ESTE NIÑO NECESITA AIRE FRESCO

-Cartel español del film-

Nuestro planeta entero necesita mucho aire fresco…

Los migrantes que huyen de la guerra, la violencia, el hambre, le miseria…, para no fallecer, necesitan aire fresco…

Los glaciares y el cambio climático que calienta estrepitosamente el planeta, necesitan aire fresco…

La Amazonía y numerosas reservas de la biosfera, ardiendo, necesitan mucha lluvia y aire fresco…

Los políticos de los países más ricos del mundo, del G7, de Occidente y de Oriente, de Europa…, necesitan aire fresco…

Hermosísima parábola la de éste filme, acerca de la urgente necesidad, en nuestro viciado mundo, de mucho aire fresco…

El humorístico, animoso y terapéutico filme, de carácter biográfico, Este niño necesita aire fresco, está basado en los años infantiles y adolescentes del genial, célebre y polifacético actor cómico, humorista, presentador, cantante, escritor… alemán, Hape Kerkeling.

Kerkeling, a pesar de ser un niño regordete y sufrir las constantes burlas de sus compañeros de colegio, él no se amilanaba y, por contrario, aprovechaba su jocoso físico para hacer sonreír a los demás… Sabía reírse de sí mismo y sembrar por doquier las actitudes positivas y el optimismo…

Es memorable que la mayor proeza de Kekerling fue, sin duda, hacer reír a su madre, e intentar librarla de la grave depresión que padecía y que la llevaría finalmente al suicidio…

Por su constante sentido universal, fino y elegante del humor y su actitud positiva ante la vida, Kerkeling, antes de retirarse del mundo del espectáculo, por su intensa y amplia actividad artística, recibió numerosos reconocimientos y distinciones nacionales e internacionales…

De su visita a España, para hacer el Camino de Santiago, su libro diario de la ruta Jacobea “Bueno, me largo” -Suma de Letras, 2009-, llegó a ser un bestseller en varios países…

Hape Kerkeling y Julius Weckauf -Hans-Peter- protagonista del filme.

Pues bien, basado en la atractiva personalidad infantil y adolescente de Kerkeling, la realizadora alemana Caroline Link, ha recreado su biopic, Este niño necesita aire fresco, atenido a la polifacética idiosincrasia del personaje, muy rico en valores humanos y cinematográficos.

Con una decena de filmes para cine y televisión en su historial, Link ha sido muy reconocida nacional e internacionalmente por su obra. La Cruz de la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania y de Baviera, el Bavarian Film Award -como Mejor Directora-, el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Tokio y el Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa -por su filme En un lugar de África, 2002-, son galardones que la han catapultado a la fama.

-Creo de interés efectuar una pequeña interpolación en la reseña de este filme: el día antes de su visionado, la sesión de otro filme de dibujos animados "...", nueva versión, de gran éxito comercial, por su publicidad, su admirable realización, su fantasía, sus efectos especiales grandilocuentes, trepidante acción, estruendo sonoro…, pero escasa originalidad argumental y de contenido, tras más de un mes en cartelera, la sala tenía un gran aforo de público, mayor, joven e infantil…

En el módico día económico del espectador, en la sesión del realista y reflexivo filme Este niño necesita aire fresco, un solo asistente…

El cine de grandilocuencias espectaculares, ha adormilado, ha drogado, ha derruido la sensibilidad del público…

Simbólico y expresivo fotograma de los valores reales del humanismo cristiano en el filme.

En el filme de la realizadora alemana Caroline Link no hay dramatismos, efectismos ni estridencias; la narración discurre de manera muy realista, consuetudinaria, natural, sencilla… Son éstas, claves estilísticas propias de los grandes maestros del cine…

Paralela a la biografía infantil y adolescente de Hape Kerkeling, Hans-Peter -que protagoniza con gran acierto y credibilidad el niño Julius Weckauf-, transcurre en fechados saltos temporales la historia de su amplia familia, en las tres generaciones que la conforman…

Además de filme biográfico, Este niño necesita aire fresco, es un filme muy positivo sobre las relaciones humanas, sociales y familiares, que tan controvertidas, decrépitas y decepcionantes se encuentran en nuestro tiempo, y tan pesimistamente se presentan hoy por los medios de comunicación social…

Al igual que en su anterior y premiado filme En un lugar de África -en el que se nos narra muy críticamente la historia de una familia judía que huye del nazismo y emigra a Kenia-, Link pone su acento en Este niño necesita aire fresco, junto al humor, en la importancia de las relaciones sociales y familiares positivas, para la convivencia y el sentido de la vida…

No pasa desapercibido, ni es nada fútil que los abuelos, tras el suicidio por depresión de la madre, insistan al dolido adolescente Hans-Peter -que tanto optimismo intentó infundirle a ella con su humor-: “Pero la vida sigue…”

Toda una filosofía, doctrina, metáfora humanista…; entrañada en una concisa frase…

Caroline Link, directora alemana del filme.

Nos resulta encomiable la labor de Wanda films, distribuidora española de Este niño necesita aire fresco, que se preocupa por divulgar en nuestro país films de difícil comercialización y dudosa rentabilidad.

Por sus valores humanos y didácticos, recomendamos el filme que se reseña para programaciones escolares, infantiles, adolescentes…

El propio Hape Kerkeling, en los planos finales del filme, con la mirada vuelta hacia atrás, retrospectiva y risueña, parece aprobar de pleno su acertada realización…

Francisco Montero.

AYLA. LA HIJA DE LA GUERRA

-Cartel español del filme.-

Es bien sabido que la generalidad de la gente, la mayoría de las promesas “inquebrantables” que realiza, no las cumple.

-Casi todas las promesas, dice el adagio: “se las lleva el viento…” ¡Tantas parejas se prometen “amor eterno”, que no dura más de un par de años!...

Según la psicología conductual evolutiva -que no es una ciencia exacta-, los cambios de la personalidad a lo largo del tiempo y las imposiciones de las circunstancias, son algunas de las causas de ello…

Pues bien, el idealizado y bellísimo filme Ayla. La hija de la guerra, del realizador turco Can Ulkay, y la historia real en la que se basa, vienen a desmentir utópica y poéticamente, de manera estremecedora, teorías y generalidades acerca de las promesas y la fidelidad a ellas…

La historia de amor casi “paterno filial” entre una pequeña niña coreana, cuyo padres mueren en los estragos de la trágica guerra de su país y es salvada por un soldado turco, teniendo que separarse, pero con la fiel promesa del reencuentro; trama central del filme -y muy rico en otros temas colaterales-, conmoviendo conciencias, sentimientos y pensamientos, a nadie deja indiferente…

Prueba de ello la veintena de reconocimientos, premios y distinciones que ha obtenido en importantes certámenes y festivales cinematográficos internacionales. Entre ellos: Candidatura al Oscar en representación de Turquía como Mejor Película de Habla no Inglesa, Ganador del Festival Internacional de Cine y la Música de Richmond, Ganador del Worldfets de Boston, Ganador del Festival del Cine Asian World -EE.UU.-, Sección Oficial del Festival de Cine de Toronto -Canadá-…

Premios y distinciones que han catapultado a Can Ulkay, con una breve trayectoria cinematográfica -en un país como Turquía, donde la industria del cine no es muy fuerte, ha sufrido notables altibajos y es poco conocida fuera de Europa-, al reconocimiento internacional…

Can Ulkay, director de Ayla. La hija de la guerra.

Can Ulkay, estudió historia del arte, cine y televisión en Turquia, y cuenta con una amplia trayectoria en televisión y publicidad, aunque solo se conoce ha intervenido en la realización de cuatro largometrajes: Sarikami (2017) y Muslum (2018) -en co-dirección y no conocidos en España-, Ayla. La hija de la guerra (2017) y Helado turco (2019) -de dirección única y pendiente de difusión éste último-…

No obstante su conciso historial filmográfico en el largometraje, con su magistral filme Ayla.La hija de la guerra, ha demostrado un talento, conocimiento y dominio del medio cinematográfico, poco superables…

Basado en el documental anterior Kore Ayla -My Korean Daughter, dirigido por Hwang Byunghun y producido por Chuncheon MBC, 2010, que puede visionarse en YouTube-, el largometraje Ayla. La hija de la guerra, es un filme excelente en guion, realización, fotografía, música, interpretación, montaje…; y muy diversivo y notable en dramatismo, romanticismo, amor, humor, acción, reflexión…

Destaca en el filme su idealizado y poético guion, polifacético y muy rico en ideas, pensamientos y sentimientos, acerca de las vivencias y las situaciones en las que se ven envueltos sus personajes…

Su autor Yigit Güralt, es un experimentado guionista de televisión, que demuestra en Ayla. La hija de la guerra, poseer una amplia cultura cinematográfica, como deja patente en el filme en los homenajes que se hacen en el mismo: a las conocidas actuaciones de Marilyn Monroe en los frentes de guerra de Corea, para animar a las tropas estadounidenses, o al inolvidable final de Charles Chaplin y el niño Jackie Coogan, en el filme El Chico…

Emotivo fotograma de los protagonistas: Kim Seol -Ayla- e Ismail Hacioglu -Süleiman-.

Al ser un filme muy diversivo y polifacético en situaciones, acciones y personajes, su narración requiere una fotografía muy variada y compleja: desde los planos generales donde se hace protagonista al paisaje, hasta los primeros planos intimistas en los que se nos introduce en la psicología de sus numerosos personajes, caracterizando sus maneras de ser, vivencias, estados de ánimo, pensamientos, sentimientos…

Jean Paul Seresin, su director de fotografía, logra unos planos espléndidos, muy agradables y complacientes. Seresin, de origen británico, es un fotógrafo de cine y televisión, con experiencia en ambos medios, habiendo trabajado en filmes de muy diversos géneros y estilos: Montana -intriga y suspense policiaco-, Robinson Crusoe y Cuma -aventura y comedia romántica-, Ayla. La hija de la guerra -belicismo, romanticismo, humor…-; dominando el “arte de la imagen” para emocionar al espectador…

La interpretación del amplio reparto de personajes, en su conjunto, es, sin duda la estrella del filme. Can Ulkay demuestra ser un buen director de actores, no sólo por la acertada elección de sus protagonistas, sino también por el casting y la caracterización de los diversos papeles secundarios del filme…

Ismail Hacioglu -Süleiman, “Daddy, el papi adoptivo de Ayla”-, caracteriza muy convincentemente su papel de “persona de buen corazón y valores humanitarios, que libra a la pequeña de la muerte y antepone su cuido a los duros y rigurosos deberes militares…” -Hecho éste clave, que pasó a ilustrar la Historia real de la contienda bélica coreana, como recoge el fidedigno documental Kore Ayla: My Korean Daughter…

Hacioglu, comenzó su carrera de actor infantil a los cinco años en el teatro de su colegio, continuando su formación teatral en diversos centros, hasta graduarse en el Conservatorio Estatal de la prestigiosa Universidad Mimar Sinan. Ha intervenido en más de treinta actuaciones de cine y televisión y obtenido una veintena de premios, entre ellos el de “Mejor Actor del Año” en Turquía…

Expresivo fotograma de la protagonista, Kim Seol -Ayla-.

Pero, la deslumbrante estrellita del filme es Kim Seol en su papel de Ayla -Carita de Luna, como la bautizó Süleiman, al rescatarla de la soledad, el frio y la muerte, bajo la luz de la luna…

La actriz infantil Kim Seol, ya había deslumbrado anteriormente en su papel de Jinju, en la popular serie televisiva de Corea del Sur, Reply -Respóndeme-…

Tras ver el emotivo e inolvidable filme Ayla. La hija de la guerra, con toda seguridad, cada vez que contemplemos el deslumbrante astro nocturno, recordaremos, inefablemente, a Carita de Luna…

Francisco Montero.

EL SECRETO DE LAS ABEJAS

-Cartel español del film-

A pesar de los esfuerzos mitológicos de La Biblia y las religiones, por explicarnos los grandes misterios de la Creación, el espíritu de la vida humana, sigue siendo uno de ellos…

Ninguna ciencia empírica, ni la psicología conductual más avanzada, inmersos ya en el siglo XXI, han conseguido, a plena certeza y satisfacción, desvelarnos el gran misterio del espíritu de la vida humana. Sólo aproximaciones, insatisfactorias…

El por qué espiritualmente se es de una forma u otra: bella o fea, blanca o negra, buena o mala, sencilla o compleja, individual o gregaria…; sigue siendo un insondable misterio… A pesar de quienes se empeñan en opinar lo contrario.

Acaso la poesía, con su inefabilidad, sea la que más se haya aproximado a ello a través del simbolismo…

La vida de las abejas, que tantos misterios entraña, ha sido siempre y sigue siendo uno de los símbolos ejemplares de la poesía para aproximarnos metafóricamente al entendimiento de algunos aspectos de la vida natural o espiritual humana…

El ejemplo poético y simbólico de las abejas, se ha utilizado por la literatura y el cine en diferentes ocasiones para aludir a la vida personal o social humana. Recordemos, entre otros, el guion o novela de los filmes: El espíritu de la colmena, de Víctor Erice -1973-, La vida secreta de las abejas de Gina Prince -2008-…

Siendo ahora el caso del filme El secreto de las abejas de la cineasta Annabel Jankel, basado en el “bestseller” o superventas Tell it to the Bees -Díselo a las abejas-, hermosa historia sobre la homosexualidad y el lesbianismo, de la escritora inglesa Fiona Shaw.

La escritora inglesa Fiona Shaw y su novela.

Fiona Shaw, es una escritora de una inteligencia y sensibilidad excepcionales; con su poética novela Díselo a las abejas, ha transformado la consabida, vulgar y zafia expresión de “salir del armario”-con toda la significación que esta conlleva-, en un relato pletórico de valores humanos, inefabilidad y delicadeza…

-No se debe confundir a ésta escritora con la actriz irlandesa homónima, también Fiona Shaw, muy popular por sus papeles de Tía Petunia en la saga de filmes sobre Harry Potter… Interprete, de enorme talento, tildada precisamente de homosexual por su relación con la también actriz británica Saffron Burrows…

La novelista y académica Shaw, quien vive con sus dos hijas en York, y es profesora en su universidad de Literatura Creativa, ha escrito media docena de exitosas novelas, publicadas en Inglaterra, Francia, Alemania, Noruega, Estados Unidos…, pero no en España.

En nuestro país, no siendo de los más reacios del planeta sobre la homosexualidad y el lesbianismo, es consabido existen organizaciones religiosas e ideológicas que se empecinan en tratar estos aspectos de la personalidad como males morales o enfermedades psicosomáticas, necesitadas de terapias…

Y acaso por contradicción, el filme El secreto de las abejas tuvo un exitoso preestreno en España, en abril y mayo: en el Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi -festival comprometido con los valores pedagógicos del cine-, y en la VIII Muestra de Cine Lésbico de Madrid.

El bello filme El secreto de las abejas, de la cineasta británica Annabel Jankel, trata la homosexualidad y el lesbianismo, al igual que la novela, desde una perspectiva naturalista y poética -con su metáfora sobre las abejas-, incidiendo prevalentemente en sus aspectos más espirituales, pensamientos, sentimientos…

Annabel Jankel, directora del filme.

Jankel, es una brillante realizadora de televisión y cine, que ha trabajado intensamente en el sugestivo mundo de la música y la publicidad y sabe muy bien de los gustos y afinidades de todos los públicos, aún de los más exigentes…

Hermana del famoso músico inglés Chaz Jankel -compositor, instrumentista, arreglista y productor-, y casada con el director de cine Rocky Morton, se inició junto al marido, en los medios audiovisuales, creando dos Productoras -en Inglaterra y Estados Unidos- y realizando videos musicales para solistas y grupos…

Jankel y Morton, consiguieron prestigio y popularidad con su larga serie de programas televisivos sobre más de setenta artistas musicales, como: Elvis Costello, Miles Davis, George Hatrison… Emitidos en las cadenas más importantes de Inglaterra y EEUU., fueron muy premiados y suscitaron el interés para su conservación: del Museo Nacional de Arte y Diseño Victoria y Alberto de Londres y del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York.

Además de varios trabajos de éxito con Morton -los filmes de fantasía Max Headroom y Super Mario Bros-; Jankel realizó, en solitario, exitosos anuncios publicitarios para Bacardi, Coca – Cola, Greempeace… y el filme que se reseña.

Los protagonistas, Anna Paquin, Holliday Grainger y Gregor Selkirk.

De la interpretación, del trio de protagonistas del filme, Anna Paquin -Jean-, Holliday Grainger -Lydia- y el niño Gregor Selkirk -Charlie-, es destacable la delicadeza y sutilidad que impone la novela y que mantiene la realizadora del filme Annabel Jankel, en una temática como la de la homosexualidad y el lesbianismo, que pudiera prestarse a la escabrosidad…

Resulta muy convincente la interpretación de Anna Paquin, actriz declarada bisexual en la realidad. Ambas actrices muy galardonadas -y con más de cincuenta interpretaciones relevantes en el historial de cada una- requerirían para su correcta reseña una dedicación personalizada…

Dadas las altas posibilidades pedagógicas del cine -tantas veces apuntadas-, se entienden de gran interés los valores del filme sobre su sensible temática. El papel del niño -actor caucásico de unos diez años de edad-, “descubriendo la verdad y las realidad de la vida”, se desarrolla ejemplarmente en ese sentido.

- No obstante, dada la debida adecuación del cine a la psicología y los intereses del menor, es reseñable que a Selkirk, parece ser, no se le permitió asistir al visionado del filme en su presentación de estreno, por su edad…

Afirmaba el sabio místico hindú Osho que “la felicidad consiste en ser uno mismo”… Y ese es el poético y gran secreto que nos desvelan y enseñan las abejas, la novela de Fiona Shaw y el filme de Annabel Jankel: ser una misma…

Francisco Montero.

                                                                                           CLARA Y CLAIRE

-Cartel español del film-

Acaso, la peor de las mentiras de la persona, sea la de mentirse a sí misma, simulando ser lo que no se es…

Afirmaba el afamado lingüista, filósofo y politólogo socialista libertario, estadounidense, Avram Noam Chosmsky -naturalista y estudioso del lenguaje humano y de la psicología cognitiva, uno de los pensadores más influyentes del siglo XX- que “Una de las características más definitorias del lenguaje humano es su falsedad, la mentira…” Sobre Internet opinaba que “Es como cualquier otra tecnología, básicamente neutra, pero se puede utilizar de forma constructiva o dañina. Las formas constructivas son reales, pero muy pocas…”

Y, acaso con intención o sin ella , sobre citadas premisas, la novelista francesa Camille Laurens escribió su obra Celle que vous croyez, en la que se basa el filme del cineasta francés Safy Nebbou, titulado en español Clara y Claire…

Camille Laurens es una controvertida novelista y profesora de literatura, con una amplia obra -novelas, ensayos, artículos…- de índole feminista.

Buena parte de su obra, en la que aborda las problemáticas de la mujer en las sociedades más desarrolladas, tiene un marcado carácter introspectivo, de experiencias reveladas por mujeres próximas, y de vivencias personales vividas, un tanto autobiográficas, o de autoficción, como ella las llama…

Laurens, opina y mantiene en su obra que “hombre y mujer son dos continentes muy separados” y de difícil relación y conciliación, sin pronunciarse acerca de la defensa de alguna de las partes.

Su obra más conocida “En esos brazos” -publicada en español por Seix Barral-, obtuvo en Francia los premios Femina 2000 y Renaudot para Estudiantes, los que le abrirían las puertas a la fama literaria y a otros reconocimientos y distinciones, entre ellos: Nominación al Gongourt, premios de literatura Borgoña y Eve Delacroix…

No obstante, aunque realiza una dilatada labor literaria en círculos de escritores, importantes diarios y revistas especializadas, algunas de sus obras -y entre ellas Celle que vous croyez- no han sido publicadas en otros idiomas y países, caso del español y de España…

La novelista y su obra, en la que se basa el filme Clara y Claire.

Parece ser que, en la experiencia personal de  divorcio de su marido -quien la dejó por una sobrina joven y atractiva-, se basa Celle que vous croyez, aunque la autora mantenga que la novela tiene buena dosis de autoficción…

En las tramas de la novela y del filme Clara y Claire, el tema principal es el de la relación que Claire -Juliette Binoche- mantiene a través de Internet con un joven al que dobla en edad; es una relación falsa y mentirosa por suplantar ella la imagen de su sobrina Clara -Marie Ange Casta, hermana de la famosa modelo Laetitia Casta-, muy joven y atractiva…

Es por tanto, el tema de interés del filme, el de las falaces y equivocas relaciones virtuales, que se inician a través del popular medio de comunicación, el autoengaño personal de un amor imposible, que Claire se obstina en mantener…

En la historia de Clara y Claire, se apuntan otras temáticas como: el miedo de la protagonista a perder su juventud y el atractivo para los demás, la relación con los dos hijos de su frustrado matrimonio, el desdén o venganza hacia el marido infiel, la futilidad de sus sentimientos y su vida, el descubrimiento real de su personalidad por el que acude al psicoanálisis…

El filme, en el deficiente panorama actual del Cine de Valores, siendo de interés, brilla sobre todo por su amanerada historia de “amor fou”, o amor loco, y -según serios críticos, cineastas y psicoanalistas- su tópica liberación feminista…

Safy Nebbou, director francés del filme.

El cineasta francés de ascendencia paterna argelina, Safy Nebbou, es guionista, director de teatro y cine, con un breve historial, pero de interés social, por abordar temas de actualidad y vanguardia…

En teatro, obtuvo cierto reconocimiento en Francia -2017-, por la dirección de la obra Escenas de la vida matrimonial, de Ingmar Bergman, y el protagonismo de Laetitia Casta.

En cine, como guionista y director -con una docena de filmes, entre cortos publicitarios o de ficción y largometrajes-, su filme más relevante fue El cuello de la jirafa -2004-, que obtuvo, entre otros, los reconocimientos: Gran Premios del Público y de la Crítica en el Festival de Cine de Marsella, Premio del Jurado en el Festival de Cine de Florencia, Premio al mejor Debut en el Festival de Cine de El Cairo…

A este, le seguirían, entre otros trabajos de interés: el fragmento La infancia de Ingmar Bergman -2007-, Marca de un ángel -2008-, Premio al mejor Guion y Dirección en el Festival de Cine de El Cairo, y el que reseñamos Quien crees que soy -2019-, titulado en España Clara y Claire…

Característica destacada de la obra de Nebbou -como ocurre en teatro- es su profuso discurso literario que, a veces, como en Clara y Claire, dificulta la narración y la claridad y pureza del lenguaje fílmico de imagen, o sea cinematográfico…

Juliette Binoche y François Civil, Claire y Alex, en el filme.

Aunque el tema de fondo de Clara y Claire, como es la liberación y la igualdad de la mujer, sea de extraordinaria actualidad e interés, buena parte de la crítica cinematográfica solvente, coincide en tachar al filme de pseudofeminista…

Su historia virtual de ficción, resulta poco realista y creíble; pero cuenta con la sobresaliente interpretación introspectiva de Juliette Binoche, en el difícil papel de Claire, que nos emociona sobremanera adentrándonos en el complejo mundo interior y los sentimientos del personaje.

Efectuar una adecuada reseña de La Binoche -como se la conoce afectuosamente- requeriría un extensísimo estudio. Actriz de cine y teatro, con más de sesenta actuaciones con los directores de mayor prestigio del Cine Europeo, está considerada como la actriz más internacional y representativa del mismo. Habiendo sido distinguida con los mayores galardones y premios del cine, entre otros: Cesar de Francia, BAFTA de Inglaterra, Globo de Oro y Oscar de Estados Unidos…

La sutil interpretación de La Binoche, hace de Clara y Claire un filme de apreciados valores cinematográficos, por su protagonista…

                                                                                                                   Francisco Montero.

                                                                                                                                                                                                                                                                                   DUMBO

                                                                       -Cartel del film-

El Cine, el “Séptimo Arte” -como le bautizó en 1923 Ricciotto Canudo-, además de ser arte, industria espectáculo, medio de comunicación social y lenguaje, es una fábrica de sueños y, como todas las bellas artes, “maná para el alma…”

A pesar de más de veinte siglos de historia, historia del progreso, de la cultura y del conocimiento, la realidad de nuestro mundo es demasiado catastrófica, anormal para los valores humanos, deleznable…

Ante la crudeza y desazón de la triste realidad que nos circunda, ¿qué sería de nuestra vida -sobre todo para los niños- sin un sustento de ensoñación espiritual, de maná para el alma…?

Esa es la imponderable misión del arte, de todas las bellas artes, del arte de artes, del cine…: alimentar la imaginación, con fantasía y ensoñación…, con la pretensión de que un mundo mejor es posible…

A Tim Burton, cineasta realizador de Dumbo, humanista preocupado por las anormalidades que nos circundan y acucian, el problema no le es ajeno…

Su cine se caracteriza precisamente por tratar las anormalidades y deformidades de la humanidad y los desquicios y sufrimiento que éstas causan.

En la treintena de filmes que ha producido, dirigido, escrito o animado, siempre ha tratado la anormalidad, la deformidad y la inadaptación de personajes fantásticos, excepcionales, enigmáticos…, incidiendo sutilmente en lo positivo de sus características como seres muy diferentes a la generalidad.

                                                                      Tim Burton, director de Dumbo.

Burton, quien se formó en el Instituto de Artes de California -auspiciado por Walt Disney-, se inició en el arte conceptual del cine precisamente en los Studios Disney, donde realizó sus primeros trabajos: Vincent -cortometraje infantil sobre el actor Vincent Price-, Relatos de Edgar Alan Poe, Hansel y Gretel de los Hermanos Grimm…, con los que obtuvo notables reconocimientos y éxito.

A sus primeros trabajos como director o guionista, siguieron continuos éxitos de crítica y público como fueron entre otros los filmes: La gran aventura de Pee-Wee, la saga de Batman, El planeta de los simios, Charlie y la fábrica de chocolate, Alicia en el país de las maravillas -versión especial en imagen real-, Abraham Lincolm: Cazador de vampiros, Ojos grandes… Filmes que conjuntan una obra muy especial, controvertida y polémica, con la que ha sido reconocido en diferentes ocasiones para los premios: Emmy, Óscar y Globo de Oro -en Estados Unidos- BAPTA -en Inglaterra-, siendo también distinguido como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, en Francia.

Como cineasta conceptual, cuando Tim Burton trata alguna obra clásica de la literatura y el arte universal -caso de Alicia, Lincoln, Dumbo…- , siempre aporta a sus temáticas ideas personales, originales y enriquecedoras que hacen de sus filmes obras muy diferentes de las primigenias en las que se basan.

En el caso de Dumbo, la idea primigenia y moraleja del pequeño elefante anomal, de enormes orejas y potestad de volar -cuento escrito por el matrimonio Helen Aberson y Harold Pearl-, ha sido enriquecida por Burton con las temáticas de: la familia universal, los valores de los seres diferentes, el antibelicismo, el anticapitalismo, la defensa de los animales…

Los valores de la familia universal, son paradójicamente exaltados por Burton en la modélica familia circense, capitaneada por Max Medici -Danny DeVito-, deforme maestro de ceremonias y dueño del modesto circo…

          Colin  Farrell, Eva Green, Michael Keaton, Danny DeVito, Nico Parker y Finley Hobbins, protagonistas del filme.

Entre los valores artísticos del filme, destaca su peculiar reparto protagonista caracterizando a personajes muy complejos y extraordinarios, física y psicológicamente, como suelen ser los de las familias circenses…

Sobresale la actuación del genial Danny DeVito -sólo 1,47 de estatura, pero más de sesenta filmes en su gigantesco historial como actor director o productor-. Resulta entrañablemente humano su papel de Max Medici, maestro de ceremonias, con fisonomía de clown, que lucha denodadamente por salvar a su abigarrada familia de incondicionales artistas, modestos pero arrogantes, de la quiebra y el desahucio…

Colin Farrel, Holt Farrier, resulta muy convincente en su complejo papel de tullido, antibelicista, que no se arredra ante la difícil situación que le impone el trágico y dramático cambio de su vida y el ejemplo de entereza y fortaleza que ha de dar a sus hijos…

Los prometedores principiantes Nico Parker y Finley Hobbins, Milly y Joe, son el contrapunto de la perplejidad y el asombro, ante la dura situación infantil de la vida circense que llevan; ante la magia, la fantasía y la ensoñación de las candilejas del espectáculo que, entre la ficción estelar y la cruda realidad, experimentan a diario…

Eva Green, Colette Marchant, es la fulgurante acróbata que deslumbra en el arriesgado espacio aéreo de la carpa, volando desde el trapecio y a grupas del prodigioso Dumbo… Marchant, idealiza la belleza y la perfección frente al feo y deforme elefantito…

                                                                                   Nueva recreación de Dumbo.

Dumbo, como la generalidad de los elefantes, no es un animal precisamente bello, pero es la auténtica y deslumbrante estrella del filme. -Su antecesor en los dibujos animado de Disney fue más agraciado y atractivo…- No obstante, en su carencia de belleza, en sus deformes orejas y en su prodigiosa potestad de volar se encuentra la sutil e inefable poesía de la moraleja de su historia, su cuento…

Su triste, pero penetrante mirada, parece querer inducirnos a otra forma distinta, diferente, de ver la vida, el mundo, hasta las más pequeñas e insignificantes cosas…

En este complicado mundo en que vivimos y en el que, gracias a la imaginación y la fantasía, y gracias a los inescrutables designios de la naturaleza, existen leyes de compensación de valores y todo es posible… Pensemos en el poco agraciado pero fabuloso pintor Van Gogh, en el eminente científico Hawking…

O en el pequeño Dumbo, dejando el circo y volviendo feliz junto a su mamá Jumbo y su familia de paquidermos, al extraordinario y sabio paraíso de la naturaleza…

                                                                                                                        Francisco Montero.

LA PROFESORA

-Cartel del film-

Como es bien sabido, aunque todas las profesiones son necesarias, y tienen y pueden cumplir una importante función social, la educación -vocacionalmente ejercida, por padres y profesores-, es la que más puede contribuir a lograr una sociedad mejor…

Dadas sus excepcionales influencias y dirigismo de conductas en los menores y jóvenes, en caso contrario, también puede dar lugar al deterioro, a la descomposición, a la ruina social, familiar, personal…

Es la razón por la que todas las ideologías y políticas, se afanan por controlar y dirigir sus particulares sistemas educacionales…

Es el interesante tema, magistralmente tratado en el filme La profesora, del cineasta checoslovaco Jan Hrebejk.

En la República Checa, tradicionalmente se le ha venido prestando extraordinaria importancia a la Educación. De hecho en la ciudad de Zlín, su Festival Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud -de los más importantes del mundo- se aproxima ya a las sesenta ediciones…

-En España, el Festival Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud de Gijón -otro de los más importantes del mundo-, dejó esta importante labor en 1988, en su veinticinco edición…-

Es notorio que en todos los países de tradicional y marcado carácter socialista, se presta mayor atención a la educación, y dadas sus fuertes influencias en los medios de comunicación, cuentan con certámenes y festivales de cine y televisión dedicados a los niños y jóvenes.

Acaso por ello, Jan Hrebejk, cuyo cine tiene un marcado carácter de introspección en los grandes temas que subrepticiamente ejercen gran influencia psicológica y social, ha tratado de manera muy crítica la corrupción en la educación, a través de una profesora comunista que más que educar para la sociedad se aprovecha de su función para sus intereses personales.

Zuzana Maurery -la profesora- y Jan Hrebejk, director del filme.

Hrebejk, se formó en la Academia Universitaria de las Artes del Cine y Televisión de Checoslovaquia, estudiando guion y dramaturgia, junto a Petr Jarchovský, prestigioso guionista, colaborador habitual en su filmografía y autor del guion de La profesora.

Con más de una treintena de filmes, entre cortos y largometrajes, para el cine y la televisión, como guionista, realizador y actor, identificado con su esposa -fotógrafa vinculada a Amnistía Internacional-, su obra, muy realista, se ha ido depurando en la denuncia y crítica de la corrupción político-ideológica y social.

En su filmografía, poco conocida en occidente, destacan títulos como: Arriba y abajo (2004), Belleza en problemas (2006), La rosa de Kawasaki (2009), Luna de miel (2011) y La profesora (2016) -para el cine-; y Caridad benéfica (1992), Donde caen las estrellas (1996), Cómo es vivir, El último concierto y Las buenas nuevas (en 1997) -para televisión-.

Con su obra ha obtenido importantes premios en Checoslovaquia e internacionales, entre ellos: diferentes reconocimientos de la Academia del Cine Checa para su representación en festivales y certámenes de otros países -Toronto, Chicago, Tokio, Dubai…-, consiguiendo con La profesora, el respaldo internacional de la crítica especializada y el público, amén del Premio a la Mejor Actriz, en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary de la República Checa, otorgado a Zuzana Maurery, por su excelente interpretación de la maestra.

Aspecto muy destacado en la obra de Hrebejk es el de su dramaturgia, en la que, al ser también actor, presta especial atención a los protagonismos y papeles de sus personajes…

La alumna Danka -que, acosada, intenta suicidarse-, interpretada por Tamara Fischer.

En La profesora -filme muy realista y coral con un amplio reparto de alumnado, padres y profesores-, no sólo son de interés los papeles de los alumnos, sino también el de los padres; ambos utilizados, manipulados y chantajeados, con las notas escolares, por los intereses personales de la profesora…

La veterana actriz Zuzana Maurery, a pesar de su despectivo personaje de María Drazdechova, maestra sin vocación y nada afín al idealismo del régimen de su partido comunista, acentúa los valores dramáticos, psicopedagógicos y sociales del filme…

Zuzana Maurery, actriz y cantante, como artista, en su vida real, es la antítesis de su personaje en La Profesora. Hija de músicos vinculados a la Opera del Teatro Nacional Eslovaco -su padre fue barítono y su madre soprano-, heredó de ellos su sensibilidad y sutileza para las artes escénicas…

Cuenta en su historial con una interesante filmografía para el cine y la televisión y una atractiva discografía de bandas sonoras y composiciones musicales junto a otros cantantes. Entre sus filmes destacan los títulos: Infierno y tierra, Gracias bien, Colette y La Maestra. Y en su discografía: Buenas noticias, Las campanas de Dios, Romeo y Julieta, las brujas de Eastwick, Villancicos… Habiendo obtenido por su obra diversos reconocimientos y premios como: Mejor Actriz -Principal y Secundaria- en cine y televisión, Globo y Ala de Cristal en teatro y arte audiovisual, León y Premio de la Crítica Checa…

En su vida particular, desarrolla una comprometida y altruista labor, colaborando en distintos movimientos de protección y ayuda a niños y jóvenes como Children`s Fund de Eslovaquia, Fundación SOCIA, Fundación Esperanza… -Reiteramos, la antítesis de su despectivo papel en La Maestra…-.

Padres de alumnos, protagonista coral del filme.

Con extraordinario realismo, en el montaje paralelo del filme, se alternan las vivencias de los alumnos, con la de los padres, que sufren los resultados escolares adversos de las calificaciones de sus hijos, provocando serias desavenencias, antagonismos, descomposición familiar…

En definitiva, un interesante filme psicopedagógico, crítico y de denuncia social de los sistemas educativos políticamente ideologizados, que pueden frustrar la formación personal y el futuro del niño…

Un filme de interés general y en especial para padres y educadores…

Francisco Montero.

EL VIAJANTE

-Cartel español del film-

El principal factor de corrupción o descomposición social ha sido siempre, sin duda, el logro del poder y éxito económico, a toda costa y sin principios éticos…

Otros influyentes factores de descomposición social son también la adulteración y la falsedad moral o engaño, “ficción y teatro”, que conllevan las situaciones de doble vida…

Las apariencias personales y sociales pocas veces coinciden con la realidad…

Es la interesante e intrigante temática humanista del filme El viajante de Asghar Farhadi, basado en la magistral obra dramática Muerte de un viajante de Arthur Miller, a la que se debe buena parte del éxito que el filme viene obteniendo…

Para entender mejor el éxito de crítica y público que viene obteniendo el filme El viajante, es conveniente hacer referencia a la obra Muerte de un viajante de Arthur Miller, en la que está basado.

El célebre escritor dramaturgo y guionista estadounidense Arthur Miller, fue uno de los máximos exponentes de la corriente del Realismo Social Crítico, que se cuestionó el sueño americano de triunfar a toda costa, al margen de los valores humanos, éticos y esenciales… -en los tiempos de la Caza de Brujas del senador Mc Carthy, en la que se persiguió a los intelectuales y artistas famosos, por considerarlos un riesgo para la democracia americana y su establisment-.

Y La muerte de un viajante, su obra dramática más universal y más llevada al cine y a escenarios de numerosos países -dado su cuestionamiento del falso e inmoral triunfo del hombre en la sociedad de cualquier tiempo y lugar-, fue y sigue siendo -como lo demuestra el filme de Farhadi-, un referente ineludible para entender el progreso humano que siempre se ha debatido entre las esencias y la apariencias, entre la verdad personal y la mentira social…

Cartel de otra exitosa versión cinematográfica de la obra de Arthur Miller.

La exitosa y premiada obra original de Arthur Miller, ha sido puesta en escena y adaptada al teatro, televisión y cine, para distintos momentos, culturas y países, en numerosas ocasiones…

Para todas esas adaptaciones, a cada tiempo, lugar e idiosincrasia de la sociedad destinataria, su texto original ha sufrido diferentes modificaciones y algunas de ellas no muy afortunadas, al cambiar substancialmente su temática de valores humanos universales como: el éxito y el fracaso, la verdad y la falsedad, la ética y la inmoralidad, contenidos y personajes..

El filme Muerte de un viajante, de Volker Schlöndorff, realizado en 1985, e interpretado por Dustin Hoffman y John Malkovich, es una de las versiones que con mayor acierto ha tratado el texto original de Miller. -Cuya grabación en dvd es aún fácil de adquirir-.

El “American Dream”, “Sueño Americano”, o idealismo liberal de prosperar y tener éxito en la vida -simbolizado en la famosa estatua de La Libertad, y no sólo connatural de la cultura estadounidense, sino de toda sociedad-, es el tema principal de la obra original del dramaturgo Arthur Miller, La muerte de un viajante. Temas importantes de esta obra son también, entre otros: la tragedia o el fracaso personal, económico y moral, del hombre frente a la sociedad de consumo; la doble vida que tantas veces discurre entre la verdad y la mentira, los valores éticos y la falta de moral; el conflicto generacional entre padres e hijos y la descomposición familiar…

En el filme El viajante -también presentado en otros países como El cliente-, del reconocido y muy premiado cineasta de Irán, Asghar Farhadi, acaso por pertenencia del autor y dirigirse a una sociedad más universal con otros valores culturales un tanto diferentes, los temas principales del filme son también distintos…

Asghar Farhadi, multipremiado director del filme franco-iraní El viajante.

El tema principal del filme del iraní Farhadi es: el de la violencia y la agresión sexual a la mujer y el castigo y humillación moral del violador, en este caso un pobre anciano que fallece por su dolencia cardíaca, en la humillación que se le inflige  y  el reconocimiento de su culpa…

Otros temas del filme son: la ficción y la realidad, la mentira y la verdad, en las sociedades actuales; la deficiente formación de los jóvenes en valores éticos, resaltándose el del respeto a la intimidad y conciencia de los demás; el de la severidad y la intolerancia moral frente a la permisividad y la indulgencia, en una sociedad que se derrumba…

En reiterados y reflexivos visionados -que requiere el sutil y complejo filme-, parece como si Farhadi pretendiera aleccionar en valores a las descompuestas sociedades occidentales de hoy, a través del riguroso papel del personaje protagonista, el profesor y actor dramático Emad Etesami, interpretado por el iraní Shahab Hosseini…

Del realizador Asghar Farhadi, ya se hizo reseña en esta web, al referirnos a su muy premiado filme Nader y Simin, una separación -en febrero de 2012, que puede revisarse en entradas más antiguas del blog-.

Farhadi ha proseguido una meteórica trayectoria ascendente en la voluptuosa meca del cine, logrando con El viajante, su segundo Oscar; premio que no se personó a recoger por su desacuerdo con el presidente Trump y su discriminatoria política contra la inmigración islámica en Estados Unidos…

Aun cuando somos un tanto suspicaces y reticentes a las reseñas de los filmes premiados con el Oscar, por sus preeminentes derivaciones hacia la comercialidad y éxito consumista, en el caso de El viajante -que se aprovecha, en parte, de la fama de la original y genial obra de valores humanos y artísticos de Arthur Miller-, se aúnan los refrendos del gran público y la crítica especializada… No obstante, acaso por motivos de comercialidad, el filme de Farhadi se ha titulado distintamente como El viajante, El vendedor, El Cliente…, dando lugar a ciertos equívocos e irregularidades en la interpretación de su temática…

Expresivo fotograma del profesor protagonista, en las pretensiones aleccionadoras del filme.

Con el filme Nader y Simin, una separación -y tras media docena de filmes como director-, Farhadi ha sido considerado como uno de los cineastas más influyentes, culturalmente, en la sociedad actual. Además de los dos Oscar citados, su obra ha sido reconocida con otros premios y distinciones como: Globo de Oro de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, César de la Academia del Cine Francés, Osos de Oro y Plata del Festival de Cine de Berlín, Cóndor de Plata de la Asociación de Cronista de Cine de Argentina, Premio del Jurado Ecuménico en Cannes, Premio Mejor director en el Asian Film Award…

Recientemente, se ha divulgado que Farhadi rodará en España el filme Todos lo saben, protagonizado por Penélope Cruz y Javier Barden, entre otros intérpretes españoles. -Y en cuya coproducción iba a participar la empresa de Pedro Almodovar, El Deseo- . Esperemos que el cine del iraní no derive hacia la comercialidad intrascendente…

Francisco Montero.