LOS MISERABLES

-Carteles del Film-

                             

El recién estrenado filme Los miserables, grandilocuente relato épico sobre las miserias humanas, nos llega precedido de una impresionante y exitosa trayectoria de ediciones y publicaciones en diversos países, idiomas y medios: como obra literaria, musical teatral, filme cinematográfico…

La historia se repite, y con ocasión de la actual crisis mundial, el reflexivo y crítico contenido del relato original, adquiere plena vigencia y actualidad acerca de las miserias humanas y sociales: la miseria material de los desvalidos y desafortunados -injusta y lamentablemente demasiado extendida en el planeta-, y la miseria moral de los afortunados y poderosos -en tantas ocasiones provocadores y responsables de las denigrantes situaciones de pobreza…-

El relato de Los miserables, ha proseguido renovándose en ediciones, traducciones, publicaciones y medios de comunicación, cada día más cuidados, efectistas y expresivos. Fue llevado a la pantalla: en 1998 por el cineasta danés Bille August, con guión del americano Rafael Yglesias, y una duración de 130 minutos; y en el 2000 por el francés Josée Dayan, con una duración de 360 minutos y en formato panorámico. Divulgándose y aumentándose con estos filmes el interés por la monumental obra literaria de Victor Hugo…

Victor Hugo, y su novela ilustrada por el genial Émile Bayard.

Victor Hugo, escritor romántico francés, novelista, dramaturgo, poeta y político comprometido, quiso dejar claro, en su prolífica y contundente obra literaria, que los intelectuales debían de estar fuertemente comprometidos en la vida política y social .

Como político, fue confidente del monarca Luis Felipe I, y en los inicios de la Revolución Francesa de 1848, ocupó un cargo como alcalde de distrito en París -dato biográfico este, del que renegaría, de manera alusiva, en su obra Los miserables-. Tras esta breve revolución, disconforme con sus propias actuaciones políticas y con el controvertido y despótico imperialismo del sucesor Napoleón Bonaparte, rompe con el régimen y se convierte, como ideólogo humanista, en su principal detractor, lo que le llevaría durante una veintena de años al exilio…

Tras su ruptura, su pensamiento político inspirado en los principios del humanismo cristiano, le llevaría a defender con frecuencia la idea de los “Estados Unidos de Europa”… Siendo éste, acaso, el principal legado de su ideología política.

Victor Hugo dejó un rico legado universal de más de sesenta importantes obras literarias…

En su obra poética, que con una treintena de títulos es la más numerosa, destacan: Las hojas de otoño, Los cantos del crepúsculo, Las voces interiores, La leyenda de los siglos, La piedad suprema, Los cuatro vientos del espíritu, Dios…

De sus obras teatrales, entre las más representadas y conocidas figuran: Cromwell, Hermani, El rey se divierte, Lucrecia Borgia, María Tudor, Teatro en libertad…

Y entre sus novelas, se han hecho célebres: El último día de un condenado a muerte, Nuestra Señora de París, Los miserables -considerada, como su obra cumbre-, Los trabajadores del mar, El hombre que ríe…

Dada la universalidad de sus temáticas, de sus obras dramáticas han sido llevadas a la opera: Lucrecia Borgia, Herrmani, El rey se divierte -adaptada como Rigoletto-… Y al cine: Nuestra Señora de París, El hombre que ríe, Los miserables…

La musicalidad de su poesía inspiró obras musicales a célebres compositores como Biset, Wagner, Saint-Saëns… Siendo muy conocida la composición de Liszt sobre la obra lírica Las hojas de otoño.

Cartel del Musical londinense de Schönberg.

El éxito obtenido por las obras musicales basadas en la literatura y dramaturgia de Victor Hugo, indujo al compositor de música para teatro, actor, cantante y productor francés Claude-Michel Schönberg, a convertir en Musical Teatral la novela Los miserables, que se estrenó exitosamente en París en 1980.

En el 2003, el Musical triunfaba en Broadway, Nueva York, convirtiéndose, tras El fantasma de la ópera y Cast, en el más visto y aclamado de la historia de los espectáculos del género.

En el 2005, el popular espectáculo musical de Los miserables, celebraba apoteósicamente en Londres su veinticinco aniversario, puesto en escena por el prestigioso productor teatral Cameron Mackintosh y Universal Pictures; filmándose -y subtitulándose sus escenas y canciones musicales en diversos idiomas-, para su distribución en medios televisivos...

Tras haber sido aplaudido por más de sesenta millones de espectadores de Europa y Norteamérica, en el 2010, se presentó en nuestro país una versión en español del espectáculo de Cameron Mackintosh. Ya en 1992, se había estrenado en España otra versión producida con la colaboración de José Tamayo y Plácido Domingo, no tan espectacular y grandilocuente como la última…

Su carrera de éxitos prosiguió acrecentándose día tras día…

No es de extrañar, por tanto, que el cineasta londinense Tom Hooper, que se hizo muy popular tras los reconocimientos y premios, obtenidos en 2010 y 2011 por El discurso del Rey, reparara en Los miserables , para llevarla a la gran pantalla…

Los actores, Russell Crowe, Anne Hathaway, Hugh Jackman, Amanda Seyfried , y el director Tom Hooper. 

Thomas o Tom Hooper, guionista, realizador y productor londinense de televisión y cine, con una decena de trabajos talevisivos en su historial, adquirió prestigio en el 2005 con su miniserie Elizabeth I, para la pequeña pantalla. Saltó a la fama con su primer largometraje para el cine El discurso del rey -que obtuvo, entre otros premios, cuatro oscars: a la Mejor Película, Guión, Dirección y Actor Protagonista-.

Su segundo largometraje para el cine Los miserables, viene a ser un acertado compendio de la referida trayectoria anterior de la obra original: novela, musical y filmes, anteriormente citados…

En él adquieren grandilocuencia y énfasis los pensamientos universales y la literatura de Victor Hugo, acerca de las miserias humanas y los maniqueísmos entre el bien y el mal, que nunca sirven de aplicada lección ni a la historia, ni a la sociedad…

La música original de Claude Schönberg adquiere en el filme gran expresividad con la apoyatura de las imágenes: en su excelente ambientación historicista y en la interpretación de sus protagonistas -en la que sobresalen Hugh Jackman -Jean Valjean- y Russell Crowe -Javert-, en sus respectivos personajes maniqueos, enfrentados y contrapuestos, como referentes de la bondad frente a la maldad…

La teatralidad de Cameron Mackintosh, confiere al filme un dramatismo épico y romántico, muy sugestivo y emocional…

Lástima que los subtítulos españoles de las canciones y escenas musicales, acaso por su intención de literalidad, no sean muy acertados…

En definitiva, filme muy recomendable que acrecienta el interés por la temática de la obra universal de Victor Hugo, que, reiteramos, es aplicable a cualquier tiempo y lugar…

Francisco Montero.

 

Cine de Valores 

           EL CAPITAL

 

-Novela y Cartel del filme-

 

El capital es un lobo depredador insaciable… Y la mayoría de los banqueros y políticos, su hambrienta y antropófaga jauría…

Esto es, concisamente, lo que, con distintas palabras denunció el maestro cineasta griego, Constantin Costa Gavras, en la presentación de su filme El Capital, en el pasado Festival Internacional de Cine de San Sebastián (España).

Tras el magistral y crítico filme El dinero -inspirado en los escritos de León Tolstói sobre el uso ególatra, insolidario, antisocial, esclavizante y corruptor del mismo-, realizado en 1983 por el padre de la Nouvelle Vague francesa, Robert Bresson; el filme El Capital de Costa Gavras -basado en la novela homónima de Stéphane Osmont-, es, sin duda, el más incisivo, crítico y denigrador de su poderío actual, de cuantos se hayan realizado hasta ahora.

La novela del agudo economista francés Stéphane Osmont, que, dadas su tremenda denuncia social y acritud, no ha conseguido aún una difusión acorde a su positiva intencionalidad social y ética, sí que viene obteniendo una excepcional divulgación a través del filme del genial Costa Gavras.

 

Stéphane Osmont y Constantin Costa Gavras

 

Constantin Costa Gavras, quién fue distinguido en el 2009 por la Orden de las Artes y las Letras de España, otorgada en Real Decreto por el Rey Juan Carlos, está considerado como el Gran Maestro del Cine Político y Social Europeo.

El hecho de haber nacido en Lutra-Iraias (Atenas, Grecia) en 1933, le ha posibilitado el conocimiento directo de la conformación de la Comunidad Económica Europea -de la que opina: “Hoy es sólo un gran supermercado especulador…”-.

Tras licenciarse en Literatura y Cinematografía en París, pronto desveló su inclinación por el cine de contenido político e ideológico y por el drama social, en cuyas claves ha realizado más de una veintena de filmes, entre los que destacan: Z, La confesión, Estado de sitio, Consejo de familia, Un pequeño apocalipsis, Amen…, y por último El Capital. Filmes merecedores de importantes premios y reconocimientos en Festivales Internacionales de Cine.

Realizador preocupado y comprometido con los valores humanos, sociales y éticos; y muy identificado con los problemas de la crisis y los sufrimientos de sus compatriotas griegos -y de todo el sur de Europa-, no es de extrañar, por tanto, que acometiera la realización del demoledor filme El Capital.

En la presentación de su filme en España, Costa Gavras denunció: “Los políticos están sometidos completamente a los mercados y a la economía. Son los economistas y el mundo financiero quienes dirigen hoy los países y, en concreto, la Unión Europea. Los políticos ya no tienen el poder, se han dejado dirigir interesadamente por los economistas…”

Y en su filme se muestran  o expresan situaciones y frases como: “Las corruptas democracias, con sus liberalismos y libertinajes, han legitimado las injustas desigualdades sociales, el lujo frente a la miseria, la explotación depredadora frente al sometimiento y el robo… El capital es el Robin Hood que roba a los pobres para dárselo a los ricos…”

En la novela de Osmont, como en el filme de Costa Gavras, el capital es el lobo feroz depredador, causante de la descomposición familiar, la pésima educación de los hijos, el paro, el libertinaje, la inmoralidad…

 

La famosa top model Liya Kebede, en el papel de la prostituta de lujo Nassim, ante Poseidón.

 

En El Capital -filme tremendamente realista, para cuya guionización de contenidos Costa Gavras declara haber efectuado multitud de indagaciones y verificaciones-, un banquero puede dar un millón de euros, a cambio de sus favores, a una prostituta de lujo; y negar un par de miles a un amigo empresario para un proyecto de interés social…

El filme del genial maestro Costa Gavras, resulta pletórico de simbolismos: el Banco Europeo Fénix -cuya denominación alude alegóricamente a la mitológica ave griega Fénix, que renace siempre de sus cenizas y es símbolo del éxito…-, tiene en la historia una profunda y controvertida significación…

En el filme de Costa Gavras, el coloso dios griego Poseidón -Neptuno, para los romanos-, “Señor Todopoderoso de la Tierra y los Océanos”, se asocia al Capital, dios actual que todo lo puede, e impera en la sociedad de hoy como “Poseidón de los Mercados”…

 

Gad Elmaleh, es el banquero Marc, "Poseidón del Banco Fénix", aplaudido por sus dueños.

 

Tras su detallista, elaborado, rico en ideas y contundente guión -escrito por Costa Gavras, Jean Claude Grumberg y Karim Boukercha, a partir de la citada novela de Stéphane Osmont-, destaca en el filme el papel interpretativo de su protagonista Gad Elmaleh.

Elmaleh, guionista y director, actor y humorista marroquí, ha sido distinguido como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. De corta pero vertiginosa carrera ascendente, cuya trayectoria reseñamos no hace mucho en esta página, con motivo de su interpretación en la comedia romántica La felicidad nunca viene sola, ha “bordado” en El Capital, su primer papel netamente dramático.

Del desenfadado comediante crápula del filme romántico, al enérgico crápula banquero de El Capital, hay un amplio y profuso repertorio de registros y claves interpretativas, que Elmaleh ha expresado y matizado a la perfección.

Desde las primeras escenas del filme, ya sentimos la pretendida repulsa hacia su personaje Marc de sicario banquero sin escrúpulos… “¡Sanguijuelas…!”, le profieren algunos espectadores críticos del filme…

La puesta en escena de la historia, en clave de trepidante suspense político, es muy dramática y espectacular. Apenas si nos deja tiempo para la requerida reflexión sobre las graves denuncias de sus contenidos, acerca de la crisis económica y de valores que ahora padecemos…

El Capital, no es un filme diversivo de refresco y palomitas; es un filme recomendable, muy serio y realista, aleccionador y para reflexionar… Que nos descorrerá numerosas “cortinas de humo”, con las que hoy los poderes fácticos, económicos y políticos, nos nublan la visión clara de la realidad, embaucan y depredan…

Francisco Montero.

Cine de Grandes Valores

SHUN LI Y EL POETA. La Pequeña Venecia

-Cartel Español-

 

Shun Li y El Poeta, sin lugar a dudas, es el filme de grandes valores humanos, más poético y bello que podamos disfrutar en años…

La historia discurre en la localidad de la Laguna de Venecia, Chioggia, declarada Ciudad del Arte Veneciano, importante pueblo pesquero del Mar Adriático, lugar de interés turístico y de afluencia de inmigración.

Hasta el pueblo, para servir como camarera de un bar, llega la joven Shun Li -Zhao Tao-, que, huyendo de la pobreza y buscando un futuro mejor para su hijo, ha caído en manos de las mafias chinas, las que la explotan como mano de obra sumisa y barata…

Pese a ser muy pobre, Shun Li, posee un rico sentido de la poesía oriental y, aunque se encuentre en occidente, en una cultura ajena, no olvida la rememoración de la Fiesta del Gran Poeta -Qu Yuan (339-278 a.C.)-, haciendo navegar una flor de loto encendida sobre las aguas… Lejos de su tierra y sus seres queridos, su anciano padre y su pequeño hijo, ella vive su soledad fortalecida por un espíritu de sacrificio y un halo poético natural… 

En el bar donde trabaja, Shun Li, conoce a otro inmigrante solitario, el pescador Bepi -Rade Serbedzija-, que pudiera ser su padre, a quien apodan “El Poeta”... Y entre ellos, nace una emotiva, pura y silenciosa, pero expresiva amistad…

 

Rade Serbedzija -Bepi- y Zhao Tao -Shun Li-
 

 

En La Pequeña Venecia -antetítulo que se la ha dado en España al filme, desvariando de lo humano, lo esencial-, se produce el encuentro de dos mundos personales muy diferentes, pero con pensamientos y sentimientos muy comunes… El sentido de la amistad, la solidaridad, la generosidad…, que son universales y no están atenidos ni a razas, ni lugares, ni culturas…

En su trasfondo, la historia, trata también sobre el encuentro de dos mundos, de oriente y occidente… De la llamada al entendimiento, en un planeta que, “hace aguas por todas partes” y, para las relaciones humanas y sociales, está siendo un tsunami…

Shun Li y El Poeta, es, sobre todo, un entrañable filme acerca de la importancia de la utopía y del idealismo, de la poesía y de los valores humanos, que -al margen de filosofías, doctrinas, ideologías…- son esenciales para la vida, universales, y los mismos en cualquier tiempo y lugar…

 

Andrea Segre, guionista y director el filme, en Chioggia.

 

El director del film, Andrea Segre, tras doctorarse en Comunicación Social, se dedica a realizar filmes documentales para la televisión y el cine. Preocupado por los movimientos sociales migratorios, en un mundo multicultural cada día más cambiante, presta particular atención a la xenofia y a las manipulaciones del miedo social, “el temor al otro”, que intentan imponer los integrismos y las doctrinas y políticas exclusionistas.

Con filmes documentales como: Dios era músico, Al sur de Lampedusa, Como un hombre en la tierra, Las cosas cambian, La sangre verde…, obtiene importantes y numerosos reconocimientos y premios en certámenes internaciones de cine.

Claves narrativas constantes en sus filmes son las de las interrelaciones entre el documental y la ficción, entre la veracidad y la imaginación, entre la realidad y la metáfora…

Y con citadas claves ha realizado su primer largometraje Shun Li y El Poeta, en el que han intervenido actores profesionales y no profesionales, y ha sido muy galardonado en más de una veintena de Certámenes y Festivales de Cine: Muestra Internacional del Arte de Italia -Premio Linterna Mágica-, Reikiavik y Londres -Premios Especiales del Jurado-, Sevilla -Premio a la Mejor Coproducción Europea-, Roma -Premio David de Donatello a la Mejor Actriz, Zhao Tao-…

 

Zhao Tao -Premio David de Donatello- y Andrea Segre.

 

Nacida en la provincia china de Shanxi, Zhao Tao, estudió danza clásica y fue profesora en la universidad de Taiyuan. Fue descubierta para el cine por el prestigioso realizador Jia Zhang-ke, para protagonizar el filme Plataforma -Premiado en el Festival Internacional de Cine de Venecia del 2000, desde el que saltaría a la fama-. Desde entonces, se convirtió en su musa y protagonizó bajo su dirección cinco filmes, muy premiados en los festivales de cine de mayor reconocimiento mundial.

Actriz de extraordinaria sensibilidad, muy versátil y expresiva, ha protagonizado una decena de filmes, entre los que destacan: El mundo, Naturaleza muerta, Danza de Dada, Recuerdo… Son características suyas en la interpretación de personajes: el humanitarismo, el intimismo, la delicadeza, la espiritualidad…; es decir, valores muy añorados hoy, por su ausencia en la realidad social materialista y deshumanizadora en que se vive…

En una diluviosa tarde otoñal de día festivo -tras una interminable cola en taquilla de casi una hora de duración-, en la sala más pequeña de los grandes multicines en los que se proyectaba Shun Li y El Poeta, hubo un sólo espectador…

En esta realidad social que, efectivamente, “hace aguas por todas partes”, nuestras instituciones educacionales y culturales, varadas en el materialismo economicista, se empecinan en no preocuparse ni por un paraguas de bolsillo, mínimo, para la anegadora lluvia…

Francisco Montero.

Nuevo Cine Español de Valores

BUSCANDO A EIMISH

-Cartel anunciador-

     

“A mis Padres”…

Es la escueta, hermosa dedicatoria, con la que Ana Rodríguez, productora ejecutiva, guionista y directora de Buscando a Eimish, pone fin a su interesante y bello filme…

Esta dedicatoria final, que bien pudiera haber estado al principio del filme, y a muchos espectadores no avezados al flashbacks -a la narración cinematográfica y literaria que alternan el presente con el pasado, o lo que es igual hacen saltos atrás en el tiempo discursivo-, les hubiera precisado buena parte de la intencionalidad del filme…

Un filme que, en una sociedad como la actual, en la que la familia -célula básica de amor y convivencia-, se encuentra desestructurada y rota, aboga decididamente por ella, como cauce ideal de afectos, sentimientos positivos, felicidad…

La dedicatoria y el filme, vienen a ser clara y expresiva declaración de principios de la cineasta, acerca de la importancia personal y social de la familia…

 

Los personajes de Buscando a Eimish, aunque viajan en busca de reencuentros con personas que influyeron en su pasado, viajan, sobretodo, intimistamente, en la búsqueda de sí mismos… Es una búsqueda interior desesperada, por descubrirse personalmente, de cómo son en realidad, para afrontar su presente… Es la búsqueda clarificadora de la propia identidad personal, para enfrentarse con sinceridad, sin sofismas y sin tapujos, a la convivencia y al compromiso que requiere la familia…

Buscando a Eimish, trata, en definitiva, acerca de la ruptura con el egoísmo y la comodidad personal, para enfrentarse al compromiso, entrega y donación que requiere siempre la relación familiar -hecho escasamente aceptado en la sociedad hedonista y acomodaticia del momento…

 

Ana Rodríguez Rosell

 

Ana Rodríguez, guionista y directora novel de Buscando a Emimish, aunque este sea su primer largometraje fílmico, cuenta con un interesante historial en el documental y los filmes de corta duración, pero importantes ideas. Con Una mujer para Ibu, Nueve -los meses de la gestación-, ¡Espera, Fati!, La Musa, Quiero ser una gacela…; que tienen como temática las realidades contrapuestas de la mujer, en la sociedad desarrollada y en el tercer mundo, ha obtenido numerosos reconocimientos en festivales y certámenes.

Licenciada en Periodismo, impulsora de la productora cinematográfica Jana Films, y con una amplia experiencia en diversidad de tareas y oficios de supervivencia -ella suele decir que su principal universidad ha sido la vida-, en su obra demuestra tener un pensamiento profundo y universalista.

Como Nuevo Valor del Cine Español, ha sabido huir de los tópicos y estereotipos viciados del cine localista de nuestro país -la derecha y la izquierda, los dos bandos, las secuelas y consecuencias de sus antagonismos…-, para enfrentarse a otras realidades más generales, abiertas y universales, de cualquier tiempo y lugar, de otras formas de pensar, sentir y relacionarse, más acordes con el devenir multicultural de la actualidad…

 

Manuela Vellés -Eimish- y Óscar Jaenada -Lucas-

 

La forma de hacer cine de Ana Rodríguez, nos recuerda al gran cineasta, padre de la Nouvelle Vague francesa, Robert Bresson. Su cine de introversión, repara más en las trayectorias intimistas de sus personajes, que en las relaciones circunstanciales y extrovertidas de los mismos; indaga en sus pensamientos y sentimientos más personales e íntimos, manteniéndolos hasta el final de la historia en un halo enigmático y de suspense. Hasta el último momento, no entenderemos con claridad las motivaciones y preocupaciones de sus vivencias…

Buscando a Eimish, es un filme no muy explícito, pero lleno de sutilezas y sugerencias; requiere que el espectador se implique en la trama, e interprete hechos y situaciones que, aparentemente, se nos ofrecen un tanto confusas e irresueltas…

En esa nueva forma poética de hacer cine, ambos personajes protagonistas, transitan en su escasa comprometida juventud, en la confusión; sus viajes hacia otros lugares, no son una huida de sus circunstancias, sino una búsqueda de la claridad de sus sentimientos y pensamientos, de la luz…

- El nombre del protagonista, “Lucas”, significa luminoso, clarividente…-

En Buscando a Eimish, hay una mayor preocupación por la ética que por la estética, sin el menor atisbo de moralismo… Es la búsqueda de una nueva forma natural de pensar y sentir, para la sociedad multicultural que se avecina, sin los clichés propios de los pensamientos únicos, doctrinarios y dogmáticos, de las sociedades ancladas en el conservadurismo…

 

Emma Suárez, Jan Cornet, Manuela Vellés, Ana Rodríguez, Óscar Jaenada y Clara Wurnell, en Málaga, 2012.

 

El filme ha sido muy aplaudido en una decena de destacados festivales de cine, ha obtenido galardones a la Mejor Dirección Novel, al mejor actor -Óscar Jaenada-, y el Premio Signis -que concede para la Cultura de la Paz, la Asociación Católica Mundial para la Comunicación-, en el pasado Festival de Málaga, 2012.

Signo de que es un buen filme, renovador y novedoso -que, reiteramos, se distancia de los tópicos y estereotipos, a los que el cine como espectáculo de masas y negocio, tiene acostumbrado al gran público-, es que está pasando por nuestras pantallas provincianas como una exhalación: pocas sesiones y con pocos espectadores.

Acaso la forma de narrar de Ana Rodríguez, introvertida y no muy explícita, pretendiendo que el espectador dé sus puntaditas a los hilos que parece dejar sueltos adrede, no sea muy del agrado del público mayoritario extravertido, superficial, irreflexivo…

Los cinéfilos, quienes amamos el cine como Arte, Lenguaje y Medio de Comunicación Social, aplaudimos a Buscando a Eimish y animamos a Ana como cineasta renovadora, luminosa...

Francisco Montero.

 

AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO

 

-Cine de Valores, on line-

 

-Cartel anunciador-

      

En nuestro país, se da una regla de tres -espectador, cine y cultura-, inversa y casi infalible… A menor número de espectadores, cine de mayores valores humanos, sociales, culturales… A mayor número de espectadores, cine de menores valores… Es la regla de la incultura…

Es la consecuencia de la cultura “kitch”, o la incultura del mal gusto y la nada, que andan sembrando nuestros dirigentes; siembra vientos -o sea no siembres nada- y recogerás tempestades de carencias… A la cultura la oprimen hoy hasta la asfixia con la subida de impuestos, le han recortado hasta el nombre, o sea, es la nada, no hay cultura, ¡ni valores humanos, sociales, espirituales…!

Es esta la regla que se cumple con el magnífico filme oriental Amor bajo el espino blanco, que por sus escasas expectativas de rentabilidad comercial, no se ha estrenado en muchas de nuestras ciudades y muchos cinéfilos hemos tenido que recurrir a Internet, donde, afortunadamente, sí se encuentra, en versión original, subtitulada.

Tradicionalmente, casi todos los grandes valores espirituales de la humanidad, como “reyes magos”, llegaron a occidente desde oriente…

Y de oriente, aunque no florezca fecundamente en nuestra cultura, con cuentagotas, nos llegan aún una magnífica literatura y cine de valores humanos, sociales, culturales, espirituales…

Es el caso de la aclamada novela Amor bajo el espino blanco de Ai Mi y del bellísimo, sutil y poético filme homónimo -basado en ella-, del cineasta chino Zhang Yimou, que reseñamos…

 

Zhang Yimou

 

Con una veintena de filmes en su historial -entre los que destacan: Sorgo rojo, La semilla de crisantemo, Qiu Ju una mujer china, Ni uno menos, Amor bajo el espino blanco, Las 13 flores de Nanking…, con los que ha obtenido los más importantes premios y reconocimientos de los principales festivales del cine de occidente, Berlín, Cannes, Venecia, Valladolid…-, Zhang You es el más internacional de los cineastas chinos actuales.

Tras graduarse en la Academia de Cine de Pekín, se inició en el mundo de la imagen como fotógrafo y dibujante. Datos de interés en su biografía, que avalan las cuidadas, bellas y expresivas imágenes de sus filmes

En la década de los años 70, durante la Revolución Cultural China de Mao Tse-Tung -régimen con el que el cineasta fue muy crítico en sus filmes-, trabajó durante diez años en granjas comunales. El profundo conocimiento de ellas le valdría más tarde para tratar concienzudamente el minucioso contexto de la opresión social, en el que subyacen las temáticas de sus historias ambientadas en esos años.

En ellas presta especial atención al mundo de la mujer, quien vive de manera más acentuada y profunda, física y espiritualmente las consecuencias del sometimiento y el sojuzgamiento del régimen. En sus filmes, épica, conciencia y testigos de lo cotidiano, es la mujer quien tiene el protagonismo central…

En Amor bajo el espino blanco, el personaje de la adolescente Jing -sutilmente interpretado por la jovencísima Zhou Dongyu-, refrenda citado protagonismo.

 

 

Jing -Zhou Dongyu- y Sun -Shawn Dou-

 

En el 2011, en la 56 Edición del Festival Internacional de Cine de Valladolid -en otros tiempos Festival de Cine de Valores Humanos-, Zhou Dongyu, obtuvo el premio de Mejor Actriz Revelación por su interpretación -pletórica de matices, sutilidad y delicadeza-, del personaje Jing en el filme.

En el momento de su filmación, ni Zhou Dongyu, ni Shawn Dou, eran actores, ambos eran estudiantes. Es mérito del realizador Zhang Yimou -quien tiene fama de descubridor de talentos-, el haber revelado a ambos para el mundo del cine.

Por vivir en la misma edad de sus personajes, en la adolescencia y juventud, tan propias del idealismo y el romanticismo, las interpretaciones de ambos, resultan muy emotivas, sensibles, realistas, verídicas… Y matizan con extraordinaria expresividad la poesía y el humanismo que le son propios al cineasta Zhang Yimou.

 

 

Director y Protagonistas, Premios de Cine en China.

 

Amor bajo el espino blanco, es una hermosa fábula romántica sobre el despertar de la inocencia, el enamoramiento, el descubrimiento de las condiciones de vida en la pobreza, de la dureza de los trabajos más rudos, el sufrimiento en los sometimientos y las represiones de los regimenes políticos, el enfrentamiento a la enfermedad, a la muerte, al dolor, a la resignación…

En China, el espino blanco, es símbolo del dolor y de la resistencia…

En Rusia, es muy conocida una poética y sugerente canción titulada El Espino Blanco, e inspirada en ella se ha compuesto la delicada y deliciosa música del filme.

La novela de Ai Mi -autora que reside en Estados Unidos-, también se encuentra en e-book en Internet y ha superado ya la venta de tres millones de ejemplares. La obra literaria es más crítica con el régimen maoísta, que el filme.

Zhang Yimou, ha centrado más su atención sobre la psicología y las vivencias personales, familiares y sociales de los personajes, creando un filme muy poético y sugestivo… Su obra trasciende el contexto social del régimen político de su momento, para reparar en los aspectos intimistas y universales del amor y los sentimientos más puros…

Como cada una de las secuencias del filme, bellísima la escena ante la madre -evocadora parábola del amor servicial-, en la que Sun lava y cura a la frágil Jing sus pies llagados por la dureza del trabajo…

La película en dvd, aparecerá para diciembre próximo, no deje de verla…

Francisco Montero.

 

A ROMA CON AMOR

-Cartel anunciador-

      

El autor del filme A Roma con amor, Woddy Allen -pseudónimo artístico de Allan Stewart Königsberg-, es, seguramente, el cineasta más polifacético del panorama cinematográfico actual: escritor, dramaturgo, guionista, director, actor, humorista, músico…

Tras Charles Chaplin, Charlot, seguramente sea también el cómico más carismático, popular y conocido que, hasta ahora, ha tenido la historia del cine. Sería harto prolijo intentar hacer aquí una sencilla semblanza de su vida y su obra -muy conocidas-, cuando miles de estudios y libros han tratado ampliamente de ellas; por cierto, muy controvertidas, complejas, abiertas a multiplicidad de interpretaciones, opiniones...

Su obra como cineasta, escritor, músico…, es muy conocida y admirada en Europa, máxime en España, Francia e Italia; países en los que se han exhibido la mayoría de sus filmes, habiendo actuado en muchas de sus ciudades como Concertista de Clarinete, con su orquesta The New Orleans Jazz Band, a la que dedica buena parte de su tiempo.

De hecho, dada referida admiración, a citados países ha dedicado sus tres últimos filmes: Vicky Cristina Barcelona -por el que nuestra actriz Penélope Cruz obtuvo su primer Oscar-, Midnight in París y A Roma con amor, que reseñamos.

En el año 2002, En España, se le concedió el Premio Príncipe de Asturias, en reconocimiento a su obra, y desde entonces tiene una significativa estatua de homenaje en Oviedo (Asturias)…

 

Woody Allen y familia, ante su estatua en Asturias (España)

 

De la irradiación cultural de referidos países hacia el exterior, Woody Allen ha extraído elementos prototípicos y populares, y sobre ellos ha construido los humorísticos guiones de sus filmes…

Para Italia, el país de la “Divina Comedia”, basándose en el amor, Woody Allen, ha creado una comedia que a muchos cinéfilos -hemos cotejado- les parece divina… Principalmente, son tres historias de amor, cuyas parejas, al igual que Dante, viven en ese sentimiento su infierno, su purgatorio y su paraíso…

Una pareja es la formada por Jerry -Woody Allen- y Phyllis, su esposa, psiquiatra -Judy Davis-; entre ellos más que el amor impera el desamor y los persistentes reproches de la psiquiatra a su marido y paciente… -Buena comicidad la de esta pareja que, autobiográficamente, alude al consabido eterno desposorio de Allen, en su vida real, con el psicoanálisis…-

Phyllis -Judy Davis- y Jerry -Woody Allen-

Otra pareja es la formada por Jack -Jesse Eisemberg- y Sally -Greta Gerwig, en cuyo apaciguado romance se interfiere la impetuosa Mónica -Ellen Page-, aspirante a actriz y que vive en un mundo irreal, como es el del teatro, la imaginación y la fantasía…

A pesar del repentino enamoramiento entre Jack y Mónica, la inestabilidad emocional de ella, no afectará demasiado a la segura y confiada Sally, ni a la estable relación con su pareja…

Su fugaz romance sólo será el de las típicas nubes viajeras, exaltadoras sentimentales de los turistas en Roma…

 

Mónica -Ellen Page- y Jack -Jesse Eisenberg-

                    

Las tres historias, que se narran alternadamente, son coincidentes en ser protagonizadas por turistas visitantes que llegan a Roma con una ensoñación preconcebida de su estancia en la ciudad… Pero las vivencias realistas en ella, desmitificarán sus ensoñaciones al verse envueltos en situaciones ridículas y radicalmente contrarias a lo que ilusionaban… Antonio el joven recién casado, sin esperársela, se verá envuelto en una complicada relación con Anna -Penélope Cruz-, una prostituta de lujo que le inicia en la infidelidad… Su pareja, la ingenua Milly, caerá en las seductoras redes de un “latin lover” y un “chorizo” -un actor famoso, y un delincuente de poca monta, que acabará con su virginidad-…

El filme roza la astracanada de situaciones próximas a la “dolce vita italiana”, tan satirizada por Federico Fellini, a quien Allen parece querer rendirle en ella, homenaje…

 

Antonio -Alessandro Tiberi- y Milly -Alessandra Mastronardi-

 

Para una mejor identificación de los espectadores con la historia del filme, Allen, incluye en su reparto a actores paisanos conocidos. Es el caso de los italianos Roberto Benigni, Antonio Albanese, Ornella Muti, Alessandro Tiberi y Alessandra Mastronardi, o de la latina Penélope Cruz.

El genial cómico Roberto Benigni, en el papel de Leopoldo -hombre insignificante y hogareño, prototipo de la clase media italiana…-, sin esperarlo, de la noche a la mañana y por la fuerza mediática y explotadora de la publicidad, se verá convertido en un superman popularísimo…

En su estrafalario personaje, se encarna la antítesis de la ética imperante del consumismo televisivo y publicitario, y una velada crítica a la sociedad amoral, a la que poco importan los valores humanos y que lo mismo encumbra que destruye a la persona…

El interesante personaje Leopoldo, viene a ser la síntesis del desamor, el desengaño y el abandono social de la persona, cuando ya no interesa para su explotación mediática consumista…

Y ello, en una Roma “desconchada”, no monumental, en la ciudad eterna del amor, y capital del amor eterno…

 

Roberto Benigni, en el papel de Leopoldo

 

Aunque Woody Allen no suele ser moralizante ni aleccionador, de sus cómicos filmes -como ocurre con los de Chaplin, Charlot-, siempre se desprenden enseñanzas y exaltaciones de valores humanos.

En A Roma con amor, Allen parece querernos decir, a través de sus sibilinos planteamientos cómicos que, de determinados amores, interesados, pasionales, sentimentales y efervescentes, píos…, como el gato del agua, hay que huir…

La música, subrayando las situaciones del filme es una delicia. Nos rememora temas populares y clásicos italianos: desde el tema insignia de Domenico Modugno, Volare -el filme se inicia con un vuelo de la primera pareja a Roma y termina con su interpretación por un banda de música popular-; hasta Pagliacci, Payasos, ópera italiana de la comedia de arte, del compositor Ruggero Leoncavallo, que tantos tenores de todo el mundo han interpretado…

Con el tema de Payasos, interpretada por un tenor bajo la ducha -cómicamente integrada en la representación teatral de la célebre opera-, Woody Allen lleva el humor hasta el paroxismo… Con este tema, el autor parece reír de sí mismo y de su descabellado ingenio, a la par que reitera su homenaje a Fellini, a La Strada, a Los Clowns, a todos los “Payasos” del mundo…

A Roma con amor, una cómica delicia…

Francisco Montero.

 

LAS AVENTURAS DE TADEO JONES



-Cartel anunciador-

      

En España, el Cine de Animación siempre contó con creativos geniales… Acaso por ser un país extraordinariamente pintoresco y de una excepcional riqueza iconográfica, ha infundido a sus artistas -pintores, dibujantes, animadores…-, una creatividad excepcional…

Es conocida la historia -mito o verdad- de que el gran cineasta de los Dibujos Animados, Walt Disney, nació en Mojácar (Almería); hijo de madre soltera que, dada su precaria situación, emigró a América y dio en adopción a su hijo al matrimonio de Elías Disney y Flora Call… Hasta no hace mucho, en el pueblo almeriense, existían testimonios personales de que, efectivamente, la historia era verídica…

 

España, lideró durante décadas el panorama internacional del Cine de Animación, de la buena mano creativa de: Los Hermanos Moro -Cantinflas, Marcelino, Pan y Vino, La Familia Telerín…-, Francisco Macián -Historietísta, Creador del Tecnofantasy, El mago de los sueños…-, Cruz Delgado -Mágica aventura, Don Quijote de la Mancha, Los Viajes de Gulliver…, José Ramón Sánchez -El gritoperio, Pablito, El desván de la fantasía…-

Hoy, el cineasta cordobés Antonio Zurera, con un relevante historial de realizaciones, al frente de la Productora de Dibujos Animados Milímetros y del Festival de Cine de Animación de Córdoba Animacor, junto a otras importantes productoras, prosiguen situando a España destacadamente en el panorama internacional.

En citado contexto, el filme Las aventuras de Tadeo Jones, apenas recién estrenado, en España y diversos países, está marcando un exitoso hito de taquilla y popularidad….

Director y Actores de voces: Enrique Gato, Michelle Jenner, José Mota y Miguel Angel Jenner

 

Es casi un prodigio en España que, Enrique Gato, director del filme -quien ya con su corto originario Tadeo Jones, producido por Fiesta PC en el 2004, obtuvo más de cincuenta Premios y Reconocimientos, nacionales e internacionales-, haya conseguido reunir la financiación requerida para el filme. A ella han contribuido: El Toro Pictures, Ikiru Films, Lightbox Entertainnent, Telecinco Cinema, Telefónica Producciones y Media Networks; empresas del mundo del cine, la televisión, prensa, publicidad…, con lo que su buena divulgación publicitaria, está siendo la base de su éxito. En él han trabajado más de trescientas personas, durante cuatro años, desarrollando 14.500.000 ficheros informáticos… ¡Impresionante…!

Resultado de ese enorme trabajo, Las aventuras de Tadeo Jones, es un filme de “Animación” excelente, al que se le auguran muchos logros y reconocimientos… No obstante, al igual que la mayoría de los filmes de animación europeos, adolece de un notable guión…

Tadeo y Sara, Personajes protagonistas

 

Su historia no es original, es una parodia de las famosas Aventuras de Indiana Jones; personaje de imagen real, de insuperable éxito popular, cuya saga fue llevada al cine y a la televisión por los colosos cineastas George Lucas y Steven Spielberg, y protagonizada por Harrison Ford. Los filmes y series televisivas de citados cineastas, están considerados entre los de mayor popularidad y rentabilidad comercial de la historia del cine y la televisión. No es de extrañar, por tanto, que su temática se haya tratado nuevamente por el cine de animación…

Han sido, tradicionalmente, claves esenciales y definitorias del Cine de Animación: la Sublimación imaginativa, la Idealización de las historias tratadas y la Creación mágica y fantasiosa de escenarios, paisajes y situaciones que en la realidad no pueden darse…

El filme Las aventuras de Tadeo Jones, logra citados planteamientos por sus dibujantes animadores, pero falla demasiado en su guión….

La narración se adereza en demasiadas situaciones con expresiones vulgares y con escaso sentido humorístico en las que aparecen las ordinarias palabras de la sociedad de consumo: Coca Cola, Seur, Visa, Burger… El globo en el que vuelan los protagonistas hacia la ciudad perdida de Machu Pichu se llama “Burger” y tiene forma de hamburguesa gigante….

El globo Burger...

 

La historia -a excepción del pobretón ensoñador albañil, Tadeo, con aspiraciones de arqueólogo-, resulta escasamente idealizada, y con superabundancia de situaciones de violencia… Los monstruos y los medio robots y medio “irons mans” -acaso emuladores de los profusos diabólicos personajes y robots de los dibujos animados orientales, pretendiendo que el filme tenga también acogida en esos países-, son matones que con su incesante violencia se imponen sobre cualquier atisbo de idealismo, poesía, actitudes ejemplarizantes…, que pudieran enriquecer el filme, dirigido principalmente a menores…

Lástima que, sobre la demostrada excepcional creatividad de sus animadores -paisajes, escenarios, situaciones…- , prevalezcan las escenas de violencia y poco extraordinarias, no muy propias del buen cine de animación…

No obstante, algunas de las tratadas, son bellísimas, deliciosas…
 

La ciudad perdida de Machu Pichu

 

Hoy que la temática de los grandes cuentos de la literatura universal -plena de idealismos, valores, enseñanzas…, y que dio base a los guiones de los grandes filmes de animación-, se encuentra agotada y fuera de época, urgen buenos guionistas para el cine de animación y para el cine en general. Ya no vale el eslogan que apostillaba que: “Los europeos llevan el cine en la cabeza, los americanos en la sangre…”

Nos sobra cine zafio de persecuciones, pistolas y puñetazos, y nos falta cine inteligente con espíritu, con alma, con corazón…

Qué rotundo filme hubiese sido Las aventuras de Tadeo Jones, con un guión más original, menos saturado de ideas ordinarias y en alguna ocasión hasta horteras, comerciales… -que todo hay que decirlo: provocador de la hilaridad del espectador adulto, corriente, de refresco y palomitas…-

De todas formas, Las aventuras de Tadeo Jones, en la mayoría de sus secuencias, escenas y planos, es un filme agradable de ver. ¡Enhorabuena a sus dibujantes y animadores…!

Francisco Montero.