GUADALQUIVIR

                                                                          

-Cartel del film-

Como decíamos en nuestra anterior reseña, “Somos Cine” es un interesante y variado programa de Radio Televisión Española, en el que se ofrece la revisión -gratis- de filmes de éxito popular, para contribuir a hacer más llevadero el confinamiento de la pandemia, dado el cierre de los cines…

En este variado programa, no podía faltar el Cine Documental de la Naturaleza, y en él se han incluido dos filmes de extraordinario interés y éxito como son Cantábrico y Guadalquivir del prestigioso cineasta naturalista Joaquín Gutiérrez Acha…

Reseñamos el filme Guadalquivir por sus singulares valores naturales, estéticos, cinematográficos y humanistas, con su guion poético e historiográfico del afamado escritor documentalista Fernando López-Mirones…

Fernando López-Mirones, biólogo, profesor universitario, guionista y director de documentales, autor del guion de Guadalquivir, aunque su principal temática es la Historia Natural, suele vincular ésta con diversos aspectos de la Historia General de los temas que trata; caso del gran rio Guadalquivir, a su paso por los enclaves geográficos en que discurre: provincias de Jaén, Córdoba, Sevilla, Huelva y Cádiz, Sierra de Cazorla, Sierra Morena, Doñana….

López-Mirones, como guionista, realizador o asesor científico, con más de ciento treinta documentales según reza en su historial, ha trabajado para las más importantes productoras y televisiones internacionales y nacionales como: National Geographic, Internacional Televisión ITEL, BBC Televisión, ORF Universum, Canal + Francia, Canal + España, habiendo obtenido por sus trabajos destacados galardones y reconocimientos…

En España, ha sido galardonado con la Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos (2014); siendo también el filme Guadalquivir, nominado a los Goya de Mejor Documental y candidato al Mejor Guion Original…

Fernando López-Mirones, guionista de Guadalquivir.

Acaso, metafóricamente, por su astucia y capacidad de supervivencia en todos los enclaves, en el guion del documental se utiliza reiteradamente al zorro como hilo conductor, que discurre por los márgenes del rio, desde la Sierra de Cazorla hasta Doñana, para describirnos un filme de imágenes de extraordinaria belleza y calidad técnica, de la fauna, flora y paisajes en torno al rio…

No obstante los valores naturales, poéticos, históricos y humanísticos del guion -narrado con énfasis por Estrella Morente-, los estéticos y técnicos de su filmación, son los principales protagonistas del documental, logrando ser unos de los más importantes filmes de Naturaleza realizados en España y de interés universal…

El documental Guadalquivir, está producido por José Mª Morales, fundador y director de Wanda Visión -empresa de coproducción y distribución con Latinoamerica-, a la que se deben los más prestigiosos filmes de Naturaleza, realizados en España.

Morales y Wanda Visión, producen o distribuyen los filmes naturalistas del realizador cordobés Gerardo Olivares: Entrelobos (2010), Hermanos del viento (2015), y El faro de las orcas (2016) -véase su reseña en el blog, 16 de diciembre de 2016-

Al igual producen y distribuyen la trilogía de Naturaleza del cineasta Joaquín Gutiérrez Acha, que se inicia con el filme Guadalquivir, y a la que siguen los documentales: Cantábrico. Los dominios del oso pardo (2016) y Dehesa. El bosque del lince ibérico (2019) -cuyo estreno, debido a la pandemia, está aún pendiente en la mayoría de los cines de España y de otros países-…

José Mª Morales, Estrella Morente y Joaquín Gutiérrez Acha, en la presentación de Guadalquivir.

Joaquín Gutiérrez Acha, productor, director y fotógrafo, creador de la empresa Bitis Documentales, con una larga y prestigiosa trayectoria de más de cuarenta años como naturalista, cuenta, seguramente, con el más importante archivo de imágenes de naturaleza y biodiversidad de España…

Es miembro de la Asociación Internacional de Cineastas de Vida Salvaje, y su archivo es comercializado por la Agencia Británica Oxford Scientifics Films y por National Geographic Digital Motion…

Fue el primer documentalista en trabajar para las principales productoras internacionales de naturaleza como: National Geographic, Natural History Unit de la BBC, Terra Mater Factual Studios, Parthenon Entertainment, Canal + de Francia y España…

Además de las productoras internacionales citadas, en nuestro país, ha realizado, entre otros trabajos, para: el Ministerio de Medio Ambiente -El Lince ibérico en España y Portugal (2007)-; La Fundación Biodiversidad -España. Un Paraíso de Biodiversidad (2010)-; la Consejería de Medio Ambiente de la Junta de Andalucía -Prevención, Extinción y Restauración del Plan de Incendios INFOCA (2005/6), Alborán. El tesoro sumergido (2010), Tabernas. El desierto olvidado (2008/10)…-   

Habiendo obtenido numerosos reconocimientos y premios, además de los anteriormente citados, como: Premio NATURVISION en Alemania, Premio Panda de WWF ADENA, Premio al Mejor Documental en el Certamen Nacional NATURAMA, Premio “Lince Ibérico” de la Junta Rectora del Parque Natural Cardeña y Montoro, Premio FICMEC del Público en el Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias, entre otros…

Bellas y expresivas imágenes de la biodiversidad de Guadalquivir.

De la banda sonora del documental Guadalquivir, llaman poderosamente la atención y emocionan, junto a la narración y canción “Oh Guadalquivir” de Estrella Morente, y la música de Pablo Martín Caminero, el cuidado sonido directo de Carlos de Hita, que nos produce la sensación de estar inmersos en plena naturaleza.

Guadalquivir es un filme intemporal, que nos parece crece en valores naturales, estéticos y técnicos, cada vez que lo revisamos…

Por ello, recomendamos su revisión a todos los amantes de la naturaleza en general y a padres y educadores en especial…

Francisco Montero.

FRANCISCO, EL PADRE JORGE

-Cartel original del film-

“Somos Cine” es una loable y plausible iniciativa de Radio Televisión Española de poner al alcance de todos, gratis, un interesante programa de Cine para hacer más llevadero el confinamiento de la actual pandemia que sufrimos -basta con pulsar en el buscador de internet Somos Cine para que el programa aparezca-…

En el programa se encuentran filmes un tanto recientes y de éxito de la mayoría de géneros y estilos cinematográficos, de imagen real y de dibujos animados, para mayores y pequeños…

Algunos de ellos coproducidos por RTVE, o que han contado con alguno tipo de ayuda oficial al cine… ¡Lástima que el programa no fuese mucho más nutrido…!

No faltan en él filmes de Valores Humanistas, como: Campeones de Javier Fesser (2018), El Olivo de Iciar Bollaín (2016) -véase nuestra reseña en el blog del 16 de Mayo de 2016-, Franciscco, el Padre Jorge de Beda Docampo Feijóo (2015)…

Francisco, el Padre Jorge, del realizador de ascendencia gallega Beda Docampo Feijóo, es una biografía, no documental, basada en la novela realista Francisco, Vida y Revolución de la escritora y periodista argentina -corresponsal vaticanista- Elisabetta Piqué…

Elisabetta Piqué, aunque nació en Florencia (Italia), se educó en Argentina donde se licenció en Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales de la Universidad Católica de Buenos Aires, es una avezada periodista del diario argentino La Nación, que antes de ser corresponsal en Roma y el Vaticano cubrió conflictos bélicos en Gaza, Afganistan, Irak..., adquiriendo gran experiencia en cometidos difíciles…

Antes de escribir su biografía sobre el Padre Jorge Bergoglio, publicó Diario de Guerra. Apuntes de una corresponsal en el frente, con cuya obra adquirió reconocimiento y prestigio…

Afianzó su gran amistad con el Padre Jorge Bergoglio, cuando cubría en el Vaticano el anterior cónclave, en el que fue elegido el cardenal Ratzinger, Benedicto XVI, compitiendo con Bergoglio…

Elisabetta Piqué en la presentación de su libro en Argentina.

La periodista corresponsal, Ana, que aparece en el filme basado en la novela, no es una escritora creyente católica y religiosa, sino agnóstica y de pensamiento liberal, amplio y abierto, por lo que sus testimonios acerca del Padre Bergoglio, como “personaje de paz y bien”, de interés universal, resultan muy convincentes para personas religiosas o no religiosas, creyentes o no creyentes, de todas las culturas.

La biografía que se describe en el filme -en narración alterna con la del cometido de la periodista Ana- trata los aspectos más sobresalientes de la personalidad carismática del Padre Jorge, como: su sencillez y fraternidad con los pobres y desfavorecidos, su oposición a la corrupción, a los abusos de poder, a la explotación de los trabajadores, sus denuncias sobre la prostitución, la drogadicción, los abusos a menores, la riqueza y los males que aquejan a la iglesia…

Resaltando su particular interés como sacerdote: por una iglesia menos narcisista y más evangelizadora, el diálogo interreligioso entre diferentes credos, entre conservadores y progresistas, entre fe y ciencia…, a la par que abogando -por la ejemplaridad de San Francisco de Asís- por una iglesia pobre y para pobres…

Postulados estos que, en el segundo cónclave que participó -tras la renuncia de Benedicto XVI- llevarían a Bergoglio al pontificado de Francisco… -Últimas secuencias del filme, sobrio en recursos expresivos cinematográficos, pero rico en diversidad temática-.

El realizador Beda Docampo Feijóo, dirige a Darío Grandinetti, en una escena del filme.

Beda Docampo Feijóo, aunque nació en Galicia, pronto su familia se trasladó a Argentina, en cuyo país cursó estudios en el Centro Experimental y de Realización del Instituto Nacional de Cinematografía. Inició su carrera de cineasta, como Guionista y Realizador, dirigiendo algún que otro documental y numerosos cortos publicitarios.

Con extraordinaria sensibilidad y preocupación por los problemas humanos y sociales, trata en su forma realista de hacer cine, diversas y complejas temáticas de interés general y actualidad, sin concesiones al sensacionalismo ni a la espectacularidad.

Cuenta en su historial como guionista y argumentista con una veintena de largometrajes, la mitad de los cuales también ha dirigido. Entre ellos son destacables: Caminos del Sur y Los amores de Kafka (1988), El marido perfecto -por el que fue Nominado como Mejor Director de Cine de Argentina y obtuvo el Premio al Mejor Guion Adaptado (1993)-, El mundo contra mí (1996), Buenos aires me mata (1998), El último tren (2002) -Premio al Mejor Guion en el Festival de Montreal y Goya Español a la Mejor Película Extranjera-, Francisco, el Padre Jorge (2015)…

Para televisión ha realizado media docena de telefilmes o series; con títulos de telefilmes como: ¿Dónde queda el paraíso? y Locos de contento (1993), Las penas del infierno (2001), Tarde en la noche (2002); y series como: Cuentos de película (2001), Días de Cine (2015)…

La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina, le concedió el Premio Cóndor de Plata de 1994…

Su filme biográfico Francisco, el Padre Jorge, superando la enorme dificultad que siempre supone tratar de un personaje actual, popular y demasiado conocido, fue muy aplaudido en la II Semana de Cine Espiritual de Almeria, (España 2016).

Junto a los valores humanistas y espirituales tratados realistamente en su guion, destacan en el filme las interpretaciones de sus protagonistas: el argentino Darío Grandinetti, en el papel de Padre Jorge, y la española Silvia Abascal, en el papel de la joven periodista Ana, supuesta Elisabetta Piqué…

Darío Grandinetti y Silvia Abascal, protagonistas del filme.

Darío Grandinetti es un versátil actor argentino de cine, televisión y teatro que cuenta con un amplio historial de interpretaciones: unos cincuenta filmes en el cine, una treintena de interpretaciones televisivas y una veintena de papeles dramáticos en el teatro.

Ha trabajado con grandes directores nacionales e internacionales, y en diversas ocasiones con directores españoles: Jaime Chávarri, Imanol Uribe, Pedro Almodovar, por lo que su labor es muy apreciada en el cine latinoamericano…

El filme Francisco, el Padre Jorge, fue nominado a los Premios Sur de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas de Argentina, a la Mejor Música, Dirección Artística y Vestuario, en 2015… Valores artísticos éstos, además de los humanistas y espirituales antes citados, por los que el filme resulta de especial interés…

Francisco Montero.

LOS CUATRO JINETES DEL APOCALIPSIS

-Cartel de film futurible-

                                                                 

Estamos viviendo momentos apocalípticos: la enfermedad, el hambre, la guerra, la muerte…, están terminando con demasiadas vidas…; no obstante tenemos la fe, la esperanza, de que resistiremos a los jinetes del apocalipsis…

Nuevos jinetes apocalípticos cabalgan bajo el sol, la tierra..., nuevas enfermedades, hambre, guerra, muerte…; desde ancestrales tiempos mitológicos hasta el Antiguo y Nuevo Testamento de La Biblia, y hasta hoy, mucho se ha hablado, escrito, filmado, sobre el apocalipsis, la fe, la razón, esperanza…

Pero ni la fe, ni la razón, ni la ciencia, ni la filosofía o la religión, pueden predecir el cese de los apocalípticos momentos que hoy nos azotan…

La fe, la filosofía y la religión, al creer que todo es posible, esperan, desean, que terminen pronto…

La ciencia, con la investigación, y desde la cautela de la experiencia, también espera y desea que terminen pronto…

La impredecible situación apocalíptica en que nos encontramos, nos resulta un tanto enigmática, misteriosa y casi de ciencia ficción…

La literatura y el cine ya trataron -unas veces de manera realista y otras metafóricamente- la amplia temática del apocalipsis…

De la literatura nos es muy próxima la magistral novela del español Vicente Blasco Ibáñez, Los cuatro jinetes del apocalipsis, publicada en 1916 y reeditada más recientemente en 2013…

Del cine memorizamos entre otros filmes: Los cuatro jinetes del apocalipsis -dirigida por Rex Ingram y basada en la novela de Vicente Blasco Ibáñez, en 1921-, Los cuatro jinetes del apocalipsis -dirigida por Vincente Minnelli y basada también en la obra de Blasco Ibáñez, en 1962, Apocalipsis new -dirigida por Francis Ford Coppola en 1979-, todas ellas sobre el jinete destructor de la guerra…

Novela y Autor Vicente Blasco Ibáñez.

                                              

El prolífico escritor, periodista y político valenciano Vicente Blasco Ibáñez, tras una controvertida etapa de su vida dedicada a la política y al republicanismo -por los que sufre prisión y exilio-, fundar varios periódicos y viajar por medio mundo, decide abandonar la política y dedicarse intensamente a la literatura, dados los éxitos de su obras…

Escritor realista y naturalista, fue autor de más de cincuenta novelas y una veintena de otras obras de diversa índole, con las que fue reconocido internacionalmente como literato de extraordinario prestigio; entre sus novelas más famosas y conocidas son destacables: Arroz y tartana (1894), La barraca (1898), Entre naranjos (1900), Cañas y barro (1902), La maja desnuda (1906), Sangre y arena (1908), Los cuatro jinetes del apocalipsis (1916)…

Como periodista internacional, residiendo en Paris, durante la Primera Guerra Mundial, favorable a la Resistencia, asiste a los frentes y retaguardia y se inspira para escribir Los cuatro jinetes del apocalipsis, considerada una de sus mejores obras, y con la que obtendría el reconocimiento de los países del viejo y nuevo mundo, Europa, América…

Dado el éxito de sus novelas, Blasco Ibáñez ha sido uno de los autores literarios españoles más llevados al cine y la televisión: Sangre y Arena dirigida por Max André y el propio Blasco Ibáñez (1916), dirigida por Fred Niblo (1922), por Rouben Mamoulian (1941), y por Javier Elorrietra (1989); Mare Nostrum dirigida por Rafael Gil (1948); Cañas y barro por Juan de Orduña (1954), y por Rafael Romero Marchent (para Televisión Española, 1978); Entre Naranjos y Arroz y tartana dirigidas por la cordobesa Josefina Molina (para Televisión Española, 1996 y 2003)…

Aunque los hechos que se narran en la novela Los cuatro jinetes del apocalipsis de Blasco Ibáñez, se refieren a la Primera Guerra Mundial, el filme de Vicente Minnelli, los adapta y traslada a la Segunda Gran Guerra, incidiendo en la apocalíptica destrucción familiar y social que causaron la ideología, la política y el poder del nazismo…

Sugerente fotograma del filme.

Con una nutrida filmografía de una cuarentena de títulos, la mayoría de ellos musicales, Vincente Minnelli ha sido siempre considerado como padre del Cine Musical…

No obstante, dada su genialidad para la puesta en escena cinematográfica, estudios hollywoodenses como la Metro Goldwyn Mayer, a la que estuvo muy vinculado, le indujeron hacia otras temáticas…

Entre sus musicales más conocidos destacan: Un americano en Paris (1952), Melodías de Broadway (1953), Brigadoon (1954), Gigi (filme que en 1958 obtuvo nueve Oscar, a la mejor película, director, fotografía, guion, vestuario, dirección artística, orquestación musical, canción original y montaje)…

Entre sus filmes no musicales que abordaron diferentes géneros cinematográficos -drama, biografía, comedia, tragedia…- son destacables: Cautivos del mal (1952), El loco del pelo rojo (1956), Mi desconfiada esposa (1957), Los cuatro jinetes del apocalipsis (1962)…

En el pensamiento inteligente y estilo narrativo del Minnelli, son claves esenciales: la sugerencia, la insinuación, la metáfora…; es decir, dar a entender ideas diferentes a las presentadas por las apariencias... Recurso expresivo muy propio del cine musical, presente en toda la obra de Minnelli, y muy patente en el filme Los cuatro jinetes del apocalipsis.

Con citadas claves narrativas, este apocalíptico filme acerca de la destrucción de una opulenta y acomodada familia por la ideología, el nazismo y la guerra, es también un filme sobre: el bienestar y el gozo de vivir, el maquiavélico mundo del poder y la política, las infidelidades familiares y sentimentales, la resistencia ante la pérdida de la libertad social y personal…

Los cuatro jinetes del apocalipsis, es un drama que termina en tragedia, pero que desvela profundos y positivos pensamientos, contenido en el filme, como: el sufrimiento desnuda a la realidad…, la verdad se oculta tras las apariencias…, amar la vida es estar dispuesto a morir por ella…

Sugerente y metafórica imagen aplicable a filme futurible: Alazanes sin jinetes apocalípticos...

-Hemos recurrido a la revisión y reseña -aplicada a la realidad del momento- de Los cuatro jinetes del apocalipsis, porque, el cine actual y de vanguardia, como todos los espectáculos de masas ha sido también víctima de la trágica pandemia…

Entre las apocalípticas tragedias de la actualidad, no sólo está la pérdida de muchas vidas por el enigmático y misterioso coronavirus, sino también las pérdidas culturales de libertad, bienestar, seguridad, relaciones sociales y personales…

¡Ojala!, muy pronto se realicen esperados filmes sobre alazanes blancos, libres, alegres, felices, sin jinetes apocalípticos…

Francisco Montero.

                                                                                         IKIRU - VIVIR-

-Cartel original del film-.

Córdoba, Capital de la Bética romana, fue la cuna del filósofo universal Séneca, para quien el sentido de la vida consistía en alcanzar la felicidad…

Córdoba, Capital de Al Andalus, en cuya época convivieron las culturas hebrea, cristiana y musulmana, fue cuna del polifacético Maimónides, para quien el sentido de la vida consistía en alcanzar la perfección suprema…

En Córdoba, en la histórica Torre de La Calahorra, ante la cual su ancestral Puente Romano, une las dos orillas del Gran Río Guadalquivir -simbólica arteria de civilizaciones y culturas-, nos da la bienvenida la significativa frase que da sentido a la ciudad y al monumento: “Llevar, como si fuera una arteria las fuerzas de la vida de una a otra orilla, de Oriente a Occidente…”

-La frase proviene de la magistral obra Jean Christophe del Premio Nobel de Literatura Romain Rolland…

La insertó en el monumento para el Diálogo de Civilizaciones y Culturas -que es la Torre de la Calahorra-, el gran filósofo francés Roger Garaudy, siempre preocupado por el sentido de la vida, para quien éste consistía en “Dar a cada hombre, mujer o niño los medios necesarios para que puedan desarrollar las potencias con que han sido dotados…”

Tanto ayer como hoy, a los grandes hombres, filósofos, pensadores, artistas…, acaso la mayor de sus preocupaciones haya sido siempre dar sentido a la vida, a su vida, a cualquier vida…

Siendo ese, sentido de la vida, la persistente preocupación de Garaudy -muy interesado en la cultura oriental y japonesa-, y del genial cineasta japonés Akira Kurosawa, como manifiesta en la temática de su filme Ikiru, Vivir…

El filósofo Roger Garaudy y el cineasta Akira Kurosawa.

En este sorpresivo siglo XXI, en unos críticos momentos en que ninguna ciencia ni científico -ni política, ni político- predijo la pandemia mundial del COVID 19, que nos acechaba a la vuelta de la esquina, para llevarse principal y cruelmente a las personas de la “edad de la memoria”, tenemos que recurrir precisamente a la memoria…

En confinamiento psicológico aterrador pero reflexivo como se encuentran todos los mass media y las grandilocuentes pantallas de los cines están en absoluto mutismo, no tenemos otra opción responsable, sino acudir a las pequeñas pantallas del acogedor hogar, que puede convertirse por designios supra humanos y espirituales en más y mejor hogar de lo que jamás se hubiese previsto…

Afortunadamente para los hogares de escasa y maltrecha fortuna, se puede recurrir a youtube para sintonizar con los sabios y alentadores consejos de personajes positivos, de quienes no sabemos si se encuentran en algún desconocido mundo, aunque sí en el de su fecunda memoria y que aún persisten en sembrar en tierra fértil: internet, televisión, libros…

Aunque ya habíamos sintonizado con el maestro Akira Kurosawa, para identificarnos con su alegato contra las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki en su filme Rapsodia en agosto -ver en la web nuestro blog de Cine y Humanismo – Cine de Valores, 6 de agosto de 2014-, ahora hacemos memoria de su positivo filme Ikiru, acerca del sentido de la vida, la alegría de vivir, la felicidad…

Ikiru, es un filme muy triste y duro de ver, pero en él, como si fuese un mal contrasentido querido por el genial Kurosawa, acerca de la ideología, la política, la enfermedad, la muerte…, resplandece el auténtico sentido final de la vida: dar a los demás lo que necesitan, el bienestar, la alegría de vivir, la felicidad…

Inspirado en la novela de León Tolstói, La muerte de Ivan Ilich, Ikiru trata la historia de Kanji Watanabe, un funcionario burócrata del Ayuntamiento de Tokyo, que ha malgastado su vida parasitando en la despreocupación social, la indolencia, la inoperancia…, hasta que un cáncer de estómago terminal le provoca un cambio radical del sentido de su vida…

Una lectura inmediata y superficial de Ikiru, aparenta ser una crítica acerca de un estamento político y burocrático al que sólo le importa el arribismo personal, el logro del poder, su bienestar…, no regateando en mentiras y subterfugios para conseguirlos…

En una lectura más reflexiva y profunda, Ikiru, Vivir, es un filme sobre Mefistófeles, en el que se aborda la perdida de la espiritualidad y la moral de una sociedad acomodada en lo práctico y material, como consecuencia del progreso y desarrollo científico, industrial, social…

Pero, sobre todo, el filme Vivir, es una sutil reflexión, muy realista, acerca del sentido de la vida y los valores esenciales de la espiritualidad, la moral, la familia, las relaciones, la juventud, la madurez, la alegría, la felicidad…

Expresivo fotograma de los protagonistas Takashi Shimura -Kanji Watanabe- y Miki Odagiri -Toyo Odagiri-.

El filme realizado en los inicios de los años 1950, es decir hace setenta años, no puede visionarse hoy con las perfectas claves técnicas y estéticas del cine actual; aunque su guion, escrito por Akira Kurosawa y su colaborador habitual el guionista Shinobu Hashimoto, es un magistral ejemplo -riquísimo en ideas, contenidos humanos, valores culturales…- para la cinematografía de todos los tiempos…

Tolstói, autor de La muerte de Ivan Ilich, obra en la que se inspira Ikiru, entre sus muchas frases sabias dijo que “No hay grandeza donde faltan la sencillez, la bondad, la verdad…”

En el filme Ikiru, Vivir, cuando el protagonista Watanabe -a quien la empleada municipal Toyo, había apodado jocosamente “Momia”-, con su enfermedad descubre la realidad de su vida, se dice: “La desgracia enseña al hombre la verdad…”

Es la sabia frase, por la que en esta actual sociedad, tremendamente sofisticada, falsa y mentirosa, y en lo graves momentos de la desgraciada pandemia y crisis, creemos nos enseña a memorizar, sin intenciones moralistas, el filme Ikiru…

Kurosawa, adaptó a la cultura oriental japonesa otras importantes obras de la literatura universal como: Los siete samuráis, inspirada en Los siete contra Tebas, de Esquilo; Ran y Trono de sangre, basadas en El rey Lear y Macbeth, de Shakespeare; Hakuchi, basada en El Idiota de Dostoievski…; por lo que su cinematografía se puede considerar como Puente Cultural entre Oriente y Occidente, habiendo obtenido, con su treintena de filmes, los más importantes reconocimientos y premios en los Festivales Internacionales de Cine…

Kurosawa -entre George Lucas y Steven Spielberg, productores de su filme Sueños-, recibe el Oscar Honorífico, 1990.

En el plano final del filme Ikiru -al que alude su cartel anunciador-, Watanabe, se columpia y canta alegre y feliz; ha conseguido, como deseaba su vecindario, transformar un lugar insalubre e infecto de una barriada de Tokyo, en un hermoso Parque Infantil, para el bienestar y goce de mayores y pequeños…

Por su desgraciada enfermedad, ha descubierto su verdad y ha dado pleno sentido a su vida; ahora, sólo, sin nadie que le aplauda, pero sabiendo ha dado alegría y felicidad al vecindario, puede morir en paz…

Tras una entrevista a Akira Kurosawa, el Premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, autor de Cien años de soledad, publicaba: “Debo, en gran medida, mi fe en la humanidad a las películas de Kurosawa”…

Francisco Montero.

VIDA OCULTA

-Cartel del film-

El cine realista, por su potestad de ser espejo y reflejo de la realidad, ha sido siempre testigo y conciencia de la historia y la sociedad…

Ya desde los inicios del cine en 1895, el filme Salida de los obreros de la fábrica Lumière, era un pequeño reflejo y testigo de la clase social trabajadora del momento…

En el transcurso de los años, en 1961, Ingmar Bergman, el introspectivo gran maestro de la Historia del Cine, en su filme Como en un espejo, demostraba la potestad del cine de ser también conciencia de la sociedad de su tiempo…

Más recientemente, en el 2016, otro gran maestro, Martín Scorcese, con su drama historicista Silencio, refrendaba la potestad del cine de ser testigo y conciencia de la historia y la sociedad…

Hoy, Terrence Malick, con su filme Vida oculta, basado en cruciales hechos reales -por el plebiscito hitleriano de anexionarse Austria-, penetra magistralmente en la historia y la objeción de conciencia, personal y social, al nazismo y la religiosidad acomodaticia…

Como todos los años, el 27 de enero -según Proclamación de las Naciones Unidas-, la UNESCO, en homenaje a las víctimas del holocausto nazi, conmemora la liberación del campo de concentración y exterminio de Auschwitz Birkenau…

Próximos a esta fecha, en muchos países, hemos asistido a la celebración de numerosos eventos y efemérides conmemorativas, con intencionalidad pedagógica y aleccionadora…

En nuestro país Televisión Española volvía a emitir el interesante documental Hitler, el yonqui, de François Pomés, que ilustra didácticamente acerca de la trastornada personalidad del dictador drogadicto…

Y en estas oportunas fechas, se ha estrenado en varios países, como en España, el filme del cineasta estadounidense Terrence Malick, Vida oculta, que, basado en hechos reales, viene a ser testigo y conciencia histórica de su momento…

Terrence Malick, director de Vida oculta.

Terrence Malick, director, guionista y productor, no es un cineasta muy prolífico, aunque con su decena de largometrajes ha impactado en la cinematografía internacional consiguiendo los mayores reconocimientos y premios.

En España -país al que no ha llegado toda su obra-, con su primer filme Malas tierras, obtuvo la Concha de Oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en 1974. A partir de este filme intervinieron en su obra: el Director de Fotografía español  Néstor Almendros -Días de gloria, 1978, cuyo filme obtendría el Oscar a la Mejor Fotografía-, y los actores españoles Javier Barden -To the wonder, 2012- y Antonio Banderas -Knight of cups, 2015-...

Por su largometraje Días de gloria, Malick obtuvo también el Premio al Mejor Director en el Festival de Cannes, 1979.

Sus siguientes largometrajes: La delgada línea roja, fue premiado con el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlin, 1998; El nuevo mundo, fue reconocido por la Crítica Española, en la cualificada revista Cahiers du Cinéma, como uno de los mejores filmes de la década 2000-2010; El árbol de la vida, obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Gran Premio de FIPRESCI -Federación Internacional de Críticos de Cine-, 2011…

Acaso la claves más definitorias del cine de Malick sean: su realismo historicista -rayando casi en la autenticidad y veracidad del documental; su persistente confrontación de la belleza de la naturaleza -en la que el paisaje tiene carácter de protagonista- frente a la bondad y maldad humana; su introspección o penetración en lo más recóndito de la interioridad y conducta de los personajes en la sociedad que trata…

Expresivo y bello fotograma de Vida oculta.

El filme Vida oculta trata la historia real del campesino Franz Huber -o Jagerstatter, por su padrastro-, quien fue objetor de conciencia antinazi durante la anexión hitleriana de Austria; Franz, católico convencido, fue el único de su pueblo Sankt Radegund, que se opuso al régimen hitleriano, por lo que toda su familia fue menospreciada y vilipendiada en el pueblo, y él, arrestado y encarcelado en Linz, tras numerosas torturas y vejaciones -que no consiguieron doblegarle- fue guillotinado, en 1943, en la prisión de Brandenburgo Gorden…

Considerado mártir cristiano, años más tarde, en el 2007, el papa Benedicto XVI, autorizó su beatificación, celebrada en Linz. Asistieron a la ceremonia su anciana esposa Franziska Schwaninger -de 94 años- y sus tres hijas…

El hecho de su beatificación, no es tratado en el interesante filme humanista…

Vida oculta, es un magistral filme introspectivo que no sólo penetra en los entresijos de la conciencia humana de la bondad y la perversidad personales y sociales, sino que también reflexiona subrepticiamente, ocultamente, sobre la irracionalidad y corrupción de las instituciones y estamentos sociales como: el dictatorial régimen nazi trastornado por el poder, la demencial beligerancia de los militares colaboradores y políticos del momento, la acomodaticia iglesia católica que no se opuso con rigor al régimen…?

Valor destacado en el filme, junto a su impresionante fotografía de paisajes y escenarios naturales, es el de la interpretación de sus protagonistas principales, August Diehl y Valerie Pachner, en los complejos papeles de Franz Jagerstatter y Franziska Schwaninger...

August Diehl y Valerie Pachner, protagonistas del filme.

Vida oculta, filme seleccionado en 2019 para la Sección Oficial del Festival de Cannes, ha sido también nominado en dicho año para los Premios: a la Mejor Fotografía del Círculo de Críticos de San Francisco y, como Mejor Película Independiente, por el Consejo Nacional de Crítica de Cine de Nueva York y la Organización Film Independiente de California…

Con el incisivo filme de Malick, Vida oculta, vuelven a salir a la luz muchas reflexiones…

¿Por qué la Iglesia Católica tardó más de sesenta años en entender, aprobar, beatificar, el heroísmo humanista de Franz Jagerstatter…?

El poderoso pero irracional régimen nazi hitleriano, que tantas muertes y sufrimientos causó con su perversidad, se derrumbó en su más negra oscuridad y absurdo…

Por el contrario, religiosa o sencillamente espiritual y humana, la inquebrantable fe de un hombre en la luz de la razón de su conciencia bondadosa y pacifista, persiste hoy, firme, siendo una provechosa lección para la historia…

Francisco Montero.

MI GRAN PEQUEÑA GRANJA

                                                     

-Cartel del film.-

Toda utopía es una aspiración -¿imposible o posible?- al bienestar, la felicidad…

A pesar del realismo, las realidades y los realistas, la vida no sería nada sin las utopías…

¡Cuántas idealizaciones y felicidades grandes o pequeñas, debemos a las utopías…!

A nadie escapa de su simple o complejo entendimiento que estamos convirtiéndonos en artificiosos robots, teledirigidos e infelices, de las grandes urbes…

Está claro que en un planeta artificioso y urbanita, vivir en contacto, concilio y armonía, con la naturaleza cada día es más difícil, pero no imposible…

Esa es la pequeña y grandiosa utopía del filme Mi gran pequeña granja, que pretende la gran aventura del bienestar y la felicidad, de conciliar al hombre, a la familia, con la naturaleza…

Hoy, a pesar de los numerosos movimientos ecologistas existentes en todos los países del mundo, se vive demasiado de espaldas a la naturaleza…

El problema de las zonas rurales vaciadas, es decir cada día con menos habitantes y envejeciendo, a la par que aumentan considerablemente las poblaciones de las grandes urbes, es un fenómeno sociológico de extraordinaria magnitud…

La vida en permanente relación y armonía con la naturaleza, es hoy un lujo que pocas familias se pueden permitir…

En las grandes ciudades, para que los pequeños conozcan aspectos muy básicos de la naturaleza, los sistemas educativos tienen que acudir a recursos textuales, documentales fílmicos, pequeñas granjas escuela…

Siendo ésta la magnífica lección, para pequeños y mayores, que nos ofrece el bucólico y realista filme Mi gran pequeña granja, del realizador estadounidense John Chester…

Idealista fotograma naíf de la chef profesional y naturalista Molly, esposa del realizador John Chester.

A punto de ser desahuciados del piso donde vivían, por los molestos ladridos de su perro Todd, el matrimonio del popular realizador de televisión John Chester y su esposa Molly, chef profesional, cansados de la vida en la ciudad, deciden comprar un terreno en el condado de Ventura, al norte de Los Ángeles, e irse a vivir al campo, ideando una prolífica granja ecológica y sostenible, a la que llamaron “The Apricot Lane Farm”.

John Chester más que un experimentado y reconocido cineasta, es un popular realizador de televisión que adquirió fama en Estados Unidos por sus documentales de series televisivas de valores humanos y autoayuda, por las que ha recibido el prestigioso Premio Emmy -a la excelencia televisiva- y otros reconocimientos, en varias ocasiones.

Sus documentales de la serie televisiva Super Soul Sunday -más de 180 programas, sobre celebridades nacionales internacionales de todos los ámbitos sociales, conducidos por la afamada periodista y presentadora estadounidense de televisión Oprah Winfrey-, refrendaron la popularidad adquirida en trabajos anteriores como: Rock Prophecies, Aleatorio, Jockeys, Bait Car…, entre otros.

Esa popularidad le decidió a realizar el documental Mi gran pequeña granja -durante ocho años-, por el que ha sido distinguido y premiado en los Festivales de Cine: AFI Fest -Instituto Americano del Cine-, Hamptons International Film, Toronto Film (2018) y Sundance Film, Boulder International Film, Palm Springs Film, Miami Film (2019)…

Para la creación de la granja, Chester contó con la ingeniosa ayuda del pionero en el cultivo integrado, biológico-dinámico, Alan York, quien -ironías de la vida- fallecería antes de finalizar el proyecto, abocando a la familia Chester a superar todo tipo de dificultades para integrar su granja doméstica en un medio agreste, casi salvaje y hostil…

Alan York, director de la granja y el matrimonio Chester, con su perro Todd.

Uno de los valores destacados del filme, es el tesón y persistencia con que los Chester afrontan las dificultades e inconvenientes que día tras día les van acuciando: lucha contra depredadores y enfermedad de animales, plagas de los cultivos y plantas, adversidades climáticas…, del complejo mundo campesino y natural que les es desconocido…

Siendo esa persistente lucha cotidiana de transformación de un lugar devastado e improductivo y la búsqueda de armonía con la naturaleza, el mayor valor humanista y didáctico del documental.

Mi gran pequeña granja es fiel a las claves genéricas de todo buen documental como son: autenticidad, verismo y realismo, sin concesiones a la sofisticación o al sensacionalismo.

Con ellas, en la lucha contra las adversidades, desmitifica la idea de que vivir en la naturaleza sea un romanticismo ecologista…

Otro de los valores más destacados del filme, técnica y estéticamente, es su fotografía, muy expresiva y detallista, rica en profusos planos generales, medios, de detalle…

Bella fotografía del filme sobre el libado y polinización de una abeja.

El filme ha contado con un especial interés, al estrenarse en diversos países, coincidiendo con los cruciales momentos de la entredicha Cumbre Mundial por el Clima, celebrada en Madrid (España, 2019), y los numerosos desastres climáticos que han sucedido por estas fechas en diferentes lugares del planeta.

Mi gran pequeña granja, por sus valores didácticos, es un filme muy recomendable para todos los públicos y en especial para los medios educacionales…

A pesar de que la hermosa utopía de su temática naturalista, sea imposible para la mayoría de los ciudadanos de cualquier país…

Francisco Montero.

FROZEN

-Cartel del film-

A la dimensión espiritual del ser humano no sólo pertenecen la religión, la teología, lo sagrado…; sino también la imaginación, la fantasía, el ensueño…

Aunque el arte del ensueño, el séptimo arte, el cine -arte de imágenes en movimiento- se inicia en 1895 con el cinematógrafo de los Hermanos Augusto y Luís Lumière, el cine de animación o de dibujos animados, realmente, tiene sus orígenes en los remotos tiempos prehistóricos, cuando en las cuevas rupestres -por ejemplo, de Altamira- se dibuja un jabalí con ocho patas, imaginario del movimiento…

El libro sagrado de La Biblia, desde su mitológica Creación del Génesis -de la que no existe ningún testimonio histórico fehaciente-, ya es, en sí, un interesante fenómeno de imaginación, fantasía, ensueño…

Queremos decir con todo ello, como las claves del Cine de Animación -imaginación, fantasía, ensueño…- forman parte de la misteriosa y alta espiritualidad humana…

Siendo los filmes de dibujos animados, Frozen I y II, una altísima muestra de las claves del cine de animación, de espiritualidad, de mitología…; es decir, de valores humanos, de humanismo…

Los dibujos y el cine de animación, fruto de personas con extraordinaria imaginación y creatividad, han cumplido siempre la alta función espiritual y humanista de plasmar a personajes y hechos tan idealizados que con el realismo no se pueden lograr…

Escritor de extraordinaria y portentosa imaginación -que llevó a medio mundo-, fue el danés, autor de cuentos infantiles y juveniles, Hans Christian Andersen. Acaso el más famoso de sus cuentos fue La Reina de las nieves, en el que -con una historia muy distinta-, se inspiraron los filmes Frozen I y II, considerados como el mayor logro de animación -técnica y estética- de los Estudios Disney…

Famoso cuento de Andersen y estatua del escritor en Málaga, España.

De los más de 150 cuentos que escribió Andersen, dada su fabulosa imaginación y fantasía, muchos de ellos han sido tratados por numerosos ilustradores de libros y llevados al cine con gran éxito. La reina de las nieves ha sido llevada al cine de animación en diferentes ocasiones: por los estudios rusos Soyuzmultfilm y Wizart Animation (en 1957 y 2012), por los estudios ingleses Animation (1995)… Y, en imagen, real por Canadá y EEUU. (2012)…

Exitosos antecedentes que, unidos al del aclamado filme -basado en cuento también de Andersen- La Sirenita (Walt Disney Pictures, 1989), deciden a la productora acometer la segura y gran aventura de animación que es Frozen…

Muchos de los cuentos de hadas de Andersen, está inspirados muy imaginariamente en sus propias vivencias personales; El patito feo, por ejemplo alude a su propia personalidad de niño muy feo -por su deforme nariz-, inseguro, tímido…

El argumento original del cuento de Andersen La reina de las nieves, la “historia de amor y amistad entre Kay y Gerda” -acaso inspirado en el amor no correspondido que el autor sintió por la soprano Jenny Lind, quien sólo le quiso como a un hermano y fríamente se distanció de él-; en Frozen es una historia totalmente distinta acerca de “la relación entre dos hermanas: la afectuosa y cálida Ana y Elsa que tiene el poder mágico y maléfico de convertir en hielo todo lo que toca…”

No obstante, las moralejas claves del cuento persisten en las distintas versiones en que ha sido tratado, las dicotomías: entre el bien y el mal, el amor y la amistad, la calidez y la frialdad, las cualidades personales que se desearían tener y las que realmente se tienen, la perseverancia y el desfallecimiento ante los grandes deseos…

Ana y Elsa, símbolos sentimentales de la calidez y la frialdad en Frozen.

Todas las versiones literarias ilustradas y cinematográficas que conocemos, aunque basadas en la idea original han añadido temáticas complementarias al argumento central…

Por ello, no es de extrañar que Disney, para superarlas a todas, se propusiera realizar el filme de mayor presupuesto y equipo de creadores -guionistas, dibujantes, músicos, dobladores, publicidad, medios artísticos y técnicos…- de la historia del cine de animación, con lo que Frozen I conseguiría numerosos reconocimientos y premios, y entre ellos el Oscar a la Mejor Película de Animación y a la Mejor Canción Original Let it go…

La más atractiva y admirada de las aportaciones de los Estudios Disney a Frozen, es, sin duda, su Versión Musical, a cuyas claves emocionales y estéticas, artísticas y técnicas, de filmes anteriores, ya tiene habituados a sus espectadores.

En Frozen I interpretaron sus pegadizas canciones: Kristen Bell, Idina Menzel, Jonathan Groff, Josh Gad, Santino Fontana…

Let it go -Libre soy-, interpretada por la popular cantante estadounidense Idina Menzel, ha sido muy difundida por multitud de televisiones y coreada por niños y jóvenes de todo el mundo. En la versión española, la canción, con el título y leitmotiv de ¡Suéltalo!, fue interpretada por la catalana Gisela -interprete también de los temas centrales de los cortometrajes musicales doblados Frozen Fever y Frozen: Una aventura de Olaf…

Expresivo y bello fotograma de la escena musical Let it go de Frozen I.

En la versión española de Frozen II, la canción Hacia lo desconocido, -Into The Unknown-, titulada en español Mucho más allá, ha sido interpretada enfáticamente por el cantante andaluz David Bisbal.

Dado el rotundo éxito del filme Frozen -por su derroche de imaginación, magia y fantasía-, “El reino del hielo”, es también un Musical Dramático de la productora Teatral Disney que, desde 2018, triunfa en Broadway e inicia su andadura por otros países…

La enorme cantidad de artículos industriales para niños y jóvenes -ropa, enseres escolares, regalos, juguetes, recuerdos…-, que utilizan las imágenes de Frozen, creando infinidad de puestos de trabajo, son impresionantes, escalofriantes…

Sociólogos y especialistas de los medios de comunicación, coinciden en considerar a Frozen y su zaga, por sus motivaciones espirituales, artísticas y culturales, como una significativa aventura futurista, representativa de nuestro tiempo…

Francisco Montero.