MADAME MARGUERITE

-Cartel del filme-

Acaso, como confirman autorizados psicólogos y sociólogos, no haya peor mentira que la del autoengaño…

El autoengaño, creerse lo que no se es, suele ir asociado a la arrogancia, a la presunción y al alarde de unas cualidades o talento que no se tienen…

El autoengaño es un tema de extraordinario interés social actual, por estar asociado frecuentemente con el poder de políticos, líderes religiosos, personajes de éxito…

La gran mentira del autoengaño, la arrogancia de creerse poseedor de unos valores que no se tienen, suelen generar a su alrededor demasiados males personales y sociales: desamor, rechazos, burlas…

Las personas engañadas en sus falsos valores, se convierten casi siempre en ridículos payasos…

Es el tema que trata, con humor muy inteligente, sutilidad y elegancia, el filme del cineasta francés Xavier Giannoli, Madame Marguerite…

La adaptación libre de su trama por Giannoli, basada en la historia real de la diva estadounidense Florence Foster Jenkins -que ha sido anteriormente llevada al teatro y pronto aparecerá una nueva versión cinematográfica, dirigida por Stephen Frears, y protagonizada por Meryl Streep y Hug Grant-, dejan patente el interés actual por el tema del autoengaño y la mentira.

Aunque la nueva versión de Stephen Frears que se nos anuncia, tiene un carácter más biográfico y personal acerca de la falsa y farsamente exitosa soprano, carente de talento musical; la versión libre de Giannoli es más incisiva en el tema del autoengaño y sus consecuencias personales y sociales.

Expresiva portada de un disco de la diva Florence Foster Jenkins.

La versión libre de Giannoli, sobre la soprano Florence Foster Jenkins, repara en las consecuencias de cómo las mentiras personales y sociales -dado que una pequeña mentira, puede generar grandes mentiras insostenibles-, suelen abocar al más estrepitoso fracaso, al descrédito, la destrucción personal y social…

-Como ha ocurrido siempre con las falsas famas, con el maquiavelismo de las políticas y religiones, que con farsa teatralidad venden idearios y dogmas que ni sus propios líderes se creen…

El guionista, director y productor de cine francés, Xavier Giannoli, con una decena de filmes en su historial, ha sido nominado y reconocido con los mayores galardones del cine en Francia, siendo distinguido en 2010, como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras -una de las más altas distinciones del país galo-.

Giannoli, se inició como cineasta en el campo del cortometraje, contando en su historial con títulos como: La condena, Tierra Santa, Me encanta lo que haces, El dialogo en la cumbre, La entrevista… Siendo galardonado por éste último con los premios: César -de la Academia del Cine Francés-, y Palma de Oro -en el Festival de Cannes, 1998-.

Tras citados cortos, se afianzó como cineasta de prestigio, en el campo del largometraje con los títulos: Cuando yo era un cantante, Al principio, Superestrella, Madame Margarita… Obteniendo por este último el Premio Nazareno Taddei, en el Festival de Cine de Venecia, 2015; y una quincena de los más altos reconocimientos del Cine en Francia -César, Louis Delluc, Lumière...-, y la Semana Internacional de Cine de Valladolid, 2015 -España-.

Son claves fundamentales de su cinematografía: el tratamiento libre de temas de carácter biográfico y las tramas en las que se interrelacionan el drama y la comedia, con inteligentes connotaciones, sutil ironía, elegante humor…

Xavier Giannoli, director y coguionista de Madame Marguerite.

En el filme Madame Marguerite, Giannoli plasma magistralmente y con gran humor, sutiles connotaciones en torno a la arrogancia, la presunción, el “pavoneo” del que suelen revestirse los personajes que se autoengañan…

El metafórico filme, alude reiteradamente, con ironía, al consabido refrán universal de que “cuanto más alto se vuela más dura es la caída”…

La diva Florence Foster Jenkins -como bien expresan el cartel anunciador del filme o la portada de su disco-, dado que su buena posición económica se lo permitía, solía revestirse en sus actuaciones de exóticos plumajes, pavoneándose como si fuese ave real, ave del paraíso… Sin caer en la cuenta de que el ave del paraíso, pese a la belleza de su plumaje, emite uno de los sonidos más desagradables que se puedan escuchar…

Y sus más allegados familiares y colaboradores, que alimentaban su autoengaño, unos por compasión y otros comprados, se prestaban a dar pábulo a su pavoneo, como reza anecdóticamente el subtítulo de su disco “Gloria (????) de la canción”…

Es la metáfora de lo que suelen ocurrir con tantos líderes en nuestra teatral, falsa y farsa sociedad… 

-¡Ay si muchos de ellos, desprovistos de pavoneo, se viesen o se escuchasen a sí mismos…!-

La hora de la verdad...  Elocuente fotograma de Madame Marguerite.

Junto a su brillante guion y puesta en escena, otro de los destacados valores del filme es el de sus interpretaciones…

Magistral la interpretación de la veterana actriz francesa, de teatro y cine, Catherine Frot en el difícil papel de Madame Marguerite, con el que ha obtenido importantes reconocimientos y galardones nacionales e internacionales.

Inolvidable la dramática puesta en escena e interpretación del genial cómico Michel Fau, del expresivo pasaje -aplicado al filme- de la ópera de Ruggero Leoncavallo, “Ríe payaso”…

Francisco Montero.

LA HABITACION

-Cartel publicitario del filme.-

No hay nada que humanice más a la persona, al hombre, a la sociedad en general, que los afectos, los buenos sentimientos, el buen amor…

Contrariamente, el desafecto, el egoísmo, la imposición, la coacción…, deshumanizan, esclavizan, generan monstruosidades…

Una sociedad sin afectos, sin buenos sentimientos, es una sociedad enferma, monstruosa…

Se podrá coaccionar y privar a la persona de la libertad, reducir su vida a una minúscula y angosta habitación o calabozo, pero nunca se podrán someter, encerrar o esclavizar, sus sentimientos, sus afectos…

Es el tema esencial que trata el metafórico filme del realizador irlandés Lenny Abrahamson, La habitación…

Desde que leímos en 1970 el impresionante relato del Premio Nobel Alexandr Solzhenitsyn, Un día en la vida de Iván Denísovich -escalofriante historia sobre la privación de libertad de un deportado, en los campos de trabajo soviéticos, experiencia que sufrió el autor-, hasta la novela de Emma Donoghue y el filme homónimo La habitación, no habíamos conocido otro relato similar, tan interesante y humanista, de denuncia y contra el encarcelamiento forzado, el sometimiento, la esclavización, la privación de la libertad…

La trama de La habitación tiene sus antecedentes en el famoso Caso Fritzl, ocurrido en Austria; la historia real de Elizabeth Fritzl, quien fue encerrada en un sótano durante veinticuatro años por su monstruoso padre, el incestuoso y pederasta electricista Josef Fritzl, quien abusó sexualmente de ella desde los 11 años y con la que tuvo siete hijos…

Escabroso caso que por su horror conmocionó mundialmente…

Con minuciosidad y valentía, trata de ello la novela de la irlandesa -residente en Canadá- Emma Donogue, con la que en el 2010 obtuvo diversos reconocimientos y premios canadienses e internacionales como: el Irish Book Award, el Rogers Writers Trust Fiction Prize, finalista al prestigioso Premio Orange de Inglaterra…

El guion literario del filme ha sido escrito también por Emma Donogue, por lo que, con la mayor expresividad de la imagen, las elipsis narrativas propias del cine y sin concesiones a la escabrosidad y al sensacionalismo, se ha tratado con énfasis lo esencial de la novela, reparando en la afectividad entre la madre y el hijo protagonistas de la historia.

El director, los tres protagonistas y la novelista-guionista de La habitación.

Resultan excepcionales en el filme las interpretaciones de sus protagonistas: Brie Larson, en el papel de la madre Joey, y de Jacob Tremblay, su hijo Jack de cinco años, que nada sabe del mundo exterior a la habitación en la que viven encerrados, salvo lo que le han enseñado con afecto real su madre y ficticiamente la televisión…

Sin la menor duda, junto a la impresionante historia del filme llamada a provocar la repulsa hacia el maltrato humano, su valor más relevante es la interpretación de la protagonista Brie Larson.

La actriz californiana Brianne Sidonie -conocida artísticamente como Brie Larson-, emociona con su sentida interpretación de Joey, la madre que soporta la cruel esclavización, personal y sexual, en la que vive sometida, en el reducto de una lóbrega habitación, pensando obsesionada en la liberación y educación de su pequeño hijo…

Larson, vegetariana que no consume carne de animales, por considerarlos seres sufrientes a los que hay que evitar su explotación, enjaulamiento y maltrato, manifiesta en sus interpretaciones su extraordinaria filosofía personal, sensible y comprometida en su vida real…

Desde que se inició en televisión en 1998, ha compartido intensamente este medio con el cine, con más de cincuenta actuaciones como actriz de reparto o protagonista en filmes cinematográficos y episodios televisivos, en los que ha dejado patentes sus excepcionales dotes interpretativas y dramáticas; interviniendo también en algunos cortometrajes como coguionista y codirectora.

Metafórico y expresivo fotograma de Jack -Jacob Tremblay- y Joey -Brie Larson-, en La habitación.

En la filmografía de Larson destacan títulos como: Pequeños salvajes (2006), Tanner Hall (2009), Don Jon (2013), Y de repente tú (2015), o La habitación (2015), por cuyo papel la actriz ha sido muy premiada y reconocida internacionalmente.

Entre los premios que se le han concedido como Mejor Actriz del 2015 por su protagonismo en La habitación figuran: Premio de la Asociación de Críticos de Cine, Premio del Consejo Nacional de Crítica de Cine, Premio del Sindicato de Actores de Cine, Premio de la Organización de Cine Independiente, Premio de la Academia Británica de Cine y Televisión, Globo de Oro, Oscar…

Junto al difícil papel de Brie Larson -en la situación tan insólita, anormal y surrealista, como es la de la madre Joey-, atrae poderosamente la atención -motivando afectuosidad y compasión- el dificultoso papel, entre realidad e irrealidad, del hijo Jack, protagonizado por Jacob Tremblay…

El pequeño Tremblay, debutó en el cine con sólo siete años de edad y cuenta ya en su historial con más de una decena de interpretaciones en el cine y la televisión, habiendo sido muy aplaudido y premiado en títulos como: Los Pitufos 2, El hurón mágico (2013), Extraterrestrial (2014), El hermano de Gord, La habitación (2015)…

Como Actor Prometedor, Actor Revelación y Mejor Actor de Reparto, ha sido distinguido también con más de una decena de importantes reconocimientos y premios de: Sindicato de Actores de Estados Unidos, Asociaciones de Críticos de Cine de Austin y Chicago, “Satellite” de la International Press Academy…

Abrahamson, dirige al pequeño Tremblay en el rodaje de La habitación.

El irlandés Lenny Abrahamson, filósofo, guionista y director de cine, sólo tiene en su historial cinematográfico media docena de filmes, en los que trata temas existencialistas en situaciones poco convencionales, reparando en el intimismo y los sentimientos de sus personajes: Adan y Paul (2004), es la historia de dos amigos drogodependientes, que sufren el rechazo social e intentan superar su adicción; Garaje (2007), trata del empleado de una solitaria gasolinera que se afana por descubrir incentivos vitales en su monótona situación de aislamiento; What Richard Did (2012), trata del enamoramiento, los celos, la rivalidad, el éxito y el fracaso, de un brillante jugador de rugby adolescente…

Por citados filmes, ha sido reiteradamente reconocido como Mejor Director por la Academia de Cine y Televisión de Irlanda…

Internacionalmente, ha logrado el respaldo como buen director, que trata con excepcional interés el intrigante mundo intimista de los sentimientos y afectos personales frente a la repulsa social, con La habitación…

Francisco Montero.

SPOTLIGHT

-Cartel Publicitario del filme. Kinepolis-

Los poderes fácticos que han gobernado internacionalmente hasta ahora, cada día sirven menos a las sociedades…

Afortunadamente, muchas tradiciones conservadoras de esos poderes vienen caducando…

Verdades intangibles, corrupciones, vicios y delitos sociales mantenidos ocultos durante siglos por esos poderes fácticos, vienen saliendo a la luz…

El poder de la prensa, los medios de comunicación actuales, los están denunciando y dando a conocer…

La cultura universal que orienta y es luz para la humanidad, hoy cambia vertiginosamente…

Es la exigencia de los más de siete mil millones de habitantes que pueblan hoy el planeta, es el nuevo renacimiento humanista de nuestras sociedades, a las que casi nada le es indiferente…

Es el telón de fondo del tema de pederastia en la iglesia católica que, basado en hechos reales denunciados por el periódico The Boston Globe, al inicio de siglo, trae a la luz el filme Spotlight…

Por el trabajo sobre el asunto, del equipo de investigación del periódico, denominado “Spotlight” 

-sacar a la luz, dar a conocer-, al Boston Globe, se le otorgó el Premio Pulitzer 2003, por su Servicio a la Sociedad.

-En más de una decena de ocasiones, el periódico Boston Globe, ha sido reconocido con este prestigioso galardón estadounidense que la Universidad de Columbia otorga al periodismo, a la literatura, al teatro y a la educación.

Y dada la relevancia del caso, en 2015, el intrépido cineasta norteamericano, Thomas McCarthy, estrena su filme de ficción Spotlight, basado en los referidos hechos reales.

Por diferentes asociaciones estadounidenses de Críticos de Cine, el filme ha sido considerado el Mejor del Año, obteniendo su equipo artístico y técnico numerosísimos premios y distinciones.

Thomas McCarthy, realizador de Spotlight-

El cineasta Thomas McCarthy, actor, guionista y realizador estadounidense, tras cursar estudios de arte dramático en la Universidad de Yale, debutó pronto como actor de cine y televisión en cuya faceta cuenta con más de una treintena de interpretaciones en filmes y series, en los que adquirió buen conocimiento práctico de las claves del guion y la dirección.

Entre sus interpretaciones como actor, son destacables los filmes: Conspiración, El gurú del sexo, Buenas noches y buena suerte, Mamá de alquiler, Desde mi cielo… -para el cine-; y Ley y orden, Boston Public, Bajo escucha… -series televisivas-.

Disconforme con sólo actuar en citados trabajos, la mayoría de las veces en papeles poco relevantes, en 2003 debuta como guionista y director con el filme Vías cruzadas -comedia dramática sobre la anomalía del enanismo-, con el que obtuvo los importantes premios: BAFTA, de la Academia Británica del Cine, al Mejor Guion Original, y el Independent Spirit Awards, de la Organización de Cine Independiente de California, al Mejor Reparto de Actores, y diversos reconocimientos en los festivales de cine de Estocolmo, Sundance, San Sebastián…

Con su siguiente filme El visitante (2008) -sobre los problemas de identidad y comunicación social e intercultural de un solitario inmigrante viudo-, también como guionista y director, fue premiado con una decena de importantes reconocimientos en diferentes festivales de cine: Moscú, Brisbane, Deauville…

Tras sus siguientes filmes, como guionista y director, Ganamos todos (2011) y Con la magia en los zapatos (2014) -entre otros trabajos como guionista-, será con Spotlight (2015), con el que es reconocido internacionalmente como guionista y director de extraordinario talento, al obtener con este filme más de doscientos premios y reconocimientos, en diversos festivales de cine y países, considerándosele el Filme del Año y el más premiado de la Historia del Cine…

Protagonistas del equipo de investigación "Spotlight" del diario The Boston Globe, en el rodaje del filme.

Junto al guion y dirección, valor destacado del filme es el de la interpretación de su excepcional reparto. Por su faceta de actor y buen conocedor de los entresijos de la interpretación, Thomas McCarthy tiene también reconocida fama por la elección de los repartos de sus filmes.

El reparto de actores de Spotlight, ha sido muy reconocido y premiado por diferentes organizaciones del cine y la televisión, como son las asociaciones de críticos y sindicatos de actores de Nueva York, Washington, Los Ángeles, San Francisco, Londres, Mujeres Periodistas…

Destacan en el filme las interpretaciones del veterano Michael Keaton, en el papel de editor del equipo Spotlight y las de los reporteros protagonistas Mark Ruffalo y Rachel McAdams, por su fidedigna caracterización de los roles propios del periodismo.

El estadounidense Michael Keaton es el más veterano de los actores que destacan en el filme, quien cuenta con un amplio historial de casi un centenar de papeles para el cine y la televisión; siendo destacables sus interpretaciones en los filmes Batman y Birdman, por cuyo protagonismo en este filme tuvo una cincuentena de reconocimientos y premios.

Son también destacables las interpretaciones del popular actor, productor y escritor Mark Ruffalo -premiado como Mejor Actor de Reparto en Spotlight y en otros filmes-; y de la actriz canadiense Rachel McAdams, quien ha sido sucesivamente distinguida como Actriz Revelación, Mejor Actriz y Estrella Femenina del Año y reconocida con los premios: Gémini, MTV y Teen Choice Awards, de Canadá y Estados Unidos, entre otros.

Michael Keaton, Mark Ruffalo, Brian Darcy y Rachel  McAdams, reparto de Spotlight.

Impresiona y abruma en la postdata de títulos de crédito del filme, la denuncia internacional de numerosísimos casos de pederastia en la iglesia católica…

En algunos círculos y medios de comunicación católicos conservadores, se ha opinado que el filme es un desmesurado alegato perjudicial para la iglesia católica y que, al igual que con los políticos aforados, con hechos como los sacados a la luz por el diario The Boston Globe y el filme Spotlight, sería mejor mantener mayor reserva…

Desde la ética y la moral de los valores humanos y sociales universales, incluso siguiendo los caminos del Papa Francisco, contra la corrupción y los vicios en la iglesia, se entiende que no; siendo más plausibles las denuncias de los oscuros delitos ocultos, su conocimiento, la claridad, la luz…

Francisco Montero.

EL GRAN DIA

-Cartel español del filme-

Es bien sabido que la educación y la cultura son las bases del desarrollo y el progreso, en todo el mundo y de toda sociedad…

Siendo el aprendizaje y la escuela, el esfuerzo y el trabajo constantes, los caminos esenciales que llevan a la meta y al éxito…

Con citadas premisas realizó el cineasta francés Pascal Plisson su filme documental Camino a la escuela y con similares planteamientos ha realizado su siguiente filme El gran día, que se reseña.

El extraordinario éxito de crítica y público que obtuvo el cineasta con su anterior filme, le alentaron a este segundo, que viene a ser como una continuidad o segunda parte de Camino a la escuela…

El gran día, desdice el sentir común y generalizado de que “segundas partes nunca fueron buenas”…

El cineasta francés Pascal Plisson, guionista y realizador autodidacta, que abandonó sus estudios en la adolescencia, creyendo que el mejor aprendizaje y formación se adquieren en el trabajo, se inició en el medio televisivo realizando informaciones y documentos para distintas cadenas, como BBC, Nacional Geographic, Canal +…

Viajero planetario infatigable, tras pasar varios años en distintos lugares del continente africano y casarse en Kenia, Plisson va acrecentando y depurando su interés y trabajo humanista por la personas, niños, jóvenes y mayores, que viven en situaciones de pobreza y muy extremas…

Con citados planteamientos, se inicia y se da a conocer en el medio cinematográfico realizando sus primeros filmes de carácter documental, Tierras de Siberia, Guerreros masai, Los misterios de Clipperton -sobre el pequeño atolón coralino del Pacífico, próximo a las costas de México, islote descubierto por el pirata John Clippterton y base de sus rapiñas, posesión gala de ultramar, que a inicios del siglo pasado tuvo un centenar de habitantes y que, tras diversos avatares históricos, sobre los que mucho se ha escrito, quedó desierto…-

Siendo con su interesante filme documental Camino a la escuela, con el que Plisson adquirió considerable prestigio y fama internacionales…

Pascal Plisson, cineasta documentalista.

Por su filme Camino a la escuela, Plisson fue reconocido con: los Premios Cesar y Henri Langlois, de Francia, al Mejor Documental; Premio del FIFEM -Festival Internacional de Cine para Niños de Montreal, acaso el más importante de los festivales de cine educativo del mundo…-

El filme antecedente Camino a la escuela trata cuatro historias reales extraordinarias, filmadas en Kenia, India, Marruecos y Argentina: la de Jackson, de diez años, que con su hermanita más pequeña han de andar, asiduamente y salvando numerosos peligros, 15 kilómetros; la de Samuel, quien paralítico y empujado por sus hermanos, tienen que salvar grandes obstáculos en 4 kilómetros, sobre una destartalada silla de ruedas hecha con chatarra; la de Zahira, de 12 años, quien acompañada de amigas, tiene que superar las dificultades y el cansancio de 22 kilómetros a pie, por escabrosos caminos; la de Carlos, de 11 años, quien con su hermanita menor, recorren a solos y caballo 15 kilómetros…

Son los difíciles caminos comunes de un sueño, luchar para formarse, para una vida mejor…

Camino a la escuela, como subrayan Plisson, su guionista y realizador, y los promotores del filme, “es un viaje espiritual hacia el conocimiento, de unos niños que en sus familias, fueron los primeros en ir a la escuela…”

El filme -que puede obtenerse en dvd, y es muy recomendable para educadores y colegios-, por sus excepcionales valores humanos y educacionales, contó con la colaboración y el apoyo de: UNESCO, UNICEF, Save the Children, Obra Social de la Caixa, Europa Mundi, A Tres Media…

Expresiva imagen del filme El gran día.

Pues bien, por numerosos requerimientos de proseguir en el tema del filme anterior y los éxitos obtenidos, reiteramos, El gran día, con nuevas ideas sobre la lucha por un futuro mejor, es también un filme muy realista y de extraordinarios valores humanos.

El gran día trata de las historias reales de una niña y un niño, una adolescente y un joven, que trabajan y se esfuerza denodadamente por formarse para su gran sueño, un futuro mejor…

Su gran día será el que recojan los frutos de su gran esfuerzo, trabajo, perseverancia, sacrificio…

El filme nos relata paralela y alternadamente, las vivencias: de Deegii, la niña de Mongolia de once años, que se esfuerza desde su edad más infantil, con su exigente profesora de escuela circense, a dominar su cuerpo y su mente para llegar a contorsionista; de Albert, el niño cubano de once años, que pelea duramente con la vida, en el gimnasio y en el ring, por llegar a boxeador; del ugandés Tom, el joven de diecinueve años, que persevera disciplinadamente en el estudio de la naturaleza para llegar a ser guarda forestal; de Nidhi, la adolescente india de quince años, que además de las tareas hogareñas en su humilde familia, estudia día y noche por lograr ser admitida en un programa que le permita proseguir en su formación hacia su sueño de ingeniería…

Al igual que para el filme antecedente Camino a la escuela, Pascal Plisson, dice haber revisado numerosas informaciones de interés, sobre chicas y chicos ejemplares de todos los continentes, hasta seleccionar los protagonistas de sus documentales.

El resultado, sendos filmes altamente aleccionadores, para una planeta cada día más poblado y una sociedad cada día más competitiva y exigente…

Precioso fotograma de la escuela circense de Mongolia, donde se forma Deegii.

Plisson, en El gran día, fiel a las claves genéricas del documental realista, ha rehuido de todo tipo de sensacionalismo, así como del sentimentalismo fácil y sensiblero.

El extraordinario espíritu de superación de sus protagonistas, su positivo mensaje social, el elocuente humanismo del filme…, entre otros muchos aspectos técnicos y artísticos -guion, realización, fotografía, música…-, son valores que, sin duda, han decidido la colaboración y el apoyo de tan importantes Organizaciones, como las anteriormente citadas…

Francisco Montero.

LA RELIGIOSA

-Cartel original del filme-.

Eminentes tratadistas insisten hoy, como consecuencia de las barbaries terroristas que afectan al mundo, en que muchas ideologías políticas y fanatismos religiosos, siguen siendo causantes de graves daños humanos, sociales…

En sus afanes de poder y dominio, hay partidos políticos y organizaciones u órdenes religiosas, que prosiguen pretendiendo, con sus idearios y dogmatismos, imponerse y someter o sojuzgar al hombre y a la sociedad…

Desde el Siglo de las Luces, o de las grandes revoluciones ideológicas, a la vista de los acontecimientos, los ideologismos impositivos poco han cambiado.

Ideologías y teologías de dominación y sumisión, persisten en seguir imponiéndose, a pesar de la libertad y los derechos humanos, en el planeta…

Es el tema del realista y metafórico filme del cineasta francés Guillaume Nicloux, La Religiosa…

El filme está basado en la realista y crítica novela La Religiosa, del genial escritor y filósofo de los años claves de la Ilustración Francesa, Denis Diderot -coordinador de la gran Enciclopedia sobre los conocimientos científicos y artísticos de la época, y contra los oscurantismos políticos y religiosos-.

Citada novela, se basa en un hecho real ocurrido en Francia y en la propia experiencia de Diderot, a quien su familia ingresó con diez años en los jesuitas y se le impuso la tonsura -o rito preparatorio para recibir una orden religiosa menor-, a fin de suceder a un tío canónigo; pretensiones de las que logró zafarse y continuar sus estudios universitarios, quien más tarde fuera un ilustre escritor. 

-Siendo también sabido que una hermana suya enloqueció en un convento…

La interesante obra es un duro alegato contra las imposiciones familiares que, por conveniencias o razones económicas, coartan la libertad de la persona, avocándole a un futuro de frustración y fracaso, que luego suele redundar en graves males sociales…

Es también una sutil y profunda reflexión acerca de la sensibilidad personal frente a la pretendida razón social, tantas veces contrapuestas y que tantos estragos o daños morales y físicos causan…

Retrato de Denis Diderot, del pintor Louis Michel van Loo.

La novela de Diderot -agnóstico, a quien siempre preocupó el conocimiento personal y natural de Dios, sin imposiciones ni intermediaciones culturales religiosas-, ha sido llevada al teatro y al cine en varias ocasiones; siendo el filme más conocido La Religiosa de Jacques Rivette, interesante cineasta de la Nouvelle Vague francesa.

Ante los abrumadores estragos actuales del terrorismo fundamentalista, con oscuras connotaciones de fanatismo religioso, la considerada clásica novela de Diderot -sin alusión alguna al terrorismo-, vuelve hoy a la actualidad con el filme de Gillaume Nicloux, provocando la reflexión acerca de las imposiciones religiosas frente a la libertad personal…

Nicloux es un polifacético escritor, guionista, director y actor francés de cine y televisión, que cuenta con un historial irregular y controvertido.

Es autor de una quincena de filmes, para cine y televisión, de muy diversa temática, entre cuyos títulos se destacan: Los niños vuelan (1990), No se debe reír felicidad (1994), El consejo de piedra (2006), La clave (2007), La Religiosa (2013), Valle del amor (2015)…

Sus filmes, de esmeradas puesta en escena y realización técnica, suelen ser del agrado del público en general, pero de irregular acogida por la crítica especializada y la intelectualidad más exigente.

Guillaume Nicloux, director de La Religiosa.

Con el filme La Religiosa, Nicloux profundiza en la psicología humana y social de la religiosidad natural y la impuesta, sin efectismos sentimentales ni emocionales, dejando abiertas las situaciones a la interpretación del espectador, acerca del sentido y la sensibilidad personales frente a las razones y convenciones sociales que trata.

El filme, junto a la religiosidad natural y libre de la persona frente a la religiosidad social impuesta, trata acerca de los sentimientos que suelen darse en las órdenes o comunidades religiosas como son los de fraternidad, competencia, rivalidad, envidia, odio, sadismo, sexualidad…; encarnados en el juvenil personaje de 16 años, Suzanne, que lucha por descubrir, libremente y sin coacciones de ninguna índole, su auténtica vocación y forjar su propia personalidad…

El valor más relevante del filme es, sin duda -junto a los papeles de las reconocidas actrices Isabelle Hupert, Louise Bourgoin y Martina Gedeck-, el de la sutil y sensible interpretación de la protagonista Pauline Etienne en el papel de la novicia Suzanne…

Por su interpretación, el filme fue nominado al prestigioso Premio Cesar de Mejor Actriz Revelación en Francia; siendo también seleccionado -por el conjunto de sus valores temáticos, artísticos y técnicos-, para la Sección Oficial del Festival de Cine de Berlín.

Con una veintena de interpretaciones en cortos y largometrajes cinematográficos, la joven actriz belga Pauline Etienne, que inició su adolescente vocación en el teatro, ha obtenido ya más de media docena de importantes reconocimientos que la consagran como revelación, prometedora y mejor actriz, entre ellos los Premios: Lumière, César y Estrella de Oro (Francia), Magritte (Bélgica)…

Expresiva imagen de Pauline Etienne e Isabelle Hupert, en una escena de acoso lésbico.

Otro valor destacado del filme La Religiosa es la expresiva e impresionante fotografía, de Ives Cape, filmada con luces naturales, que confieren a la situaciones extraordinaria sugestión y belleza.

Destaca, igualmente, la concisa pero sugestiva música del prolífico y aclamado productor, compositor y pianista Max Richter que, con su versión de la conocida partitura Stabat Mater, subraya elocuentemente las secuencias de sufrimiento de la novicia Suzanne y la espiritualidad del filme…

Aunque en el tiempo en que se escribió y divulgó la novela de Diderot no se cuestionaba ninguna “teología de liberación” -pero sí la liberación de la religión, frente a las teologías de dominio o de sumisión-, el filme implícitamente, sí que hace reflexionar sobre la cuestión…

Francisco Montero.

ÉL ME LLAMÓ MALALA

-Cartel original del filme-

“Un niño, un maestro, un libro y un bolígrafo pueden cambiar el mundo…”

Es la expresiva frase que reza en la presentación del filme, que fue pronunciada con gran énfasis por la adolescente pakistaní de 16 años Malala Yousafzai, el 12 de julio de 2013 en la ONU, y que, sobrecogedoramente, ha dado la vuelta al mundo…

Malala, la adolescente activista en pro del derecho a la educación de las niñas en Pakistán, tras reponerse milagrosamente del atentado talibán del pistolero que le perforó el cráneo -el 9 de octubre de 2012- habiendo de extraérsele la bala del cerebro e implantársele una placa de titanio y parte del oído, recibió el Premio Nobel de la Paz 2014, siendo la más joven de las reconocidas con ese galardón hasta el momento…

Es el tema del interesante documental Él me llamó Malala, del afamado cineasta americano Davis Guggenheim…

El tema de la educación y su importancia para el futuro de la sociedad, no es ajeno a Guggenheim, su anterior documental Esperando a Superman -sobre las arbitrariedades del sistema educativo en Estados Unidos-, fue reconocido como Mejor Documental en el prestigioso Festival de Cine de Sundance, 2010.

El filme sobre Malala que se reseña, está basado en la breve pero intensa y ejemplar historia de la joven, recogida ya en diversas publicaciones: libros, filmes, entrevistas…

Malala, por estar aún amenazada de muerte, vive con su familia en Birmingham (Inglaterra), donde prosigue su formación y, junto a su padre Ziauddin Yousafzai -vocacional maestro que fundó en Mingora (Pakistan) su propia escuela para niñas y niños, donde ella inició su educación-, siguen luchando por la educación global de las niñas, desde su organización Malala Fund.

Libros biográficos sobre Malala, de Christina Lamb y Patricia McCormick, publicados en España.

Davis Guggenhein, director del filme Él me llamó Malala, es también un productor de televisión y cine estadounidense, que no cuenta con una amplia filmografía, pero sí con extraordinaria fama internacional como cineasta documentalista.

Saltó a la fama con su primer documental Una verdad incómoda, acerca de la campaña educacional del ex vicepresidente de Estados Unidos, Al Gore, sobre el cambio climático y calentamiento global del planeta.

Citado filme que se estrenó en Nueva York y Los Ángeles en 2006, con gran éxito de crítica y público, ha obtenido desde entonces una veintena de importantes premios y reconocimientos internacionales, entren ellos, sendos Oscar de Hollywood al Mejor Documental y Mejor Banda Sonora y Canción.

Educadores y ecologistas, gracias al convincente trabajo del cineasta Guggenheim, consideran el filme Una verdad incómoda ejemplar y extraordinariamente didáctico, acerca del deterioro y los problemas que día a día vienen acuciando a la naturaleza y a la vida en nuestro planeta…

Igual o mayor interés educacional y admiración humanista y social, despierta el filme El me llamó Malala -acerca de la Educación Igualitaria Global-, al que han dado lugar la comprometida sensibilidad e idealismo de Ziauddin y Malala Yousafzai…

La historia del filme discurre por un original relato pleno de autenticidad, realismo y verismo -claves esenciales de todo documental-. En el se intercalan diferentes pasajes de pinturas animadas para reconstruir, rememorativamente, hechos de los que no fue posible contar con imágenes reales en el momento de la realización del filme sin tener que recurrir, por tanto, a la representación…

Davis Guggenheim, presenta el filme Él me llamó Malala.

Guggenheim ha logrado plasmar con fidelidad en la historia, el excepcional idealismo de Padre e Hija, en su denodado activismo por la educación igualitaria de las niñas, iniciada en la región pakistaní del Valle de Swat, donde los talibanes pretendían mantener relegada en la ignorancia a la mujer…

El nombre de Malala y el título del filme, ya son una expresiva y metafórica alusión a referido idealismo…

-El personaje Malalai, que se esboza al inicio del filme, en pinturas animadas, es el de una heroica “Juana de Arco”, a quien se debe, según cuenta su leyenda, la victoria de las tropas afganas, en la Batalla de Maiwand, 1880, en su lucha por la independencia de Inglaterra. La historia de Malalai, figura con ejemplaridad didáctica en la generalidad de los libros de texto de Afganistan-.

Por ese ejemplar e histórico personaje del país vecino Afganistán, puso Ziauddin el nombre de Malala a su hija; señal evidente del espíritu idealista del progenitor… Espíritu que Malala, está claro, lleva en sus genes y que le ha motivado a decir: “Él me llamó Malala, pero no me ha hecho Malala…”

-Significativa referencia ésta, a la que alude el título del filme, por el espíritu y carácter idealista de la adolescente…-

Malala, aún niña, con tan sólo diez años, con el pseudónimo de Gul Makai, ya escribía y denunciaba en un blog para la BBC, las barbaries que sufría la región de Swat controlada por los talibanes, donde destruyeron centenares de escuelas…

Sus infantiles, pero inteligentes, graves y rebeldes denuncias -que contaron en todo momento con el apoyo de su padre y maestro, con quien siempre se ha sentido muy unida e identificada-, desataron la ira de los talibanes y dieron lugar al atentado, que también sufrieron sus amigas y compañeras de estudios Shazia Ramzan, Kaina Riaz…

Ziauddin, maestro y padre de Malala, como bien ilustra el filme, fue siempre el apoyo de su hija.

El activismo de Malala en defensa de la educación igualitaria global de niñas y niños, no sólo ha sido reconocido con el Premio Nobel de la Paz, sino que ha tenido también importantes reconocimientos como: Premio Infantil Internacional de la Paz, Premio Embajador de Conciencia de Amnistía Internacional, Premio Sájarov a la Libertad de Conciencia, Premio Convivencia de la Fundación Manuel Broseta de Valencia, Premio Internacional de la Generalidad de Cataluña…

Aunque el filme -en inglés, subtitulado en español-, no ha permanecido suficientemente en nuestras carteleras, recomendamos a educadores su versión online o la pronta edición en dvd.

Francisco Montero.

ODA A MI PADRE

-Cartel español del filme-

La historia lo refrenda, no hay más fatídicos elementos de desunión, división, separación…, que las ideologías y las políticas…

Los políticos maquiavélicos y locos, empeñados en el poder a toda costa, son, sin duda, amparados en las pretendidas bondad y certidumbre únicas de sus ideologías, quienes más daños provocan y causan a la humanidad, a la sociedad…

Las guerras entre países o civiles y sus terribles consecuencias no suelen ser sino los catastróficos y desastrosos resultados de las ideologías y las políticas, del afán de poder…

Repasemos los anales de la historia, cuyas lecciones nunca se aprenden…

Los éxodos y desintegraciones familiares provocados por las guerras, en Occidente, en nuestro propio país, o en Oriente Próximo o Lejano -España, Siria, Corea…- gritan, hablan bien alto de lo referido.

Más tarde, todo lo que unió la vida -la familia, por ejemplo-, y separaron las ideologías y las políticas, tenderá a su reencuentro…

Hoy, frente al terrible éxodo y desintegración familiar de Siria, son extraordinariamente emocionantes los recientes reencuentros de las familias coreanas que quedaron rotas en la anterior década de los años cincuenta, por el éxodo y la guerra que dejó dividido al país en Corea del Norte y Corea del Sur…

Pues bien, este es también el emotivo tema que trata el interesante filme Oda a mi padre del realizador coreano Je-Kyoon Yoon…

Dramática y expresiva imagen del éxodo coreano del filme Oda a mi padre.

El épico argumento de Oda a mi padre, es, simultáneamente, muy sencillo y muy complejo… Es la sacrificada historia -de sesenta años- de una familia separada por la guerra, que volverá a reencontrase… En ella, un niño, al perder en la avalancha del éxodo a su padre y a su hermanita más pequeña, promete que cuidará a la familia…

El filme es la historia de citada promesa... Es la humanísima historia de un sacrificio personal por sacar adelante a una familia…

En ella, una vez más, un Cine Oriental preocupado por valores humanos esenciales -de la familia, en Oda a mi padre-, da una lección al Cine de Occidente, distraído generalmente en los entretenimientos y las futilidades…

El Cine Coreano no es muy conocido en occidente y menos aún en España, donde filmes como el que se reseña duran muy poco en cartelera, a pesar de los denodados y admirables esfuerzos de su arriesgada distribuidora European Dreams Factory -persistentemente empeñada en traer a nuestro país Cine de Valores Humanos-.

Últimamente, a fin de divulgar el Cine de Corea en los países de habla hispana, el Centro Cultural Coreano de Argentina ha organizado el Festival de Cine Coreano “Han Cine” en Buenos Aíres que ha tenido un notable éxito. Unos años antes, la cinematografía coreana, tuvo un importante reconocimiento en el Festival de Cine Asiático de Nueva York.

Un genial embajador del Cine Surcoreano en occidente es Kim Ki-duk, quien, con filmes como Primavera, verano, otoñó, invierno… y primavera -Las estaciones de la vida-, Samaritan Girl -Por amor o por deseo-, Hierro -El espíritu de la pasión-, Piedad… -en los que trata sus temáticas humanistas desde la espiritualidad y la filosofía del taoísmo-, ha obtenido los más importantes premios y reconocimientos de los Festivales de Cine de Berlín, Cannes, Venecia…

El realizador Je-Kyoon Yoon, más conocido como JK Yun.

A Kim Ki-duk se une ahora el guionista y realizador Jk Youn, quien, con una breve filmografía de una decena de filmes, como Sexis zero -comedia universitaria-, Haeundae -los desastres de un tsunami-, y sobre todo Oda a mi padre, viene llamando la atención internacional.

El filme Oda a mi padre, con el que JK Youn demuestra extraordinaria habilidad para tratar temas complejos de valores humanos y sociales, ha sido distinguido con los reconocimientos: Premio Especial del Público en el Festival Chunsa del Arte del Cine en Corea, Premio del Público en el Festival de Cine de Extremo Oriente de Udine (Italia), nominación a Mejor Película en el Festival de Cine Asiático de Hong Kong (República Popular China)…

Entre los mejores valores del filme destacan: el guion de Soo-jin Park, minucioso y muy rico en matices expresivos, confiriendo credibilidad e historicidad al relato; el dramatismo y caracterización psicológica y evolutiva de los personajes, desde la infancia y los años jóvenes hasta la senectud -sobresaliendo las interpretaciones de los protagonistas Jung-Ming Hwang, en el papel de Duk-soo, quien a lo largo de toda su vida se sacrifica por cuidar a la familia, junto a su esposa, que interpreta Yunjin Kim-; los grandes planos generales de movimientos de masas y situaciones…

Hermoso y poético plano general de contrastes, en el que el anciano matrimonio rememora su vida y su pasado.

El filme Oda a mi padre está narrado como flash-black, o salto atrás en el tiempo, en el que, como si se tratase de un metamórfico poema épico -simbolizado por una mariposa que revolotea por una terraza, por la ciudad, por la actualidad…-, se relata una hermosa aventura cotidiana de hoy, la de sacar adelante a una humilde familia de refugiados que lo han perdido todo por la guerra.

El tema esencial del filme no trata de un fantasioso superhéroe de míticas e insólitas aventuras, sino de la lucha cotidiana de un modesto trabajador concienciado del deber de sacar adelante a su empobrecida familia, una gran proeza de hoy…

Para estos momentos de terribles éxodos de refugiados que huyen de las guerras, el filme es muy aleccionador y de extraordinario interés…

Francisco Montero.