy estimada por organizaciones humanitarias internacionales como: Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF), el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para la Defensa de los Refugiados (ACNUR), la Organización Mundial de la Salud (OMS), Médicos sin Fronteras, Amnesty Internacional...

Sebastiao Salgado, ante su obra.

La obra de Salgado, reconocida internacionalmente, se ha publicado en una decena de libros-catálogos de fotografía, en la que destacan los títulos: La mano del hombre, Trabajadores, Tierra, Otras Américas, La Mina de Oro de Serra Pelada, Éxodos, Génesis…

En la expresiva e impresionante obra de Salgado, queda patente que la solidaridad, la justicia y el humanitarismo, al igual que la sal en la época de Jesús, han sido valores humanos, bienes, muy escasos hasta hoy… La sal de su obra, entre la parábola y la metáfora, deja una acuciante sed de ellos…

No es de extrañar que el excepcional humanismo de la fotografía de Salgado, atrajera a otro excepcional humanista del cine, como es el guionista, director, actor y productor alemán Wim Wenders.

Wenders, tras cursar estudios de medicina y filosofía sin concluirlos, y proyectar después hacerse sacerdote, asentó su vocación en la fotografía y el cine: como asiduo espectador en la Filmoteca de París -donde pasó un tiempo-, siguiendo cursos en la Facultad de Televisión y Cine de Munich, y colaborando como crítico en revistas de cine.

Simultaneó su labor como crítico cinematográfico con la realización de diferentes cortometrajes, debutando exitosamente como guionista de largometraje en 1970, con el filme de tres horas de duración Verano en la ciudad.

A partir de este filme, alternando su trabajo entre Alemania y Estados Unidos y bien como guionista o director, desarrolla una prolífica e intensa labor cinematográfica -casi a film por año y llegando a la treintena de realizaciones-, en la que se destacan títulos como: La letra escarlata, El amigo americano, París Texas, Hasta el fin del mundo, Más allá de las nubes, Los hermanos Skladanowsky -pioneros del Cine en Alemania-, El final de la violencia, El alma de un hombre, Llamando a las puertas del cielo, Pina Bausch -sobre la famosa bailarina y coreógrafa alemana, pionera del ballet moderno-…

Juliano Ribeiro Salgado, Sebastiao Salgado y Wim Wenders, autores del filme.

El cineasta Wim Wenders, quien tiene una peculiar y poco usual manera de hacer cine, escasamente comercial, ha sido reconocido como mejor director y guionista con los premios: BAFTA de la Academia Británica, Palma de Oro del Festival de Cannes, Bundesfilmpreis de Oro del Cine Alemán, Premio del Público en los Festivales de Sao Paulo y San Sebastian…

Claves características de su cine, distante de la representación teatralizada, son las propias del humanismo, los valores humanos y el realismo social, razones por las que ha prestado especial interés por la trascendente obra de Salgado.

El filme, de carácter documental biográfico, sobre Salgado y su impresionante obra, está sugerentemente narrado y comentado por el propio fotógrafo.

Junto a Wim Wenders, lo ha codirigido Juliano Ribeiro Salgado, hijo del fotógrafo y buen conocedor de su obra, quien colaboró con el padre en sus últimos viajes y realizaciones.

La sal de la tierra, aunque se centra en la última colección de fotografías del autor, Génesis, recoge muchas de las instantáneas más impactantes y significativas de toda su obra.

Indígenas de Amazonia con Salgado, y su impresionante foto de las Minas de Oro en sierra Pelada (Brasil).

El filme La sal de la tierra, amén de provocarnos controvertidas sensaciones y emociones, acerca de la belleza natural del planeta frente a las miserias humanas de su población de desheredados, nos plantea serias y profundas preguntas y reflexiones…

¿Es la belleza de la naturaleza aún virgen, la sal de la tierra…?

¿Está la sal de la tierra en las tribus indígenas, aún no pervertidas por la civilización…?

Lecturas connotativas del filme, sugieren la confirmación de que donde no se encuentra hoy la sal de la tierra es en la mayoría de las religiones -interrelacionadas y consentidas con las políticas mercantilistas que, durante veinte siglos ya, vienen deshumanizando y destrozando el planeta-, a cuyos miembros y seguidores se dirigió el grandilocuente mensaje bíblico “Vosotros sois la sal de la tierra…”

Francisco Montero.

CINEMA PARADISO

-Cartel español del filme-.

De los tres mejores filmes de la Historia del Cine, que tratan precisamente del Cine como tema: Cantando bajo la lluvia, La invención de Hugo y Cinema Paradiso, éste último, sin lugar a dudas, es el más emotivo de los tres y el que con más acierto ha reflejado el azaroso devenir del cine…

Por ello, con motivo del veinticinco aniversario de su realización, sus productores han restaurado y digitalizado el film, reestrenándose, con exitosa acogida por los cinéfilos y las jóvenes generaciones que no lo conocían.

Y tras su pase por las grandes pantallas de medio mundo, se ha editado en dvd y blu ray: posibilitándose su inmejorable difusión, que no falte en ninguna filmoteca, su conocimiento por los nuevos amantes del séptimo arte y arte de bellas artes…

Durante las dos últimas décadas del pasado siglo, desde los años ochenta, el cine, prevalente medio de comunicación social y espectáculo popular por excelencia, fue cediendo su dominancia a la televisión, dejando la magia de la oscuridad de la sala o la plaza abierta y la gran pantalla, al “cine en casa”; sacrificando sus grandes espacios a la especulación urbanística, supermercados, bloques de pisos, aparcamientos de coches…

El ritual popular de espectáculo de masas -casi religioso o irreverente, según se conciba-, fue desapareciendo en aras de los minicines y las pequeñas pantallas; su industria y los carismáticos vocacionales del cine -productores, directores, artistas, técnicos…- fueron transformándose…

La añoranza y la melancolía sentimental hacia personas, acontecimientos, hechos de antaño, filmes y protagonistas míticos del cine, fueron haciéndose historia y recuerdo entre los cineastas, los cinéfilos amantes del cine, el gran público…

Es el emotivo y hermoso tema que trata Cinema Paradiso…

Voladura y demolición del "Cinema Paradiso", expresiva escena del filme.

El filme, a través de la amistosa relación del proyeccionista de películas u operador de cabina Alfredo -genialmente protagonizado por Philippe Noiret- con el pequeño Totó -Salvatore Cascio, aprendiz enamorado de la magia del cine-, rinde homenaje a grandes cineastas y filmes míticos de la Historia del Cine: Jean Renoir, Luchino Visconti, Charles Chaplin, John Wayne, Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Clark Gable, Ava Gardner, Casablanca, Mogambo…

Su rica temática, no sólo trata el cine dentro del cine, sino que, paralelamente, en las claves propias del popular neorrealismo italiano, trata acerca de los pensamientos y sentimientos humanos y sociales de la Italia y Europa del momento -anterior década de los años cincuenta-. La iglesia, la política, la sociedad, la censura eclesial moralizante, las ideologías antagónicas imperantes, la diferencia de clases…, son tratadas con gran inteligencia, sutilidad y humor en el filme.

Si tuviésemos que elegir tres de los grandes valores del film, indudablemente, reseñaríamos: guion, música e interpretación.

El extraordinario guion de Cinema Paradiso, es obra de su director Giuseppe Tornatore. Del cineasta Tornatore y de sus claves narrativas, ya hicimos reseña biográfica en este blog, al tratar su último filme La mejor oferta, el 1 de Agosto de 2013, donde pueden encontrarla.

El guion de su opera prima Cinema Paradiso, demuestra que Tornatore es un lúcido y profundo conocedor del Neorrealismo Italiano, la Historia del Cine y la Historia de Italia. El filme contiene momentos de álgido interés humanista, intelectual, cultural y social, en claves de ironía y humor crítico, al tratar la situación política y religiosa de Italia en los años en que gobernaba el Movimiento Social Italiano, movimiento de corte neofascista, seguidor de Mussolini, y que apoyó puntualmente a Democracia Cristiana.

Destellantes, reflexivas, connotativas chispas del filme, son:

En la plaza del pueblo, cuando el patrono elige a trabajadores para la jornada, se rechaza al jornalero comunista -que tendría que emigrar a Alemania-, con la despectiva frase “A ti que te dé trabajo Lenin…”

El Cura del pueblo, quien censuraba con cortes, recatados besos en las películas, exclama “Adonde vamos a ir a parar con tanta pornografía…” -Y el escándalo que se armó en el Nuevo Cine Paradiso, restaurado tras su incendio, cuando por fin se consintió un beso en la pantalla…-

El proyeccionista Fernando quien quedó completamente ciego en el incendio, al ser confesado y orientado por el Cura sobre sus enormes dudas de fe, musita con segundas “Ahora lo veo todo muy claro…”

El director y guionista Giuseppe Tornatore, con el compositor Ennio Morricone.

La emotiva música de Cinema Paradiso, cuyo leitmotiv contribuye a hacer inolvidable el filme, es obra del genial, prolífico y versátil compositor Ennio Morricone, y de su hija Andrea Morricone -a cuya acusada sensibilidad, parece ser, corresponde el sutil romanticismo y sentimentalismo del filme-.

Con más de quinientas composiciones de exitosas bandas musicales para el cine, Morricone ha sido reconocido como el Gran Maestro Europeo de la Música Cinematográfica. Ha sido el autor musical predilecto de Tornatore, por cuyas composiciones fueron premiados sus filmes como Mejor Banda Sonora: Cinema Paradiso -con los Premios BAFTA, David de Donatello y Nastro d’Argento del Sindicato de Periodista de Cine de Italia-, Malèna -con Óscar, Globo de Oro, David de Donatello y Nastro d’Argento-, La mejor oferta -con David de Donatello y Nastro d’Argento-…

El otro gran valor citado de Cinema Paradiso, es el de la entrañable interpretación que logran el tándem Philippe Noiret y Salvatore Casccio.

Philippe Noiret -Alfredo, operador proyeccionista- y Salvatore Cascio -Totó, aprendiz-.

Por su interpretación en el filme, ambos actores fueron premiados respectivamente como Mejor Actor Protagonista y Mejor Actor de Reparto con los BAFTA de la Academia Británica del Cine y la Televisión, en 1991.

El carismático actor francés Philippe Noiret -fallecido en 2006-, en más de cincuenta films en su historial, infundía a sus personajes impresionantes naturalidad, humanidad, frescura…, siendo reconocido por ello como Caballero de la Legión de Honor de Francia y Mejor Actor del Cine Europeo, entre otras distinciones y premios.

Salvatore Cascio -Totó-, descubierto para el cine por Giuseppe Tornatore, tras una decena de exitosas interpretaciones infantiles y juveniles, para esta fábrica de ilusiones y sueños que es el cine -y que la realidad suele romper con dureza- por diversos avatares, aún muy joven, abandonaría la interpretación…

Lamentamos que tantos “Cinemas Paraísos” de nuestros pueblos hayan perecido a manos de soeces especulaciones; y lamentamos sobremanera que, en estos días de reestreno del filme reseñado, haya tenido que perecer en nuestra ciudad su mayor complejo de multicines, por la total ceguera de unos políticos a los que sólo interesa el rescate de los bancos…

Francisco Montero.

                                                                                 LA BUENA MENTIRA

-Cartel español del filme-

Reza un proverbio africano: “Si quieres ir rápido, ve sólo. Si quieres llegar lejos, ve acompañado”…

Es el proverbio que sirve de epilogo a este magnífico filme de valores humanos, sociales, éticos, morales, artísticos, cinematográficos…, que es La buena mentira…

Es el proverbio que ilustra las vanguardistas técnicas de “coaching” -anglicismo de los “métodos de ejercitación y entrenamiento personal y social para lograr altas metas”-…

Es el proverbio de la gran lección que, mediante el filme, da África, el tercer mundo, a Occidente, el primer mundo civilizado ¿…?

Y es la meta que ni las grandes ideologías políticas ni las grandes religiones semitas del Libro, tras más de dos mil años de historia -pretendidamente civilizada- han logrado…

La buena mentira, es un expresivo relato que -al igual que el bíblico del Éxodo “Moisés, acompañado de su pueblo, lo libera y conduce hacia una tierra de leche y miel, la tierra prometida…”-, nos cuenta realistamente la terrible historia de unos hermanos sudaneses que huyen de los estragos de la fratricida guerra civil -¿…?- que destroza a su pueblo…

“El hermano Mamere -interpretado por Arnold Oceng-, líder del grupo, tras más de mil kilómetros de penosa travesía por el desierto, logra llegar con sus hermanos hasta el campamento de refugiados de Kakuma en Kenia…”

De allí, gracias a un programa de acogida de refugiados, pasan a Estados Unidos, donde han de aprender a desenvolverse en el primer mundo, y enfrentarse como inmigrantes -con papeles- a otra cultura -la cultura de la mentira-…

Arnold Oceng, Emmanuel Jal y Ger Duany, en el papel de los hermanos sudaneses.

En ese "primer mundo” civilizado, en el que los tres hermanos son separados de la hermana que les acompañaba, por razones sexistas que no entienden, ellos van conociendo las razones de la solidaridad interesada -para acallar conciencias-, pero no las de la fraternidad natural…

Ellos van conociendo que en el primer mundo: se tiran alimentos para que los precios no se devalúen -mientras en sus pueblos miles de niños mueren de inanición y sed-; no se aprecian ni la honradez ni el esmero en el trabajo comprometido y bien hecho, sino la moneda de cambio del salario; las gentes que mentirosamente se creen civilizadas, se prostituyen en el individualismo, el sexo, las drogas…

Mamere, quien se esforzaba en estudiar para médico, va conociendo a fondo la tremenda pésima mentira que es el “primer mundo”; tras descubrir que otro hermano -a quien creía muerto en las refriegas de la guerra civil- vive, decepcionado del mundo civilizado, vuelve al campamento de refugiados a ayudar a sus gentes; y con la falsificación de su pasaporte personal -¡las mentiras fehacientes de los papeles!- posibilita que el hermano perdido venga a la “tierra prometida”, es la buena mentira…

La buena mentira, cuenta con un excepcional guion, realista y socialmente crítico, que aborda la tremenda y conocida historia de “Los niños perdidos de Sudan” -apelativo con el que se hacía referencia, en los campos de refugiados, a los más de veinte mil niños que quedaron huérfanos en la guerra civil sudanesa, en la que se estima murieron dos millones y medio de personas-.

El guion del filme es obra de la prestigiada guionista estadounidense, de televisión y cine Margaret Nagle.

Margaret Nagle, guionista del filme.

Nagle alcanzó popularidad y fama en los Estados Unidos con el guion del filme Warm Springs; un filme de carácter documentalista que narra la proeza, de la recuperación de la poliomielitis y vuelta a la política, del célebre presidente americano Franklin Delano Roosevelt. Filme galardonado en 2006 con el Premio Emmy de Televisión y del Sindicato de Escritores Americanos.

Otros prestigiosos guiones de Nagle, de carácter documentalista, anteriores al de La buena mentira, son: Broadway Limited, Anastasia, Ley y orden… Siendo reconocida por ellos con otros galardones como: Premio de Honor de la Academia de TV y Cine, Premio Emmy al Mejor Guión, Premio Pluma 2006, Premio Humanitas…

Destacando en todos sus guiones el extraordinario interés por los valores culturales, humanos y sociales, el sentido de la ejemplaridad, el buen humor, el positivismo…

La dirección del filme La buena mentira, es obra del cineasta canadiense Philippe Falardeau, autor también muy preocupado, como demuestran sus filmes, por los valores humanos, sociales, educacionales…

El filme que se reseña, completa la trilogía de su director acerca de la inmigración, la educación, el dialogo de culturas y su entendimiento…

Filmes anteriores a La buena mentira de citada trilogía del autor y de gran éxito fueron: Congorama (2006) -acerca de una familia interracial y sus problemas cotidianos de convivencia-, y Profesor Lazhar (2011) -sobre un maestro de escuela argelino que educa a niños canadienses-.

El director Philippe Falardeau y la protagonista Reese Witherspoon, presentan el filme en Toronto.

Philippe Falardeau no cuenta con una obra cinematográfica muy extensa pero sí muy intensa e interesante; con sólo media docena de filmes en su historial, ha conseguido el aplauso de la crítica especializada y del gran público. Su primer filme El lado izquierdo de la nevera, fue premiado como Mejor Primer Largometraje y Premio Jutra al Mejor Guion en el Festival Internacional de Cine de Toronto (2000). Congorama, por su genialidad, obtuvo el Premio Genie Awards (2007) de la Academia del Cine y Televisión Canadiense. Profesor Lazhar, fue nominada a los Oscars como Mejor película de habla no inglesa, Premios Mejor Película y Genie en Toronto, Premio del Público en Locarno, Premio FIPRESCI y Mejor Guión en la SEMINCI de Valladolid…

La buena mentira, ongs como UNICEF la aplauden y recomiendan su visionado, en estos cruciales momentos que tan controvertidos están el enfrentamiento del mundo desarrollado a la inmigración y el ébola -epidemia que ya contaría con vacuna y tratamiento de erradicación si se tratara de una enfermedad de los países ricos…

El visionado del filme a nadie dejará indiferente y le provocará una profunda reflexión acerca de las maquiavélicas y pésimas mentiras del primer mundo y la buenas mentiras del tercer mundo…

Francisco Montero.