Espiritualidad y Humanismo Animados 

EL REY DE REYES 

 -Cartel del film-. 

 Hasta las propicias fechas de Navidad 2025, Año Nuevo y oportuno Día de Reyes, 2026, se ha prolongado en las pantallas españolas, desde mediados de diciembre, el emblemático y emotivo filme de animación surcoreano El Rey de Reyes, precedido del extraordinario éxito que tuvo en los cines estadounidenses, augurándosele, éxito mundial. 

 Aunque no es novedoso el tratamiento del tema de la vida, pasión y muerte de Cristo en el cine -recordemos, por ejemplo, el grandilocuente Rey de Reyes de Nicholas Ray (1961), el humanista El evangelio según San Mateo de Pier Paolo Pasolini (1964), el preciosista serial Jesús de Nazaret de Franco Zefiirelli (1977), o el escabroso La última tentación de Cristo de Martin Scorsese (1988)-, el reciente filme sí cuenta con la particular originalidad de estar realizado en emotivos dibujos animados y, didácticamente, con valores históricos, humanos y espirituales, dirigido a los pequeños. 

 Asimismo, el filme cuenta con el original y admirable valor artístico de estar realizado en una impresionante y conmovedora estética de realismo expresionista, que le alejan de los fantasiosos, fatuos, fútiles y sofisticados filmes de la mayoría del cine de animación espectacular y comercialista de hoy, gracias a la acertada dirección del cineasta Seong-ho Jang, basada en el famoso relato clásico Dickens. 

 Desde los primeros relatos históricos sobre Jesucristo, desde los Evangelios, de Mateo, Marcos, Lucas y Juan, hasta el más reciente e idealizado Cristo Cósmico del tratadista de la espiritualidad de la creación, Matew Fox, pasando por los cuantiosos e innumerables escritos y estudios desde todas las religiosidades y credos que se conocen, no cabe la menor duda de que, Jesucristo, es el personaje más tratado literariamente de toda la historia de la humanidad y también el más llevado al cine. 

 No obstante, tanto el relato La Vida de Nuestro Señor, de Charles Dickens, como el filme El Rey de Reyes, de Seong-ho Jang, desvelan hoy peculiaridades que les hacen diferentes y de inusitado interés para mayores y pequeños. 

 Dickens escribió el relato, como si se tratase de la más grandiosa historia jamás contada, narrándolo directamente para su novelero y fantasioso hijo Walter, con la intencionalidad de interesarle en la fe cristiana. Ordenando, además, no se diese a conocer hasta después de su muerte, como así se cumplíó; acrecentando sobremanera el escritor, con su novelesca intriga, el interés general por su lectura… 

 Referida intriga, que duda cabe, motivó la curiosidad y el interés por La Vida de Nuestro Señor, de los lectores de Dickens; datos que, muy expresivamente, ha tratado Seong-ho al llevar el relato a la pantalla… 

-Una versión libre online del relato original de Dickens -como homenaje personal del escritor a la humanidad y prologada por sus hijos-, traducida al español en 2015, por Omar García Pérez, puede descargarse aún para disfrutar de su interesante lectura, muy sencilla y amena…, en Creyentes Intelectuales.blogspot.com 

Charles Dickens y una versión española de su relato. -Dibujo de V. Medvedev y foto coloreada de Klimbim-. 

 Como escritor universal, traducido a numerosos idiomas, a las obras y vida de Charles Dickens es fácil de acceder en los registros literarios y de internet para su conocimiento, pero no tanto al de sus obras llevadas al cine, como La Vida de Nuestro Señor en el reciente filme El Rey de Reyes, que triunfa ahora en multitud de pantallas. 

 Otro de los filmes más recientes sobre la obra del escritor es La increíble historia de David Copperfield -cuyo relato escribió paralelamente al anterior citado-, filmada por el polifacético escritor, realizador de cine y televisión, Armando Iannucci en 2019, entre otras versiones. 

 Al ser la novela y el cine el género narrativo Legendario y de Aventuras, preferido por la mayoría de los públicos, las obras de Dickens han sido siempre muy llevadas a las pantallas. Además, el excepcional realismo social de la obra del escritor ha acrecentado siempre ese interés, en todas las épocas; por lo que, la mayoría de las novelas del autor han gozado del tratamiento y su adaptación, en diferentes versiones, por los grandes cineastas. Como también por ser una obra muy cinematográfica y expresiva. -Dickens siempre estuvo muy identificado con los ilustradores de su novelas y los pintorescos, idealizados, caricaturescos y conmovedores personajes que crearon-. 

 Casi dos centenares de películas han sido realizadas sobre sus novelas. Junto a las obras ya citadas, son destacables, entre otras, las numerosas versiones de: El hijo de la parroquia de Frank Lloyd (Cine Mudo, 1922), David Copperfield de George Cukor (1935), Cadenas rotas (1946) y Oliver Twist de David Lean (1948 ), -considerada su obra más emblemática y llevada en una veintena de ocasiones al cine y la televisión-, Historia de dos ciudades de Ralph Thomas (1958), Grandes esperanzas de Alfonso Cuarón (1998), La leyenda de Nicholas Nickleby de Douglas Mc Grath (2002), Cuento de Navidad de Robert Zemeckis (Dibujos animados, 2009)… 

 Filmes, basados en la obra de Dickens, a los que los argumentos y atrayente narrativa del escritor, aseguraban sus éxitos y que, sin duda, han contribuido hoy a contar La Vida de Nuestro Señor por Seong-ho Jang, en dibujos animados, como una gran aventura, en su filme El Rey de Reyes. 

Seong-ho Jang, realizador de El Rey de Reyes. 

 Aunque Corea es un país oriental con tecnología audiovisual muy avanzada, su cine, muy influenciado por las ideologías, luchas y censuras políticas ente Norte y Sur, no ha tenido demasiada difusión en Occidente -no siendo muy conocido, por tanto, en España-. No obstante, a partir de la separación política del país, a la globalización de la industria cinematográfica -por las grandes plataformas audiovisuales, como Netflix-, y a las nuevas olas de cineastas -más familiarizados con los valores culturales de occidente-, el cine surcoreano producido por la empresa Mofac Studios VFX Animation y distribuido por la norteamericana Angel Studios -que difunde Cine de Valores-, está siendo más conocido en los países occidentales. 

 Es el caso del cineasta surcoreano Seong-ho Jang y su filme El Rey de Reyes, basado en citada obra de Dickens. 

 Seong-ho Jang es un prestigioso productor, guionista y realizador de Dibujos Animados, que ha sido distinguido en su país, en repetidas ocasiones, con los Premios Surcoreanos del Ministerio de Cultura, que se otorgan a quienes realizan una destacada labor creativa y de valores culturales, sociales y artísticos. 

 Por indicados valores, como se reseña en la web de MOFAC STUDIOS, ha sido también reconocido en otros países asiáticos, en varias ocasiones, desde 2003 a 2025, con los prestigiosos premios cinematográficos: Blue Dragón, Grand Bell, Hong Kong Film, Asian Film, y por Korean Animation por su último filme El Rey de Reyes. 

 Esta realización de Seong-ho, a fin de interesar a los niños en la historia de Jesucristo, cuenta con la intrigante y curiosa originalidad de incluir como personaje en ella al hijo de Dickens, a quien el escritor dirigió su narración: al fantasioso Walter con su gatita Lila, logrando con ello motivar emocionalmente y acaparar la atención de los pequeños… 

Expresivo fotograma del filme: el novelero hijo de Dichens, Walter, y su gatita Lila. 

 A estas alturas de la historia de la comunicación, tras los numerosísimos y exhaustivos estudios y tratados de toda índole acerca de la vida, pasión y muerte de Jesucristo, poco se podría aportar a la misma. Sin embargo, el filme El Rey de Reyes, con la original introducción del personaje infantil, Walter, como testigo y conciencia inocente en la historia, sí le aporta renovación y frescura. 

 A esa ingeniosa y sorprendente tarea han contribuido decididamente los expertos y afamados: el coguionista Rob Edwards y el director de fotografía Woo Hyung Kim. 

 El guionista norteamericano Rob Edwards, quien ha trabajado para Disney, cuenta en su historial con una veintena de guiones para cine y televisión, de imagen real y animación. Ha sido nominado en varias ocasiones al Oscar al Mejor Guión de Cine de Animación y ha sido Premio al Mejor Guión de la Asociación de Críticos de Cine Afroamericanos. 

 Woo Hyung Kim, es un experimentado y brillante director de fotografía surcoreano, muy reconocido en Europa. Ha sido nominado a la Palma de Oro del Festival de Cannes, y premiado por la Academia Británica de Cine y Televisión BAFTA. Su expresiva, cálida y emocionante fotografía hacen de El Rey de Reyes, un filme de verdad, bondad y belleza, inolvidables 

 Francisco Montero.

 

Activismo humanista, cósmico… 

 UCRANIA, RESISTENCIA Y ESPERANZA

 -Cartel del film-.

 “Humanizar la humanidad, 

  practicando la proximidad; 

hemos perdido el alma…”

 Fue lema de Pedro Casaldáliga, escritor, poeta, religioso claretiano y comprometido activista en la teología de la liberación -vease en este blog nuestra reseña Descalzo sobre la tierra roja, de 16, sepbre., 2014-; y fueron las sentidas, emotivas, profundas y cósmicas palabras con las que encabezó su escrito de agradecimiento a la Generalidad, al ser distinguido en 2006, con el Premio Internacional de Cataluña. 

 Y es el lema con el que la clarisa, activista por los Derechos Humanos y la Justicia universales, sor Lucía Caram y el cineasta catalán Elías Lalaux, han realizado el documental Ucrania, resistencia y esperanza (2025) que, ajeno a todos los premios y reconocimientos nacionales e internacionales habidos y por haber, para todos los interesados en los valores humanos, es, sin duda, mundialmente, el filme del año, que nadie puede dejar de ver. 

 Según el versículo bíblico (Juan 1:1) “Al principio fue la palabra…” Y la metafórica palabra, el logos, se hizo realidad, obra…; y a ella nos remiten la clarisa sor Lucía Caram y el cineasta Elías Lalaux, practicando la proximidad -como recomendara Casaldáliga-, con su humanista e impresionante documental cinematográfico sobre la terrible guerra de Ucrania… 

 La popular clarisa sor Lucía Caram es una religiosa argentina, escritora, locutora, presentadora de televisión y activista que, segun relata en su historial, durante la dictadura argentina -de 1976 a 1983-, encontró la semilla de su vocación en el sufrimiento de las gentes más pobres y vulnerables, haciéndose por ello monja, a los 18 años. 

 Entre su docena de libros escritos destacan: Saludablemente bien: la homeopatía y la humanización de la ciencia (1999), Catalina de Siena: el coraje en la Iglesia (2004), Mi claustro es el mundo (2012), Estimar la vida y Amar la vida y compartirla (2024)… 

 Por su prolífica e intensa labor social, espiritual y ecuménica ha sido distinguida con importantes reconocimientos, entre los que se citan: Premio Memorial Álex Segler (2006), por su labor en defensa del Diálogo Interreligioso en Manresa; Premio Personalidad Catalana del Año, de El periódico de Cataluña (2015); Condecoración de la Orden de la Princesa Olga de Ucrania, por su defensa de la dignidad humana, la soberanía, la integridad territorial y ayudas a la nación (2025)…, valores que se reflejan en el documental Ucrania, resistencia y esperanza, del realizador Elías Lalaux. 

 Sor Lucía Caram y Elías Lalaux. 

 De Elías Lalaux, en el conciso historial del que se dispone en los medios de comunicación nacionales   -acaso por modestia personal-, faltan datos que den a conocer fehacientemente su trayectoria profesional como cineasta, aunque sí como: terapeuta emocional, mindfulness, experto en creatividad audiovisual, conferenciante…, en su web de internet. 

 Como productor y realizador audiovisual, telefónicamente, con excepcional amabilidad, nos confirma dos filmes relevantes y emblemáticos de su historial en los que ha intervenido como director: No más cataratas. Un desafío global y Ucrania, resistencia y esperanza. 

 Dos filmes que son muy representativos del humanismo ético y estético de Lalaux y de su estilo narrativo cinematográfico, historiográfico, documental, realista, emocional, impresionante… 

 Aunque ambos filmes citados se han presentado en 2025, Ucrania, resistencia y esperanza -en octubre, difundido por MOVISTAR PLUS-, fue precedido por No más cataratas. Un desafío global -en abril, pudiendo visionarse aún en ATRES PLAYER-, cuya exitosa difusión, y las noticiables circunstancías actuales sobre Ucrania, parece ser, han propiciado la última producción y difusión del presentado por la inquieta clarisa, promotora, activista social y alma del proyeto sor Lucía Caram. 

 En el fehaciente documental -en el que aparecen testimonios de el Papa Francisco, el presidente Volodímir Zelenski, nuestra Ministra de Defensa Margarita Robles, entre otras importantes personalidades, y médicos, soldados, civiles, víctimas de la guerra…-, se recopilan testimonios de más de una treintena de expediciones realizadas desde el Monasterio de las Clarisas en Manresa hasta el enclave del conflicto en Ucrania. 

 Testimonios argumentales, conducidos de manera esperanzadora de que el conflicto, la guerra y la terrible desvastación apocalíptica terminen, con la lúcida y animosa locuacidad de la humanitaria monja.

 Expresivo fotograma humanitario de sor Lucía en el frente del comflicto. 

 El filme, que difunde Movistar Plus, realizado por la productora catalana THEMOFF y dirigido por Elías Lalaux, cuenta con un numeroso equipo de creativos y avezados cineastas profesionales. 

 El nombre de la productora Themoff o The Moff -líder o regente, gobernante en un lugar-, pudiera estar inspirado en el personaje galáctico Moff, de Star Wars, o La Guerra de las Galaxias, del creativo, futurista y prestigioso realizador cinematográfico George Lucas…; lo que resulta muy significativo de la productora. 

 En el documental Ucrania, resistencia y esperanza, no sólo se visualizan los terribles estragos destructores de la guerra rusa y las numerosas ayudas llevadas desde la Fundación de Santa Clara de Cataluña -acogida de cientos de refugiados, heridos y niños, donación de hospitales de campaña, más de un centenar de ambulancias y otros vehículos, tonelas de alimentos…-, sino que nos plantea una profunda reflexión acerca del sentido de esa guerra a las alturas siglo XXI.

 Por los portentosos valores de humanismo, espiritualidad y altruismo, que trata el precioso filme No más cataratas. Un desafío global, de la productora Themoff, sobre la Fundación Elena Barraquer y las misiones que ésta ha efectuado en zonas deprimidas y de exclusión social de países pobres, el filme nos hace recordar a Mattew Fox y su gran obra de la Universidad de la Espiritualidad de la Creación (Oakland, California), acerca de la Sanación de la Humanidad y del Revivir Global… 

 En esta Universidad en la que aletean los espíritus cósmicos, las semblanzas y las obras de: Hildegard de Bingen, Teillard de Chardin, Mahatma Gandhi, Tomás de Aquino, Albert Einstein…, entre otras, se leen las frases: “Ser es una bendición. Vivir es sagrado” (Abraham Joshua Heschel), “La imaginación es más importante que el conocimiento” (Albert Einstein)… 

 Pues bien en ese alfa y omega, en referidas imaginación creativa y sacralidad de vivir, se ha realizado el documental No más cataratas. Un desafío global, en cuyo cartel anunciador se resalta el hermoso lema de la Fundación Elena Barraquer “Volver a ver, es volver a vivir”. 

 Cartel de No más cataratas y la Especialista en Oftalmología Elena Barraquer 

 La Fundación de Elena Barraquer -quien prosigue la prestigiosa saga familiar de sus afamados padre y abuelo-, ha llevado, sin ánimo de lucro, sus tratamientos oftalmológicos a lugares remotos de: Argentina, El Salvador, Marruecos, Mauritania, Mozanbique…, entre otras zonas deprimidas del planeta; cuyas expediciones ha seguido y filmado para el documental, la productora Themoff. 

 Aunque Ucrania, resistencia y esperanza y No más cataratas, sean dos filmes en cuyo trasfondo cabalgan los despiadados jinetes del apocalipsis -la guerra y la muerte en el de Ucrania, y la enfermedad y el hambre en el de Cataratas-, Themoff, Elías Lalaux y sus equipos de profesionales y técnicos, no han caido en la queja, la lástima, la conmiseración o el sentimentalismo, fáciles; sino que, atendiendo al comprometido y valeroso espíritu de sus auténticas protagonistas, sor Lucía Caram y Elena Barraquer con sus cooperadores-as, han sembrado en los filmes: la animosidad para no dejarse vencer, la motivación del optimismo y la ilusionante esperanza… 

 Frente a las desalmadas guerras de los desalmados políticos que pretenden suplir sus carencias creativas con deleznables infundios tácticos, ideológicos, de poder y armas de maquiabélicas destrucciones, ambos documentales No más cataratas. Un desafío Global y Ucrania, resistencia y esperanza, son filmes reflexivos, muy encomiables y útiles para una pacífica y exitosa batalla, cuerpo a cuerpo, mente a mente, de alma a los sin alma… Todo es posible. 

 Francisco Montero.

 Intimismo y sutileza 

 LOS DOMINGOS 

-Cartel del film-.

 Un tanto inadvertidamente, desde los inicios del presente siglo, el cine español viene experimentando una profunda transformación, del anterior cine social enraizado en el neorrealismo europeo, nuestro cine ha pasado a ser, un cine personal, muy intimista. 

 Las anteriores temáticas tratadas en claves sociales, muy comunes y de interés general, han dado paso a claves personales, de carácter casi siempre feminista, basadas normalmente en las vivencias personales y familiares, del creciente número de mujeres guionistas y realizadoras… 

 Es el caso del debut inicial en el cine de la guionista y realizadora vasca, Alauda Ruiz de Azúa, autora de su tercer largometraje Los domingos, en el que trata con intimismo y sutileza, una compleja temática de carácter muy personal y familiar como es la vocación religiosa, espiritual y el destino en la vida de una joven adolescente. 

 Ahora, dadas la irreligiosidad, la increencia y el agnosticismo de las sociedades actuales, al género de Cine Religioso trascendental, idóneamente, mejor se le denominaría Cine de Valores Espirituales, ya que éstos no se han menoscabado de manera tan acusada como la religiosidad… 

 Hoy, al cine religioso trascendente de las obras de los grandes maestros, Carl Theodor Dreyer (Dinamarca), Ingmar Bergman (Suecia), Robert Bresson (Francia), en la historia del género, hay que añadir una magistral autora más, pero femenina: la española Alauda, Ruiz de Azúa, por su original, sutilísimo e intimista filme Los domingos… 

 En muchos pasajes de este filme, se tiene la sensación de estar visionando expresivas, emotivas e inolvidables secuencias del filme Gritos y susurros de Ingmar Bergman, gracias a la profundidad, sensibilidad y delicadeza narrativa de la cineasta vasca Ruiz de Azúa. 

Alauda Ruiz, en pleno rodaje de Los domingos.

  Natural de Baracaldo (1978), la guionista y directora de cine Alauda Ruiz, relata en sus entrevistas que, durante la infancia y juventud, gozó personalmente en su familia de un propicio y fecundo ambiente cultural, literario y de ver cine, que motivaría decididamente su vocación de cineasta e inspiraría de alguna forma el guión de Los domingos, acerca de la temática de la vocación juvenil… 

 Ruiz de Azúa, estudió Filología Inglesa en la Universidad de Deusto y Comunicación Audiovisual en la Universidad del País Vasco, diplomándose en la profesional y prestigiosa ECAM -Escuela del Cine y Audiovisual de Madrid-. Inicialmente se dedicó a la realización de publicidad y cortometrajes, presentándolos, en numerosos festivales nacionales e internacionales de cine, con los que consiguió importantes reconocimientos y experiencia, para adentrarse en el largometraje. 

 En 2021, realiza su primer largometraje, Cinco lobitos, que se estrenó al año siguiente, en el Festival Internacional de Cine de Berlín, y obtuvo numerosos premios en España, entre ellos: Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos, como Directora Revelación; Mejor Dirección Novel, en los Goya; Mejor Guión, en los Premios Feroz; Biznaga de Oro a la Mejor Película y Biznaga de Plata al Mejor guión en el Festival de Málaga… 

 En 2023, Alauda Ruiz dirige la comedia romántica Eres tú, que se estrena en Netfflix, e inicia para Movistar Plus la miniserie Querer, como guionista y directora. En 2024, esta serie obtiene los reconocimientos de: Premio ALMA del Sindicato de Guionistas de España, Mejor Guión en los Premios Feroz, Mejor Serie en los Premios Forqué, Premio InStyle del prestigioso grupo multieditorial de comunicación RBA… 

 En 2025, por su filme Los domingos, obtiene: en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, la Concha de Oro, Premio Fipresci -de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica-, Premio del Cine Vasco y Premio de la Crítica de Zinemaldía…; que confirman a Alauda Ruiz de Azúa, como excepcional cineasta, guionista y directora. 

 Los domingos, es una historia muy distinta a la ejemplar de las hermanas adultas del filme de Bergman Gritos y Susurros, pero que incide magistralmente, en la misma temática de adentrarse en la psicología íntima de una mujer -en este caso, la joven idealista Ainara- y en su inquebrantable fe, a la que se opone parte de su entorno familiar, por si se tratase de una juvenil y efímera ceguera… 

Expresivo fotograma de la joven Ainara -Blanca Soroa- en el filme.

  La moraleja del popular y expresivo juego de “La gallinita ciega”, adquiere en el filme una sutilísina, perspicaz, connotativa y profunda significación. 

 Recordemos que citado juego, practicado por niños, jóvenes y adultos, es de remoto y ancestral origen greco-romano y ha sido bastante usual y recurrente en la educación, a lo largo de los tiempos y en todas las culturas. 

 La gallina ciega, es un juego que promueve y alecciona acerca de las relaciones sociales, el respeto mutuo, la solidaridad, la empatía, las sensaciones, las emociones…; habiendo sido también muy tratado en las bellas artes. 

 En 1789, Francisco de Goya inmortalizó el juego al tratarlo en uno de sus cartones para que sirviera de modelo en la Real Fabrica de Tapices de Santa Bárbara. En 1971, el célebre novelista, dramaturgo y poeta Max Aub, en su simbólico libro La Gallina ciega. Diario Español, alude al juego para profundizar en una visión de España, tras su exilio durante la guerra civil… 

 Ademas de la vocación juvenil y la fe religiosa, se tratan en el filme, con realismo y minuciosidad, otros temas como: los afectos y la sexualidad entre las amistades juveniles, las relaciones familiares tantas veces antagónicas, la vida consuetudinaria en las comunidades religiosas de monjas de clausura, el sentido de la fe y espiritualidad en la vida contemplativa…; es decir, vivencias humanistas y trascendentales, poco comprensivas y muy ajenas en las sociedades actuales en las que sí se ponderan otras religiosidades activistas, como la de la monja clarisa sor Lucía Caram, implicada en el sufrimiento humanitario de la guerra en Ucrania. 

 El aparentemente anodino título del filme, Los domingos, sugiere una profunda reflexión acerca de la antítesis que se produce entre las dos formas de vida, muy diferenciadas: la festiva, de expansión y asueto de la generalidad de las gentes cada domingo, y la recatada y mística de la vida espiritual y religiosa en los claustros y conventos, a la que aspira la joven Ainara… 

Significativo fotograma de la religiosidad de la joven Ainara.

  La sensibilidad y delicadeza con las que se narra y discurre la historia, de la cineasta Alauda Ruiz, sobrecoge y emociona de tal manera, que sustrae de reparar atentamente en otros ricos aspectos del filme como: interpretaciones de los personajes no protagonistas, escenografía, ambientación, fotografía, música…; pero que sí subrayan el énfasis de las claves propias del género del Cine Religioso y Espiritual en el que se inscribe Los domingos. 

 En resumen, Los domingos, es un singular, emotivo, gratificante y reconfortante filme humanista, realizado a contracorriente de las modas imperantes en las cinematografías nacionales e internacionales de la actualidad. 

 Los domingos -con serio humor-, contrariamente a las desganas con que suelen vivenciarse las expectativas de los consiguiente días de la semana, sí que nos pone alas de expectación impaciente para un esperado próximo filme de la plausible cineasta Alauda Ruiz de Azúa. 

 Francisco Montero. 

                                                                                   

  

"La Córdoba íntima de Carlos Clementson"

CARLOS CLEMENTSON

-Cartel del film-
   

 Como la adelfa, oh sí, como la adelfa 

mecida frente al mar, sin vanos sueños 

de eternidad… 

 Es el poema, intimista, universal, naturalista, onírico, trascendente…, que se ilustra en el entrañable e interesante filme Carlos Clementson, de la prolífica productora cordobesa, andaluza y española, MAEL FILMS Producciones...

 Un filme joya que puso broche de oro y piedras preciosas, en la Filmoteca de Andalucía, al Festival Literario y Artístico Internacional Cosmopoética 2025, que se celebra en Córdoba, auspiciado por su Ayuntamiento, Diputación Provincial, Junta de Andalucía y Ministerio de Cultura de España. 

 El filme La Córdoba íntima de Carlos Clementson -Poeta Universal-, es un biopic, o documental biográfico, que cuenta con un guión y coordinación de excepción, del prestigioso escritor, traductor y profesor de la Universidad de Córdoba, Bernd Dietz; puesto en imágenes por la veterana e inagotable productora Mael Films y dirigido por sus creadores Miguel Ángel Entrenas Liria y su hija Fátima. 

 Con expresivos y fehacientes testimonios personales, de familiares, allegados y celebridades del mundo de la literatura, el arte y la cultura nacional e internacional, el filme logra plasmar, no sólo una minuciosa biografía del poeta Clementson, sino también de las ricas claves, características y esenciales, de su obra literaria: desde el intimismo más personal y entrañable hasta su cosmología y universalidad… 

 En la narración del filme, se alternan pasajes de las obras de Mael Films, en las que Clementson participó como guionista de temas universales -entre ellas: La Córdoba de Góngora, Valle Inclán y Julio Romero, un pintor para una ciudad, Maimónides, el andalusí judío, Séneca y Lucano la virtud del imperio, Inca Garcilaso, el mestizo…-, con referidos testimonios y significativas vivencias personales del escritor y poeta. 

Expresivo fotograma del filme, Carlos Clementson, poeta cordobés  intimista y universal.

 El polifacético escritor, poeta, traductor, profesor y guionista de cine, Carlos Clementson, se doctoró en Filología Románica en la Universidad de Murcia, de la que posteriormente sería profesor; prosiguiendo más tarde en esa faceta como docente de Literatura Hispánica en la Universidad de Córdoba. 

 Entre su prolífica obra, es oportuno resaltar: como prosista, su tesis doctoral La Revista Cántico y sus Poetas (1979), en cuya temática sobre el célebre grupo cordobés español Cántico, incidiría más tarde, como autor, y con su obra Cántico. Una Brillante Pléyade Poética en la España de Postguerra (2022); como poeta, Oda y cosmología para Pablo Neruda, (1993) y Archipiélagos (1995, Premio José Hierro); como traductor, La belleza es verdad. Antología de la Poesía Inglesa (2018), La música de Orfeo, una Antología del espíritu griego (2022)… 

 Para el cine, como guionista, ha escrito: además de los guiones anteriormente citados, las versiones de Góngora, brillante oscuridad, Averroes y Maimónides, luz de al-Andalus, Voces del Sáhara, y protagonizando con sus testimonios personales La Córdoba íntima de Carlos Clementson; realizadas también por Mael Films. 

 La veterana y prolífica productora cinematográfica cordobesa MAEL FILMS, fue creada paulatinamente, en la pasada década de los años ochenta, por el joven modesto, entusiasta y emprendedor cinéfilo Miguel Ángel Entrenas Liria, sin socios accionistas, ni capitalistas, pero sí con un portentoso y gran patrimonio personal de espíritu emprendedor, vocación y amor al cine como Séptimo Arte de las Bellas Artes -Pintura Escultura, Arquitectura, Literatura, Música y Danza-, según le bautizara el poeta y pionero, teórico futurista, franco italiano Riciotto Canudo, allá por el año 1919… 

 Con el espíritu propio de los grandes pioneros Entrenas, se estrenó y entrenó en el cine, con grandes dosis de imaginación -dado que el cine es imagen, imaginación y fábrica de sueños-, realizando pequeños cortometrajes publicitarios, documentales y narrativos de ficción, en los sucesivos formatos analógicos iniciales del 8mm., super 8, 16… -siendo ya premiado en el Certamen Internacional de Cine para la Infancia y la Juventud de Gijón (España)-, hasta llegar al multiformato digital de cuantiosos píxeles, del cine de hoy… 

 Hoy, su hija Fátima, Licenciada en Historia del Arte, Especialidad de Cinematografía, por la Universidad de Córdoba, con superior espíritu emprendedor y creativo -ciertamente, ya se sabe, “de buena madera, mejor astilla”-, prosigue creando, junto a su progenitor genético y artístico preciosos y admirables proyectos; su incursión en solitario, como directora y realizadora, con el magistral filme educacional y feminista, Voces del Sáhara, lo demuestra. 

Los animosos cineastas Fátima Entrenas y Miguel Angel, en pleno rodaje.

 Además de la realización cinematográfica, la idealista Fátima, persigue la ambiciosa idea y proyecto de crear en Córdoba un sólido Festival de Cine Internacional… 

 En los más recientes filmes historicistas de Mael Films, codirigidos por la licenciada en Historia del Arte, Fátima Entrenas y su padre, -Inca Garcilaso, el mestizo, Valle Inclán y Julio Romero, un pintor para una ciudad, Séneca y Lucano. La virtud del imperio… -, en los que es notable que cuatro ojos ven más que cien, la minuciosidad, detallismo y sensibilidad femenina, de su puesta en imágenes, quedan muy patentes y se aprecian… -

Véase en este blog (13 de agosto de 2023), la reseña del interesante filme Séneca y Lucano. La virtud del imperio, codirigido, por Fátima y Miguel Ángel Entrenas; expresiva y significativa muestra de la veteranía y el talento creativo, artístico y técnico de su realizadores en el filme: dirección de actores e interpretación, fotografía, música, ambientación de época,  escenografía, atrezo, … 

 En la narración paralela del filme La Córdoba íntima de Carlos Clementson, cuya guionización ha sido coordinada por el poeta, ensayista y profesor de la Universidad de Córdoba, Bernd Dietz, se alternan con atractivo acierto y espectacularidad, secuencias de los filmes guionizados por Carlos Clementson y numerosos testimonios, humanistas y fehacientes, de allegados y conocedores personales del poeta protagonista. 

 Remitiendo al visionado del filme -que seguramente pronto podrá encontrarse en internet- citamos a agunos de ellos: Federico Roca, Presidente del Ateneo de Córdoba y actor en filmes de la productora Mael; Alberto Monterroso, escritor, profesor de historia, y coguionista con Clementson; Pablo García, director de la Filmoteca de Andalucía , escritor y poeta; Manuel Angel Jiménez, licenciado en Arte Dramático y escritor de cine; Juan Miguel Moreno, exdirector del Conservatorio de Musica de Córdoba y profesor, quien ilustra sobre el poema de Clementson “La adelfa”, musicalizado por el célebre compositor de Cántico, Ramón Medina, que se interpreta en el filme por el tenor Pablo García y la Orquesta de Córdoba, y que tanta fama y prestigio alcanzó en la melodiosa voz de la desaparecida soprano Carmen Blanco, intérprete predilecta del maestro Medina… 

El compositor Ramón Medina y la soprano Carmen Blanco.

 Importante testimonio en el filme La Córdoba íntima de Carlos Clementson, es la narración del poema que ilustra el título, en la brillante, timbrada y armoniosa voz del veterano locutor Alfredo Asensi -Radio Popular, Antena 3 Radio, relator de cine, y de los versos de Puerta del tiempo…-; en los íntimos y solitarios, paseos por Córdoba de Clementson, la ciudad universal del diálogo de civilizaciones y culturas, y de la literatura y cosmopoesía del poeta, que abren su intimismo a la universalidad...

 En esos paseos -como ya enfatizó Machado-, Carlos Clementson, desde su intimidad hasta la universalidad, abre entrañables caminos en su andar… 

 Gracias a Fátima, a Miguel Ángel Entrenas, y a los expresivos testimonios de los numerosos intervinientes en el filme, Carlos Clementson, perdurará en la historia universal del arte, de la literatura y del cine. 

  Francisco Montero.

Realidad y Verdad, Ficción y Mentira… 

 EL CAUTIVO

-Cartel español el filme.-

 Es una obvia y contundente verdad, que el genial escritor, español y universal, Miguel de Cervantes, debe su prestigio, popular celebridad y fama a su arte literario y capacidad expresiva y narrativa, y no a su controvertida, azarosa y poco afortunada vida personal y social… 

 La infinita multitud de tratadistas y artistas, literatos, pintores, escultores, cineastas…, que han tenido y siguen teniendo Cervantes y su obra, o los numerosos Institutos Cervantinos esparcidos por todo el mundo, lo testimonian. 

 Ultimamente, el conocido cineasta español Alejandro Amenábar, ha llevado al cine algunos pasajes poco conocidos de la vida de Cervantes, en su filme de ficción El Cautivo. 

 Entre la multitd de artistas que han tratado a Cervantes y su obra recordamos a Juan de Jáuregui, escritor, poeta y pintor sevillano del Siglo de Oro, a quien se atribuye -¿…?- el retrato más conocido de Miguel de Cervantes… 

 Artistas recientes: Aurelio Teno, prolífico escultor cordobés universal de numerosos monumentos de don Quijote (en el Kennedy Center de Washington, en la Avenida de la Lengua Española de Madrid…); José Ramón Sanchez, pintor e ilustrador santanderino de varios de los Quijotes mejor ilustrados de sus infinitas ediciones… 

 Los cineastas: Roberto Gavaldón, realizador del filme hispano mexicano Don Quijote cabalga de nuevo, interpretado por Cantinflas -Sancho Panza- y Fernando Fernan Gómez -don Quijote-; Rafael Alcazar, guionista, realizador y productor toledano del documental Las mujeres de Cervantes, centrado en el protagonismo de la esposa del escritor, Catalina de Salazar, cuyo papel interpreta la actriz Ana Escriu… 

Retrato de Cervantes de Juan de Jáuregui e ilustración de don Quijote de José Ramón Sánchez.

 En los infinitos estudios y tratados de grandes especialistas en Cervantes y su obra, es imprescindible destacar la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, en cuya web, presentada por el prestigioso y multipremiado Premio Nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa, figuran casi un millar de importantes estudios críticos, biográficos y de diversa índole acerca del conocimiento del amplísimo mundo del escritor… 

 Por su actualidad, vigencia y difusión, literaria, teatral y televisiva, es también imprescindible citar la obra del Catedrático en Filología de la Universidad Complutense de Madrid y Cervantista, José Manuel Lucía Megías, Soy Catalina de Salazar, mujer de Miguel de Cervantes, por la que fue entrevistado en el programa de Radio Televisión Española La Aventura del Saber -emitido el 19 de mayo de 2021, y que aún puede visionarse en intenet-. 

 José Manuel Lucía, es un importante Cervantista, promotor y director de la Red de Ciudades Cervantinas -vinculada a referida Biblioteca Virtual-, y autor de varias obras sobre la juventud, madurez y plenitud de Cervantes -el hombre, el personaje y su mito-, que pueden servirnos para un visionado con mayor criterio del filme de Amenábar, El cautivo. 

 El popular y conocido guionista, realizador de cine y compositor musical español, Alejandro Amenábar, aunque no concluyó los estudios oficiales de cine en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, por sus ideas pragmáticas, sí ha logrado profesional y artísticamente, en España, prestigio y fama. -Como otros brillantes cineastas, posiblemente, Amenábar, entendió que las mejores aulas son el amor al cine y las pantallas… 

 Con una veintena de filmes en su historial, entre publirreportajes, cortos y largometrajes, Amenábar, está considerado como un talentoso narrador y pluriautor de cine, por las aportarciones a casi todos sus filmes del guión, la dirección y la música. 

 Su cine, que se caracteriza por las principales claves genéricas del cine Legendario y de Aventuras: acción, drama, suspense, intriga, violencia, escabrosidad, terror…, en situaciones límite; por ser elementos espectaculares predilectos de los grandes públicos, está claro es un cine de éxito, apreciado comercialmente por las productoras y distribuidoras, aunque muy cuestionado por los cinéfilos y espectadores exigentes, por las controvertidas polémicas que provoca. 

 De sus ocho largometrajes realizados, ha adquirido prestigio y fama con los filmes de ficción historicista como son: Mar adentro (Caso de Eutanasia, 2004), Ágora (Precursora Feminista, Hipatia, 2009), Mientras dure la guerra (Guerra Civil de España, Unamuno, 2019) y El cautivo (Cautiverio de Miguel de Cervantes, 2025). 

Amenábar y el actor Julio Peña -Cervantes-, en el rodaje de El cautivo.

 Aunque no sean muy fidedignos, ni creibles, algunos premios cinematográficos que, a veces, conllevan una fuerte carga de intereses, no humanistas, ni culturales, ni de valores artísticos, el filme más preciado de Amenábar, hasta ahora, es Mar adentro, por su incuestionable defensa de las ideas acerca de los derechos humanos… -Cuya histórica batalla legal del caso real de Ramón San Pedro, posiblemente contribuyó a la aprobación de la Ley de la Eutanasia en España-. 

 Mar adentro obtuvo más de una veintena de prestigiosos premios internacionales y nacionales, entre los que destacan: 2 Premios del Cine Europeo, León de Plata del Festival de Venecia, 4 medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos y 14 Premios Goya del Cine Español, Globo de Oro y Oscar de Hollywood… 

 A veces, suele ser muy positivo deslindar la vida personal del artista, de su obra y de su mítico personaje, para no dañar su prestigio, celebridad y fama, pero no siempre es posible… 

 Miguel de Cervantes, tuvo una azarosa, difícil y controvertida vida personal que le arrastró a terribles situaciones no queridas, como su largo y abrumante cautiverio en Argel y a la renegación de lo que se es, se piensa, se siente y se cree, -sobre el que trata el filme El Cautivo-. 

 Posteriomente, Cervantes, como comisario y racaudador de Felipe II, comisionado requisador de cereales para abastecer la Armada Real -la derrotada Armada Invencible-, en la denominada misión “Pan de Andalucía”, por pueblos de la campiña sevillana y cordobesa -como Écija, Castro del Rio, La Rambla…, según consta en los anales de esos ayuntamientos-, en su tiempo, fue difamado y se hizo impopular en esta tierra… 

 Por ello, no creemos que beneficie al célebre y mítico Cervantes, que, en el filme El cautivo, se le imagine -aunque sea ficticiamente-, en escarceos homosexuales… 

Fotograma de la escabrosa secuencia de El cautivo.

 A la salida de la proyección del filme, humorísticamente, me aleccionaba un ilustrado vecino de butaca, conocedor de Cervantes y su obra, con los modificados refranes: “Piensa el mentiroso, que también lo es el otro”, “Piensa en su acción que el otro es de su condición”…, aludiendo al realizador Amenábar… 

 No es de extrañar que el inteligente Cervantes -como tantas personas humanistas-, para liberarse de agobiantes circunstancias y situaciones, recurriese a acciones y tretas ficticias, de como no era, ni deseaba… 

 Sorprende en el filme que el reconocido actor de comedia, Fernando Tejero, cordobés y senequista, siempre genialmente jocoso y divertido en la ficción, interprete el papel del personaje más serio y moralista de la narración: el religioso padre Blanco de Paz… 

 Resumiendo, El cautivo es un filme en el que Amenábar maneja con soltura los entresijos del género cinematográfico Legendario y de Aventuras que, posiblemente, agradará a sus incondicionales y desagradará a los cervantistas. 

Un filme que, acaso, haga reflexionar sobre realidad y verdad, ficción y mentira en el arte de artes.

 Francisco Montero.

Progreso y Libertad 

MI POSTRE FAVORITO

-Cartel español del film-.
 

  Sin lugar a dudas, un buen postre para mejorar un mala comida, puede ser un rico y delicioso pastel...

 Pero, alegóricamente, en este filme, no se trata solo de una mala comida y de un rico pastel culinario preferido, sino de la edad dorada de una mujer que, en los años finales de su madurez -tras haber vivido siempre sometida y presa de tradiciones, costumbres y prohibiciones islámicas quizá anacrónicas-, desea lograr la libertad… 

 Es el interesante, poético y metafórico tema que trata la pareja de cineastas iraníes Maryam Moghadam y Behtash Sanaeeha, en su filme Mi pastel favorito, o Mi postre favorito, en español. 

 Aunque muy realista, pero sutilmente expresivo, simbólico y alegórico, en el filme Mi postre favorito, además del progreso y la libertad, se tratan muchos otros temas esenciales de la vida, de cualquier vida, como: la soledad en la tercera edad, el amor de los mayores, las costumbres tradicionales, la moralidad… 

 Pero, según diferentes publicaciones nacionales e internacionales, tras su presentación en 2024, en el Festival Internacional de Cine de Berlin y la Semana Internacional de Cine de Valladolid -siempre atenta a los Valores Humanos-, la pareja de cineastas Moghadam y Sanaeeha, por su progresista y liberal filme, fueron condenados a prisión y otras penas, por un tribunal de Teherán, aduciendo “propaganda contra la República Islámica y contenido obsceno”, en la narración de su historia… 

 No obstante, la condena quedó suspendida, de no reincidir durante cinco años. Y, acaso, por las numerosas protestas de prestigiosos cineastas de diversos países, defensores de la libertad de expresión… 

 Más allá de las consideraciones políticas, ideológicas y teológicas, de un determinado régimen, que pudieran imputárseles a sus autores, el filme Mi postre favorito, interesa sobremanera a todo el mundo, desde la perspectiva de la Declaración Universal de los Derechos Humanos y por sus Valores Humanistas. 

Maryam Moghadam y Behtash Sanaeeha.

   Maryam Moghadam, actriz, coguionista y directora iraní, se formó en la Escuela de Artes Escénicas de Gotemburgo (Suecia), iniciando su carrera como actriz teatral y actuando, entre otros escenarios, en el Teatro Nacional de Gotemburgo. 

  En cine y televisión, como actriz, directora y coguionista con el cineasta, Behtash Sanaeeha, cuenta con un exitoso historial de una docena de realizaciones. Entre sus filmes, poco conocidos en España, destacan: Silencio entre dos pensamientos, del prestigioso realizador iraní-canadiense Babak Payami (2003), el documental La diplomacia invencible del Sr. Naderi (2018), y el argumental Mi postre favorito (2024), ambos realizados con su pareja cinematográfica. 

 Sus dos últimos filmes citados, han sido muy reconocidos y premiados. La diplomacia invencible del Sr. Naderi, ha sido premiado como Mejor Documental en los festivales: Cinema Verité de Teherán, Cine Iraní de Praga, y Premio Hafez de Irán. Mi pastel favorito, obtuvo el Premio FIPRESCI -de la Federación Internacional de Críticos de Cine-, y el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cine de Berlín de 2024. 

 Behtash Sanaeeha, guionista, director y productor iraní de cine, aunque estudió ingeniería y arquitectura, dejó la carrera y, como tantos cineastas, se dedicó a la cinematografía. Vocacionalmente, se inició realizando documentales, cortometrajes, anuncios publicitarios y escribiendo guiones para televisión y cine. 

 Con su primer largometraje, como guionista y director, Riesgo de lluvia ácida (2014), filme que se exhibió en más de una treintena de festivales, consiguió numerosos reconocimientos y premios, entre otros: en el festival de Cine de Fajr (Irán), logró el Premio al Mejor Guion, nominación a Mejor Película y Premio Nuevos Talentos. 

 Con su filme La diplomacia invencible del Sr. Naderi, codirigido, con Maryam Moghadam, como hemos citado anteriormente, obtuvo múltiples reconocimientos y premios nacionales e internaciones. Siendo elegido Miembro del Jurado para el prestigioso Premio Ingmar Bergman (2018) de Suecia. 

 Los siguientes filmes de la pareja de cineastas, Moghadam y Sanaeeha, Balada de una vaca blanca (2020 ) y Mi pastel favorito (2024), igualmente, obtuvieron múltiples reconocimientos y premios en diversos países, confirmando los relevantes valores humanistas, de denuncia social y activismo pro Derechos Humanos de su cine… 

Expresivo fotograma de la impositiva "Policía de la Moralidad" sobre el hijab, en Mi pastel favorito.

  Aunque no sea posible, ni deseable, dilucidar a quien del tándem, Moghadam y Sanaeeha, corresponde una participación más esencial en el filme, acaso Sanaeeha -por su formación en ingeniería y arquitectura- sea artífice de la realización, y Moghadam -al tratarse de una sensible, emotiva y sutil historia de mujer-, protagonizada por la septagenaria Mahin, sea su principal guionista… 

 En el alegórico y sugerente filme Mi postre favorito, prevalecen actuales valores culturales universales y humanistas -propios también de la riquísima ancestral cultura de Persia, anterior a la de Irán-, sobre otros partidistas, políticos e ideológicos más recientes; por lo que no resulta entendible la sentencia que pesa sobre la pareja de cineastas. 

 -En una reciente entrevista, en la edición española de El Periódico, en su sección internacional, los cineastas subrayaban el grave peligro al que se exponían al conceder esa entrevista… 

 El personaje de la viuda Mahin -protagonizado por la veterana actriz iraní Lili Farhadpour-, es el de una mujer, adentrada en la tercera edad y en la pérdida de la belleza física, pero que no se resigna al envejecimiento; en su caracterización destacan la animosidad y la prevalencia de los valores intelectuales, espirituales y sentimentales, presintiendo que, a pesar de su larga, abrumadora y triste soledad, aún le queda algo extraordinario por vivir… 

 Decidida a buscar compañía, aunque no sea propio ni bien visto de la mujer iraní, acude ilusionada al moderno y simbólico hotel “Libertad”, y se fija en un solitario taxista -también septagenario, divorciado de su impuesto matrimonio, Faramarz, protagonizado por el popular actor de cine y televisión, Esmaeel Mehrabi-, consiguiendo una luminosa, amable y romántica relación amigable con él… 

Expresivo, simbólico y bello fotograma de Mahim y Faramarz, dando luz...

 El servicial taxista Faramarz, lleva a Mahin a su domicilio y le arregla las luces del pequeño jardín de entrada, que llevaban años apagadas. Ella, agradecida, para la celebración del feliz encuentro prepara su pastel favorito… 

 No obstante, la original y contemporánea historia shakespeariana de un Romeo y Julieta en la tercera edad, de la guionista y actriz de teatro y cine, Moghadam, y del realizador Sanaeeha, termina parcialmente en tragedia… 

 En el filme Mi postre favorito, no hay ni una sola escena o secuencia, que tilde la escabrosidad, la vulgaridad, la obscenidad, la amoralidad…; a no ser que su contemporánea historia pueda parecer a alguien contradice y se cuestiona peyorativamente algunas tradiciones y costumbres iraníes e islámicas.

 Visto positivamente, Mi postre favorito, se entiende es un poético y significativo filme, del cine actual, progresista y liberal, para el Diálogo Universal de Civilizaciones, Culturas, Creencias y Derechos Humanos, del cual fue respetuoso, conciliador y crítico defensor internacional el célebre filósofo cristiano e islámico Roger Garaudy. 

 Francisco Montero.

 

 

Preservar la Vida 

 LA MERCANCÍA MÁS PRECIOSA 

-Cartel original del film-.

  Para una vida, cualquier vida, todas las vidas, aunque parezca una insignificante redundancia, la carga, mercancía o bien más precioso de vivir es, sin lugar a dudas, la vida, preservar la vida… 

 Frente a las terribles situaciones y campos de exterminio -en este caso el nazi de Auschwitz- que conllevan las guerras de todos los tiempos, de ayer y de hoy, preservar y salvar la vida de una niña o un niño de sus horrores, es el mayor bien, la mayor de las proezas y conquistas humanitarias de toda sociedad… 

 Es el sensible tema que trata el emotivo y bello filme La mercancía más preciosa del director francés Michel Hazanavicius -de ascendencia judía-, basado en el cuento o fábula homónima del célebre novelista y guionista francés -también de ascendencia judía- Jean-Claude Grumberg. 

 Cuando se trata de reseñar una obra de arte, cinematográfica o literaria, casi siempre es esencial cuestionarse qué es más importante de ella: el fondo o la forma, el contenido o el continente; es decir, los valores de su historia, ideas, pensamientos, sentimientos…, o de su estilo, estética, maestría narrativa, lenguaje, recursos… 

 En el caso del originalísimo filme La mercancía más preciosa, el dilema está claro, son más importantes los valores del contenido literario de su guion, que los de su estética fílmica de cine de animación; una animación que pudiera parecer anacrónica, anclada en los inicios de los dibujos animados realizados a mano, aunque no sea así… 

 Dado que en este filme, basado en un cuento o fábula con moraleja, su autor literario y guionista del filme, son la misma persona, Jean-Claude Grumberg, está claro el contenido de su historia es de relevancia principal. 

Jean-Claude Grumberg, literato y guionista.

  El escritor Jean-Claude Grumberg, dramaturgo, novelista y guionista, se inició en el mundo artístico como actor de teatro y autor de piezas breves, iniciando así su principal vocación de dramaturgo.

  Autor de más de cincuenta obras -teatro, novelas, cuentos y guiones cinematográficos-, desde muy joven, supo de la deportación y muerte de su padre en los campos de exterminio nazis, cuya terrible obsesión le llevaría a tratar el tema, reiteradamente, en varias de sus obras: Dreyfus (1974), El Taller (1979), Zona Libre (1990), La mercancía más preciosa (2019)… 

 Esa trágica temática humanista y crítica sería determinante en parte de su diversificada obra, oscilante entre el drama y la comedia, marcando un estilo notoriamente realista, evocador, sugerente y reflexivo. 

 En citadas claves, son muy representativos sus textos, co-guionizados con prestigiosos realizadores como: François Truffaut, director de El último metro, y Konstantinos Costa-Gavras, director de El pequeño apocalypsis. 

 Grumberg cuenta con una quincena de importantes reconocimientos y premios, entre los que destacan: Gran Premio del Teatro de la Academia Francesa (por su obra Zona libre, 1991), y Premio César al Mejor Guión (por Amén, de Costa Gavras, 2003). 

 Basada en el dramático cuento de Grumberg, La mercancía más preciosa -en el que una bebé es arrojada a la nieve desde un tren, cuyos padres judíos son transportados hacia el trágico destino del campo de exterminio de Auschwitz, siendo recogida por un matrimonio de leñadores que le salvan la vida…-, ante las serias dificultades de recrear realistamente la historia, Hazanavicius, su director, ha recurrido al cine de animación, en el que los dibujos siempre han sido un recurso expresivo y fantasioso para sustituir la realidad. 

 El estilo de los dibujos con el que se nos narra la historia del cuento, nos remite deliberadamente a los inicios del cine de animación, como si se tratara de dibujos realizados a mano y con escasos medios, aunque, reiteramos, no es así. 

 Ese procedimiento de volver a los inicios de un género cinematográfico, recordándonos y rindiendo homenaje a sus pioneros -Murnau, Pudovkin, Chaplin…-, ya lo utilizó Hazanavicius en su exitoso filme El artista (2010), con el que nos hacía regresar al cine silente, en la proximidad del nacimiento del sonoro… 

Michel Hazanavicius, director de La mercancía más preciosa.

  Hazanavicius, actor, guionista, director y productor, de ascendencia judía (Paris, 1967), aún no cuenta con una amplia filmografía -sólo ocho títulos-, pero sí con un amplio palmarés de más de una veintena de reconocimientos y premios por su comedia romántica musical El artista, realizada el año 2011. 

 El filme musical El artista, que es un homenaje al Cine Silente y a sus grandes realizadores, en el que la proyección de las imágenes en blanco y negro, se acompañaba de interpretaciones musicales al piano y en directo, ejecutadas en la sala, aunque pueda resultar por su año de realización anacrónico, su extraordinaria expresividad plástica -característica propia del cine mudo, como se denominó al silente-, le definió como obra de arte. 

 Entre los numerosos reconocimientos y premios logrados por El artista, son resaltables: BAFTA, a Mejor guion, película, director, actor, fotografía, música original y vestuario; Oscar, a Mejor película, director, actor, banda sonora y vestuario; Globos de Oro a Mejor comedia, actor y música; Premios Lumières a Mejor película y actriz… 

 La mercancía más preciosa de Hazanavicius, que contradice la perfección, espectacularidad y grandilocuencia de los dibujos animados de hoy, realizados con ordenador, es un filme de escaso atractivo para el gran público, que está teniendo poco éxito en las salas comerciales… 

 No obstante, además de rendir homenaje a los pioneros del cine de animación, Hazanavicius, entendemos, ha pretendido en su filme huir del sofisticado preciosismo de los dibujos de hoy, a fin de penetrar en el contenido expresivo de sus imágenes, alejarse de las formas y profundizar en sus contenidos; lo que acrecienta, en expresividad, énfasis y simbolismo poético, los valores humanos de la historia… 

Expresiva y simbólica imagen de preservación de la vida, en La mercancía más preciosa.

  Los expresivos, enfáticos y conmovedores dibujos animados de La mercancía más preciosa, han sido realizados en la prestigiosa empresa francesa de animación 3.O Studio, bajo la dirección artística del popular animador Julien Grande. 

 En su compleja realización en 2D, ha intervenido un numerosísimo, impresionante, equipo de dibujantes, animadores, escenógrafos, estilistas, técnicos…, consiguiendo un filme que, a pesar de su tristeza, alusiva al trasfondo subyacente de los campos de exterminio nazi, a la guerra mundial y a la pobreza y miseria de todas las guerras, deslumbra y emociona positivamente. 

 La mercancía más preciosa, cuenta con una música de excepción, obra del prolífico y célebre músico, instrumentista -niño prodigio de piano, trompeta y flauta-, profesor, director de orquesta y compositor musical para el cine, teatro y televisión, Alexandre Desplat, autor de más de ciento veinte obras… 

 Entre sus músicas cinematográficas, destacan las compuestas para diferentes versiones de filmes como: Harry Potter, El discurso del rey, Argo, El Gran Hotel Budapest, La forma del agua, Godzilla, Mujercitas, Pinocho… 

 Habiendo sido distinguido y premiado con más de cincuenta reconocimientos: Premios Grammy, Globos de Oro, Crítica Cinematográfica, Oscars… 

 La mercancía más preciosa, sobre la Vida, cualquier vida, todas las vidas, reiteramos, es un emotivo, conmovedor e inolvidable filme humanista, que deja profunda huella. 

 Francisco Montero.