Política sin Humanismo y Resiliencia                        

AÚN ESTOY AQUÍ 

     -Cartel español del film.-

 La historia lo demuestra, las dictaturas políticas, los regímenes políticos dictatoriales, ayer y hoy -reparemos en los causantes de las actuales guerras de Ucrania, Palestina, Siria…-, siempre han sido ajenos al más esencial humanismo. 

 En la década de 1970, en la dictadura militar de Brasil, ajena al humanismo e irrespetuosa con los fundamentales Derechos Humanos, se cometieron atrocidades que, por la literatura y el cine, aún conocemos precisamente ahora y aquí… 

 Es el tema que trata el brasileño Marcelo Rubens Paiva en su obra biográfica familiar y acerca del régimen brasileño del momento histórico, en su narración literaria Aún estoy aquí … 

 Obra que ha sido exitosamente llevada a la pantalla por el cineasta -tambien brasileño- Walter Salles en su emocionante filme homónimo, biopic o filme de docuficción, documental y argumental, galardonado en los últimos premios Oscars. 

 El novelista, dramaturgo y guionista Marcelo Rubens Paiva (Sao Paulo, Brasil, 1959), estudió Ciencias de la Información en la prestigiosa USP, Universidad de San Pablo y en el Centro Teatral de la ciudad, además de otros estudios literarios. 

 En plena juventud, a los veinte años, en un aparatoso accidente deportivo queda tetrapléjico, y tras una intensa, esforzada y voluntariosa fisioterapia de rehabilitación, física y mental, recupera el movimiento de sus manos y escribe su primera novela -un tanto autobiográfica-, Feliz Año Viejo; obra que, con una narración desenfadada, en su temática de superar la adversidad, marcaría las claves, los temas y el estilo de su literatura… 

 Y en esas premisas, en 2015, escribe Aún estoy aquí, biografía familiar y documento social sobre el régimen dictatorial militar brasileño en la década de los años 1970. -Rubens, su padre, por sus ideas sociales, en 1971, fue secuestrado, torturado y asesinado, sin que aún se haya esclarecido del todo el caso-… No obstante, la obra no se centra en el grave documento social, sino en el ejemplar espíritu de resiliencia de su madre Eunice Paiva, esposa de Rubens. 

 Como novelista y dramaturgo, con una treintena de obras publicadas, obtuvo notable reconocimiento y fama en Brasil, llevándose algunas de ellas -como guionista, coguionista, o por sus interesantes argumentos de superación personal y social- a la pantalla: Malu en bicicleta (2011), Entonces…¿comiste? (2012), Más fuerte que el mundo (2016), Aún estoy aquí (2024)… 

El escritor y su obra Aún estoy aquí.

 -El adagio universal de “A mal tiempo, buena cara”, es una sentencia que encierra toda una filosofía de vida y el pleno sentido del espíritu humanista de la resiliencia, o de resistirse y superar la adversidad…- 

 Y similarmente, Feliz año viejo, la primera obra del tetrapléjico Marcelo Rubens Paiva, ya en sólo su título entraña ese espíritu de superación humana que narra la obra, como si se tratara de una motivadora parábola; al igual que la biográfica Aún estoy aquí, sobre el desaparecido padre Rubens, que la familia sólo volvió a ver en las simbólicas y significativas fotos o en las películas amateurs de super 8, presentes en la memoria histórica sobreyacente del filme. 

 Un filme con el que el cineasta brasileño Walter Salles -quien conoció personalmente a la familia de Rubens Paiva-, con la sugestión propia del cine, ha superado la emotividad de la obra literaria y cautivado a la generalidad de los espectadores cinéfilos, amantes del buen cine. 

 Salles, guionista, realizador y productor, quien estudió Comunicación Audiovisual en la estadounidense Universidad de California y Economía en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro, viene plasmando la formación adquirida en su larga veintena de filmes realizados, con los que ha logrado un extraordinario reconocimiento internacional. 

 Las temáticas recurrentes de sus historias, suelen tratar: del encuentro consigo mismo, de la búsqueda de la identidad personal en diversas situaciones, de la movilidad y el desarraigo en las multiculturales sociedades de hoy, cuestiones muy comunes a todos los humanos, por las que sus polifacéticos filmes gozan de gran interés y éxito… 

Walter Salles, Oscar de Hollywood por su filme Aún estoy aquí.

 Walter Salles, conjuga con maestría la comedia y el drama, la alegría y la tristeza, la felicidad y la infelicidad, la acción y la reflexión, claves antitéticas de su éxito…; por las que su filme Aún estoy aquí (2024), ha sido merecedor de diferentes reconocimientos: el prestigioso Globo de Oro a la excelencia profesional -otorgado por la Asociación de la Prensa Extranjera- y el mercantilizado Oscar de Hollywood, otorgado a la maestría de los profesionales de la industria. 

 Salles, además de los premios citados, ha sido también reconocido con los premios: Oso de Oro de Berlín y Perla del Cantábrico de San Sebastián, por su filme Estación Central de Brasil (1998); del Jurado Ecuménico de Cannes (2004) y BAFTA de Inglaterra, por Diarios de motocicleta (2005), entre otros… 

 Aún estoy aquí, situado entre los cuatro mejores filmes brasileños de todos los tiempos y entre los cinco de 2024, ha obtenido también, en ese se año, el Premio al Mejor Guion en el Festival de Venecia y el Premio Goya de España a la Mejor Película Iberoamericana, junto al Globo de Oro a la Mejor Actriz Principal, Fernanda Torres, en el papel de Eunice Paiva. 

 Fernanda Torres (Río de Janeiro, 1965), escritora columnista y novelista, y actriz de cine, televisión y teatro, nultipremiada por su dilatada trayectoria artística y creativa, se ha convertido en un icono cultural de Brasil. 

 Hija de los populares, el actor Fernando Torres y la actriz Fernanda Montenegro, está claro que, junto a la motivadora formación familiar, lleva el arte y la creatividad en la sangre; estando además casada con el cineasta, guionista, director y productor brasileño Andrucha Wadddingthon. 

 Torres, por su primera novela El fin, con más de 200.000 ejemplares vendidos, traducida a más de media docena de idiomas y llevada a la televisión brasileña en una miniserie, obtuvo con ésta popularidad y prestigio.

Fernanda Torres, protagonista de Aún estoy aquí.

    Fernanda Torres, como escritora y novelista muy identificada con los resortes que mueven la sensibilidad de los personajes, ha logrado una impresionante creación de su personaje Eunice Paiva, pletórico de sutilidad, emociones y sugerencias, esencial atractivo del filme Aún estoy aquí. 

 El filme, narrado en un intrigante flash back, o salto atrás en el tiempo, en el que se rinde homenaje al cine y a los medios de comunicación social -que tanta importancia tuvieron en la revolución cultural y social latinoamericana-, por sus valores de ser conciencia y testigos de la historia, provocan una profunda reflexión sobre la política sin humanismo y la resiliencia reales, del presente y del futuro. 

 En resumen, Aún estoy aquí es un sugestivo y sugerente filme sobre la memoria histórica -de Brasil o de cualquier otro país-, que ninguna amnesia, alzhéimer, ni silencio político dictatorial alguno, pueden borrar. 

 Francisco Montero.

 

Neurosis y serenidad 

 MI ÚNICA FAMILIA

-Cartel español del film.-

 En las grandes urbes de las sociedades contemporáneas, a medida que avanza el desarrollo y el progreso, la complejidad de vivir, las persistentes insatisfacciones cotidianas, el estrés…, avanzan también los desequilibrios psicológicos y las enfermedades mentales, males crecientes de nuestro tiempo, de los que ni las personas ni las sociedades pueden sustraerse. 

 Son males que no sólo desequilibran y destrozan a las personas, sino que también desestructuran y rompen las familias, las sociedades… 

 El cine humanista y de valores trascendentes, acerca del bienestar, de la satisfacción de vivir, de la felicidad, o de sus generalizadas y comunes contradicciones, no podía quedar ajeno a citadas temáticas… 

 Y son éstas las que trata explícitamente, con suma claridad y dureza el magistral e impresionante filme Mi única familia -cuyo título traducido del original sería Duras verdades-, del veterano realizador inglés Mike Leigh. 

 El médico escocés William Cullen (1710-1790), según los tratados de neurología, fue el primero en utilizar el término de neurosis, al estudiar y tratar los trastornos sensoriales del sistema nervioso. 

 Más tarde, el austríaco Sigmund Freud (1856-1939), Padre de Psicoanálisis, incorporaría la neurosis a sus estudios y terapias. Siendo este personaje por sus investigaciones muy tratado por el cine; véase en este blog nuestra reseña (16 de Junio de 2024), sobre el filme La última sesión de Freud. 

 Pues bien, desde William Cullen y Sigmun Fred, el tema de la neurosis y sus consecuencias personales y sociales, humanistamente, el realizador inglés Mike Leigh, ha sido, sin lugar a dudas, quien con mayor claridad y explicitez ha tratado el tema de la neurosis en su minucioso y original filme Mi única familia, acerca de las secuelas cotidianas que citada patología causa en nuestras sociedades contemporáneas. 

William Cullen y Sigmund Freud.

 Aunque Mi única familia, trata la historia de dos hermanas, un esposo y prole, hijo e hijas, en el fondo es el tema de dos familias totalmente diferentes, contrapuestas: una de ellas serena, complaciente, integrada, a gusto con su realidad y vivencias; la otra neurótica, desquiciada, desintegrada, a disgusto con la realidad que le ha tocado vivir. Es decir, dos miradas muy realistas, contrapuestas, de las complejas sociedades de hoy… 

 En realidad, ambas familias vienen determinadas por las influyentes y diferentes personalidades de las dos hermanas, cuyas caracteriologías, se remontan, en el filme, a las primeras vivencias de sus años infantiles que marcarían sus futuros -como aduce Freud en sus teorías del psicoanálisis, acerca de los determinismos de los primeros años de la vida-… 

 No obstante Mi única familia, no es un filme marcadamente coral, acerca de las dos familias, sino un “Filme de Actor” -actrices-, que se centra introspectivamente, minuciosamente, en las diferenciadas personalidades de las dos hermanas: Pansy -Pensamiento- y Chantelle. 

 Destaca sobremanera en el guion y en la interpretación, el protagonismo y el papel de Pansy, la hermana neurótica que nos familiariza con las patologías y secuelas actuales: estrés, insatisfacción, rupturas personales y familiares, angustias, miedos… 

 Como puede saberse, un filme de actor o actriz no es un filme estelar, del “star system”, llamado al lucimiento de su protagonista; contrariamente, en este filme -al igual que ocurre a tantas personas en la realidad, que les toca asumir un papel desgraciado, repelente y odioso-, Pansy es la hermana neurótica que con todo el mundo choca, provocando el rechazo y el desprecio… 

 No obstante, su protagonista, la genial actriz Marianne Jean-Baptiste, por su expresivo papel, es, después del guion, el principal atractivo del filme, por el que ha sido reconocido y premiado en numerosos certámenes y festivales de cine; Jean Baptiste ha logrado una interpretación magistral de Pansy, que a todos los públicos impresiona y emociona. 

Marianne Jean-Baptiste, en el papel de Pansy -Pensamiento-.

 La británica Marianne Jean-Baptiste, guionista, directora y actriz de cine, televisión y teatro, se formó en la Real Academia de Arte Dramático de Londres y ha interpretado unos cuarenta papeles en el cine y más de una veintena en la televisión. 

 Adquirió prestigio, reconocimiento y fama, por su papel de Hortense -joven negra de padres adoptivos, hija natural de madre soltera-, en el filme Secretos y Mentiras (1996), siendo nominada como Mejor Actriz de Reparto a los Premios Globos de Oro, Círculo de Críticos de San Francisco, Academia Británica de las Artes del Cine y la Televisión -BAFTA- y Oscar de Hollywood. 

 Ya veterana actriz, su consagración definitiva en la interpretación, la ha conseguido en el filme Mi única familia (2024) -en el que interpreta el papel de Pansy, madre de familia, neurótica-. Con el que ha sido reconocida como Mejor Actriz Protagonista por la Asociaciones de Críticos de Cine de San Diego, San Francisco y Estados Unidos, entre otros. Siendo dirigida en ambos filmes por el experto en dirección de actores y actrices Mike Leigh. 

 El guionista, director de cine y teatro, Mikel Leigh, estudió en la Escuela de Cine de Londres y en la Real Academia de Arte Dramático de esta ciudad. Tras sus inicios como director teatral y algunos años compatibilizando teatro, televisión y cine, irrumpió de lleno en el largometraje con temáticas centradas principalmente en las clases trabajadoras londinenses; a las que bien conocía, dado que su padre, médico, ejerció en un barrio obrero de la ciudad. 

 Es de interés ese dato familiar, puesto que marcaría las temáticas recurrentes sobre las clases sociales obrera y media, de la mayor parte de su obra, al conocer por su padre las preocupaciones, vivencias y problemas de las familias que a diario como médico trataba. 

 Con un dilatado historial de una veintena de obras de teatro dirigidas -no conocidas fuera de Inglaterra- y otras tantas de televisión y cine, adquirió, gran prestigio internacional con su obra cinematográfica, por la que sería premiado en los principales festivales europeos de Londres, Cannes, Venecia… 

Mike Leigh, veterano director de Mi única Familia.

 Entre sus filmes más conocidos destacan: Naked o Indefenso -1993, sobre el consentimiento sexual y las falsas denuncias de violación, Premio Mejor Director en el Festival de Cannes-; el anteriormente citado Secretos y mentiras -1996, Palma de Oro en Cannes-; El secreto de Vera Drake -2004, drama sobre una familia muy humilde y los abortos clandestinos-, Premio León de Oro en el Festival de Venecia… Contando también por toda su obra con la distinción de Caballero de la Orden Oficial del Imperio Británico, entre otros reconocimientos. 

 Pese a sus aparentes contradicciones, crudeza y realismo, con el cine de Leigh, se identifican y familiarizan, la generalidad de los espectadores y a ello debe su popularidad, estima, reconocimiento, fama… 

 Aunque en una lectura denotativa de Mi única familia pueda parecer que el filme es una dura denuncia de la conducta tóxica, corrosiva, inaceptable y repudiable de una mujer neurótica y desquiciada; contrariamente, atendiendo a teorías del psicoanálisis, el filme, en su final fundido a negro, pero abierto a polisémicas interpretaciones, bien puede ser una amable conmiseración acerca de los males que aquejan a las sociedades de hoy… 

 Francisco Montero.

                 Trascendencia contra Aceleración

 EL DINERO 

 -Cartel original del film.-

  Hemos indicado en reiteradas ocasiones que uno de los signos más representativos de nuestro tiempo es la aceleración. Vivimos demasiado deprisa, vertiginosamente, con la intención de conseguir rápidamente logros inmediatos en todas nuestras metas… 

 Y sin lugar a dudas, uno de los elementos aceleradores de esa carrera vertiginosa sea la rentabilidad de nuestras dedicaciones, el poder del dinero, que al no lograrse frena tantas carreras. 

 Éticamente, los valores universales, verdad, bondad y belleza y su trascendencia, suelen verse afectados, malbaratados, con frecuencia, por esa prisa de vivir. 

 En los medios de comunicación, literatura y cine, tan atenidos a la moda de la rentabilidad, pocas obras permanecen en candelero, en cartel, más de una breve temporada. No obstante, filmes magistrales de valores humanistas como El Dinero, del cineasta francés Robert Bresson -basada en el relato El cupón falso de León Tolstói-, a través de las filmotecas y bibliotecas, sí desafían a la aceleración; reivindicando el arte de la trascendencia… 

 Acaso por su carácter anarquista, al controvertido humanista social, cristiano y gran escritor ruso León Tolstói, considerado uno de los mayores literatos de la historia universal, propuesto en varias ocasiones durante la primera década de los años 1900, a los Premios Nobel de Literatura y de la Paz, no se le llegaron a otorgar citados reconocimientos. 

 Tolstói prolífico autor realista de más de setenta obras: cuentos, novelas, ensayos, obras educativas y religiosas, entre otras temáticas, alcanzó la celebridad con sus novelas Guerra y Paz (publicada inicialmente en fascículos entre 1865-1869) y Ana Karénina (1875-1877). Otras conocidas obras suyas fueron La sonata de Kreutzer (1889), Resurrección (1899), y El cupón falso (1911). Todas ellas llevadas al cine en diferentes ocasiones, por lo que a Tolstói se le considera como escritor clásico muy cinematográfico. 

 Su obra maestra religiosa, considerada obra cumbre del pensamiento cristiano del autor, censurada en Rusia y publicada en Alemania (1894), fue El reino de Dios está en vosotros -duro alegato contra quienes hacen las guerras-, de la que Mahatma Gandhi dijo: “Me abrumó y dejó una impresión imborrable”… 

León Tolstói, retrato de Ilya Efimovich (1887).

  Sobre León Tolstói, el cineasta estadounidense Michael Hoffman realizó el filme biográfico La última estación (2009), muy reconocida por sus interpretaciones, para los Premios Sindicato de Actores, Globo de Oro y Oscar, contribuyendo a un mejor conocimiento del escritor en el cine, al igual que las múltiples versiones de Guerra y Paz y Ana Karénina, llevadas a las pantallas. 

 Dado el extraordinario reconocimiento internacional del escritor humanista y su obra en el cine, en Francia, el prestigioso cineasta -también religioso y humanista- Robert Bresson, se interesaría por el autor adaptando magistralmente el universal tema de El cupón falso en su reflexivo filme El Dinero; profundizando en los problemas vivenciales, sociales y morales, para el bien y para el mal, del poderoso medio de interrelación humana, de todos los tiempos y lugares… 

 El guionista, director y productor de cine Robert Bresson (1901-1999), no tuvo una filmografía muy extensa pero sí intensa y de profunda significación estética y ética para el séptimo arte; el genial director de la Nouvelle Vague Francesa y escritor de Cahiers du Cinema, Jean-Luc Godard, le caracterizó perfectamente: “Él es el cine francés…” 

 Con su docena de largometrajes realizados como guionista y director obtuvo los mayores reconocimientos en los Festivales Internacionales de Cine de Europa: En Berlín, Oso de Plata por su filme El diablo, probablemente (1977); en Cannes, Palma de Oro al Mejor Director por sus filmes Un condenado a muerte se ha escapado (1957), y El Dinero (1983), y Gran Premio del Jurado por su filme El proceso de Juana de Arco (1962; en Venecia, Premio Internacional, Premio de la Oficina Católica Internacional del Cine y Premio de la Crítica Italiana por su filme Diario de un cura rural (1951), Mención Especial, Premio New Cinema y Premio San Jorge por su filme Al azar de Baltazar (1966), Premio Secciones Paralelas por su filme Mouchette (1967), y León de Oro Honorífico (1989) por su trayectoria cinematográfica; en San Sebastián, Concha de Plata a la Mejor Dirección por su filme Una Mujer dulce (1969), entre otros… 

Robert Bresson, minucioso y detallista realizador en un rodaje.

 Robert Bresson, quien antes que cineasta fue pintor y fotógrafo, declarado jansenista cristiano, admirador del ascetismo y misticismo del escritor Georges Bernanos, trató esos temas en su filme citado Diario de un cura rural, basado en la novela homónima del escritor, quien influiría en lo sucesivo en su forma de hacer cine. 

 Tras alistarse en el ejército francés en los inicios de la Segunda Guerra Mundial, fue apresado en 1940 y llevado a un campo de concentración alemán, cuyas vivencias le valdrían posteriormente para realizar el filme Un condenado a muerte se ha escapado, y alentar su idiosincrasia humanista. 

 Bresson, con su reducida obra, no sólo revolucionó por sus temáticas humanistas la ética del cine francés, sino que también, estéticamente, revolucionó su lenguaje, considerándosele “Padre del Lenguaje del Cine Moderno y Maestro de la Nueva Ola Francesa”. 

 Estéticamente, la narrativa de Bresson se caracteriza por su lenguaje austero, sobrio, pletórico de sugerencias y significados, que confieren a sus filmes poesía y motivaciones para una profunda reflexión… 

 Su lenguaje ha contribuido a confirmar la conocida confrontación de: “Los realizadores americanos llevan el cine en la sangre y los directores europeos en la mente y la imaginación…” 

 La narrativa del director es rica en: sugerentes elipsis, simbólicos y significativos planos de detalle, introspectivas tomas para penetrar en los pensamientos y sentimientos de los personajes, escuetas ambientaciones para no distraer de las vivencias profundas de los protagonistas y actores -en muchas ocasiones, no profesionales-… 

Expresivo y significativo plano de El Dinero.

 Éticamente, como pensador religioso jansenista, a Robert Bresson le preocupaban: la conciencia personal y social, el bien y el mal, la moralidad y el pecado, la culpa y la redención…; cuyas temáticas, entre otras, trata en sus filmes, caso de El Dinero. 

 Buena parte de la literatura, el cine y los medios audiovisuales de hoy se preocupan preferentemente por temáticas de acción, con un acelerado y trepidante tratamiento de thriller, para satisfacer los gustos de las sociedades del momento induciéndolas a la inmediatez y la irreflexión… 

 Contrariamente, la literatura de Tolstói y el cine de Bresson, obras universales e intemporales, de todo lugar y tiempo, de plena actualidad, motivan vivencias positivas más reflexivas y trascendentes. 

 En estos momentos en que tantos psicólogos y sociólogos coinciden en asegurar que el dinero es el principal dios al que rinden culto todas las sociedades, revisar novelas como El cupón falso de Tolstói, o filmes como El Dinero de Robert Bresson, que se encuentran en numerosas bibliotecas y filmotecas, resulta de sumo interés. 

 Francisco Montero.

 

 

LA FLOR DEL BURITÍ 

-Cartel del film.-

 El cine documental-argumental, o docuficción, aunque no sea un género predilecto del gran público y de multitudinarias expectaciones, sí viene ganándose la atención de los veteranos amantes del cine y de los jóvenes cinéfilos… 

 Es el caso del exótico filme indigenista La flor del burití, multipremiado en los prestigiosos festivales internacionales cinematográficos (2023) de: Cannes, Francia, -Premio Un Certain Regard-Prix d´Ensemble-, Múnich, Alemania, -Premio Cine-Visión- y Huelva, España, -Premio Especial del Jurado-; además de otros importantes reconocimientos de carácter antropológico y social. 

 El filme, con alto valor humanista, pedagógico y poético, de manera minuciosa, emotiva y realista, narra concisamente una historia del pueblo indígena de los Krahô en el corazón de la selva amazónica de Brasil… 

 Conviene recordar que el expresivo título de La flor del burití, alude a que para los indígenas la palmera burití tuvo la significación de “árbol de la vida”… 

 Este filme, a través de los escudriñadores e intrigantes ojos de una niña, hija del indígena Patpro, que mira con miedo y esperanza el futuro de su tribu, describe tres cruciales momentos de la historia de su pueblo y sus gentes indígenas, avocadas irremisiblemente a la civilización de su entorno etnográfico, y al progreso de su país, pero sin una paulatina y adecuada preparación para ello. 

 El interesante guion de La flor del burití, ha sido escrito por el matrimonio de cineastas Joao Salaviza y Renée Nader Messora, basados en relatos de algunos de sus protagonistas y actores indígenas krahô: Henrique Ihjac Kraho, Ilda Patpro Kraho y Francisco Hyjno Kraho, los que confieren autenticidad, verismo y realismo a la vertiente documental del filme. 

 El cineasta guionista, director, editor y productor portugués Joao Salaviza (Lisboa, 1984), es hijo de cineastas -Edgar Feldman, director, y madre productora-, por lo que lleva el cine en la sangre. Se formó en la Escuela Superior de Teatro y Cine del Instituto Politécnico de Lisboa y en la prestigiosa UBA, Universidad de Buenos Aires de Argentina, que cuenta con las especialidades de Ciencias de la Comunicación y Diseño de Imagen y Sonido. 

Joao Salaviza y Renée Nader Messora, realizadores de La flor del burití.

 Salaviza, tras un período inicial en la publicidad se dedicó al cortometraje, obteniendo extraordinario reconocimiento y prestigio con una decena de cortos realizados. Entre ellos: Dos personas (2004), Premio Mejor Realización en el Certamen de Cortometrajes de Oeiras y Premio de Mejor Ficción en el Hyperion de Budapest; Arena (2009), Palma de Oro en el Festival de Cannes; Rafa (2012), Oso de Oro en el Festival de Berlín… 

 Su primer largometraje El canto de la selva. Lluvia y cánticos en la aldea de los muertos (2018) codirigida con Renée Nader Messora, en el que ya aborda la temática indigenista de los krahô, obtuvo los reconocimientos: Premio Especial del Jurado-Una Cierta Mirada, en el Festival de Cannes y Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine latinoamericano de Mar del Plata de Buenos Aires. 

 Renée Nader Messora, licenciada en cinematografía por la Universidad de Buenos Aires, se inició en el mundo del cine como asistente de dirección en varios países de latinoamerica y Portugal, asumiendo tareas de encargada de cámaras, cuya experiencia le valdría para dirigir la fotografía de La flor del burití. 

 En 2009, conoce y se relaciona con una comunidad indígena krahô, colaborando con ella en diversos cometidos culturales y de formación, lo que motiva la guionización y realización de su primer filme El canto de la selva, junto a su esposo Joao Salaviza… 

 Su sensible mirada femenina, humanista, naturalista y ecologista de las formas de vida del pueblo Krahô, no pasó desapercibida en el Certamen Internacional de Cine de Cannes, por lo que el filme fue reconocido con citado Premio Especial del Jurado “Una Cierta Mirada”. 

 La atrayente forma de tratar y filmar los pensamientos, sentimientos, vivencias, costumbres, fiestas, rituales…, de las gentes de las tribus indígenas, en el filme, despertaron la atención en diversos festivales, siendo distinguido con una veintena de reconocimientos… 

Significativo fotograma de los rituales krahô.

 Del guion tripartita, indígenas krahô y matrimonio de cineastas, y de las entrevistas efectuadas a Renée Nader Messora y Joao Salaviza, se deduce prevalece en la historia del filme el pensamiento y la mirada feminista de Messora… 

 La historia del pueblo krahô se narra, divida en tres partes y en el transcurso de tres tiempos diferentes, a través de la elevada mirada de la niña indígena que parece escudriñar inquisitiva y poéticamente en las alturas -cielo, copas de los árboles, vuelo de los pájaros…-, se inicia, en La flor del burití, con un parto embrionario -símbolo ancestral de los orígenes remotos desconocidos del pueblo indígena-, al que sigue una masacre de la tribu por los ocupantes blancos en 1940, y concluye con una manifestación reivindicativa de los derechos de su cultura, sus vidas independientes, su territorio, frente a la moderna y avanzada Brasilia, durante el gobierno de Bolsonaro, contrario a los movimientos indigenistas… 

 El filme es una sensible  mirada que, acaso, pretende hacer reflexionar profundamente acerca de los valores del progreso y desarrollo de las avanzadas sociedades actuales en contraposición a los valores naturales de las sociedades más primitivas, pero quizás más felices. 

 En las sociedades y comunidades de hoy, en las que tenemos la sensibilidad y el sentido de la vida, coartados y acorralados por los angostos, estrechos y artificiosos espacios vitales de las ciudades actuales, contemplar los escenarios abiertos y sin límites de la naturaleza en el filme La flor del burití, es, ciertamente, una relajante y balsámica mirada para la sensibilidad y el espíritu. 

 Aunque el filme tiene un protagonista colectivo claro, el pueblo krahó, no se han descuidado en él los aspectos y matices de la personalidad individual del indígena, de sus gentes: sus preocupaciones vitales y de trascendencia, sus tareas cotidianas, sus relaciones personales… 

 En esta vertiente, documental y de ficción, el filme, interpretado por auténticos actores indígenas es rico en primerísimos planos que logran penetrar en la psicología de sus personajes y trasmitir expresivamente sus vivencias, pensamientos, sentimientos… 

Expresiva imagen del protagonista indígena del filme.

 En su introspección humanista, La flor del burití, plantea también una sutil reflexión acerca del dualismo dialectico existente entre la vida materialista del desarrollo y progreso y la vida menos artificiosa y más natural; así como sobre el afán de poder político individualista en las sociedades democráticas actuales y las formas de regirse, al generoso servicio de sus comunidades indígenas de antaño. 

 La flor del burití, incidiendo en la similar temática del pueblo Krahô, que su precedente El canto de la selva, es un filme de mayor riqueza y profundidad descriptiva, social e ideológica, acerca de la defensa de los pueblos indígenas, tantas veces masacrados por los colonizadores de sus territorios, sus culturas, sus costumbres y formas de vida. 

 La historia, Madre y Maestra dando lecciones que nunca se aprenden, adquiere en La flor del burití, un acentuado interés, refrendado en los festivales de cine más importantes del mundo en los que el filme se ha presentado, aunque en España su difusión en las grandes salas comerciales, está siendo muy exigua. 

 Francisco Montero.

 

EL APOCALIPSIS DE SAN JUAN

-Cartel del film.-

  Últimamente, acaso por la escasez de temáticas netamente originales, auténticas, viene proliferando en todas las bellas artes, en el cine, la docu-ficción; es decir, una realización documental y argumental que adquiere categoría de género y estilo. 

 En éste género cinematográfico -como La Virgen de Guadalupe, La última sesión de Freud, La virgen roja, reseñados en este blog-, se inscribe el filme El Apocalipsis de San Juan, ópera prima de Simón Delacre, acerca del último texto profético del Nuevo Testamento, con el que finaliza la Biblia. 

 Pronto se visionará en las salas de cine de España -atendiendo a las solicitudes que tenga-. Este filme que se estrenó en Colombia, tuvo una primera versión en YouTube, y continuó obteniendo notorios éxitos en los cines de los países latinoamericanos de habla hispana. 

 El tema profético de El Apocalipsis de San Juan, aunque no trate de documentar hechos reales acaecidos, sí alude en su ficción a sucesos pasados o futuribles como los de: trágicas epidemias, desastres de las grandes guerras mundiales o las actuales, las catástrofes atmosféricas y de la naturaleza… 

 El Apocalipsis de la Biblia, ha sido interpretado -connotativa y polisémicamente- como un libro complejo, enigmático, misterioso, lleno de horrores y amenazas, sobre un supuesto inminente fin del mundo, que puede producir miedo; un libro difícilmente comprensible, “fantasioso, de extrañas visiones y alucinaciones”, según las opiniones del vallisoletano Fernando de Orbaneja -Premio Internacional de Pensamiento y Ensayo Aristóteles, 2014-, en su Lectura impía de la Biblia (Editorial Sial Pigmalión, 2016); contrariamente, el sacerdote católico Leonardo Castellani en su libro El Apokalypsis de San Juan (1963), lo interpreta como una “profecía de esperanza y consuelo”… 

 El argentino Leonardo Castellani (1899-1981), prolífico y prestigioso periodista y escritor de ensayos filosóficos, sociopolíticos y religiosos, poesía, novelas y cuentos, tiene un nutrido historial de una cuarentena de títulos, entre los que destaca su citada interpretación, “para la comprensión del Apocalipsis”, en la que se ha inspirado Simón Delacre para la realización de su filme. 

 Castellani estudió filosofía, teología y psicología, interesándose por la pedagogía y ejerciéndola, cuyo carácter y espíritu didáctico manifiesta en su obra. Títulos destacados en ella, junto al citado, son: La reforma de la enseñanza (1939), Las Parábolas de Cristo (1959), De Kierkegaard a Tomás de Aquino (1973), Psicología humana (1995)… 

Leonardo Castellani y su libro

 Para muchos espectadores, religiosos o no, del siglo XXI, de hoy, no familiarizados con las lecturas proféticas, simbólicas, metafóricas, de la Biblia, tanto la interpretación del filme de Simón Delacre, como los textos del Apocalipsis de San Juan -últimas veintidós narraciones con las que finaliza el Nuevo Testamento-, en los que se basa, resultarán difíciles de interpretar y entender… 

 A referidos espectadores, antes de visionar el complejo filme, seguro les sería de interés, para su mejor interpretación, leer alguno de los excelentes textos existentes de la traducción de la Biblia de Jerusalén, realizada por la Escuela Bíblica y Arqueológica Francesa del lugar. Su Edición Española (de 1988), traducida por un acreditado equipo de colaboradores, dirigida por José Ángel Ubieta y Santiago García, y artísticamente ilustrada por Gustavo Doré, por sus entendibles notas explicativas resulta ideal para ello. 

 Más que una reflexión religiosa o teológica sobre el complejo Apocalipsis Bíblico, el cineasta Simón Delacre, en sus entrevistas ha manifestado en diversas ocasiones que, como amante de la fotografía y la ciencia ficción, lo que pretende principalmente en su filme es un bello espectáculo audiovisual, en el que centra sus esfuerzos, siguiendo las interpretaciones de los sugerentes textos del teólogo religioso Leonardo Castellani. 

 El cineasta argentino Delacre, guionista, realizador y productor -fundador de Caravel Films-, declarado religioso católico, estudió cinematografia y fotografía, dedicándose inicialmente a la realización de audiovisuales y cortometrajes de ciencia ficción, de la que manifiesta ser un fanático; lo que explica su interés por el Apocalipsis… 

 Aunque el genero cinematográfico de la ciencia ficción -política, espacial, de seres extraordinarios, la vida en otros mundos…- no tiene una especialidad de Ciencia Ficción Religiosa, a Delacre quizá se le pueda considerar como un pionero del naciente género en el cine. 

Simón Delacre, director de El Apocalipsis de San Juan.

 No obstante, dado que el Cine Religioso es un género muy controvertido, habiendo sido definido por algunos tratadistas como “aquel que se preocupa esencialmente por la trascendencia y dimensión espiritual de la persona”, Delacre, en sus entrevistas, siempre refiere la dimensión religiosa de su filme.

 El gran maestro del Cine Religioso, Ingmar Bergman, en su filme El séptimo sello (1957), preocupado por la trascendencia personal del hombre, presenta una simbólica partida de ajedrez entre un caballero cruzado y la muerte, efectuando referencias al Apocalipsis y anticipando incipientemente la ciencia ficción religiosa… 

 La versión inicial del filme El Apocalipsis. La revelación de Jesucristo a Juan -completo, que puede visionarse en YouTube-, trata los veintidós capítulos de los textos bíblicos; pero la versión para la gran pantalla del cine última se realizará en una trilogía de la que, según Delacre, ahora sólo se visiona una primera parte… 

 Esta primera parte para el cine trata principalmente de las simbólicas Cartas de Juan en su Apocalipsis a las siete iglesias de Asia -Éfeso, Esmirna, Pérgamo, Tiatira, Sardes, Filadelfia y Laodicea-, y del simbolismo de los cuatro jinetes y las calamidades -Epidemia, Guerra, Hambre y Muerte-, aplicadas a un convulso y trágico mundo más reciente… 

 Las cartas a las siete iglesias de Asia, en la dimensión profética del filme, aluden metafóricamente a los 7 Espiritus de Dios muy tratados en la Biblia -Espíritu del Señor, Sabiduría, Inteligencia, Consejo, Poder, Conocimiento, y Temor-, acaso pretendiendo que el espectador reflexione acerca de su aplicación a las complejas y controvertidas sociedades de la actualidad… 

 Al igual que el enigmático, misterioso e incomprensible Apocalipsis Bíblico, para la mayoría de los lectores no familiarizados con la Biblia, el filme de Simón Delacre, puede interpretarse de manera connotativa y profunda por sus textos y locuciones, y también denotativamente en una lectura más inmediata de sus espectaculares y sorprendentes imágenes. 

 Delacre, ha manifestado que la revisión y contemplación de numerosas obras maestras de la pintura clásica sobre la Biblia y el Apocalipsis le han inspirado para la realización de muchas de las imágenes de su filme. 

 La generalidad de los espectadores, seguro apreciarán su belleza iconográfica y artística como cine de ciencia ficción, con espectaculares efectos especiales… 

Imaginario y metafórico fotograma de los cuatro jinetes del filme.

 En los textos de la ciencia ficción suele ser lugar común la regresión y anticipación que, valiéndose de la imaginación, explican el pasado y predicen el futuro, profetizando un más allá de la realidad…

 Siendo clave creativa del género la imaginación, para predecir nuevas realidades; aunque del texto bíblico trágico y dramático del Apocalipsis de Juan, de hace veinte siglos, la parusía de Jesús y el fin del mundo no se han cumplido, el filme de Delacre, en sus efectos visuales creativos, sí es un prodigio de imaginación, merecedor del prestigioso premio de ilustración Pura Belpré. 

 Creativamente, destacan en el filme: una sugestiva música que enfatiza la espectacularidad de sus imágenes, obra del joven guitarrista, compositor y arreglista, mexicano Octavio de Moraes; la convincente dramatización del personaje San Juan, por el veterano actor Ricardo Castro; y la expresiva narración, en español, del locutor y actor de doblaje Carlos Secilio. Matices éstos que acentúan el interés por la interpretación y entendimiento del complejo texto del Apocalipsis.

Francisco Montero.

 

LA VIRGEN ROJA 

-Cartel del film.-

 Los movimientos de la Historia, como confirma su trayectoria, suelen ser pendulares, al igual que los de los relojes de antaño… Asimismo, poco nuevo, suele haber bajo el sol -como ya predijo la Biblia -Eclesiastés, 1,9-11-… 

 Sobre el tema del sugestivo filme humanista que hoy reseñamos existe abundante documentación: en el Centro de Información Documental de Archivos (CIDA, España), en el Archivo General de la Administración (Alcalá de Henares, Madrid) y en el Centro Documental de Memoria Histórica (Salamanca), se encuentran documentos de la biografía personal y de las publicaciones de Hildegart Rodríguez -personaje del filme que, argumentalmente trata, La virgen roja-; relación de publicaciones sobre ella, entre las que destaca Mi querida hija Hildegart de Carmen Domingo (Editorial Destino, 1970); Historial del sumario del horrible filicidio perpetrado por la propia madre Aurora Rodríguez… 

 Y también, entre otros, datos acerca del filme Mi hija Hildegart (1977), dirigido por Fernando Fernán Gómez y guionizado por el célebre y popular novelista y guionista español Rafael Azcona… 

 Como detalla su documentación biográfica, la madrileña Hildegart Rodríguez Carballeira, fue una joven escritora, periodista y feminista excepcional: niña prodigio que a los tres años ya sabía escribir, a los ocho hablaba seis idiomas, y a los diecisiete concluyó sus estudios de derecho en la Universidad Central de Madrid, llegando a ser miembro de la Academia de Jurisprudencia y Legislación de la capital. 

 Dada su ideología social y activista, militó en el PSOE. -del que sería expulsada por discrepancias-, vinculándose después al Partido Republicano Federal; siendo apodada y conocida como “la virgen roja”. -Sobrenombre con el que antes se conoció a la popular heroína francesa Louise Michel (s. XIX), y daría título a la multi editada novela gráfica La virgen roja (Ed. La Cúpula, 2016), de Mary M. y Bryan Talbot. 

 Escribió y publicó sus ideas vanguardistas y feministas en diversos medios: Renovación, El Socialista, La Libertad, El Heraldo de Madrid y Gaceta Médica, entre otros. Publicando más de una quincena de libros, entre cuyas monografías destacan: El problema eugenésico (1930), La educación sexual, Sexo y Amor y La Revolución Sexual (1931), Maltusianismo y Neomaltusianismo, El control de la natalidad y ¿Se equivocó Marx…? ¿Fracasa el Socialismo? (1932), Historia de la Prostitución. La Prostitución y sus Consecuencias (1933)…; dejando marcada huella de su pensamiento progresista y avanzado. 

Hildegart Rodríguez.

 Aunque muchos de los aspectos documentales de su joven pero intensa biografía humanista, son tratados en el filme La virgen roja de Paula Ortiz, resulta de particular relevancia e interés el tema mítico de Pigmalión que alienta toda la obra. Recordemos algunos artistas y personajes creativos -entre ellos, el genial escultor Miguel Ángel- que, descontentos con su obra, la destruyen… 

 Fue la causa del trágico filicidio cometido por su madre Aurora Rodríguez Carballeira que, paranoica, al ver que la rebelde hija, se alejaba de sus dictatoriales y autoritarias intenciones, de hacer de ella una mujer ideal, decidió arrebatarle la vida… 

 En el filme -como en la vida real-, tienen también especial interés, la agresividad, la violencia y el exacerbado feminismo -¿o antifeminismo?- de Aurora, madre de Hildegart, que la concibió intencionadamente en una relación liberal, pretendiendo engendrar a una idealizada “mujer del futuro”. 

 La zaragozana Paula Ortiz, guionista, directora, productora y profesora de cine en distintos centros de estudios -Universidades y Escuelas de Cine de Zaragoza, Valladolid, Madrid, Barcelona…-, aunque no lo pretenda, sus filmes argumentales tienen un marcado carácter didáctico y documental...

 Licenciada en Filología Hispánica y formada en cine en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad de Nueva York y en guion en la prestigiosa UCLA., Universidad de California en Los Ángeles, cuenta con una preparación internacional y cosmopolita, que la advoca a realizar filmes de temática un tanto universal y de interés social y humanista, de todo tiempo y lugar… 

 Por ello, con su concisa filmografía -de sólo cinco filmes, hasta ahora-, pero de extraordinario interés humanista y social internacional, está logrando singular reconocimiento y éxito como cineasta. 

Paula Ortiz, directora de La virgen roja.

 Entre sus diferentes trabajos cinematográficos y televisivos, cortometrajes y spots publicitarios, son especialmente reseñables: De tu ventana a la mía -su primer largometraje, de temática feminista, acerca del fracaso en el amor y la resignación de tres mujeres, premio Pilar Miró, en la SEMINCI de Valladolid (2011), La novia -basada en la obra Bodas de sangre, de Federico García Lorca, Medalla al Mejor Guion Adaptado del Circulo de Escritores Cinematográficos (2015) y Teresa -drama, de carácter biográfico, sobre Santa Teresa de Jesús, adaptación de la la obra teatral La lengua en pedazos de Juan Mayorga (2023)… 

 Prosiguiendo en su cine de acentuado feminismo y de carácter realista-documental, aborda la popular y controvertida historia de Hildegart Rodríguez, La Virgen roja (2024), que está teniendo notable éxito en las pantallas españolas… 

 Al ser un filme coguionizado y por ello rico en temas, al igual que en la contradictoria realidad de Hildegart y su madre, en la que se basa, es a su vez feminista y antifeminista; frente al activismo ideológico de la hija y sus comprometidas actitudes vanguardistas en los valores de la mujer, su madre, Aurora, con su carácter impositivo y dominante, agresivo y violento, viene a ser antítesis del feminismo. 

 Desde una perspectiva psicológica y sociológica, La virgen roja, al igual que los demás filmes de la realizadora, cuenta con una sutil riqueza introspectiva en la condición humana de sus personajes y en la dimensión socio-política de éstos. Anteriormente, ya reseñamos que “Maltusianismo y Neomaltusianismo”, fue un tratado, acerca de la condición humana ideológica, política, económica y social de Hildegart Rodríguez; aspectos, entre otros, sutilmente tratados por los expertos guionistas y en la realización o puesta en imágenes del filme… 

 Como manifiestan con su minucioso y fehaciente trabajo, tanto Eduard Sola como Clara Roquet, guionistas de La virgen roja, demostrando un profundo conocimiento de la caracterología de los personajes y de la abundante documentación existente sobre la trágica historia de Hildegart y su madre Aurora Rodríguez. 

Eduard Sola y Clara Roquet, guionistas de La virgen roja.

 La coguionización de un filme, es obvio, enriquece los temas que trata al incidir sobre ellos más de un pensamiento o mirada. En el caso de La virgen roja, al existir nutrida documentación sobre su historia, ese enriquecimiento es mayor por la multiplicidad de datos que concurren. 

 Dado que Paula Ortiz, es profesora especialista en guion, en su vertiente docente, el enriquecimiento del tema, recae en su dramatismo cinematográfico o puesta en imágenes, lo que logran, guionistas y directora, en un meticuloso tratamiento genérico de thriller y drama de acción y suspense… 

 Eduard Sola, formado en la ESCAC -Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña- en la especialidad de guion, cuenta con la experiencia de una veintena de guiones para filmes de cine y televisión, de muy variada temática, entre los que destacan: Todos los caminos de Dios (Drama, 2016), Tierra quemada (Documental, 2017), El cuerpo en llamas (Serie TV, 2023), El bus de la vida (Comedia, 2024)… 

 Clara Roquet, reconocida y multipremiada guionista y directora, es muy apreciada por su capacidad de coguionista en temas internacionales, cuenta en su historial con media docena de filmes: Los días que vendrán (Drama romántico, 2019), Costa Brava, Líbano (Drama, 2021), Libertad (Premios Goya, Gaudí y del Círculo de Escritores Cinematográficos, drama, 2021)… 

 Francisco Montero.

 

MEDITERRÁNEO 

     -Cartel del film-

  Al igual que en otras temporadas estivales, como es habitual, se reducen los estrenos cinematográficos de filmes extraordinarios, de interés y de valores artísticos, sociales o humanistas, relegando las carteleras a la evasión y comercialidad… 

 No obstante, Radio Televisión Española, en su Programa “Somos Cine”, en internet, gratuito, mantiene una nutrida cartelera de filmes un tanto recientes, de éxito y valores, atenta a espectadores exigentes: cinéfilos y gran público… 

 Es el caso del filme Mediterráneo -2021-, del realizador Marcel Barrena, que trata de: las trágicas migraciones clandestinas en nuestro mar europeo, de la concienciación acerca de su grave problemática política y social y de la fundación de la ONG Open Arms -entre otros temas de valores humanos incidentes-; y que, dada la actualidad de las últimas, descontroladas y preocupantes, migraciones hacia España, Canarias, Ceuta y Melilla, es un tema de extraordinario interés, vigencia y futuro… 

 El filósofo, sociólogo y profesor americano, Herbert Marshall McLuhan, “profeta de la era electrónica”, ya en 1964 en su ensayo Comprender los Medios de Comunicación. Las Extensiones del Ser Humano, indicaba que los medios de comunicación social -radio, televisión, cine, fotografía…- estaban convirtiendo al mundo en una aldea global, donde todo se sabe… 

 Es por ello que muchas gentes de todos los pueblos y sociedades del planeta, conocedoras de las mejores formas de vida de otros lugares, no puedan contentarse con una vida condenada a la guerra, la muerte, el hambre, la enfermedad –“jinetes del apocalipsis”-, la pobreza, la miseria, la falta de recursos y de futuro…, y tengan la imperiosa necesidad de emigrar hacia un mundo mejor, como se proclama en la Declaración Mundial de los Derechos Humanos… 

 Hoy -y crecientemente mañana-, a nadie escapa que el fenómeno de las migraciones de los países subdesarrollados y pobres hacia los más ricos irá, día a día, en gran aumento. 

 En 1915, la muerte del niño de tres años Aylan Kurdi, que se rememora en el filme Mediterráneo, conmocionó al mundo… La foto de la reportera Nilufer Demir, puso su grito en el cielo y levantó acta de citada tragedia que no es sino una diminuta punta del enorme iceberg de las obligadas migraciones. -Véase en este blog nuestra reseña ¡Ayyy, Aylan…!, del 6 de septiembre de 2015-. 

Aylan Kurdi, recordado en Mediterráneo.

 Entonces dijimos. “Donde estaban hasta la muerte de Aylan -símbolo de las graves tragedias que aquejan a nuestra sociedad, al planeta…- las descomunales organizaciones mundiales: la Organización de las Naciones Unidas, ONU, con unos Derechos Humanos que ni muchos países ni iglesias han refrendado, con unas políticas para la paz y el desarme, a cuyas espaldas países miembros que se dicen “apostólicos” -progresistas-, siguen vendiendo armas que alientan el poder, las guerras, las muertes, las devastaciones, los éxodos…; la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, UNESCO, con unas políticas que no han conseguido aún implantar universalmente los principios de educación y cultura de humanización social…; la Comunidad Económica Europea, CEE, económica pero poco social, cuyos veteranos y soberanos países lideraron ancestralmente el saber, la ciencia, el progreso, el desarrollo… -¿Y la humanización…?-“. 

 Entre las diversas y polivalentes funciones sociales del cine: recrear, culturizar, formar…; en el filme argumental -pero con tratamiento en claves de documental- Mediterráneo, de Marcel Barrena, destacan dos muy significativas: concienciar acerca del problema humanista, social y político de la inmigración en los países mediterráneos y en Europa, e informar sobre las terribles tragedias que en esas aguas han sucedido y sobre el nacimiento de la ejemplar ONG Proactiva Open Arms, creada por el español Óscar Camps. 

 Conmocionado por la muerte del niño de tres años Aylan Kurdi, de su hermano Galip y de su madre Rehan -2 de septiembre de 2015, quienes huían de la guerra de Siria-, por la gran tragedia próxima a la isla de Lesbos del 28 de octubre de 2015, y por las incesantes tragedias que se suceden en el Mediterráneo, de quienes intentan llegar a Europa, huyendo de los terribles jinetes del apocalipsis, e inspirado en la encomiable labor de la fundación de citada ONG, el cineasta Marcel Barrena ha realizado el filme Mediterráneo… 

Óscar Camps, fundador de Open Arms, y Marcel Barrena, director de Mediterráneo.

 Óscar Camps, activista catalán, fundador de la ONG Proactiva Open Arms, fue reconocido como Catalán del Año 2015, por El Periódico de Cataluña, y Europeo del Año 2019, por la revista de los Estados Unidos Reader´s Digest, por su meritoria labor humanitaria de haber rescatado en el Mediterráneo, durante varios años a más de sesenta mil migrantes… 

 El cineasta guionista, director, montador, actor y escritor en la revista Fotogramas, Marcel Barrena, autor de Mediterráneo, cuenta en su historial con una quincena de filmes en los que ha participado.  

 Su primer documental Mundo Pequeño -filme humanista sobre un joven que viaja por el mundo en silla de ruedas y sin dinero-, en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam, IDFA 2012, fue galardonado con el prestigioso premio mundial Documentary Award, entre otros reconocimientos y nominaciones: premios Goya, premios Gaudy… 

 Su siguiente filme 100 metros, 2016 -también de carácter humanista, sobre la esclerosis múltiple- fue premiada por la Sociedad Española de Neurología en la Academia Nacional de Medicina, y el Premio de la ONCE Solidarios, además de otros importantes reconocimientos, siendo especialmente seleccionada para su difusión digital por Netflix… 

 Tras su estreno en 2021, Mediterráneo, ha sido uno de los filmes con más nominaciones en la historia del cine español: 10 a los Premios Gaudí, 7 a los Premios Goya y 3 a los Premios José María Forqué; siendo seleccionado para los Oscars y ganando la Medalla Platino a la Solidaridad del Círculo de Escritores Cinematográfico de Madrid y numerosos reconocimientos del público en festivales nacionales e internacionales, entre otros. 

 El filme, coproducido por numerosos entes de España y Grecia, contó con un documentado argumento de Marcel Barrena y Óscar Camps de Open Arms, siendo coguionizado por Barrena y Danielle Schleif, a quien parece ser se deben los sensibles matices feministas de la socorrista Esther, que interpreta Anna Castillo y la médica refugiada Rasha, interpretada por la actriz germana-iraní Melika Foroután. 

 Junto a Castillo, destacan en el filme las interpretaciones de sus principales protagonistas en los papeles de socorrismo de Eduard Fernández -Óscar Camps-, Dani Rovira -Gerard- y Sergi López -Nico-, además de un numerosísimo plantel de extras en los complejos papeles de náufragos y refugiados. 

Eduard Fernández, Dani Rovira y Anna Castillo, socorristas de Mediterráneo.

 Polivalente en valores artísticos y técnicos es destacable en el filme la difícil y compleja fotografía del experto Kiko de la Rica, quien -con un profuso historial de filmaciones de temáticas y estilos muy diversos- consigue impresionar y sobrecoger a todos los públicos. 

 De Marcel Barrena, desde su primer tv-movie o telefilme Cuatro estaciones -realizado para ser difundido especialmente por televisión-, de su docena de filmes como guionista o director, los dirigidos por el autor -Cuatro estaciones (2010), Mundo pequeño (2012), 100 metros (2016), Mediterráneo (2021) y El 47 (2024)-, tienen constantes temáticas acerca de los derechos y valores humanos, las gentes más humildes y modestas, los expatriados y desarraigados… 

 Mediterráneo, sin pretensiones de conmiseración sentimentalista, dada la actual, creciente y futura problemática de las migraciones que se nos avecinan y que a nadie pueden dejar indiferente, es, por tanto, un filme humanista de extraordinario interés. 

 Francisco Montero.