JEAN FRANÇOIS Y EL SENTIDO DE LA VIDA

-Cartel del film-

 Prosigue la pandemia del Covid 19, prosigue el cierre de cines y la ausencia de estrenos de películas, y prosigue el programa “Somos Cine” de Televisión Española en el que se nos ofrecen por internet -gratis- filmes de interés que en su día pasaron un tanto desapercibidos… 

 Es este el caso del largometraje, ópera prima, Jean François y el sentido de la vida, del joven realizador catalán Sergi Portabella, estrenada en 2018… 

 ¿Tiene la vida sentido? ¿Quién no se ha preguntado por el sentido de la vida? ¿Preocupa el sentido de la vida?... 

 Este es el interesante e intrigante tema juvenil y humanista que trata Sergi Portabella en su sencillo -y a la vez complejo- filme acerca de la búsqueda de ese sentido… 

 Un filme que, si hoy se estilara aún el cineclubismo cinematográfico didáctico, sería de sumo interés general revisar… 

 Decía anteriormente, sencillo y complejo filme, porque, casualmente, he mantenido un coloquio con un joven adolescente de edad aproximada a la del protagonista del filme Jean François y el sentido de la vida, el cual visionó, resultándole un tanto confuso… 

 Este joven cinéfilo no conocía el mito clásico de Sísifo, ni tampoco la obra sobre el tema del Premio Nobel, Albert Camus, ni su obra literaria, como novelista, ensayista, dramaturgo, filósofo… 

 Le orienté de que otro gran filósofo francés, Roger Garaudy -siempre preocupado por el sentido de la vida y admirador por ello, del también famoso escritor francés, novelista, ensayista, historiador, filosofo…, Romain Rolland-, confirmaba a Camus como “profeta del absurdo”, y poco preocupado por la adolescencia… 

 Sin embargo Romain Rolland, también Premio Nobel de Literatura, en su extensa obra Jean Cristophe -con la que tiene un cierto paralelismo el filme de Sergi Portbella- sí que se preocupó, en su época, por la adolescencia y el sentido de la vida, que se inicia en esa edad. 

                                Romain Rolland y su novela Juan Cristobal.                                              

  La famosa novela Juan Cristobal: el fin del viaje, de Rolland, se publicó en las diez partes: El alba, La mañana, La adolescencia, La rebelión, La feria en la plaza, Antonieta, En la mansión, Las amigas, La zarza ardiente y El nuevo día; viaje por metafóricos círculos infernales o absurdos, en los que se busca el sentido de la vida, la esperanza, la armonía… 

 Traemos a colación el sentido de la vida en la obra de Rolland, porque, efectivamente, cualquier vida sin sentido cae en el absurdo del ensayo de Camus, El mito de Sísifo; y para reflexión contrastada de jóvenes o mayores a los que, también, resulte confuso el interesante filme de Portabella… 

 Se sobreentiende que la secuencia inicial del filme Jean François y el sentido de la vida, en la que se describe la ficticia muerte del protagonista, y a la que sigue otra de clarificación de su imaginario pensamiento, en una sesión de psicoterapia, no es sino un efectismo cinematográfico y de llamada a la intriga que late en todo el filme… 

 Como la novela de Rolland, o La Divina Comedia de Dante Alighieri -viaje a los círculos del Infierno, Pulgatorio y Paraiso; que vienen a significar, del teocentrismo al antropocentrismo-, el filme de Portabella tiene una estructura narrativa similar, de road movie o viaje que discurre por los pasajes de: Francesc, Jean François, Jean François y Lluna, El deseo, Las mentiras, La muerte de Camus, El absurdo y El mito de Sísifo…; o sea, etapas de reflexión juiciosa, tras lo cuales Francesc descubre sus sentimientos y entiende que puede tener sentido su vida… 

 El guión de Jean François y el sentido de la vida, fue seleccionado por la organización que promociona a los nuevos cineastas emergentes, Berlinale Talents, y obtuvo ayuda para su realización del programa cinematográfico Europa Creative Media… 

 Siendo el polisémico -o de múltiples posibilidades de interpretación-, filme de Portabella, seleccionado en 2019 para participar en el visionado especial de Egeda-Veoplatino, organización que concede los premios Platino a filmes de interés del Cine Iberoamericano… 

    Sergi Portabella, director del filme Jean François y el sentido de la vida.

 Sergi Portabella, como indica su historial, es un guionista y director con intensa experiencia en múltiples tareas cinematográficas, como ayudante de dirección, script, director de fotografía, montador… 

 Como todo buen road movie, o cine de viaje, el filme cuenta con unas variadas y cuidadas escenografía y fotografía que contribuyen a su amenidad. 

 Anteriomente a su largometraje Jean François y el sentido de la vida, Portabella guionizó y realizó los cortometrajes: Te quiero (2009), El astronauta en el tejado (2010) y El fin del mundo será en Brasil (2013); por los que, según su autor, obtuvo más de sesenta premios y reconocimientos en numerosos certámenes y festivales de cine. 

 Portabella ha demostrado también tener buenas dotes para la dirección de actores, como queda patente en las interpretaciones de su filme Jean François y el sentido de la vida; sobre todo en las de sus dos jóvenes protagonistas: Claudia Vega -en el papel de la joven Luna- y Max Megías -en el doble papel del adolescente Francesc y Jean François-… 

 -El joven Francesc, es un adolescente de trece años, introvertido, amblíope, y que por su estrabismo y ojo tapado, sufre burla y acoso escolar; débil e inseguro -acaso por falta de referencia paterna-, accidentalmente descubre el libro El mito de Sísifo de Albert Camus y se obsesiona con viajar a Paris, para encontrar al escritor y le explique el absurdo de la vida… 

 Como en La divina comedia de Alighieri, en la que Beatriz -que personifica la Fe- guía a Dante por los tres círculos simbólicos en los que discurre la obra, en el filme de Portabella, Luna, conduce a Francesc en su viaje hasta el descubrimiento de la falsedad de su absurda obsesión suicida y de que la vida sí tiene sentido… 

 Narrado con planteamientos humanistas, personales y sociales de hoy, el filme viene a ser una metáfora que actualiza, juvenilmente y con frescura, las magistrales obras de Dante Alighieri y Romain Rolland… 

   Francesc y Lluna, en un momento de su aciago viaje.

 Francesc y Lluna, el adolescente y la joven, protagonistas del filme, tras pasar por los alegóricos círculos infernales: de irresponsabilidad, abandono de hogar y familia, desengaños amorosos y sentimentales, hurtos, mentiras…; es decir el absurdo, descubren el sin sentido de su viaje y el valor de regresar a los afectos de la familia, el seguir aprendiendo y formándose, la importancia de los sentimientos y el enamoramiento, o lo que es igual: un esperanzador devenir y un ilusionante futuro…. 

 Aunque la narración del filme pueda parecer algo confusa y ligera, resulta amena y de extraordinario interés para su revisión y reflexión. 

 Deja evidente que a Sergi Portabella le aguarda un prometedor porvenir como guionista y realizador de cine. 

 Francisco Montero.

 

LA VIDA Y NADA MÁS

-Cartel del film-
 

 Es plausible para los cinéfilos que Televisión Española -por el nuevo cierre de los cines, debido a la pandemia Covid-, prosiga ofreciendo en internet, gratis, un programa de filmes recientes, de diversos valores e interés, vinculado al Cine Español… 

 En ese programa se encuentra el filme de valores humanos La vida y nada más, del realizador madrileño Antonio Méndez Esparza y de la productora española Aquí y Allí Films… 

 El filme, dado que su realizador reside en Florida, no se ha realizado en nuestro país, sino en los Estados Unidos, pero como indica su director trata de una temática universal… 

 A nadie le resultan ajenas las temáticas de: la desintegración familiar, la educación de los hijos, las dificultades económicas o las distintas violencias psíquicas y físicas, que a veces provocan las circunstancias, sobre todo a las clases sociales más deprimidas… 

 Estos son los temas que, con un planteamiento de reflexión social y moral, educacional y jurisprudencial, trata el filme La vida y nada más… 

 El filme nos ha rememorado la gran labor del defensor de los más pobres y desfavorecidos, de los derechos humanos, de la no violencia y pionero de la teología de la liberación, el arzobispo brasileño de Olinda y Recife, Hélder Cámara, a quien se deben, entre otras, la interesante obra Espiral de violencia y la célebre frase: “Feliz quien cruza la vida entera teniendo mil razones para vivir”… 

 En su libro Espiral de la violencia -que como la filosofía de Gandhi, es un alegato de la “no violencia”, Hélder Cámara, trata: la violencia institucional y la violencia represiva -propias de poderes políticos dictatoriales-, y la violencia subversiva o de la rebeldía, propia de los jóvenes que no aceptan ni se resignan a las injusticias sociales, los abusos, las imposiciones por la fuerza, la pobreza, la falta de horizontes… 

 Temas éstos que trata con realismo, crudeza y minuciosidad Antonio Méndez Esparza en su filme La vida y nada más… 

Antonio Méndez Esparza, director de La vida y nada más.

 Antonio Méndez Esparza, aunque nació en Madrid -1976-, ha vivido en Florida y se ha formado en la prestigiosa Universidad de Columbia de Nueva York, donde efectuó estudios de Derecho. No obstante, su amor por el Séptimo Arte le llevó a ser profesor de cine en Florida, guionista y realizador, interesado por temas relacionado con el derecho, la justicia, la familia, las desigualdades sociales, la educación…

 Aún no cuenta con un amplio historial cinematográfico -sólo tres filmes realizados-, pero sí prestigio y reconocimiento, en los medios del Cine Social y de Valores Humanos. Su primer filme Aquí y allá -de cuyo título toma nombre su productora Aquí y Allí Films, fundada con su socio Pedro Hernández Santos-, obtuvo el Gran Premio del Festival de Cannes, 2012. Su segundo filme La vida y nada más (2017), fue galardonado por la Organización de Cine Independiente de California con el Premio John Cassavetes, y con el Premio Feroz, que otorga la Asociación de Informadores Cinematográficos de España. Su tercer filme de temática social Courtroom 3h (2020) -documental sobre la familia y la infancia-, fue seleccionado para la Sesión Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y nominado a los Premios Feroz del mismo año. 

 Alentado por los reconocimientos obtenidos, Méndez Esparza y su productora trabajan actualmente en el proyecto de su nuevo filme Que nadie duerma, que piensan realizar en España… 

Pedro Hernández y Antonio Méndez -productor y director-, reciben el Premio Independent Spirit.

 Méndez Esparza es autor del guion y la dirección del filme La vida y nada más. Aunque realizado en los Estados Unidos, las claves estilísticas cinematográficas del filme son más europeas que norteamericanas.

 Como cine indie, o independiente -alejado de los grandes estudios cinematográficos y de los circuitos del cine comercial-, en el filme traslucen las claves narrativas sociales y humanas más significativas del neorrealismo italiano, que lo distancian de la espectacularidad, sofisticación, efectismos…, propios del cine americano hollywoodense… 

 Con un guion muy diverso y rico en temas sociales y humanos, institucionales y judiciales, educacionales y conductuales, morales y religiosos…, en el filme La vida y nada más, se tratan, entre otros, los valores sociales de la convivencia, la familia, los afectos…, y los valores humanos de la madurez y la juventud, la moralidad, las creencias, la religiosidad… 

 Seguramente animado por su anterior experiencia positiva con el filme Aquí y allá -en el que se narra la historia de una familia desintegrada por la emigración del padre y la falta de recursos económicos-, Méndez Esparza retoma el tema familiar en La vida y nada más, con la frágil situación de una madre soltera que lucha sola por salir adelante con sus dos hijos de catorce y tres años, cuyo padre se encuentra en prisión… 

 La prisión, en este filme, viene a ser como una cruda alegoría acerca de las circunstancias en las que tantas veces -sobre todo en situaciones de pobreza y miseria- atrapa la vida… 

 El filme, aunque de ficción, narrativamente, es muy próximo al documental por su verismo y realismo, al que contribuyen con acierto las interpretaciones de sus protagonistas: Regina Williams -la madre Regina, de mediana edad- y Andrew Bleechington -su hijo Andrew, adolescente-. 

Regina Williams y Andrew Bleechington, en la presentación del filme en el Festival de San Sebastián.

 Ninguno de los dos protagonistas del filme cuenta con un amplio historial profesional cinematográfico, por lo que pudieran ser sus vivencias personales las que han contribuido a sus acertadas interpretaciones… 

 Regina Williams, se licenció en Teatro Musical en la Universidad de San Diego (California), siendo una polifacética productora de televisión, profesora de danza y actriz. En el cine es conocida por su interpretación en los filmes: La vida y nada más (2017) y Cada grano de arena (2019). En televisión fue jurado en el serial High School Musical… 

 A Andrew Bleechington sólo se le conoce en España por su papel en La vida y nada más, lo que confirma el interés de Méndez Esparza por los actores no profesionales… 

 La vida y nada más, es un filme muy recomendable para juristas, sociólogos y educadores… 

 Francisco Montero.

 

                                                                                                        

                                                                                                                                  EL PADRE

                                                                          -Cartel del film-

 Hoy, más de la mitad de la población de las sociedades avanzadas, no está dispuesta a sacrificar parte de su vida para hacérsela amable, con sentido, a un padre o una madre, ya mayores, enfermos, desvalidos… 

 En nuestro país, la jubilosa aprobación política reciente, por parte de esa mayoría, de la Ley de la Eutanasia, lo testimonia… 

 Para esa mayoría, volver a ser como un niño desvalido y lloroso que necesita el cuidado de los demás para todo, sufre y no encuentra sentido a su vida, queda justificada esa Ley, pero también el desamor…

 

 Posiblemente sea, la cruel ley del desamor… 

 La reclusión del padre en un geriátrico, por impedido, demente o enfermo, para vivir su vida personal, una hija o hijo -a la que se supone tienen derecho de ley-, es también la ley del desamor, tan generalizada… Este es, en esencia, el teatralizado e interesante tema del filme El padre, del director francés Florian Zeller… 

 El joven Florian Zeller, novelista, dramaturgo y por último cineasta, guionista y director, nacido en París en 1979, heredó de su madre -vidente, “echadora de cartas”- una extraordinaria imaginación y fantasía que le ha llevado a ser según el prestigioso diario británico The Guardian, “uno de los dramaturgos más apasionantes de nuestra época”… 

 Se inició como novelista, pero pronto se pasó al teatro, en cuyo prolífico historial cuenta con una decena de obras, traducidas a numerosos idiomas y con las que ha alcanzado gran prestigio internacional, llegando a considerársele entre los más importantes dramaturgos del siglo XXI…

 De sus novelas iniciales con las que logró prestigio y obtuvo entre otros los premios literarios del Grupo de Comunicación Francés Fundación Hachette, Príncipe de Mónaco y Periodistas Aliados, destacan: Nieve artificial (2002), Amantes del cualquier cosa (2003) y La fascinación de lo peor (2004). 

 Entre sus obras teatrales, con las que alcanzó reconocimiento y fama internacional, son memorables: Si murieras (2006), La madre (2010), La verdad (2011), El padre (2012), La mentira (2015), Antes de volar (2016), o El hijo (2018); con las que ha obtenido importantes distinciones y premios como: Caballero de las Artes y las Letras y Premio Molière (Francia, 2010 y 2014), Premio Laurence Olivier (Londres 2017)… 

                                                 Florian Zeller, autor teatral y director del filme El padre.

  Como reseña la biografía del autor, la obra teatral El padre, que en Francia obtuvo el Premio Molierè 2014 a la Mejor obra de Teatro, fue estrenada en medio centenar de países de todo el mundo y considerada por The Times como “la mejor obra dramática de la década”. 

 En España, la exitosa obra teatral El padre, dirigida por José Carlos Plaza y protagonizada por Héctor Alterio, se presentó en el teatro Bellas Artes de Madrid en octubre de 2016… 

 Ahora, en los terribles momentos para nuestros mayores de la pandemia Covid, y de la aprobación en las Cortes de la Ley de la Eutanasia, llega también a las pantallas de cine de nuestro país el filme El padre, haciéndonos reflexionar acerca de la situación de las personas de edad avanzada, desvalidos, enfermos… 

 En la sesión de cine en la que visioné el filme un solo espectador, hecho que pone de manifiesto el desinterés social por los temas acerca de las personas mayores. 

-Agradezco a la empresa MK2 su generosa proyección-… 

 El teatralizado filme El padre, primer largometraje cinematográfico dirigido por el dramaturgo Florian Zeller, interesa sobremanera por la magistral interpretación de sus protagonistas Anthony Hopkins y Olivia Colman… 

                                         Anthony Hopkins y Olivia Colman, protagonistas del filme.

  El galés Anthony Hopkins es un polifacético actor, productor, director, dibujante y pintor, compositor y músico… Aunque en su juventud practicó diversas facetas artísticas plásticas y musicales -componiendo partituras como “Y el vals sigue”, su formación en la Real Academia de Arte Dramático de Londres, le llevaría a decantarse por el Arte Dramático… 

 En el cine ha interpretado un centenar de filmes en papeles muy variados y diversos, junto a los más grandes directores, actores y actrices... Entre ellos son memorables: Hamlet (1969), El hombre elefante (1980), El silencio de los corderos (1991), Chaplin (1992), Leyendas de pasión (1994), Alejandro Magno (2004), El rito (2011), Hichcock (2012), Noé (2014), El rey Lear (2018), El padre (2020)… 

 Con sus interpretaciones ha obtenidos numerosos reconocimientos y premios: Globo de Oro-Premio Cecil B. DeMille, a su Trayectoria Profesional (2006), Oscar y BAFTA Mejor Actor, por El silencio de los corderos (1991), BAFTA Honorifico (2008), Premio Asociación de la Crítica Cinematográfica de Estados Unidos y Canadá, Mejor Actor de Reparto (1997), Premio Donostia del Festival de San Sebastián por su Trayectoria Profesional (1998)… 

 La veterana actriz Olivia Colman se educó en la prestigiosa Escuela Superior de Arte Dramático de Bristol (Inglaterra), dedicándose de manera polifacética a la televisión, el cine, la radio, el teatro… 

 En la televisión inglesa ha intervenido en más de cincuenta programas y series, protagonizando diversos cometidos y papeles. Siendo en el cine donde ha adquirido su fama internacional de gran actriz, con una veintena de interpretaciones. 

 Entre los filmes más conocidos en los que ha intervenido, como protagonista o actriz de reparto, destacan: La Dama de Hierro (2011), Redención (2012), Asesinato en el Orient Express (2017), La favorita (2018), El padre (2020)… 

 Por su papel en La favorita ha obtenido numerosos reconocimientos y premios de Mejor Actriz: Globo de Oro, BAFTA, Oscar, Crítica Cinematográfica, Sindicato de Actores, Cine Europeo, Festival de Venecia…; consagrándola internacionalmente con El padre, junto a Anthony Hopkins… 

                                               Expresivo fotograma de Anthony Hopkins en El padre.

  En el cine teatral no tiene especial protagonismo la escenografía, pero sí la música como elemento que enfatiza las sensaciones, emociones y estados de ánimo de los protagonistas… 

 En El padre, su director Florian Zeller, ha recurrido a la sensibilidad musical de Anthony Hopkins, introduciendo reiteradamente, como un protagonista más, música predilecta del actor: la enfática aria “Creo que lo oigo otra vez”, de la ópera de Bizet Los pescadores de perlas… 

 El padre, es un filme que, además de hacernos reflexionar sobre el deterioro mental y físico de la tercera edad -que a todos nos espera, convirtiéndonos de nuevo en niños desvalidos-, nos emociona profundamente…

 Francisco Montero.

 EL PALACIO IDEAL 

-Cartel original del film.-

 Hace ya años, en mis caminos de búsqueda, en mis estudios de sociología, tuve la venturosa suerte de encontrarme con la prolífica obra de un gran filósofo idealista francés, Roger Garaudy…

 Más tarde, tuve el honor de conocer personalmente al filósofo y trabajar modestamente en los medios audiovisuales para su gran palacio idealista: el Diálogo de Civilizaciones y Culturas… 

 Tras el fallecimiento del filósofo humanista, escribí y divulgué sobre él: “Graraudy tuvo siempre en su pensamiento a Don Quijote y a Jesús de Nazaret en el corazón…”; dos de los mayores idealistas de la historia de la humanidad…

 Jesús de Nazaret idealizó un templo espiritual que crece, aún hoy, a pesar de las tempestades que lo han azotado… 

Don Quijote, persiste luchando idealistamente contra los molinos de viento… 

 El Diálogo de Civilizaciones y Culturas de Garaudy, al que han azotado también muchas pandemias, es hoy más necesario que nunca… 

 Pues bien, por este denodado sendero idealista, camina el precioso filme, del cineasta francés Nils Tavernier, El cartero Cheval, basado en la historia verdadera del singular personaje… 

 Próximo a la pequeña población francesa de Hauterives, entre colinas de la región alpina de Drôme, se encuentra el “Palacio Ideal”, que construyó el cartero Joseph Ferdinand Cheval, a lo largo de treinta y tres años…

 A partir de 1879, Cheval, cartero de profesión, inspirado por un sueño, por las revistas y las postales que repartía, sin conocimientos de arquitectura, ni de construcción, ni albañilería, se propuso edificar un palacio, parece ser para su pequeña Alice, a la que narraba fantasiosos cuentos palaciegos… 

   Joseph Ferdinand Cheval, su pequeña Alice y su esposa Philomène.

 Según narra su historia, en sus recorridos de reparto por el lugar, recogía las piedras que encontraba por el camino; éstas serían el sólido material de su fantástica idea y de su obra, que perdura ya más de un siglo… 

 Como suele suceder a la generalidad de los idealistas, en su pequeño pueblo de Hauterives, sus paisanos, le consideraban loco… 

 En 1969, el Ministro de Cultura francés André Malraux, declaro el Palacio Ideal Monumento Nacional, asegurando su conservación, como singular atractivo turístico de la región de Drôme… 

 Tras la muerte de Ferdinand Cheval, el Palacio Ideal fue admirado por los artistas del surrealismo, como: el escritor André Bretón, el pintor Pablo Picasso, el fotógrafo Robert Doisneau…; llegando a considerarse un significativo exponente del arte marginal y naïf… 

 Las fotografías de revistas y postales que alentaron la imaginación de Cheval, con imágenes de todo el mundo, de Oriente y Occidente, vinieron a evocar en su edificación un diálogo arquitectónico, un auténtico “Dialogo de Civilizaciones y Culturas”… 

 En el filme de Nils Tavernier, una poética evocación de Cheval a su pequeña Alice -con quien contemplaba las estrellas, le narraba cuentos y falleció en la temprana edad de la inocencia-, nos lo recuerda: “Alice, haré en tu palacio dos estancias más, una para las hadas de oriente y otra para las hadas de occidente…” 

 Efectivamente, “El Palacio Ideal”, en realidad, imaginaria y naïfmente, nos traslada hoy a templos de oriente y occidente: el templo Khajuraho de Madhya Pradesh (India), la Sagrada Familia de Barcelona (España)… 

      El Palacio Ideal de Ferdinand Cheval, en Hauterives.

 El filme El palacio ideal de Nils Tavernier, sobrecoge por su guion extremadamente sensible, delicado y lleno de situaciones y matices emotivos e interesantes. No es de extrañar cuando en él han trabajado tres guionistas y polifacéticos cineastas, que han contribuido a la riqueza de matices expresivos del filme: Laurent Bertoni -guionista, asistente de dirección, productor…-, Fanny Desmares -guionista y actriz- y Nils Tavernier -guionista, director y actor-. 

 Tavernier, hijo del célebre cineasta francés Bertrand Tavernier y de la guionista irlandesa Claudine O´Hagan -más conocida como Colo Tavernier-, se inició en el séptimo arte en el ámbito familiar, llevando el cine en las venas. Efectuó su debut como actor adolescente, en varios filmes de su padre, colaborando después en diversas funciones, con distintos directores de prestigio del cine europeo: Claude Chabrol, Milos Forman… 

 Nils Tavernier, debutó como realizador dirigiendo cortometrajes y documentales para cine y televisión, siendo algunos de ellos: Estrellas del Ballet de la Opera de París (2001), Deseos y sexualidades (2004), La odisea de la vida (2006), o El misterio de los gemelos (2009). Su largometraje Con todas nuestras fuerzas, fue candidata a Mejor Película Europea de los Premios Goya (España, 2016). Como actor ha actuado en una decena de filmes como: Valmont -de Milos Forman, 1989- o La hija de d`Artagnan -dirigida por su padre Bertrand Tavernier, 1994). También ha escrito el libro La odisea de la vida -basado en su documental de 2006-, que contiene más de trescientas impactante fotografías del feto en el vientre de la madre, y ha sido publicado en España por Salvat y Blume. 

Los protagonistas Jacques Gamblin y Laetitia Casta, con Nils Tavernier, en la presentación del film.

 El palacio ideal se enmarca muy bien en el lenguaje y la estética cinematográfica bressoniana; es decir, utiliza profusamente la elipsis -supresión de escenas poco significativas- y la austeridad y parquedad en los diálogos, las imágenes lo expresan todo… 

 -El maestro del cine francés, Robert Bresson, fue considerado, por los cineastas de la “Nouvelle vague”, padre del nuevo lenguaje y estética del cine moderno… 

 -Parece ser que Joseph Ferdinand Cheval, fue, en realidad, adusto y parco en palabras… 

 La interpretación del veterano protagonista Jacques Gamblin, resulta muy acertada y convincente. Asimismo, la interpretación de Laetitia Casta, en el papel de Philomène, esposa de Joseph -posiblemente determinada por la guionista del trio, Fanny Desmares-, conmueve por su acusada sensibilidad… 

 Una emotiva escena de Philomène con su vecina, cuando ésta le acentúa la parquedad de Joseph, lo expresa a la perfección: “llevándose las manos al vientre -musita- sí, pero actúa…; preciosa manera de comunicarle estaba embarazada...

                                                                                                Francisco Montero.

TROLLS 2 

-Cartel español del film-

 “Abuelo, me ha encantado Trolls…”. Me comentó mi nietecita Alicia, de 6 años de edad, tras el visionado de la película…

 “A mí también me ha encantado…”. Asintió su hermana cotorrita, Lucía, de 4 años d edad… 

 ¡Qué lucidez de opiniones…! Cuando sesudos críticos de cine y especialistas en psicología y pedagogía infantil han desmerecido el filme… 

 Desde hace ya años se tenía el consenso definitorio de pedagogos y psicólogos cualificados de que “Cine infantil es el adecuado a su psicología e intereses…” 

 Pero, cambian y se actualizan la sociedad la psicología, la pedagogía, las bellas artes, el cine Arte de Artes, los intereses infantiles…; por lo que las opiniones de mis nietecitas -mis mejores compañeras de butaca- me resultan muy acertadas… 

 La saga Trolls, Gira mundial 1 y 2, refrendo las opiniones de que son filmes con gran encanto…

 Efectivamente, en la polisemia idiomática y mitológica, un troll viene a ser un duendecillo fantástico, provocativo, encantador… 

 Algunos críticos cinematográficos han enfatizado también que Trolls es un filme poco innovador e imaginativo… 

 Pero, si recurrimos a las consensuadas definiciones genéricas de: Cine Musical “en el cual la música expresa con fuerza y emotividad las situaciones, siendo sus elementos claves, junto a ésta, la escenografía y la danza”, o del Cine de Ciencia Ficción que “como género fantástico especula ficticia e imaginariamente sobre los temas que trata” -en este caso los estilos musicales-; nos encontramos con que Trolls, bien puede ser un innovador, imaginativo y logrado filme de Ciencia Ficción Musical… 

 A sus experimentados guionistas de Cine de Animación para niños, Jonathan Aibel y Glenn Berger, se deben clamorosos éxitos como las sagas de: Alvin y las ardillas, Kung Fu Panda, Bob esponja, Trolls…

Los guionistas Jonathan Aibel y Glenn Berger, presentan Trolls.    

Con Trolls, sus guionistas, no sólo renuevan el género de Cine Infantil de Dibujos Animados, distanciándolo de los tradicionales filmes basados en los moralizantes Cuentos Clásicos, o los protagonizados por simpáticos y ejemplarizantes animalitos propios de los Estudios Disney, sino que aportan nuevas ideas y temáticas de actualidad y vanguardia… 

 En su ánimo renovador, no por ello, faltan en Trolls elementos esenciales y propios del cine para los más pequeños, como son, entre otros: el espíritu ilusionante y diversivo, el sentido optimista y positivo, la enseñanza o moraleja… 

 En una actualidad mundial en la que tantos problemas nos plantea la diversidad: personal o sexual, social o de razas, ideológica o política, de creencias o religiones…, Trolls aboga por el entendimiento y la armonía entre las diferentes músicas o estilos musicales -funk country, tecno, clásica, pop, rock-; una curiosa moraleja que, metafóricamente, sobrepasa la temática de la música, aludiendo a las personas y la sociedad. 

Por lo que puede calificarse como filme humanista, o de valores, no sólo creativos y artísticos, sino también humanos… 

 Clave de toda sinfonía musical en la que intervienen diversidad de instrumentos, es la armonía… 

 Clave del entendimiento social actual debe ser también la armonía… 

Hasta el Papa Francisco en su reciente encíclica “Hermanos todos”, o en el filme documental “Francesco” -Premio CIMA 2020, de la Asociación Católica de Medios Audiovisuales, a la Justicia Social-, del realizador Evgeny Afineesvky -declarado homosexual, nacido en Rusia y después ciudadano israelí y afincado en Estados Unidos, el pontífice aboga por una ley de uniones civiles entre gays, que les posibilite vivir en familia, o lo que es igual por la fraternidad y la amistad, por la armonía social… 

 Premisas estas que subrayan la metafórica y paradójica moraleja de la armonía musical en el bien orquestado de animación y color, duendecillos mitológicos, música, canciones y danza, de Trolls…

 Trolls 2 gira mundial, ha sido codirigido por Walt Dohrn y David P Smith, el anterior filme, Trolls 1, lo dirigió, en 2016, Mike Mitchell con Dohrn, por lo que éste es considerado como el director principal de la saga… 

                           Walt Dohrn y David P Smith, codirectores  de Trolls 2.                           

Walt Dorhn es un polifacético cineasta, guionista, director, músico, animador y actor de voz, estadounidense, que domina y armoniza la mayoría de las claves genéricas y estilísticas que concurren en el filme Trolls… 

 En sus diversas facetas artísticas, ha participado en una treintena de filmes cinematográficos, series de televisión y videojuegos, como: Mr. Magoo, Shrek, Los pingüinos de Madagascar, Bob Esponja, Trolls…, por lo que cuenta con una amplia experiencia en el cine de animación para niños… 

 David P Smith es, asimismo, un polifacético productor, guionista, director musical, compositor, diseñador… que ha participado igualmente en una treintena de aplaudidos y premiados trabajos de cine de animación…; por lo que, junto a Dohrn -como normalmente “cuatro ojos ven más que dos”-, forman un tándem de rotundo éxito, perseguido por los estudios cazatalentos hollywoodenses DreamWorks…

 Trolls no es sólo una sinfonía de música y canciones, en la que los seis estilos antes citados -representativos de las seis cuerdas básicas- se disputan la hegemonía social, es también una rica y compleja sinfonía de personajes y colores, artistas y creativos, animadores y técnicos…, bien orquestados en un universo y arco iris poli cromático de armonía… 

                                       Expresivo fotograma del filme.                                    

 En ese armónico universo brillan las interpretaciones de Anna Kendrick -popular actriz y cantante- y Justin Timberlake -compositor, cantante, productor discográfico, coreógrafo, bailarín, actor…-, que ponen voz a los principales personajes protagonistas Poppy y Branch… 

 La música y canciones de Trolls son obra: de Theodore Shafiro -genial y muy premiado compositor de bandas sonoras de cine, al que se debe la música de más de setenta películas-, y de Kelly Clarkson -compositora, cantautora actriz, presentadora…, y ganadora de una veintena de los más importantes premios musicales, que ha vendido más de noventa millones de copias en todo el mundo…-. 

 Aunque Trolls pudiera parecer un complejo y abigarrado filme cinematográfico, su argumento resulta bien sencillo y agradable -la sencillez es muy apreciada y del agrado de los pequeños-; me lo enseñan constantemente mis nietecitas… 

 Se recomienda el divertido, alegre y feliz visionado del filme… 

 Francisco Montero.

 LAS NIÑAS 

 

-Cartel del film- 

 Un amigo cinéfilo, profesor de sociología, con ocasión del reciente estreno del filme Las niñas, de la realizadora española Pilar Palomero, ambientado en los inicios de la pasada década de los años 90 y sobre la educación sexista en un colegio religioso y otros temas, me comenta con humor… 

 “En los años en que se ambienta la película, mi hija era alumna de educación primaria en un colegio de religiosas. Con motivo de la Navidad, las monjitas indicaron a las niñas hacer un dibujo sobre María y la maternidad de Jesús… Mi Hija dibujó a la Virgen María con una prominente barriguita…” 

 “La niña, tuvo una severa reprimenda: “Jesús fue concebido por obra y gracia del Espíritu Santo, no como los demás humanos, ningún gran artista ha pintado así a María…” Y a mí se me llamó al colegio para trasladarme también severas quejas con una larga perorata por la humanísima y poco espiritual ocurrencia de mi hija…” 

 “Tras un paciente y pausado silencio, respondí a la religiosa: Hermana si usted manifiesta saber muy poco sobre el arte y el misterio de la vida; cómo lo va a saber una niña…” 

 Pues bien, ésta es la interesante e intrigante temática de la educación en un colegio religioso, que, basada en sus recuerdos de niña, trata, con buen arte cinematográfico, en su primer largometraje Las niñas, la zaragozana Pilar Palomero… 

 Y digo con buen arte de cineasta, porque ya grandes maestros de Séptimo Arte, como Ingmar Bergman o Robert Bresson, en su cine psicológico, social y religioso, utilizaban la técnica del plano 4/3 -es decir, de formato reducido, propio de los años 90-, pero que es más eficaz para la narración introspectiva, de primeros planos, y adentrarse mejor en los pensamientos, sentimientos y emociones de los protagonistas -para lo que no es muy propicio el formato panorámico o de pantalla ancha… 

Pilar Palomero, Premio Biznaga de Oro en el Festival Internacional de Cine de Málaga, 2020. 

 Pillar Palomero cursó estudios en la Universidad de Zaragoza y en la ECAM -Escuela de Cine y Audiovisuales de Madrid-, donde se graduó como Directora de Fotografía -por lo que concede extrema atención a la fotografía de sus filmes-, y en la Academia de Cine de Sarajevo, donde realizó un Master de Dirección… 

 Palomero, fiel a las claves de un estilo narrativo muy personal realista y sobrio, antes del largometraje Las niñas, realizó como guionista y directora varios documentales y cortometrajes, entre los que se citan títulos como: Niño Balcón (2009), Chan Chan (2012), Noé (2015), La noche de todas las cosas y Horta (2017)… 

 Sus filmes han recorrido con éxito de crítica y público diversos Festivales Internacionales de Cine: Berlín, Varsovia, Lisboa, Sarajevo, Huesca, Málaga… 

 El filme de Pilar Palomero Las niñas ha obtenido en el Festival Internacional de Cine de Málaga (España, Agosto 2020) tres importantes premios: Biznaga de Oro a la Mejor Película Española, Biznaga de Plata a la Mejor Fotografía de Daniela Cajías -premio éste que refrenda también la graduación en Dirección de Fotografía de la propia realizadora-, y Premio Feroz de la Asociación de Informadores Cinematográficos, que distingue a la Mejor Producción Española del año…… 

 Daniela Cajías, directora de la fotografía del filme, aunque nació en Bolivia, es miembro de la Asociación Española de Directoras y Directores de Cine. Se inició vocacionalmente en fotografía en el laboratorio de revelado de su padre y se graduó en este medio expresivo en Buenos Aires (Argentina, 2008). 

 Ha filmado internacionalmente en diversos países latinoamericanos: Brasil, Bolivia, Colombia, Cuba, Méjico, España… Fue seleccionada en 2018 para representar a nuestro país en el prestigioso Programa de Desarrollo de Talentos del Festival Internacional de Cine de Berlín, y ha obtenido premios y reconocimientos a la Mejor Dirección de Fotografía del Cine en diferentes países…

 La fotografía realista de Las niñas, realizada, reiteramos en el formato antiguo 4/3 del cine y la televisión; procedimiento técnico, que extraña hoy a muchos espectadores, habituados a los formatos panorámicos, es, no obstante, un interesante y curioso documento fílmico -artístico y sociológico- de los pasados años 90, en que transcurre la historia del filme…

Expresivo fotograma del filme Las niñas.

 En el filme Las niñas, destaca, sobre todo, el retrato social y psicológico de los personajes, reparando introspectivamente en sus vivencias, sentimientos, emociones…; con los que Palomero retrotrae fidedignamente a sus recuerdos a muchos espectadores… 

 En los sencillos y a la vez complejos personajes del filme Las niñas, con acusada sensibilidad femenina, se evidencian dos mundos contradictorios y antagónicos… El de la España conservadora que persiste en la educación y en muchas de las costumbres, y el de un nuevo país que se abre a la modernidad y al progreso… 

 Según Pilar Palomero, la sociedad española del momento, es una sociedad abierta y en pleno desarrollo: la Expo 92, los Juegos Olímpicos, los nuevos Medios de Comunicación…; sin embargo, la educación permanece enclaustrada en un sistema conservador, hermético y poco abierto… 

 Esas contradicciones se manifiestan en los personajes del filme que, en lo personal actúan entre las imposiciones represivas de la educación -de las monjas y de la madre, liberal pero inquisidora-, frente a los deseos de mayor libertad de las niñas haciéndose adolescentes y jugando a ser mujeres… 

 Natalia de Molina -Madre- y Andrea Fondos -Hija-, en una escena del filme. 

 Aunque el personaje de la niña que se hace adolescente, Celia, puede parecer que tiene características autobiográficas de la realizadora Palomero, ésta ha indicado que son vivencias personales muy diferentes, pero con ciertas similitudes… 

 Natalia de Molina -Adela, la joven madre de Celia, que nunca habla del padre de la niña y quiere lo mejor para su hija, con la que vive sola-, es la protagonista profesional y veterana del filme… 

 Andrea Fondos -Celia, la niña de once años-, es toda una revelación como actriz, cuyo emotivo y complejo papel del despertar a la adolescencia, en una sociedad contradictoria en la que se entremezclan verdades y mentiras, provoca sentida y sincera admiración…

 Francisco Montero.

UN AMIGO EXTRAORDINARIO

-Cartel del film-

“Quien tiene un amigo tiene un tesoro”, es uno de los refranes, adagios o paremias, más populares y universales conocidos y llevados al cine...

Ya en 1981, el cineasta italiano Sergio Corbucci, realizó un filme cómico y humorístico titulado Quien tiene un amigo tiene un tesoro…

“Un amigo es lo que el corazón necesita todo el tiempo”, dijo el popular escritor, clérigo y pedagogo estadounidense Henry van Dyke…

Dada la celebridad y emotividad de la amistad, en todo el mundo, viene muy a cuento, pues, que, el filme originalmente titulado Un hermoso día en el barrio de la realizadora estadounidense Marielle Heller, basado en la historia real del popular Fred Rogers -presentador de televisión, marionetista, ministro presbiteriano y educador, amigo extraordinario de los niños- se haya titulado en español Un amigo extraordinario…

Fred Rogers, Más conocido como Mister Rogers -apelativo de su programa televisivo Mister Rogers Neighborhood, emitido durante más de treinta años-, fue un personaje muy preocupado por la psicología infantil, el desarrollo y la educación de los sentimientos y emociones, cuyos temas trató a lo largo de su vida y en su dilatada obra.

Su programa infantil fue uno de los más vistos y aplaudidos por los niños, padres y educadores, de los Estados Unidos, a través de la cadena televisiva NET, Televisión Nacional Educacional.

Según reza su biografía, Licenciado en Música y formado en el Seminario de Teología de Pittsburgh, fue persona de firmes convicciones espirituales y religiosas, por lo que fue nombrado ministro presbiteriano, y cuyos principios hizo patentes en sus programas televisivos.

Su labor educacional fue distinguida con más de cuarenta premios y reconocimientos, entre ellos: Premio Honorífico Emmy (1997) y Premio Salón de la Fama en Televisión (1999) -los cuales se otorgan a los mejores programas de la televisión estadounidense-, Premio Presidencial de la Libertad (2002)…

Fred Rogers y el bets seller inspirador del filme de igual título.

Es lógico que los libros best seller, o de éxito, sean llevados al cine, y máxime cuando su temática se identifica con las preocupaciones y trayectoria personal de algún cineasta realizador o realizadora; este es el caso del Mister Rogers y la directora Marielle Heller…

La filmografía de Heller aún no es muy prolífica en su historial -sólo tres largometrajes realizados-, pero sí muy coherente en su temática. Los filmes: El diario de una adolescente (2015), ¿Puedes perdonarme? (2018) y Un hermoso día en el barrio -o Un amigo extraordinario, en español- (2019), denotan su preocupación por el humanismo y los valores humanos y sociales esenciales…

A la cineasta Marielle Heller, hija de un quiropráctico y una profesora de arte y artista, desde muy joven preocuparon los temas relacionados con la salud, la educación, el arte…

Aún muy niña, fue actriz en numerosas actuaciones, en el Teatro Musical Infantil de Alameda (California). Más tarde se graduaría en Arte Dramático, siguiendo estudios teatrales en la prestigiosa Universidad de California -UCLA- y en la Academia de Arte Dramático Royal de Londres -donde se cursan estudios profesionales de teatro, televisión, cine y radio-.

Su primer filme El diario de una adolescente -con guion y dirección de ella-, obtuvo el Gran Premio del Festival Internacional de Cine de Berlín (2015) y el de Mejor Opera Prima de Independent Spirit Awards (2016). -La organización cinematográfica Independent Spirit Awardrs de California, premia la independencia creativa, la innovación, la singularidad…-

Su siguiente filme ¿Puedes perdonarme?, acerca de la biografía de la escritora Leonore Carol y sus falsificaciones literarias, fue reconocida como una de la diez mejores películas de 2018, por la Junta Nacional de Revisión de los EE.UU., obteniendo el Premio de Mejor Guion Adaptado, del Gremio de Escritores de América…

Marielle Heller y Tom Hanks, directora y protagonista del filme.

La civilización occidental contemporánea, con el culto al individualismo, la competitividad y la rivalidad, ha convertido a la sociedad y a las personas en agresivas, irascibles, violentas… Es decir, dominadas por sentimientos y emociones negativas…

La generalidad de los sistemas educativos más avanzados y progresistas, han potenciado desmesuradamente la educación intelectual en la formación, pero no la educación sentimental y emocional, que es, según los psicólogos, pedagogos y especialistas, muy importante, para la formación de la personalidad y de una sociedad más positiva…

Es el interesante tema que preocupó y trató siempre, Fred Rogers, en sus programas de televisión, y que aborda, curiosamente y con originalidad, el filme Un amigo extraordinario…

Un amigo extraordinario, basado en hechos reales, tiene como tema central la intrigante historia de amistad entre el intelectual periodista de la revista Esquire Lloyd Vogel (Matthew Rhys) y el emotivo Fred Rogers (Tom Hanks). Lloyd Vogel, arrastró desde su infancia, secuelas de desequilibrio de personalidad -entre su inteligencia y sus sentimientos-, adquiridas en el seno de una familia desintegrada y una formación inadecuada…

El extraordinario Mister Rogers logrará transformar al individualista y pesimista amigo en una persona más sociable, empática y positiva…

Tom Hanks (Mister Rogers) y Matthew Rhys (Lloyd Vogel), en una escena del filme.

En Un hermoso día en el barrio o “Un amigo extraordinario”, llama la atención su narración fílmica, reflexiva e intimista, y el uso de un tamaño del recuadro de pantalla distinto para tratar animadamente la faceta marionetista e imaginativa del personaje Mister Rogers…

Su narración resulta un tanto compleja para ir de la realidad a la ficción -y viceversa, o sea, de la imagen real cinematográfica de la historia, a la ficticia de la televisión y la marioneta-, intentando expresar el mundo imaginario, propio de los niños…

Aunque resultan geniales las interpretaciones de los dos actores protagonistas principales, Tom Hanks -nominado a importantes premios por su papel en el filme-, destaca la de Matthew Rhys en su complejo papel introspectivo de transformación sentimental y emocional…

Destaca también en el filme, la animadísima música y emotivas canciones del compositor Nate Heller -hermano de la directora Marielle Heller-, rememorando la polifacética creatividad de Fred Rogers, educador, actor, músico…

Francisco Montero.