ADIOS AL LENGUAJE

 

-Cartel original del film-

                                                                                      

Antes de que la mitología bíblica acerca de la Torre de Babel, se refiriera a la confusión de las lenguas, aludiendo a la dificultad de entendimiento entre los hombres, ya desde los tiempos más remotos e inmemoriales, desde los orígenes de la humanidad, seguramente, sus tribus -incluso la primera pareja humana-, tuvieron dificultades para entenderse…

Aunque pueda parecer una descomunal simplicidad aducir que “por ser cada persona un mundo diferente” -distinta forma de pensar, de sentir, de obrar…-, esta aseveración nos remite, sin duda, a los diversos lenguajes humanos y a las sempiternas dificultades de entendimiento…

Es este el interesante tema que, a sus reflexivos ochenta y tres años, trata realista y metafóricamente, Jean-Luc Godard, el único cineasta superviviente de la conocida “Nouvelle Vague” francesa, movimiento cinematográfico que revolucionó el lenguaje fílmico…

Godard, conceptuó el cine de la Nouvelle Vague o Nueva Ola, como “cine realista, puro y verdadero...” Un cine con un lenguaje muy expresivo -y poco representativo, como venía siendo el cine clásico anterior-, en el que la cámara sustituye a la pluma del escritor, para tratar historias imaginarias, pero que aluden con gran verismo al acontecer diario social y personal…

Quienes no vivieron la anterior década de los años cincuenta, y no conocen las obras de este renovador movimiento de jóvenes cinéfilos y luego cineastas -Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, François Truffaut, Éric Rohmer, Alain Resnais…-, formados en torno a los cine-clubs, la Cinemateca Francesa y la prestigiosa revista Cahiers du Cinéma, acaso desconozcan que Godard está considerado como el realizador más prolífico e influyente del movimiento, con una obra extraordinariamente crítica en lo social, y metafórica y muy poética en lo personal….

 

Jean-Luc Godard.



Godard, con un centenar de filmes en su amplio historial, es uno de los realizadores más polifacéticos en temáticas, del cine francés, europeo y mundial.

Tras estudiar etnología y trabajar como articulista para varias revistas de cine, se inició en el séptimo arte en el campo del documental, en cuya especialidad crearía más tarde el Grupo Dziga Vertov -denominación homenaje al gran documentalista ruso-, alternando posteriormente el cine de carácter ideológico y político con el de temática social y humanista.

A pesar de su dilatada obra, de ser un director extraordinariamente admirado por los cinéfilos y muy reconocido y apreciado por los tratadistas cinematográficos, a sus filmes -críticos, controvertidos y polémicos-, acaso por el rechazo y alergia del cineasta a los galardones y palmarés, no se le han concedido demasiadas distinciones en los grandes festivales internacionales de cine.

 

Entre otros premios, se le han otorgado: en 1965, el Oso de Oro, máximo galardón del festival de Berlín; en 1995 el Theodor Ludwig Adorno -gran filósofo, escritor y comunicólogo- de Fráncfort; en 2010, Oscar Honorífico de Hollywood -que no se presentó a recoger-; en 2014, hace unos días, por su último filme Adieu au langage, Premio del Jurado del Festival de Cannes -que tampoco se presentó a recoger-…

En su prolífico historial son memorables los filmes: Al final de la escapada, Los siete pecados capitales, Vivir su vida, Pierrot el loco, El oficio más viejo del mundo, La China, Pasión, Yo te saludo María, Historias del Cine, La Nueva Ola, Elogio del amor, Libertad y patria, Socialismo…

Estilísticamente, desde la figuración hasta la abstracción narrativa, el cine de Godard, no se atiene a las pautas fílmicas convencionales. Huye de la representación y del teatralismo y sus personajes, considerando que el cine tiene su propio y diferenciado lenguaje: expresivo, poético, metafórico…

En el cine de Godard, tiene gran importancia el montaje yuxtapuesto de planos y secuencias que, aunque den lugar a una narración que puede parecer un tanto inconexa, arbitraria e incongruente, contiene una profunda significación, sugestiva expresividad, singular belleza…

 

 

Zoe Bruneau, en un expresivo plano de Adios al lenguaje.

El argumento de Adiós al lenguaje, aparentemente, es simple, bien sencillo -es sabido que, la mayor expresividad y belleza, se encuentran siempre tras la mayor sencillez-: “Un hombre y una mujer se conocen, se aman, no se entienden, se pelean…, un perro -el mejor amigo del hombre, con quien nunca se pelea y bien se entiende-, se encuentra entre ellos…, la vida, los acontecimientos pasan…”

El simple argumento, sólo es una excusa, para discernir en su trama, en multitud de aspectos: culturales, ideológicos, políticos, religiosos, sociales, sentimentales, humanos…, acerca del mundo de hoy, en el que, por la diversidad de lenguajes individualistas y egocéntricos que pretenden imponerse en la comunicación -se habla demasiado y nadie escucha…-, resulta imposible el entendimiento…

Y tras esa sencilla trama, emerge pletórica, una sutil poesía y profunda metáfora: Adiós al lenguaje humano…

 

Adiós al lenguaje, al igual que la mayoría de las realizaciones de Godard, es un filme un tanto experimental. Su discurso, intenso pero breve, en el filme original, tiene una duración temporal algo más reducida que la habitual.

Ha sido filmado en la nueva técnica de 3D, pero no porque el realizador crea en sus procedimientos de “mucho ruido y pocas nueces”, sino con un sentido crítico y de ridiculización de los nuevos lenguajes fílmicos, muy artificiosos, sensacionalistas, vacuos, poco expresivos…

El filme, sin duda, viene a ser también una forma de decir adiós al lenguaje del cine… Pudiera, incluso, interpretarse como su despedida del séptimo arte, su testamento cinematográfico…

 

Los actores, Kamel Abdelli, Héloise Godet, Zoe Bruneau, Richard Chevalier, Jessica Erickson y Christian Gregori.

El film fue presentado, por su equipo de producción y artístico, el pasado 21 de mayo, en el Festival de Cannes, en el que tuvo un apoteósico recibimiento por el publico cinéfilo que abarrotaba la sala de proyecciones.

El sugerente tráiler y los videos de la presentación del film, pueden verse en Internet en el Día a Día del Festival. Godard excusó su asistencia con la proyección de un video-carta…

En estos momentos, el realizador trabaja en el doblaje de las versiones en varios idiomas para su difusión en otros países. En España, donde el cine del autor ha tenido siempre una extraordinaria acogida, es esperado con gran interés por los amantes del cine.

Recomendamos no se lo pierdan…

Francisco Montero.

                                                                                                      

NOÉ

 

-Cartel del film-

                                                                                                                                  

Según tratadistas autorizados, el filme Noé del cineasta estadounidense Darren Aronofsky, ha irritado, por su distorsionado tratamiento, a multitud de conservadores fundamentalistas -judíos, cristianos e islámicos- seguidores de las Religiones del Libro Revelado, La Biblia.

Se le reprocha, entre otros muchos aspectos: la concepción de un Noé excesivamente “justiciero” -no benevolente, magnánimo…-; la libérrima interpretación de las Escrituras -en el Arca se refugiaron los tres hijos de Noé, Sem, Cam y Jafet, con sus respectivas esposas, omitiéndose las esposas de Cam y Jafet…-; el tratamiento de los Vigilantes -mitológicos Nephilin, descendientes de ángeles caídos y bellas mujeres hijas de los hombres (Génesis, 6:4), o gigantes de Canaán…-, como monstruosos transformers de espectáculo de animación…

Aunque Aronofsky haya realizado Noé inspirándose esencialmente en el relato bíblico, no se ha considerado el hecho de que -según Catholic Net- más de ciento cincuenta mitologías conocidas, anteriores y posteriores a La Biblia, hayan tratado de manera diferente o similar el tema del Diluvio y el Arca, e influido en la realización del film…

La realidad es que el polémico film, considerado irreverente por su forma de tratar el gran tema de “Noé, Padre de toda la Humanidad”, ha sido prohibido o boicoteado en países islámicos como Indonesia, los Emiratos Árabes Unidos, Kuwait, Catar…

El filme de Aronofsky, aunque basado libremente en las Escrituras y leyendas acerca de Noé y el Diluvio, está claro pretende ser un espectáculo cinematográfico, antes que un filme de carácter religioso.

Por todo ello, la publicidad y la intriga para su visionado han estado servidas… Y en España, programado el film para las fechas de Semana Santa, días en los que es tradicional la atención hacia espectáculos religiosos, sus proyecciones han contado con éxito de público.

 

Emma Watson, Darren Aronofsky y Jennifer Connelly, en la presentación del filme en España.

De ascendencia hebrea y polaca, pero nacido en Brooklyn, Nueva York, en el controvertido y polémico cineasta, director de Noé, Darren Aronofsky, se conjuga la conocida sentencia cinematográfica de que “Los europeos llevan el cine en la mente y los americanos en la sangre…”

Al ser sus padres, Abraham y Charlotte, profesores, Aronofsky, tuvo una esmerada y exigente formación, estudiando en Harvard, antropología, cine y animación; cuyos estudios determinarían en su obra significativos matices.

Con tan solo media docena de largometrajes en su historial, el cineasta se ha consolidado como uno de los grandes realizadores de Hollywood y de todo el cine mundial actual.

 

Desde su primer filme Pi, el orden del caos, hasta Noé, su obra -de marcado carácter antropológico, humanista y social-: Réquiem por un sueño, La fuente de la vida, El luchador y Cisne negro, no ha dejado indiferente a nadie, ni a la crítica especializada más exigente, ni al gran público…

Todos sus filmes han sido nominados, u obtenido, los más relevantes Premios cinematográficos: Globos de Oro, Óscar, Sundance, BAFTA de Inglaterra, León de Oro de Venecia, Espiga de Oro de Valladolid…

Con una veintena de importantes Premios conseguidos, Cisne negro -inspirada en el famoso ballet El lago de los cisnes del célebre compositor ruso Chaikovski, y protagonizada por la aclamada Natalie Portman -, fue, sin duda, el filme que le consagró como genio y maestro del Séptimo Arte.

 

Jennifer Connelly -Naameh- y Russell Crowe -Noé-, protagonistas del filme.

Como hemos apuntado anteriormente, Aronofsky tiene gran destreza para conjugar pensamientos e ideas, con puesta en imagen y acción. En su cine se entrelazan con maestría los pensamientos profundos -razón por la que es elogiado por la crítica especializada y los espectadores más exigentes-, con la puesta en escena espectacular y la acción trepidante -hecho fílmico por el que es admirado por la mayoría de los públicos…-

A veces, sacrifica ideas y contenidos en aras de la grandilocuencia y el espectáculo -por lo que resulta polémico y a muchos públicos, que no conciben sus versiones demasiado libres, disgusta…-; en Noé, resultan fuera de texto y contexto, sus aludidos Nephilin, Gigantes Pétreos o golems, transformers, al igual que la entrada en tropel de los animales en el arca. Sus animaciones, desmerecen el conjunto del discurso filmico…

 

En la puesta en escena del cine de Aronofsky, destaca siempre la dirección de actores; tiene buen ojo clínico para la elección de protagonistas e intérpretes y sus caracterizaciones. En este filme, son memorables los papeles: del veterano actor de cine, televisión y teatro Anthony Hopkins -que impresiona en su breve pero intenso papel del viejísimo abuelo Matusalén-; y del protagonista Rusell Crowe, quien recrea muy versátilmente y con acertada credibilidad al gran Patriarca de la Humanidad, Noé…

 

Anthony Hopkins, en el papel del anciano Matusalén.

Otro aspecto muy notable y destacado en la puesta en escena del cine de Aronofsky, es su música, que subraya con fascinación las situaciones y sobrecoge la sensibilidad y el ánimo del espectador.

Todas las bandas musicales de sus filmes -por los que han sido muy reconocidos y premiados-, se deben al compositor británico Clint Mansell.

Mansell -quien lideró de joven el grupo musical Pop Will Eat Itself-, amigo de Aronofsky, a instancias de éste, se inició en la música cinematográfica, y ha compuesto para el medio más de una treintena de bandas sonoras musicales.

Con la composición de la partitura “Luz Eterna” para el filme Réquiem por un sueño, Mansell alcanzó una popularidad inusitada. La composición se divulgó de manera multitudinaria por Internet y se utilizó para numerosos anuncios publicitarios… Su partitura y sobrecogedor video, muestra insignia de sus composiciones, pueden visitarse en YouTube…

Francisco Montero.

                                                                                                      

EN BUSCA DE MUHYIDDIN

-Cartel de presentación del filme-

                                                                                                                                  

Muhyi al-Din, es la expresión árabe de “Místico Religioso”, y es el apelativo con el se conoce al gran místico sufí, sabio filósofo, poeta andalusí y viajero, Ibn Arabi, nacido en España -Murcia, 1165 del que el próximo año se cumple su 850 aniversario-.

Como su título bien indica, el filme del cineasta Nacer Khemir, que se reseña, viene a ser un largo y profundo viaje espiritual, poético, intelectual, internacional… hacia el encuentro y el conocimiento del personaje.

En nuestra actual sociedad materialista y economicista, el filme pudiera parecer un tanto anacrónico, aunque no lo es en absoluto, considerando las necesidades espirituales de hoy y el volver los ojos al pasado y a la historia como maestra de la vida… La recién creada Cátedra de Estudios Islamo-Cristianos Ibn Arabi en la Universidad de la Mística de Ávila, con motivo del también próximo 500 Aniversario de la Mística Sta. Teresa, viene a ser otra muestra de ello…

 

En busca de Muhyiddin es un bello filme, poético y metafórico, profundo, sugestivo y pletórico de simbolismos y significados intelectuales y espirituales… Tras la búsqueda del mejor conocimiento del gran místico espiritual y filósofo pensador andalusí Ibn Arabi, el filme profundiza también, con extraordinario realismo y enigmática poesía, en la búsqueda del sentido de la vida…

Su argumento es sencillo: “Un hombre -interpretado por el propio realizador Nacer Khemir-vuelve a su país al entierro de su madre y revive la promesa que un día hizo a su padre: depositar en la tumba de Ibn Arabi una “amana”…

La “amana” -cuyo significado árabe viene a ser el nuestro de exvoto, ofrenda, promesa…-, viaja, oculta y guardada celosamente, en una maleta viajera, hasta ser depositada en su destino, sin que lleguemos a saber de que se trata…

La oculta “amana”, no será sino el símbolo de un secreto, una promesa, una responsabilidad personal: buscar el sentido de la propia existencia, siguiendo las huellas y los caminos de Ibn Arabi, cómo lo hiciera el místico a lo largo de toda su vida…

 

Expresiva imagen del filme ante el faro -"Guía de Viajeros"-, en el que residiera Ibn Arabi.

 

En su viajera búsqueda, el protagonista recorre los países y lugares en los que Ibn Arabi dejó huella: Murcia, Granada, Córdoba, Sevilla, Túnez…, hasta llegar a Damasco; donde últimamente vivió y falleció el personaje, y en cuya ciudad se encuentra su tumba, siendo lugar de peregrinación musulmana.

En su itinerario, el autor entrevista a autorizados tratadistas y conocedores mundiales de Ibn Arabi, quienes ofrecen una documentada y minuciosa exposición acerca de la vida y obra del pensador, siendo también, por tanto, protagonistas del filme: Denis Gril -Profesor de Estudios Árabes e Islámicos y Tratadista de Ibn Arabi en la Universidad de Marsella-, James Morris -Profesor de Filosofía, Teología y Humanidades Islámicas en Bostón y La Sorbona-, Cecilia y Richard Twinch, Jane Clarck y Stephen Hirtenstein -Investigadores y miembros de la Muhyiddin Ibn Arabi Society, fundada en Oxford en 1977-, Pablo Beneito y Alfonso Carmona -Profesores de Árabe y Estudios Islámicos en la Universidad de Murcia-, José Miguel Puerta -Profesor de Historia del Arte Islámico de la Universidad de Granada-, Abdul Aziz Al Mansoub -Investigador y Escritor de Sanaa, Yemen-, Bakri Aladdin -Profesor e Investigador del Pensamiento Árabe y Sufismo, en Siria, Damasco-…

 

Autorizados especialistas y significativos lugares internacionales, que visita Nacer Khemir, tras las huellas de Ibn Arabi, describiendo en su búsqueda un poético y bellísimo itinerario geográfico, artístico, social y espiritual. Muy sugestivo en el tratamiento audiovisual y en la plasmación del arte islámico y de los ambientes populares cotidianos que recorre.

 

Nacer Khemir, director de En busca de Muhyiddin.

Nacer Khemir, guionista, director e intérprete del poético y metafórico largometraje documental En busca de Muhyiddin, nacido en Túnez y residente en Francia, donde cursó estudios de Cine, es un polifacético artista que ejercita: pintura, escultura, caligrafía, literatura, narrador teatral, fotografía, televisión, cine…

Para el séptimo arte, realizó anteriormente los filmes: Los peregrinos del desierto -Gran Premio en el Festival de los Tres Continentes de Nantes, Premio Opera Prima en el Festival de Cartago, Palmera de Oro y Premio de la Crítica en la Muestra de Valencia-, El collar perdido de la paloma -Premio Especial del Jurado en Locarno y San Martín y Gran Premio del Festival de Belfort-, Bab’Aziz, El sabio sufí -Galardonado en los Festivales de Cine de Locarno, Vancouver, Túnez, Sao Paulo…-

Como narrador teatral ha interpretado: La historia del Buen Dios y Las Mil y una noches, tema éste puesto también en escena para Fr3, Televisión de Francia. Además de otros trabajos literarios y cinematográficos como: El alfabeto de Mi Madre, Sherezade, La palabra contra la muerte…

 

Por su último filme En busca de Muhyiddin -que reseñamos sin aún haberse estrenado públicamente-, y el conjunto de valores islámicos, culturales y espirituales de su obra, Nacer Khemir ha sido recientemente premiado en el Festival Internacional del Cine de Murcia IBAFF 2014, por la Muhyiddin Ibn Arabi Society Latina, con el Premio Barzaj…

En citado Festival, que tuvo lugar en Murcia, paralelo al III Simposio Ibn Arabi de Murcia, sobre la temática de La Razón Inspirada y el Camino del Corazón, celebrado durante los días del 7 al 9 de marzo pasado, Nacer Khemir presentó su bella e interesante Exposición de Caligrafías: Los sesenta nombres del Amor…

Plano del Mihrab de la Mezquita de Córdoba, en el filme de Khemir.

 

Personalmente, hemos tenido el placer de disfrutar del filme En busca de Muhyiddin y de la interesante y grata compañía de Nacer Kemir, en la Casa Andalusí de Córdoba, departiendo con él, acerca del próximo filme que prepara sobre la poetisa cordobesa Wallada…

Efectuamos gestiones para la presentación pública en nuestra ciudad del filme que se reseña, y esperamos su pronta difusión en las pantallas de Andalucía, España, Europa…

Bienvenido sea, Nacer Khemir, al poético encuentro con Wallada, con nuestro legado Andalusí y con Córdoba…

Francisco Montero.

                                                                                            VICENTE FERRER



-Cartel del filme-

Los mayores valores humanos se encuentran siempre tras la mayor sencillez…

Es este el caso de la sencilla, pero humanitaria y comprometida vida de Vicente Ferrer, quien, al igual que todos los grandes hombres y mujeres, a solas con su conciencia personal y compromiso con el bien social, tanta bondad, verdad y belleza, sembró en la India, esparciéndose después por el mundo…

Y es también, en parte, el caso del condensado filme que, sobre su gran obra, han traído a la pantalla el Grupo Ganga Producciones, Televisión Española, TV3 y Visiona TV, con los auspicios de la Fundación de tan modesto gran hombre…

 

Del telefilme Vicente Ferrer, sorprende su naturalidad y sencillez narrativa, que, en consonancia con el tema, ha evitado la grandilocuencia, la espectacularidad y los efectismos, a los que nos tienen habituados los medios audiovisuales de hoy.

El grupo español Ganga Producciones ya cuenta con una amplia y exitosa experiencia en esta forma de hacer televisiva: sencilla, natural y al alcance de la mayoría de los públicos, sin menoscabo de los factores artísticos, técnicos, historiográficos, sociológicos... Las populares series y programas: Cuéntame como pasó, Un país para comérselo, Níger una experiencia silenciosa, Haití en construcción…; son bien expresivos de ello.

La sencilla puesta en imágenes del biográfico e historiográfico tema, no por ello, cae en el simplismo y la falta de atractivo; la naturalidad y coherencia de su tratamiento es de extraordinario interés…

 

Equipo de Producción y Realización del filme. En el centro, Ana Ferrer, Imanol Arias y Aída Folch.

 

Del filme Vicente Ferrer, cuya realización estuvo a cargo del director de la exitosa serie de televisión Cuéntame…, Agustín Crespi -en la derecha de la imagen ilustradora-, es destacable el guión de Patrick Buckley y David Planell.

Patrick Buckley, veterano guionista de Ganga Producciones, inició su carrera como reportero de la Asociación de la Prensa de Nueva York. Fue corresponsal de la prestigiosa Agencia Británica Reuters en Latinoamérica, Washington y Londres, donde se incorporaría al documental televisivo y, de éste, a la televisión argumental y de ficción en España. Su dilatada experiencia en el ámbito de la realidad y las noticias, ha sido clave para el realismo y la autenticidad de sus guiones en la ficción.

David Planell, es guionista y director de televisión y cine. Ha trabajado como guionista en las prestigiosas productoras de televisión Videomedia, Bocaboca, Cartel y Starline, en exitosos programas como: Hospital Central, El Comisario, La casa de los líos, A las once en casa…

Ha dirigido varios cortometrajes -Carisma, Banal, Subir y Bajar…, muy premiados en diferentes certámenes-, y el largometraje La Vergüenza -premiado como Mejor Película en el Festival de Cine Español de Málaga, 2009,

La experiencia y el buen hacer de ambos guionista, unidos a la conocida y admirada obra del ex jesuita Vicente Ferrer, se han concitado en un filme tan interesante, que a la mayoría de los espectadores les resultan breves y cortos sus 105 minutos de duración, en los que se condensan los treinta últimos años de la vida y obra del misionero, junto a su esposa y colaboradora Anna.

 

El singular matrimonio, Vicente Ferrer y Anna.

 

Sobre la vida y obra de Vicente Ferrer existe tanta información que si los guionistas del filme han tenido alguna dificultad en su tarea, sin duda ha sido la de condensar y conjuntar datos y hechos…

De su esposa Anna -periodista inglesa aventurera, que conoce a Ferrer en una entrevista que le realiza en la India, y en la que surge su inseparable camino- son muy conocidos los libros: Un pacto de amor: Mi vida junto a Vicente Ferrer y Vicente Ferrer: Rumbo a las estrellas con dificultades…

Mas recientes, los libros propiciados por su Fundación: Vicente Ferrer: El encuentro con la realidad, Las respuestas del ser humano a las preguntas sobre el sentido de la vida, o Vicente Ferrer: El poder de la acción, descubren los pensamientos y el auténtico espíritu humanitario del misionero…

 

Promovidos por el intrépido espíritu periodístico de Anna -muy preocupada y comprometida por la promoción de la mujer en la India-, son también de extraordinario interés los documentales fílmicos que se encuentran en la página web www.fundacionvicenteferrer.org/ : El hombre del paraguas, Construyendo sueños, Espera un milagro, De mujer a mujer: Sociedad cooperactiva, Un viaje a la igualdad…

Trabajos cuya información, sin duda, ha contribuido al guión y realización del filme que se reseña, como asimismo, al magnífico documental La felicidad según Vicente Ferrer, realizado también por Ganga Producciones y que puede visionarse directamente en la web de Televisión Española, Documentales Culturales, www.rtve.es/‎

Imanol Arias -Vicente Ferrer-  y Aída Folch -Anna Ferrer-

 

Gran esfuerzo y buen hacer interpretativo de Imanol Arias, pero ya se sabe, “la cara es el espejo del alma”, siendo imposible irradiar la bondad, verdad y belleza espiritual que se transfiguraban en Vicente Ferrer…

Destacamos la sutil interpretación de Aída Folch -en el papel de Anna-, muy sensible, natural, sencilla…

Y elogiamos la música, en claves hindúes, del joven compositor Françes Gener, quien asegura que “El cine es el mejor lenguaje para expresar música…

Francisco Montero.

                                                                                                       

                                                                       

               LA GRAN BELLEZA

 

-Cartel del filme-



“Roma o muerte” -se lee en un simbólico plano detalle al inicio del filme-; fue el lema con el que el gran Garibaldi, liberó a Roma de la ocupación extranjera, y es cita que figura al pie de su monumento ecuestre, en la colina del Janículo, desde la que se divisa toda la ciudad eterna…

Pues bien mal, la auténtica belleza de la cosmopolita Roma -capital mundial del turismo-, al igual que la gran belleza del mundo y de la vida, propone el film, ha muerto…

Y ha muerto a manos de una criminal burguesía de potentados financieros, políticos, clérigos…, que con las desastrosas armas de la corrupción -sus falacias, su hedonismo, su buena vida…- la han aniquilado… Es el fascinante discurso fílmico que Paolo Sorrentino, desarrolla genialmente en el filme que se reseña…

 

Ya en 1960, el cine simbolista de Federico Fellini, en su crítico y demoledor filme La dolce vita -considerado uno de los mejores filmes de la Historia del Cine, pero censurado por parte de la curia vaticana y prohibido en España-, abominaba sobre la decadencia social de la alta y acomodada burguesía civil y religiosa…

Dos años después, el surrealista y abstractivo cine de Michelangelo Antonioni con su trilogía de La aventura, La noche y El Eclipse, refrendaba la descomposición social de la burguesía occidental, víctima de sus propias miserias morales y sus conflictos emocionales…

Y en 1971, con el sutil realismo social de su filme Muerte en Venecia, Luchino Visconti, hacía inaprensible y daba por muerta a la gran belleza, que floreció en occidente desde el Renacimiento…

Pues bien, rindiendo homenaje y recordándonos a los tres grandes maestros del cine italiano, Paolo Sorrentino, toma las demoledoras armas y claves narrativas de éstos, y vapulea, con su propio simbolismo, abstracción, surrealismo y realismo -claves discursivas del filme La gran belleza-, a la cosmopolita sociedad burguesa civil y religiosa de hoy…

 

Paolo Sorrentino, dirige el rodaje de La gran belleza.

Rememorando también al magistral dramaturgo Gustavo Modena, quien afirmaba que el teatro era la mejor forma de idealizar los pensamientos y las ideas, -y cuyo busto aparece en un plano del filme-, Sorrentino inicia su teatral y metafórica narración desde la colina del Janículo; repara en históricos monumentos, junto a los que nos muestra a una abigarrada pléyade, desde un coro de monjas que ejecutan desmotivados cantos religiosos, hasta una orgiástica élite burguesa en jarana, alienada por la música pachanguera, el erotismo y los estupefacientes…

A la fiesta acude el veterano y descreído periodista Jep Gambardella -Toni Servillo-, quien parece andar a la caza de una crónica de la sociedad burguesa cosmopolita que veranea en la ciudad… La trayectoria del filme, es la crónica periodística de esa sociedad amoral, deforme y horripilante, que contamina la belleza de la vida y la monumental belleza de la historia…

 

En su deambular periodístico, Gambardella, irá desentrañando los caracteres personales y la radiografía de una sociedad que ha perdido, en el acomodo, el bienestar, el disfrute hedonista y el egocentrismo, el sentido de sus vidas y el norte de los valores positivos, de la bondad, la verdad, la belleza….

El filme es muy expresivo y rico en sus diálogos y metáforas iconográficas de profunda significación, aunque acaso poco inteligibles para espectadores no avezados a la narración simbolista, surrealista y abstracta, del cine…

 

Metáfora visual del filme: Personajes se empapan y dos hermanas de caridad pasan sin cederles un paraguas...

Son escenas connotativas del filme, con metafórica y profunda significación, entre otras muchas: A un cirujano plástico acuden multitud de pacientes que, al no encontrar otros valores mejores en la vida, se afanan en su belleza física…; En una ceremoniosa recepción a todas las religiones y credos, desprovista de oropel y grandilocuencia, una humilde Santa Madre Hermanita de la Caridad -que alude a Teresa de Calcuta-, suplanta al Santo Padre…; En una suculenta comida de marketing religioso, en honor de referida Hermanita, un cardenal de atildado boato, alardea de conocimientos culinarios...; Y cuando a la enfadada Hermanita le piden que hable de la pobreza, ella, con su apagada voz, sorprende a todos: “De la pobreza no se habla, la pobreza se vive…”; La directora del periódico para el que trabaja Jep Gambardella, una fea y deforme enana -que sí cree en valores positivos- confiesa a este: “Me quedé en la estatura de la niñez y sigo ilusionada con la vida como una niña”…

Es la gran belleza espiritual oculta tras la pobreza, la fealdad, le deformidad…

En la ficción del filme La gran belleza, al igual que en la realidad, el periodismo y los medios de comunicación, testigos y conciencias de la actualidad, vienen a ser los denunciantes de todos los males y corrupciones del mundo de hoy; pero también, en muchos casos, los alentadores hacia el sentido positivo de la vida y los valores espirituales…

El filme, aunque pueda resultar a alguien excesivamente maniqueísta, crítico y demoledor, al espectador reflexivo, no le dejara indiferente.

 

El joven guionista y director de cine Paolo Sorrentino, aunque no cuenta aún con una amplia trayectoria profesional, sí es reconocido como uno de los grandes talentos del cine italiano y europeo actual.

En su septena de largometrajes, destacan los filmes: Las consecuencias del amor -que explora la mente, vulnerabilidad y cambio de un hombre de negocios manipulado por las mafias y la droga-, El amigo de la familia -sobre los sentimientos de un septuagenario y avaro usurero acerca de la amistad interesada-, El divo político -sobre la biografía del controvertido Giulio Andreotti-, con el que obtuvo el Premio del Jurado del Festival de Cannes, 2008. Filmes en los que, al igual que en La gran belleza, desnuda y se adentra en las vivencias personales, intimistas y profundas del hombre y la sociedad actual.

El cineasta cuenta también, entre otros reconocimientos, con los Premios David Donatello y Argento Nastro, al Mejor Director.

 

Toni Servillo -Jef Gambardella-, protagonista del filme.

Toni Servillo, popular director de teatro y actor italiano, tiene una dilatada trayectoria en el arte dramático.

Fue cofundador del Teatro Estudio de Caserta, dirigiendo obras teatrales y musicales de importantes autores como Moliere, Mozart, Strauss, Rossini…, con las que obtuvo destacados reconocimientos y premios.

En el cine ha sido intérprete y protagonista en más de una veintena de filmes. Es el protagonista predilecto de Paolo Sorrentino, siendo Premiado como Mejor Actor en sus filmes: Las consecuencias del amor, El divo político, La gran belleza… -reciente galardón que le fue concedido en el Festival Internacional de Cine de Sevilla, 2013-.

Su versátil actuación en citado último filme, es magistral, muy plausible…

Francisco Montero.

                                                                                                       

 

 

 

GUADALQUIVIR

 



-Cartel del filme-

                                                                                                                                  

¡Qué pequeño naces!

niño, río, amor,

¡Qué grande te haces!

Los árabes llamaron al Betis poéticamente “Al-wadi al-Kabir”, el río grande, el rey de ríos, el Guadalquivir…

Desde entonces raro es el poeta andaluz que no haya cantado a este gran río, y más raro aún quien no se haya asomado a sus aguas y contemplado poéticamente su discurrir…    

Es el caso del pequeño gran poema, que inicia la reseña, de nuestra poetisa cordobesa Concha Lagos; y el caso del sugerente y metafórico poema del sevillano Antonio Machado que, hecho sugestiva canción por la granadina Estrella Morente, finaliza el filme…

¡Oh Guadalquivir!

Te vi en Cazorla nacer;

hoy, en Sanlúcar morir.

Un borbollón de agua clara,

debajo de un pino verde,

eras tú, ¡qué bien sonabas!

Como yo, cerca del mar,

río de barro salobre,

¿sueñas con tu manantial?

Y es también el caso del cineasta naturalista, madrileño internacional, Joaquín Gutiérrez Acha, quien se ha asomado al Guadalquivir y a la poesía que sobre él discurre, para narrarnos un bellísimo filme sobre el gran río…

 

José Mª Morales -Productor-, Estrella Morente -Cantaora y Narradora- y Joaquín Gutiérrez -Director-.

Producido por José Mª Morales para la empresa Wanda Films -referente del Cine de Calidad , en España-, en Colaboración con Bitis Documentales -de la que es Productor, Director y Cámara Joaquín Gutiérrez-, el precioso filme Guadalquivir, ha contado también con la participación de Televisión Española, Canal Sur y Canal Plus, entre otros medios.

Joaquín Gutiérrez, el director del filme, cuenta con una dilatada trayectoria en el Documental de Naturaleza, habiendo trabajado como naturalista y cámara para las más importantes productoras del género como: National Geographic, British Broadcasting Corporation BBC, Parthenon Entertainment y Survival Anglia de Inglaterra, Canal Plus de Francia y España…

Es miembro fundador de la productora Bitis Documentales, de la IAWF -Asociación Internacional de Cineastas de Vida Salvaje-, de la Asociación Española de Cine Científico, de la Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza…

Y cuenta con un valiosísimo archivo de Imágenes de Naturaleza, que comercializan agencias de Oxford Scientifics Films y National Geographic. Dato importante éste, porque muchas de esas imágenes figuran en el filme Guadalquivir.

 

 

Imagen impresionante del filme.





Gutiérrez Acha, quien ha obtenido numerosos reconocimientos por sus magníficos documentales, es autor de filmes como: Los últimos días del camaleón -Biología de la especie-, El reino de la luz -Naturaleza salvaje de Andalucía-, Amor mortal -Sexualidad de las arañas-, El cazador solitario -Lince Ibérico-, El tesoro sumergido -Fauna marina de la isla de Alborán-, El desierto olvidado -Tabernas, Almería-…

Dirigió la unidad de naturaleza del filme Entrelobos, docudrama de nuestro realizador cordobés Gerardo Olivares, producida también por Wanda Films; siendo su trabajo uno de los atractivos extraordinarios del filme, en el que posiblemente encontrara la idea de narrar Guadalquivir en clave argumental con el relato de la zorra…

El guión del filme, escrito por Fernando López Mirones -autor de todos los guiones de los documentales de Gutiérrez Acha-, se basa en una historia anterior suya “Mientras sople el viento”, narración naturalista acerca de la vida de los zorros, que nunca llegó a las pantallas…

En Guadalquivir, referido relato sirve de hilo conductor del filme, llevando, por el discurrir del río, desde las Sierras de Cazorla y Segura, hasta Sierra Morena y las Marismas de Doñana; recorrido que efectúa una zorra, reparándose en sus desplazamientos en la fauna y flora entre la que transita…

Las imágenes del filme hacen gozar de una belleza de Andalucía, fascinante, sugestiva, singular…

 

 

Carlos de Hita, sonidista del filme.



Las claves de autenticidad, realismo y verismo, propias del cine documental, tienen en este filme una fuerza impresionante y espectacular. Es una muestra vanguardista de la utilización de las técnicas más avanzadas al servicio de la estética. En su realización se han utilizado el Cineflex estabilizador adosado al helicóptero, el Timelapses acelerador del movimiento -para el rápido crecimiento de las plantas y movimiento de las nubes-, el sonido Dolby Atmos -que infiere al espectador la sensación de estar inmerso en plena naturaleza-…

Son admirables y contribuyen al clímax poético del filme: la música, compuesta por Pablo Martín Caminero, la canción “Oh Guadalquivir” de Estrella Morente, los sonidos naturales del prestigioso director de sonido Carlos de Hita…

Amigos de arte dramático, me comentan que el guión y la voz narradora del filme son a veces poco adecuados o expresivos y desfavorecen su fascinante poesía visual… Tampoco su escena de montería sabe a gloria naturalista…

Francisco Montero.

                                                                                                      

 

 

 

JAZMIN AZUL

-Cartel original del filme-

                                                                                                                                  

La palabra jazmín, proveniente del árabe hispano jasamín, significa “regalo de Dios”…

La delicada planta o arbusto jazmín -que con tanta facilidad rebrota, o se marchita su flor-, es muy conocida por ser una de las plantas de las que más especies o variedades existen, en distintos países del planeta…

Efectuamos este pequeño preámbulo, para indicar que el genial filme Blue Jasmine de Woody Allen, muy crudo y realista, pero a su vez metafórico y poético, provoca múltiples lecturas connotativas y profundas, que aluden a la sutil y frágil naturaleza del jazmín azul y de la naturaleza humana de “sangre azul”…

Aunque la historia del teatral filme Bue Jasmine se centra en el personaje de la acomodada burguesa Jasmine venida a menos -magistralmente interpretado por Cate Blanchett-, el trasfondo de su temática es mucho más amplio y de extraordinaria actualidad.

 

Tras la quiebra y el suicidio en la cárcel de su marido Hal -personaje de empresario de la construcción, corrupto y estafador sin escrúpulos, interpretado por el veterano Alec Baldwin-, Jasmine, sin recursos para sobrevivir tiene que recurrir a su hermana Ginger -dependienta de una modesta verdulería, que interpreta Sally Hawkins-, cuyo novio es un vulgar albañil...

Bue Jasmine, tras la penetrante radiografía psicológica del drama personal de una frágil mujer fracasada, es también el grandilocuente y crítico análisis de la injusta sociedad -muy endeble y quebradiza en valores humanos - que hoy viene estridentemente fracasando…

Para Woody Allen, el puente colgante “Puerta Dorada”, o puente de “San Francisco” -que ilustra el cartel del filme-, similar al de Manhattan que une el alto Centro financiero, de negocios y de gobierno con el superpoblado, multiétnico y de diversos estatus populares del Condado de Brooklyn, viene a ser un símbolo del poder y la riqueza frente a la impotencia y la pobreza; un paradigma de las injusticias y los graves desequilibrios de la sociedad actual, que, según el cineasta, son factores que irremediablemente están abocando a nuestro mundo al fracaso…

 

Las hermanas Jasmine -Cate Blanchett- y Ginger -Sally Hawkins-.

Blue Jasmine, es también una cruda confrontación, dramática y de humor negro, sobre: la burguesía frente a la vulgaridad, la belleza frente a la fealdad, el éxito frente al fracaso, la felicidad frente a la infelicidad…; a través de dos hermanas -hijas adoptadas, con herencias genéticas distintas- cuyas vidas se truncan por los avatares del destino…

Con este filme, el conocido cineasta Woody, tras su exitosa trilogía europea, Vicky Cristina Barcelona, Medianoche en París y A Roma con amor, filmes con los que ha afianzado su reconocimiento en el viejo continente, donde siempre ha sido muy admirado -recordemos la estatua que tiene erigida en Oviedo (España)-, cambia a Estados Unidos y cambia también las claves predominantes de su cine de comedia por las del drama.

 

En el teatral filme Bue Jasmine -recatado en amplios escenarios abiertos, y pródigo en escenas de interiores-, se aprecian algunas similitudes con la obra teatral Un tranvía llamado deseo, del gran dramaturgo Tennessee Williams, a quien Woody Allen parece admirar.

Al dar de lado a muchos de los recursos cómicos claves y habituales de su cine, y adentrarse en los esenciales del drama, Allen ha desorientado a numerosos incondicionales seguidores que se han visto sorprendidos por el maestro cineasta, que parece renovar sus claves narrativas…

Dada la otra gran vinculación profesional de Woody Allen con la música -clarinetista en su orquesta The New Orleans Band, especializada en el Jazz-, la banda sonora del film, de blues y jazz, obra de geniales músicos, es excepcional. Destacan en ella conocidos temas de Louis Armstrong, King Oliver, Conal Fowkes… De hecho el popular tema Blue Moon, de citado último músico, parece ser inspiró a Allen el título del filme Blue Jasmine.

 

Cate Blanchett, Woody Allen y Sally Hawkins.

Woody Allen, director y guionista del filme, no suele ser autor moralizante. El, critica humorísticamente los vicios e inmoralidades sociales, sin hacer propuestas de ejemplaridad…

Acaso por su escasa religiosidad y creencia de que ninguna iglesia haya contribuido realmente a mejorar a la humanidad, Blue Jasmine es un filme desesperanzado, en cuyo guión no se recurre, tras el descalabro social de Jasmine, a ningún espejismo de espiritualidad salvifica… -A veces las mayores increencias, resultan ser las de mejor humanitarismo natural…-

En este filme, sólo se atisban referentes de que Jasmine, en sus días de confort burgués, ejercía alguna que otra acción caritativa; porque era muy bien vista, acaso por acallar, su conciencia…

 

Al igual que su hermana Ginger se refugia del escaso éxito social y de su pobreza, en el sexo, Jasmine, en su soledad afectiva, recurre al alcohol y a los antidepresivos… Su hijo, quien renegó de sus padres, al saber que su acomodado estatus provenía de la injusticia social y de los sucios negocios y estafas empresariales del padre, y que ahora vive honradamente en una tienda de discos de música de “segunda mano”, prosigue sin querer saber nada de ella…

Jasmine que no supo hacer otra cosa que vivir sofisticadamente, terminará en la soledad, la desesperación y al borde de la locura… Son las terribles consecuencias de una sociedad falsa y sin valores humanos, que basa su vida en el materialismo y el hedonismo…

Jasmine, en la escena final del filme.

 

Sabiéndose que el genial Woody Allen, tiene alergia a los “premios”, la excepcional interpretación de Cate Blanchett ha sido reconocida por los Premios Gotham y la Independent Spirit Awards.

La exitosa protagonista australiana, Catherine Élise Blanchett, con más de cincuenta papeles principales en su carrera, cuenta con un amplio y meritorio historial como actriz de cine y teatro, habiendo conseguido los mas altos reconocimientos de ambos medios -Globos de Oro, BAFTA., Satélite, Oscar, Sindicato de Actores…-. Son memorables sus interpretaciones teatrales en Electra, Hamlet, Un tranvía llamado deseo… En el cine la recordamos en Camino al paraíso, El aviador, Babel, Elizabeth: La edad de oro, El hobbit: un viaje inesperado…

Aunque solo fuese por disfrutar de la sensible y emotiva interpretación de Cate Blanchett, el filme es de extraordinario interés.

Efectivamente, a pesar de su increencia, Woody Allen nos confirma que, tanto el jazmín como Jasmine, son regalos de ese misterio que llamamos Dios...

Francisco Montero.