Trascendencia contra Aceleración

 EL DINERO 

 -Cartel original del film.-

  Hemos indicado en reiteradas ocasiones que uno de los signos más representativos de nuestro tiempo es la aceleración. Vivimos demasiado deprisa, vertiginosamente, con la intención de conseguir rápidamente logros inmediatos en todas nuestras metas… 

 Y sin lugar a dudas, uno de los elementos aceleradores de esa carrera vertiginosa sea la rentabilidad de nuestras dedicaciones, el poder del dinero, que al no lograrse frena tantas carreras. 

 Éticamente, los valores universales, verdad, bondad y belleza y su trascendencia, suelen verse afectados, malbaratados, con frecuencia, por esa prisa de vivir. 

 En los medios de comunicación, literatura y cine, tan atenidos a la moda de la rentabilidad, pocas obras permanecen en candelero, en cartel, más de una breve temporada. No obstante, filmes magistrales de valores humanistas como El Dinero, del cineasta francés Robert Bresson -basada en el relato El cupón falso de León Tolstói-, a través de las filmotecas y bibliotecas, sí desafían a la aceleración; reivindicando el arte de la trascendencia… 

 Acaso por su carácter anarquista, al controvertido humanista social, cristiano y gran escritor ruso León Tolstói, considerado uno de los mayores literatos de la historia universal, propuesto en varias ocasiones durante la primera década de los años 1900, a los Premios Nobel de Literatura y de la Paz, no se le llegaron a otorgar citados reconocimientos. 

 Tolstói prolífico autor realista de más de setenta obras: cuentos, novelas, ensayos, obras educativas y religiosas, entre otras temáticas, alcanzó la celebridad con sus novelas Guerra y Paz (publicada inicialmente en fascículos entre 1865-1869) y Ana Karénina (1875-1877). Otras conocidas obras suyas fueron La sonata de Kreutzer (1889), Resurrección (1899), y El cupón falso (1911). Todas ellas llevadas al cine en diferentes ocasiones, por lo que a Tolstói se le considera como escritor clásico muy cinematográfico. 

 Su obra maestra religiosa, considerada obra cumbre del pensamiento cristiano del autor, censurada en Rusia y publicada en Alemania (1894), fue El reino de Dios está en vosotros -duro alegato contra quienes hacen las guerras-, de la que Mahatma Gandhi dijo: “Me abrumó y dejó una impresión imborrable”… 

León Tolstói, retrato de Ilya Efimovich (1887).

  Sobre León Tolstói, el cineasta estadounidense Michael Hoffman realizó el filme biográfico La última estación (2009), muy reconocida por sus interpretaciones, para los Premios Sindicato de Actores, Globo de Oro y Oscar, contribuyendo a un mejor conocimiento del escritor en el cine, al igual que las múltiples versiones de Guerra y Paz y Ana Karénina, llevadas a las pantallas. 

 Dado el extraordinario reconocimiento internacional del escritor humanista y su obra en el cine, en Francia, el prestigioso cineasta -también religioso y humanista- Robert Bresson, se interesaría por el autor adaptando magistralmente el universal tema de El cupón falso en su reflexivo filme El Dinero; profundizando en los problemas vivenciales, sociales y morales, para el bien y para el mal, del poderoso medio de interrelación humana, de todos los tiempos y lugares… 

 El guionista, director y productor de cine Robert Bresson (1901-1999), no tuvo una filmografía muy extensa pero sí intensa y de profunda significación estética y ética para el séptimo arte; el genial director de la Nouvelle Vague Francesa y escritor de Cahiers du Cinema, Jean-Luc Godard, le caracterizó perfectamente: “Él es el cine francés…” 

 Con su docena de largometrajes realizados como guionista y director obtuvo los mayores reconocimientos en los Festivales Internacionales de Cine de Europa: En Berlín, Oso de Plata por su filme El diablo, probablemente (1977); en Cannes, Palma de Oro al Mejor Director por sus filmes Un condenado a muerte se ha escapado (1957), y El Dinero (1983), y Gran Premio del Jurado por su filme El proceso de Juana de Arco (1962; en Venecia, Premio Internacional, Premio de la Oficina Católica Internacional del Cine y Premio de la Crítica Italiana por su filme Diario de un cura rural (1951), Mención Especial, Premio New Cinema y Premio San Jorge por su filme Al azar de Baltazar (1966), Premio Secciones Paralelas por su filme Mouchette (1967), y León de Oro Honorífico (1989) por su trayectoria cinematográfica; en San Sebastián, Concha de Plata a la Mejor Dirección por su filme Una Mujer dulce (1969), entre otros… 

Robert Bresson, minucioso y detallista realizador en un rodaje.

 Robert Bresson, quien antes que cineasta fue pintor y fotógrafo, declarado jansenista cristiano, admirador del ascetismo y misticismo del escritor Georges Bernanos, trató esos temas en su filme citado Diario de un cura rural, basado en la novela homónima del escritor, quien influiría en lo sucesivo en su forma de hacer cine. 

 Tras alistarse en el ejército francés en los inicios de la Segunda Guerra Mundial, fue apresado en 1940 y llevado a un campo de concentración alemán, cuyas vivencias le valdrían posteriormente para realizar el filme Un condenado a muerte se ha escapado, y alentar su idiosincrasia humanista. 

 Bresson, con su reducida obra, no sólo revolucionó por sus temáticas humanistas la ética del cine francés, sino que también, estéticamente, revolucionó su lenguaje, considerándosele “Padre del Lenguaje del Cine Moderno y Maestro de la Nueva Ola Francesa”. 

 Estéticamente, la narrativa de Bresson se caracteriza por su lenguaje austero, sobrio, pletórico de sugerencias y significados, que confieren a sus filmes poesía y motivaciones para una profunda reflexión… 

 Su lenguaje ha contribuido a confirmar la conocida confrontación de: “Los realizadores americanos llevan el cine en la sangre y los directores europeos en la mente y la imaginación…” 

 La narrativa del director es rica en: sugerentes elipsis, simbólicos y significativos planos de detalle, introspectivas tomas para penetrar en los pensamientos y sentimientos de los personajes, escuetas ambientaciones para no distraer de las vivencias profundas de los protagonistas y actores -en muchas ocasiones, no profesionales-… 

Expresivo y significativo plano de El Dinero.

 Éticamente, como pensador religioso jansenista, a Robert Bresson le preocupaban: la conciencia personal y social, el bien y el mal, la moralidad y el pecado, la culpa y la redención…; cuyas temáticas, entre otras, trata en sus filmes, caso de El Dinero. 

 Buena parte de la literatura, el cine y los medios audiovisuales de hoy se preocupan preferentemente por temáticas de acción, con un acelerado y trepidante tratamiento de thriller, para satisfacer los gustos de las sociedades del momento induciéndolas a la inmediatez y la irreflexión… 

 Contrariamente, la literatura de Tolstói y el cine de Bresson, obras universales e intemporales, de todo lugar y tiempo, de plena actualidad, motivan vivencias positivas más reflexivas y trascendentes. 

 En estos momentos en que tantos psicólogos y sociólogos coinciden en asegurar que el dinero es el principal dios al que rinden culto todas las sociedades, revisar novelas como El cupón falso de Tolstói, o filmes como El Dinero de Robert Bresson, que se encuentran en numerosas bibliotecas y filmotecas, resulta de sumo interés. 

 Francisco Montero.

 

 

LA FLOR DEL BURITÍ 

-Cartel del film.-

 El cine documental-argumental, o docuficción, aunque no sea un género predilecto del gran público y de multitudinarias expectaciones, sí viene ganándose la atención de los veteranos amantes del cine y de los jóvenes cinéfilos… 

 Es el caso del exótico filme indigenista La flor del burití, multipremiado en los prestigiosos festivales internacionales cinematográficos (2023) de: Cannes, Francia, -Premio Un Certain Regard-Prix d´Ensemble-, Múnich, Alemania, -Premio Cine-Visión- y Huelva, España, -Premio Especial del Jurado-; además de otros importantes reconocimientos de carácter antropológico y social. 

 El filme, con alto valor humanista, pedagógico y poético, de manera minuciosa, emotiva y realista, narra concisamente una historia del pueblo indígena de los Krahô en el corazón de la selva amazónica de Brasil… 

 Conviene recordar que el expresivo título de La flor del burití, alude a que para los indígenas la palmera burití tuvo la significación de “árbol de la vida”… 

 Este filme, a través de los escudriñadores e intrigantes ojos de una niña, hija del indígena Patpro, que mira con miedo y esperanza el futuro de su tribu, describe tres cruciales momentos de la historia de su pueblo y sus gentes indígenas, avocadas irremisiblemente a la civilización de su entorno etnográfico, y al progreso de su país, pero sin una paulatina y adecuada preparación para ello. 

 El interesante guion de La flor del burití, ha sido escrito por el matrimonio de cineastas Joao Salaviza y Renée Nader Messora, basados en relatos de algunos de sus protagonistas y actores indígenas krahô: Henrique Ihjac Kraho, Ilda Patpro Kraho y Francisco Hyjno Kraho, los que confieren autenticidad, verismo y realismo a la vertiente documental del filme. 

 El cineasta guionista, director, editor y productor portugués Joao Salaviza (Lisboa, 1984), es hijo de cineastas -Edgar Feldman, director, y madre productora-, por lo que lleva el cine en la sangre. Se formó en la Escuela Superior de Teatro y Cine del Instituto Politécnico de Lisboa y en la prestigiosa UBA, Universidad de Buenos Aires de Argentina, que cuenta con las especialidades de Ciencias de la Comunicación y Diseño de Imagen y Sonido. 

Joao Salaviza y Renée Nader Messora, realizadores de La flor del burití.

 Salaviza, tras un período inicial en la publicidad se dedicó al cortometraje, obteniendo extraordinario reconocimiento y prestigio con una decena de cortos realizados. Entre ellos: Dos personas (2004), Premio Mejor Realización en el Certamen de Cortometrajes de Oeiras y Premio de Mejor Ficción en el Hyperion de Budapest; Arena (2009), Palma de Oro en el Festival de Cannes; Rafa (2012), Oso de Oro en el Festival de Berlín… 

 Su primer largometraje El canto de la selva. Lluvia y cánticos en la aldea de los muertos (2018) codirigida con Renée Nader Messora, en el que ya aborda la temática indigenista de los krahô, obtuvo los reconocimientos: Premio Especial del Jurado-Una Cierta Mirada, en el Festival de Cannes y Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine latinoamericano de Mar del Plata de Buenos Aires. 

 Renée Nader Messora, licenciada en cinematografía por la Universidad de Buenos Aires, se inició en el mundo del cine como asistente de dirección en varios países de latinoamerica y Portugal, asumiendo tareas de encargada de cámaras, cuya experiencia le valdría para dirigir la fotografía de La flor del burití. 

 En 2009, conoce y se relaciona con una comunidad indígena krahô, colaborando con ella en diversos cometidos culturales y de formación, lo que motiva la guionización y realización de su primer filme El canto de la selva, junto a su esposo Joao Salaviza… 

 Su sensible mirada femenina, humanista, naturalista y ecologista de las formas de vida del pueblo Krahô, no pasó desapercibida en el Certamen Internacional de Cine de Cannes, por lo que el filme fue reconocido con citado Premio Especial del Jurado “Una Cierta Mirada”. 

 La atrayente forma de tratar y filmar los pensamientos, sentimientos, vivencias, costumbres, fiestas, rituales…, de las gentes de las tribus indígenas, en el filme, despertaron la atención en diversos festivales, siendo distinguido con una veintena de reconocimientos… 

Significativo fotograma de los rituales krahô.

 Del guion tripartita, indígenas krahô y matrimonio de cineastas, y de las entrevistas efectuadas a Renée Nader Messora y Joao Salaviza, se deduce prevalece en la historia del filme el pensamiento y la mirada feminista de Messora… 

 La historia del pueblo krahô se narra, divida en tres partes y en el transcurso de tres tiempos diferentes, a través de la elevada mirada de la niña indígena que parece escudriñar inquisitiva y poéticamente en las alturas -cielo, copas de los árboles, vuelo de los pájaros…-, se inicia, en La flor del burití, con un parto embrionario -símbolo ancestral de los orígenes remotos desconocidos del pueblo indígena-, al que sigue una masacre de la tribu por los ocupantes blancos en 1940, y concluye con una manifestación reivindicativa de los derechos de su cultura, sus vidas independientes, su territorio, frente a la moderna y avanzada Brasilia, durante el gobierno de Bolsonaro, contrario a los movimientos indigenistas… 

 El filme es una sensible  mirada que, acaso, pretende hacer reflexionar profundamente acerca de los valores del progreso y desarrollo de las avanzadas sociedades actuales en contraposición a los valores naturales de las sociedades más primitivas, pero quizás más felices. 

 En las sociedades y comunidades de hoy, en las que tenemos la sensibilidad y el sentido de la vida, coartados y acorralados por los angostos, estrechos y artificiosos espacios vitales de las ciudades actuales, contemplar los escenarios abiertos y sin límites de la naturaleza en el filme La flor del burití, es, ciertamente, una relajante y balsámica mirada para la sensibilidad y el espíritu. 

 Aunque el filme tiene un protagonista colectivo claro, el pueblo krahó, no se han descuidado en él los aspectos y matices de la personalidad individual del indígena, de sus gentes: sus preocupaciones vitales y de trascendencia, sus tareas cotidianas, sus relaciones personales… 

 En esta vertiente, documental y de ficción, el filme, interpretado por auténticos actores indígenas es rico en primerísimos planos que logran penetrar en la psicología de sus personajes y trasmitir expresivamente sus vivencias, pensamientos, sentimientos… 

Expresiva imagen del protagonista indígena del filme.

 En su introspección humanista, La flor del burití, plantea también una sutil reflexión acerca del dualismo dialectico existente entre la vida materialista del desarrollo y progreso y la vida menos artificiosa y más natural; así como sobre el afán de poder político individualista en las sociedades democráticas actuales y las formas de regirse, al generoso servicio de sus comunidades indígenas de antaño. 

 La flor del burití, incidiendo en la similar temática del pueblo Krahô, que su precedente El canto de la selva, es un filme de mayor riqueza y profundidad descriptiva, social e ideológica, acerca de la defensa de los pueblos indígenas, tantas veces masacrados por los colonizadores de sus territorios, sus culturas, sus costumbres y formas de vida. 

 La historia, Madre y Maestra dando lecciones que nunca se aprenden, adquiere en La flor del burití, un acentuado interés, refrendado en los festivales de cine más importantes del mundo en los que el filme se ha presentado, aunque en España su difusión en las grandes salas comerciales, está siendo muy exigua. 

 Francisco Montero.

 

EL APOCALIPSIS DE SAN JUAN

-Cartel del film.-

  Últimamente, acaso por la escasez de temáticas netamente originales, auténticas, viene proliferando en todas las bellas artes, en el cine, la docu-ficción; es decir, una realización documental y argumental que adquiere categoría de género y estilo. 

 En éste género cinematográfico -como La Virgen de Guadalupe, La última sesión de Freud, La virgen roja, reseñados en este blog-, se inscribe el filme El Apocalipsis de San Juan, ópera prima de Simón Delacre, acerca del último texto profético del Nuevo Testamento, con el que finaliza la Biblia. 

 Pronto se visionará en las salas de cine de España -atendiendo a las solicitudes que tenga-. Este filme que se estrenó en Colombia, tuvo una primera versión en YouTube, y continuó obteniendo notorios éxitos en los cines de los países latinoamericanos de habla hispana. 

 El tema profético de El Apocalipsis de San Juan, aunque no trate de documentar hechos reales acaecidos, sí alude en su ficción a sucesos pasados o futuribles como los de: trágicas epidemias, desastres de las grandes guerras mundiales o las actuales, las catástrofes atmosféricas y de la naturaleza… 

 El Apocalipsis de la Biblia, ha sido interpretado -connotativa y polisémicamente- como un libro complejo, enigmático, misterioso, lleno de horrores y amenazas, sobre un supuesto inminente fin del mundo, que puede producir miedo; un libro difícilmente comprensible, “fantasioso, de extrañas visiones y alucinaciones”, según las opiniones del vallisoletano Fernando de Orbaneja -Premio Internacional de Pensamiento y Ensayo Aristóteles, 2014-, en su Lectura impía de la Biblia (Editorial Sial Pigmalión, 2016); contrariamente, el sacerdote católico Leonardo Castellani en su libro El Apokalypsis de San Juan (1963), lo interpreta como una “profecía de esperanza y consuelo”… 

 El argentino Leonardo Castellani (1899-1981), prolífico y prestigioso periodista y escritor de ensayos filosóficos, sociopolíticos y religiosos, poesía, novelas y cuentos, tiene un nutrido historial de una cuarentena de títulos, entre los que destaca su citada interpretación, “para la comprensión del Apocalipsis”, en la que se ha inspirado Simón Delacre para la realización de su filme. 

 Castellani estudió filosofía, teología y psicología, interesándose por la pedagogía y ejerciéndola, cuyo carácter y espíritu didáctico manifiesta en su obra. Títulos destacados en ella, junto al citado, son: La reforma de la enseñanza (1939), Las Parábolas de Cristo (1959), De Kierkegaard a Tomás de Aquino (1973), Psicología humana (1995)… 

Leonardo Castellani y su libro

 Para muchos espectadores, religiosos o no, del siglo XXI, de hoy, no familiarizados con las lecturas proféticas, simbólicas, metafóricas, de la Biblia, tanto la interpretación del filme de Simón Delacre, como los textos del Apocalipsis de San Juan -últimas veintidós narraciones con las que finaliza el Nuevo Testamento-, en los que se basa, resultarán difíciles de interpretar y entender… 

 A referidos espectadores, antes de visionar el complejo filme, seguro les sería de interés, para su mejor interpretación, leer alguno de los excelentes textos existentes de la traducción de la Biblia de Jerusalén, realizada por la Escuela Bíblica y Arqueológica Francesa del lugar. Su Edición Española (de 1988), traducida por un acreditado equipo de colaboradores, dirigida por José Ángel Ubieta y Santiago García, y artísticamente ilustrada por Gustavo Doré, por sus entendibles notas explicativas resulta ideal para ello. 

 Más que una reflexión religiosa o teológica sobre el complejo Apocalipsis Bíblico, el cineasta Simón Delacre, en sus entrevistas ha manifestado en diversas ocasiones que, como amante de la fotografía y la ciencia ficción, lo que pretende principalmente en su filme es un bello espectáculo audiovisual, en el que centra sus esfuerzos, siguiendo las interpretaciones de los sugerentes textos del teólogo religioso Leonardo Castellani. 

 El cineasta argentino Delacre, guionista, realizador y productor -fundador de Caravel Films-, declarado religioso católico, estudió cinematografia y fotografía, dedicándose inicialmente a la realización de audiovisuales y cortometrajes de ciencia ficción, de la que manifiesta ser un fanático; lo que explica su interés por el Apocalipsis… 

 Aunque el genero cinematográfico de la ciencia ficción -política, espacial, de seres extraordinarios, la vida en otros mundos…- no tiene una especialidad de Ciencia Ficción Religiosa, a Delacre quizá se le pueda considerar como un pionero del naciente género en el cine. 

Simón Delacre, director de El Apocalipsis de San Juan.

 No obstante, dado que el Cine Religioso es un género muy controvertido, habiendo sido definido por algunos tratadistas como “aquel que se preocupa esencialmente por la trascendencia y dimensión espiritual de la persona”, Delacre, en sus entrevistas, siempre refiere la dimensión religiosa de su filme.

 El gran maestro del Cine Religioso, Ingmar Bergman, en su filme El séptimo sello (1957), preocupado por la trascendencia personal del hombre, presenta una simbólica partida de ajedrez entre un caballero cruzado y la muerte, efectuando referencias al Apocalipsis y anticipando incipientemente la ciencia ficción religiosa… 

 La versión inicial del filme El Apocalipsis. La revelación de Jesucristo a Juan -completo, que puede visionarse en YouTube-, trata los veintidós capítulos de los textos bíblicos; pero la versión para la gran pantalla del cine última se realizará en una trilogía de la que, según Delacre, ahora sólo se visiona una primera parte… 

 Esta primera parte para el cine trata principalmente de las simbólicas Cartas de Juan en su Apocalipsis a las siete iglesias de Asia -Éfeso, Esmirna, Pérgamo, Tiatira, Sardes, Filadelfia y Laodicea-, y del simbolismo de los cuatro jinetes y las calamidades -Epidemia, Guerra, Hambre y Muerte-, aplicadas a un convulso y trágico mundo más reciente… 

 Las cartas a las siete iglesias de Asia, en la dimensión profética del filme, aluden metafóricamente a los 7 Espiritus de Dios muy tratados en la Biblia -Espíritu del Señor, Sabiduría, Inteligencia, Consejo, Poder, Conocimiento, y Temor-, acaso pretendiendo que el espectador reflexione acerca de su aplicación a las complejas y controvertidas sociedades de la actualidad… 

 Al igual que el enigmático, misterioso e incomprensible Apocalipsis Bíblico, para la mayoría de los lectores no familiarizados con la Biblia, el filme de Simón Delacre, puede interpretarse de manera connotativa y profunda por sus textos y locuciones, y también denotativamente en una lectura más inmediata de sus espectaculares y sorprendentes imágenes. 

 Delacre, ha manifestado que la revisión y contemplación de numerosas obras maestras de la pintura clásica sobre la Biblia y el Apocalipsis le han inspirado para la realización de muchas de las imágenes de su filme. 

 La generalidad de los espectadores, seguro apreciarán su belleza iconográfica y artística como cine de ciencia ficción, con espectaculares efectos especiales… 

Imaginario y metafórico fotograma de los cuatro jinetes del filme.

 En los textos de la ciencia ficción suele ser lugar común la regresión y anticipación que, valiéndose de la imaginación, explican el pasado y predicen el futuro, profetizando un más allá de la realidad…

 Siendo clave creativa del género la imaginación, para predecir nuevas realidades; aunque del texto bíblico trágico y dramático del Apocalipsis de Juan, de hace veinte siglos, la parusía de Jesús y el fin del mundo no se han cumplido, el filme de Delacre, en sus efectos visuales creativos, sí es un prodigio de imaginación, merecedor del prestigioso premio de ilustración Pura Belpré. 

 Creativamente, destacan en el filme: una sugestiva música que enfatiza la espectacularidad de sus imágenes, obra del joven guitarrista, compositor y arreglista, mexicano Octavio de Moraes; la convincente dramatización del personaje San Juan, por el veterano actor Ricardo Castro; y la expresiva narración, en español, del locutor y actor de doblaje Carlos Secilio. Matices éstos que acentúan el interés por la interpretación y entendimiento del complejo texto del Apocalipsis.

Francisco Montero.

 

LA VIRGEN ROJA 

-Cartel del film.-

 Los movimientos de la Historia, como confirma su trayectoria, suelen ser pendulares, al igual que los de los relojes de antaño… Asimismo, poco nuevo, suele haber bajo el sol -como ya predijo la Biblia -Eclesiastés, 1,9-11-… 

 Sobre el tema del sugestivo filme humanista que hoy reseñamos existe abundante documentación: en el Centro de Información Documental de Archivos (CIDA, España), en el Archivo General de la Administración (Alcalá de Henares, Madrid) y en el Centro Documental de Memoria Histórica (Salamanca), se encuentran documentos de la biografía personal y de las publicaciones de Hildegart Rodríguez -personaje del filme que, argumentalmente trata, La virgen roja-; relación de publicaciones sobre ella, entre las que destaca Mi querida hija Hildegart de Carmen Domingo (Editorial Destino, 1970); Historial del sumario del horrible filicidio perpetrado por la propia madre Aurora Rodríguez… 

 Y también, entre otros, datos acerca del filme Mi hija Hildegart (1977), dirigido por Fernando Fernán Gómez y guionizado por el célebre y popular novelista y guionista español Rafael Azcona… 

 Como detalla su documentación biográfica, la madrileña Hildegart Rodríguez Carballeira, fue una joven escritora, periodista y feminista excepcional: niña prodigio que a los tres años ya sabía escribir, a los ocho hablaba seis idiomas, y a los diecisiete concluyó sus estudios de derecho en la Universidad Central de Madrid, llegando a ser miembro de la Academia de Jurisprudencia y Legislación de la capital. 

 Dada su ideología social y activista, militó en el PSOE. -del que sería expulsada por discrepancias-, vinculándose después al Partido Republicano Federal; siendo apodada y conocida como “la virgen roja”. -Sobrenombre con el que antes se conoció a la popular heroína francesa Louise Michel (s. XIX), y daría título a la multi editada novela gráfica La virgen roja (Ed. La Cúpula, 2016), de Mary M. y Bryan Talbot. 

 Escribió y publicó sus ideas vanguardistas y feministas en diversos medios: Renovación, El Socialista, La Libertad, El Heraldo de Madrid y Gaceta Médica, entre otros. Publicando más de una quincena de libros, entre cuyas monografías destacan: El problema eugenésico (1930), La educación sexual, Sexo y Amor y La Revolución Sexual (1931), Maltusianismo y Neomaltusianismo, El control de la natalidad y ¿Se equivocó Marx…? ¿Fracasa el Socialismo? (1932), Historia de la Prostitución. La Prostitución y sus Consecuencias (1933)…; dejando marcada huella de su pensamiento progresista y avanzado. 

Hildegart Rodríguez.

 Aunque muchos de los aspectos documentales de su joven pero intensa biografía humanista, son tratados en el filme La virgen roja de Paula Ortiz, resulta de particular relevancia e interés el tema mítico de Pigmalión que alienta toda la obra. Recordemos algunos artistas y personajes creativos -entre ellos, el genial escultor Miguel Ángel- que, descontentos con su obra, la destruyen… 

 Fue la causa del trágico filicidio cometido por su madre Aurora Rodríguez Carballeira que, paranoica, al ver que la rebelde hija, se alejaba de sus dictatoriales y autoritarias intenciones, de hacer de ella una mujer ideal, decidió arrebatarle la vida… 

 En el filme -como en la vida real-, tienen también especial interés, la agresividad, la violencia y el exacerbado feminismo -¿o antifeminismo?- de Aurora, madre de Hildegart, que la concibió intencionadamente en una relación liberal, pretendiendo engendrar a una idealizada “mujer del futuro”. 

 La zaragozana Paula Ortiz, guionista, directora, productora y profesora de cine en distintos centros de estudios -Universidades y Escuelas de Cine de Zaragoza, Valladolid, Madrid, Barcelona…-, aunque no lo pretenda, sus filmes argumentales tienen un marcado carácter didáctico y documental...

 Licenciada en Filología Hispánica y formada en cine en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad de Nueva York y en guion en la prestigiosa UCLA., Universidad de California en Los Ángeles, cuenta con una preparación internacional y cosmopolita, que la advoca a realizar filmes de temática un tanto universal y de interés social y humanista, de todo tiempo y lugar… 

 Por ello, con su concisa filmografía -de sólo cinco filmes, hasta ahora-, pero de extraordinario interés humanista y social internacional, está logrando singular reconocimiento y éxito como cineasta. 

Paula Ortiz, directora de La virgen roja.

 Entre sus diferentes trabajos cinematográficos y televisivos, cortometrajes y spots publicitarios, son especialmente reseñables: De tu ventana a la mía -su primer largometraje, de temática feminista, acerca del fracaso en el amor y la resignación de tres mujeres, premio Pilar Miró, en la SEMINCI de Valladolid (2011), La novia -basada en la obra Bodas de sangre, de Federico García Lorca, Medalla al Mejor Guion Adaptado del Circulo de Escritores Cinematográficos (2015) y Teresa -drama, de carácter biográfico, sobre Santa Teresa de Jesús, adaptación de la la obra teatral La lengua en pedazos de Juan Mayorga (2023)… 

 Prosiguiendo en su cine de acentuado feminismo y de carácter realista-documental, aborda la popular y controvertida historia de Hildegart Rodríguez, La Virgen roja (2024), que está teniendo notable éxito en las pantallas españolas… 

 Al ser un filme coguionizado y por ello rico en temas, al igual que en la contradictoria realidad de Hildegart y su madre, en la que se basa, es a su vez feminista y antifeminista; frente al activismo ideológico de la hija y sus comprometidas actitudes vanguardistas en los valores de la mujer, su madre, Aurora, con su carácter impositivo y dominante, agresivo y violento, viene a ser antítesis del feminismo. 

 Desde una perspectiva psicológica y sociológica, La virgen roja, al igual que los demás filmes de la realizadora, cuenta con una sutil riqueza introspectiva en la condición humana de sus personajes y en la dimensión socio-política de éstos. Anteriormente, ya reseñamos que “Maltusianismo y Neomaltusianismo”, fue un tratado, acerca de la condición humana ideológica, política, económica y social de Hildegart Rodríguez; aspectos, entre otros, sutilmente tratados por los expertos guionistas y en la realización o puesta en imágenes del filme… 

 Como manifiestan con su minucioso y fehaciente trabajo, tanto Eduard Sola como Clara Roquet, guionistas de La virgen roja, demostrando un profundo conocimiento de la caracterología de los personajes y de la abundante documentación existente sobre la trágica historia de Hildegart y su madre Aurora Rodríguez. 

Eduard Sola y Clara Roquet, guionistas de La virgen roja.

 La coguionización de un filme, es obvio, enriquece los temas que trata al incidir sobre ellos más de un pensamiento o mirada. En el caso de La virgen roja, al existir nutrida documentación sobre su historia, ese enriquecimiento es mayor por la multiplicidad de datos que concurren. 

 Dado que Paula Ortiz, es profesora especialista en guion, en su vertiente docente, el enriquecimiento del tema, recae en su dramatismo cinematográfico o puesta en imágenes, lo que logran, guionistas y directora, en un meticuloso tratamiento genérico de thriller y drama de acción y suspense… 

 Eduard Sola, formado en la ESCAC -Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña- en la especialidad de guion, cuenta con la experiencia de una veintena de guiones para filmes de cine y televisión, de muy variada temática, entre los que destacan: Todos los caminos de Dios (Drama, 2016), Tierra quemada (Documental, 2017), El cuerpo en llamas (Serie TV, 2023), El bus de la vida (Comedia, 2024)… 

 Clara Roquet, reconocida y multipremiada guionista y directora, es muy apreciada por su capacidad de coguionista en temas internacionales, cuenta en su historial con media docena de filmes: Los días que vendrán (Drama romántico, 2019), Costa Brava, Líbano (Drama, 2021), Libertad (Premios Goya, Gaudí y del Círculo de Escritores Cinematográficos, drama, 2021)… 

 Francisco Montero.

 

MEDITERRÁNEO 

     -Cartel del film-

  Al igual que en otras temporadas estivales, como es habitual, se reducen los estrenos cinematográficos de filmes extraordinarios, de interés y de valores artísticos, sociales o humanistas, relegando las carteleras a la evasión y comercialidad… 

 No obstante, Radio Televisión Española, en su Programa “Somos Cine”, en internet, gratuito, mantiene una nutrida cartelera de filmes un tanto recientes, de éxito y valores, atenta a espectadores exigentes: cinéfilos y gran público… 

 Es el caso del filme Mediterráneo -2021-, del realizador Marcel Barrena, que trata de: las trágicas migraciones clandestinas en nuestro mar europeo, de la concienciación acerca de su grave problemática política y social y de la fundación de la ONG Open Arms -entre otros temas de valores humanos incidentes-; y que, dada la actualidad de las últimas, descontroladas y preocupantes, migraciones hacia España, Canarias, Ceuta y Melilla, es un tema de extraordinario interés, vigencia y futuro… 

 El filósofo, sociólogo y profesor americano, Herbert Marshall McLuhan, “profeta de la era electrónica”, ya en 1964 en su ensayo Comprender los Medios de Comunicación. Las Extensiones del Ser Humano, indicaba que los medios de comunicación social -radio, televisión, cine, fotografía…- estaban convirtiendo al mundo en una aldea global, donde todo se sabe… 

 Es por ello que muchas gentes de todos los pueblos y sociedades del planeta, conocedoras de las mejores formas de vida de otros lugares, no puedan contentarse con una vida condenada a la guerra, la muerte, el hambre, la enfermedad –“jinetes del apocalipsis”-, la pobreza, la miseria, la falta de recursos y de futuro…, y tengan la imperiosa necesidad de emigrar hacia un mundo mejor, como se proclama en la Declaración Mundial de los Derechos Humanos… 

 Hoy -y crecientemente mañana-, a nadie escapa que el fenómeno de las migraciones de los países subdesarrollados y pobres hacia los más ricos irá, día a día, en gran aumento. 

 En 1915, la muerte del niño de tres años Aylan Kurdi, que se rememora en el filme Mediterráneo, conmocionó al mundo… La foto de la reportera Nilufer Demir, puso su grito en el cielo y levantó acta de citada tragedia que no es sino una diminuta punta del enorme iceberg de las obligadas migraciones. -Véase en este blog nuestra reseña ¡Ayyy, Aylan…!, del 6 de septiembre de 2015-. 

Aylan Kurdi, recordado en Mediterráneo.

 Entonces dijimos. “Donde estaban hasta la muerte de Aylan -símbolo de las graves tragedias que aquejan a nuestra sociedad, al planeta…- las descomunales organizaciones mundiales: la Organización de las Naciones Unidas, ONU, con unos Derechos Humanos que ni muchos países ni iglesias han refrendado, con unas políticas para la paz y el desarme, a cuyas espaldas países miembros que se dicen “apostólicos” -progresistas-, siguen vendiendo armas que alientan el poder, las guerras, las muertes, las devastaciones, los éxodos…; la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, UNESCO, con unas políticas que no han conseguido aún implantar universalmente los principios de educación y cultura de humanización social…; la Comunidad Económica Europea, CEE, económica pero poco social, cuyos veteranos y soberanos países lideraron ancestralmente el saber, la ciencia, el progreso, el desarrollo… -¿Y la humanización…?-“. 

 Entre las diversas y polivalentes funciones sociales del cine: recrear, culturizar, formar…; en el filme argumental -pero con tratamiento en claves de documental- Mediterráneo, de Marcel Barrena, destacan dos muy significativas: concienciar acerca del problema humanista, social y político de la inmigración en los países mediterráneos y en Europa, e informar sobre las terribles tragedias que en esas aguas han sucedido y sobre el nacimiento de la ejemplar ONG Proactiva Open Arms, creada por el español Óscar Camps. 

 Conmocionado por la muerte del niño de tres años Aylan Kurdi, de su hermano Galip y de su madre Rehan -2 de septiembre de 2015, quienes huían de la guerra de Siria-, por la gran tragedia próxima a la isla de Lesbos del 28 de octubre de 2015, y por las incesantes tragedias que se suceden en el Mediterráneo, de quienes intentan llegar a Europa, huyendo de los terribles jinetes del apocalipsis, e inspirado en la encomiable labor de la fundación de citada ONG, el cineasta Marcel Barrena ha realizado el filme Mediterráneo… 

Óscar Camps, fundador de Open Arms, y Marcel Barrena, director de Mediterráneo.

 Óscar Camps, activista catalán, fundador de la ONG Proactiva Open Arms, fue reconocido como Catalán del Año 2015, por El Periódico de Cataluña, y Europeo del Año 2019, por la revista de los Estados Unidos Reader´s Digest, por su meritoria labor humanitaria de haber rescatado en el Mediterráneo, durante varios años a más de sesenta mil migrantes… 

 El cineasta guionista, director, montador, actor y escritor en la revista Fotogramas, Marcel Barrena, autor de Mediterráneo, cuenta en su historial con una quincena de filmes en los que ha participado.  

 Su primer documental Mundo Pequeño -filme humanista sobre un joven que viaja por el mundo en silla de ruedas y sin dinero-, en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam, IDFA 2012, fue galardonado con el prestigioso premio mundial Documentary Award, entre otros reconocimientos y nominaciones: premios Goya, premios Gaudy… 

 Su siguiente filme 100 metros, 2016 -también de carácter humanista, sobre la esclerosis múltiple- fue premiada por la Sociedad Española de Neurología en la Academia Nacional de Medicina, y el Premio de la ONCE Solidarios, además de otros importantes reconocimientos, siendo especialmente seleccionada para su difusión digital por Netflix… 

 Tras su estreno en 2021, Mediterráneo, ha sido uno de los filmes con más nominaciones en la historia del cine español: 10 a los Premios Gaudí, 7 a los Premios Goya y 3 a los Premios José María Forqué; siendo seleccionado para los Oscars y ganando la Medalla Platino a la Solidaridad del Círculo de Escritores Cinematográfico de Madrid y numerosos reconocimientos del público en festivales nacionales e internacionales, entre otros. 

 El filme, coproducido por numerosos entes de España y Grecia, contó con un documentado argumento de Marcel Barrena y Óscar Camps de Open Arms, siendo coguionizado por Barrena y Danielle Schleif, a quien parece ser se deben los sensibles matices feministas de la socorrista Esther, que interpreta Anna Castillo y la médica refugiada Rasha, interpretada por la actriz germana-iraní Melika Foroután. 

 Junto a Castillo, destacan en el filme las interpretaciones de sus principales protagonistas en los papeles de socorrismo de Eduard Fernández -Óscar Camps-, Dani Rovira -Gerard- y Sergi López -Nico-, además de un numerosísimo plantel de extras en los complejos papeles de náufragos y refugiados. 

Eduard Fernández, Dani Rovira y Anna Castillo, socorristas de Mediterráneo.

 Polivalente en valores artísticos y técnicos es destacable en el filme la difícil y compleja fotografía del experto Kiko de la Rica, quien -con un profuso historial de filmaciones de temáticas y estilos muy diversos- consigue impresionar y sobrecoger a todos los públicos. 

 De Marcel Barrena, desde su primer tv-movie o telefilme Cuatro estaciones -realizado para ser difundido especialmente por televisión-, de su docena de filmes como guionista o director, los dirigidos por el autor -Cuatro estaciones (2010), Mundo pequeño (2012), 100 metros (2016), Mediterráneo (2021) y El 47 (2024)-, tienen constantes temáticas acerca de los derechos y valores humanos, las gentes más humildes y modestas, los expatriados y desarraigados… 

 Mediterráneo, sin pretensiones de conmiseración sentimentalista, dada la actual, creciente y futura problemática de las migraciones que se nos avecinan y que a nadie pueden dejar indiferente, es, por tanto, un filme humanista de extraordinario interés. 

 Francisco Montero.

QUE LA FIESTA CONTINÚE 

-Cartel español del film.-

  Últimamente, están recalando en todas las bellas artes, ante el agotamiento de grandes temas originales -aunque como confirma el adagio “pocas veces hay algo nuevo bajo el sol”-, temáticas muy triviales y más sencillas de tratar. 

 Máxime en las bellas artes esenciales de la comunicación, literatura y música, novela y teatro, fotografía y cine, ante el agotamiento de temáticas novedosas y espectaculares, se está recurriendo a la cotidianidad, a la trivialidad… 

 Acaso, en la actual década, el arte, las bellas artes, se caractericen por sus temáticas triviales, de todo país o lugar, de todo grupo social, lugares comunes de las gentes más sencillas y ordinarias -pero algo excepcionales- que por sentirse reflejadas en sus propias vivencias, prestarán mayor atención a ese Arte de la Trivialidad… 

 Al igual que en su día adquirieron categoría de género el colosalismo cinematográfico, neorrealismo italiano o la nueva ola francesa, hoy la tenga el Cine de la Trivialidad… 

 Es el caso del filme francés titulado Y la fiesta continúa!, que, basándose en la biografía de la médica, política y ecologista de Marsella, Michele Rubirola -que interpreta la esposa del director, Ariane Ascaride, en el papel de Rosa-, y en la solidaridad vecinal que suscita el derrumbe real de un edificio marsellés en 2018 en el que hubo ocho fallecidos, transforma las relaciones triviales de los protagonistas de la historia, en una epopeya de actualidad, de nuestro tiempo. 

 El director del filme, Maestro del Cine de la Trivialidad, es el veterano y exitoso cineasta armenio-francés Robert Guédiguian, con más de una veintena de títulos en su historial y autor del filme titulado en España Que la fiesta continúe. 

 Robert Guédiguian, desde que su filme Las nieves del Kilimanjaro (2011), fuera premiado en el Festival Internacional de Cine de Valladolid -de Valores Humanos- con la Espiga de Plata y Premio del Público, es un cineasta muy reconocido en nuestro país. -Véase en este blog nuestra reseña de 29 de noviembre de 2019, sobre su filme Gloria Mundi, presentado con éxito en el Festival de Cine de Sevilla. 

Robert Guédiguian, director de Gloria Mundi y Que la fiesta continúe.

 De su amplia veintena de largometrajes, la obra del realizador sigue siendo muy aclamada internacionalmente por la crítica más exigente y por el gran público, destacando entre sus filmes: El dinero da la felicidad (1992), De todo corazón (1998), Presidente Miterrand (2005), El viaje a Armenia (2006), Las nieves del Kilimanjaro (2011), La casa junto al mar (2018), Gloria Mundi (2019)… 

 Por su trayectoria como cineasta ha sido distinguido con los reconocimientos: Premio Louis Delluc -de la Crítica y el Periodismo de Francia-, Premio de la Academia Europea de la Crítica Cinematográfica, Premio OCIC -de la Oficina Católica Internacional del Cine-, citados reconocimientos en el Festival de Cine de Valladolid y distinción en la Sección Oficial del Festival de Cine de Sevilla, Caballero de la Legión de Honor Francesa, Oficial de la Orden Nacional del Mérito de Francia, Premio Mejor interpretación en el Festival de Cine de Venecia: a su esposa y actriz, Ariane Ascaride… 

 Guédiguian, quien según su historial estuvo vinculado al partido comunista francés, y tuvo la necesidad de realizar sus ideas en defensa de las clases trabajadoras, humildes y sencillas en sus filmes; prosigue preocupándose por éstas, vinculando ahora, sus valores, a asociaciones comunitarias de cualquier índole. En este filme será en la solidaridad comunitaria que surge en torno a los afectados por citado derrumbe, sin vivienda, sin hogar, acogidos en una iglesia cristiana, como denotan y connotan sus imágenes… 

 Al tratar el tema de la solidaridad, en la iglesia del barrio en la que se prepara la fiesta vecinal de allegados a la causa, aparecen en distintos momentos planos detalle de un cuadro de la Última Cena de Cristo, que, -con el didactismo que le es propio al cine de Guédiguian- sugiere la continuidad de la fiesta, que da título al filme… 

 Al ser Que la fiesta continúe, una coproducción de Francia e Italia, en el filme no sólo se utilizan algunas de las claves del Neorrealismo Italiano, sino que también evoca y se rinde homenaje al célebre y genial Federico Fellini, coguionista del filme Roma ciudad abierta, de Roberto Rosselini, con el que se inicia el movimiento neorrealista cinematográfico. 

 El papel de Tonio, interpretado en el filme por el actor marsellés Gérard Meylan -habitual del cine de Guédiguian-, tratado en su apostura y atuendo por el peculiar sombrero felliniano, nos rememora característicamente y rinde homenaje al genial cineasta italiano. 

Tonio, Gérard Meylan, rememorando a Federico Fellini.

 Es habitual en el cine de Guédiguian, recurrir reiteradamente a un elenco de las actrices y actores principales, franceses, que repiten en sus filmes; caso de Ariane Ascaride, Lola Naymart, Jean-Pierre Darroussin y Gérard Meylan, en Que la fiesta continúe… 

 En este filme, Ariane Ascaride -en el papel de la enfermera, próxima a la jubilación, política y ecologista, Rosa- y Jean-Pierre Darrosussin -en el papel del librero jubilado, Henri-, son los protagonistas que, a sus maduros años, renacerán en sus vidas con un sosegado idilio. 

 La canción Llévame al fin del mundo, que popularizó Charles Aznavour, no sólo servirá de leivmotiv al romance de la pareja, sino que pondrá horizonte, cantada en la fiesta por el coro parroquial -que dirige Alice, Lola Naymark-, pretendiendo con su letra: “… llévame al país de las maravillas, donde la miseria es menos dolorosa bajo el sol.. ”, animar a las familias desahuciadas por el calamitoso derrumbe… 

 Hechos triviales que acaecen en cualquier sociedad, país o lugar, pero que Robert Guédiguían, con su varita mágica de tocar con sencillez y emotividad lo cotidiano, transforma en epopeya de actualidad… 

 Curiosamente, el filme está ambientado en la plaza Augagne de Marsella, que preside un busto del poeta ciego Homero, a quien se atribuyen las epopeyas de la Ilíada y la Odisea, orígenes de la épica grecolatina y occidental. 

 Metafóricamente, Guédiguian no sólo guioniza que el protagonista del filme sea un librero, Henri, sino que la fiesta épica que se celebra en el filme sea vista, acaso, al igual que el aedo ciego Homero, su obra, “con los ojos del alma”… 

Jean-Pierre Darroussin -Henri-, ante la estatua de Homero en Augagne.

 Guionista, director, actor y productor de cine, el marsellés de ascendencia armenia Robert Guédiguian, tras sus años de vinculación política, desacuerdo y disentimiento, entiende que su mejor compromiso social lo tiene en su labor cinematográfica y a través de ella defender el mundo de los trabajadores y de las gentes más desafortunadas… 

 Al igual que el gran filósofo y escritor -también marsellés- Roger Garaudy disidente político que entendió que su mejor labor y de compromiso social la tenía en la filosofía, sus escritos -una cincuentena de libros- y en su Instituto para el Diálogo de Civilizaciones y Culturas, llevado a la ciudad universal de Córdoba (España): Guédiguian, al ser Marsella un lugar de encuentro de numerosos exiliados armenios de la diáspora, realizaría el citado filme Viaje a Armenia, en el que trata familiar y comprometidamente el tema de la migración… 

 En todos sus polifacéticos filmes, triviales, pero complejos y profundos a la vez, Guédiguian, no trata un solo tema sino diversos y entrelazados en las relaciones sociales de las gentes más humildes, con muy diferentes formas de vivir, de pensar y sentir… 

 Que la fiesta continúe, con el didactismo que caracteriza en su trasfondo al cine de Guédiguian, es un filme de valores humanos sobre la ilusión y la esperanza, que intenta animar sobre las segundas y terceras oportunidades, aún en la segunda y tercera edad, en las que el deseo de una vida mejor es posible… 

Francisco Montero.

 

DEL REVÉS 2 

-Cartel español del film.-

  Adios a los dibujos animados realizados manualmente y protagonizados por animalitos o por princesas y príncipes, basados en los cuentos clásicos tradicionales de la literatura infantil… 

 Es uno de los grandes logros alcanzados por los filmes Inside Out e Inside Out 2 –“De adentro hacia afuera”, titulados en español Del Revés-, de Disney-Pixar, triunfadores en los cines y televisiones de todo el mundo. 

 Los personajes de estos filmes, simpáticos y estrafalarios, componen una panda o tribu urbana, cuyas vivencias y experiencias son las prototípicas de cualquier lugar o país y de cualquier grupo social normal, en la preadolescencia, sin extraordinarias fantasías imaginativas, a no ser las que les aportan la avanzada creatividad virtual informática de los dibujos animados de hoy y de la inteligencia artificial…

 El primer filme estadounidense de Inside Out, también titulado Intensa Mente, realizado en 2015 por Pete Docter, obtuvo Oscar al Mejor Film de Animación y una veintena más de premios y reconocimientos -entre ellos la distinción “Entre los Diez Mejores filmes del Año”, y “Entre los Cien Mejores Filmes del Siglo”- y un extraordinario éxito internacional de taquilla… 

 Su guionista y director, Pete Docter, basándose en las observaciones vivenciales, psicológicas y evolutivas de su hija preadolescente, Ellie, creó el prototípico personaje de Riley, niña con la que fácilmente se familiarizaría e identificaría todo el mundo, y de ello la gran aceptación y éxito del filme.

 Como suele ocurrir generalmente, la persona creativa, el artista, realiza sus obras basándose en las propias vivencias y experiencias personales, próximas o cercanas que le afectan; es el caso de Pete Docter que traslada a Inside Out y a sus personaje protagonista, Riley, las vivencias que observa en su hija, adentrándose en la adolescencia. 

Pete Docter y Kelsey Mann, directores de los filmes Inside Out 1 y 2.

 Según sus declaraciones, el niño introvertido y raro, Pete Docter, en su infancia ya “jugaba a ser Dios”, creando en simples folios y con una videocámara doméstica, imaginativos dibujos animados. El mago de los dibujos animados, Walt Disney, sería su gran admiración. 

 Si en la creación de los dibujos animados anteriores -animalitos, muñecos o seres extraños-, lo usual era introducir, adentrar en los personajes pensamientos, sentimientos o emociones humanas, en Inside Out, al revés, son esas vivencias las que salen del interior de los personajes hacia afuera… 

 En el primer filme, son cinco emociones principales, características de la infancia, las que -a criterio del creativo Docter- expresa la protagonista Riley: alegría, tristeza, miedo, ira y asco; en el segundo filme, de Kelsey, la niña que evoluciona a la adolescencia, manifestará cuatro más: envidia, aburrimiento, vergüenza y ansiedad, que influirán decisivamente en su conducta, autoestima y desarrollo del personaje. 

 En esta decisión parece ser ha influido la experta guionista estadounidense Meg LeFauve, que ha contribuido a la matizada caracterización psicológica y a la evolución de los personajes protagonistas, de ambos filmes, dadas sus vivencias femeninas de mujer y educadora… 

 LeFauve se inició en el cine como productora y presidenta de la empresa cinematográfica de Jodie Foster, EGG Pictures, en la que adquiere experiencia, produciendo exitosos proyectos. 

 Ha sido veterana profesora de cine en los centros de estudios AFI -American Film Instituto- y en la UCLA -Universidad de California en Los Angeles-, obteniendo reconociniento y éxito por el guión del filme El Gran Dinosaurio (2015), titulado en España El viaje de Arlo. 

 Ese mismo año, Inside Out coguionizado por Meg -junto a Pete Docter y Josh Cooley-, obtendría, entre otros premios, una quincena de nominaciones al Mejor Guión Original y Mejor Filme de Animación, y el Oscar al Mejor Filme de Animación. 

Meg LeFauve, coguionista de Inside 1 y 2.

 Además de los citados destacan por su importancia los premios: del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, de la Asociación de Críticos de Los Angeles, Mejor Película de Animación de la Academia Británica, Globo de Oro de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, Premios Annie de la Asociación Internacional del Cine de Animación… 

 Ante tanto reconocimiento por parte de la crítica especializada y el enorme éxito de publico obtenido en las salas de cine y televisiones de todo el mundo, es evidente que Inside Out, con las aportaciones renovadoras, en su trama narrativa y en su realización, marca un antes y un después en la Historia del Cine de Dibujos Animados. 

 Hoy que en las sociedades y en los métodos didácticos más avanzados, paulatinamente, se viene introduciendo la educación emocional, ambos filmes de Inside Out, cuentan también con valores humanistas e intencionalidad pedagógica… 

 Desconocemos porqué la productora Disney-Pixar, relevó en la dirección del filme a Docter, confiando la segunda parte a Kelsey Mann. Mann Intentando desdecir los sabios adagios de: “Nunca segundas partes fueron buenas”, y “No es oro todo lo que reluce”; sí ha conseguido un filme brillante como el primero… 

 Kelsey Mann, guionista y realizador, se licenció en Bellas Artes Visuales en la Universidad de Michigan, iniciándoe pronto en el cine de animación como supervisor de historias y guionista gráfico en los estudios de Cartoon Network. En Cartoon adquirió experiencia en los dibujos animados y algunos años después se incorporó a la filial de Disney, Pixar, donde logró prestigio con su trabajo en el filme El gran Dinosaurio (2015), coguionizado con Meg LeFauve. 

 En 2024, Pete Docter -declarando no ser experto en mostrar los procesos emocionales-, pasa a ser productor ejecutivo y cede la dirección de Inside Out 2 a Kelsey Mann, quien figura como responsable del grandilocuente y controvertido filme… 

Materiales educacionales, frutos de Inside Out 2.

 Como es habitual en las grandes producciones cinematográficas de Disney-Pixar, de ellas se derivan un sinfín de productos comerciales y de diferente índole, y con Inside Out 2, no podía ser menos: libros educativos, cuadernos de vacaciones, materiales lúdicos y de entretenimiento… 

 En valores imaginativos, emocionales y humanistas, influyentes en las primeras edades -y máxime en las identidades frágiles-, parecen loables las intenciones educacionales de ambos filmes reseñados. No obstante, algunos de esos materiales, lamentablemente, no están al alcance de multitud de niñas y niños de todo el mundo, en situación de exclusión social… 

 En la repleta sesión de público a la que asistimos, no se manifestaron muestras notables de emociones infantiles o adolescentes, que hubieran sido deseables. 

 Tampoco mis nietas, en edad infantil y preadolescente, mostraron emociones y motivaciones de entusiasmo… De todas formas, bello filme de especial interés… 

 Francisco Montero.