LAS FLORES DE LA GUERRA 

 

-Novela original y su autora Geling Yan-

                                                                     

El pasado 13 de Diciembre de 2012, con motivo del 75 Aniversario de la invasión del ejército japonés de la ciudad china de Nankín -en los preludios de la segunda Guerra Mundial-, en una sentida ceremonia en recuerdo de las más de 300.000 víctimas del horroroso holocausto, ardían 3.000 velas sobre una fosa común de más de 10.000 cuerpos, en el lugar de los hechos…

Cierta o incierta, ha dejado patente la historia que el salvajismo y el terror con que se ejecutó la invasión de Nankín no pudo ser más terrible: niños lanzados al aire para ser ensartados con bayonetas, enterramientos de personas vivas, fusilamientos masivos y decapitaciones al borde de las fosas, miles de niñas, adolescentes y mujeres violadas, torturadas, mutiladas, ejecutadas…

En el Museo del Memorial de la ciudad, se destaca al “Buen Alemán de Nankín”, John Rabe, quien junto a otros occidentales crearon una Zona de Seguridad Internacional y salvaron a más de 200.000 refugiados. También figuran en él escalofriantes imágenes captadas por la cámara del misionero episcopal estadounidense y miembro de la Organización Internacional de la Cruz Roja John Magee, y de otros periodistas… Imágenes de la Masacre de Nankin, que aún circulan hoy por Internet…

 

Acerca de la historia, y del atroz sufrimiento de las mujeres en la invasión, la prestigiosa novelista china Geling Yan, escribió su emotivo relato 13 flores de Nankín, que ha dado la vuelta al mundo…

 

"13 flores de Nankín", imagen del filme de Zhang Yimou.

Geling Yan, en sus primeros años se formó y actuó como bailarina, acentuándose en esa disciplina su acusada sensibilidad. Seguidamente, serviría en el Ejército Popular de Liberación, durante la Revolución Cultural China, ejerciendo después el periodismo durante la guerra entre China y Vietnan… En estas experiencias, se identificaría con el dolor y el sufrimiento de las mujeres víctimas de las guerras y de las situaciones de conflictos políticos, lo que le impulsó a escribir con énfasis de denuncia crítica sobre ello…

Aunque no toda su obra se ha divulgado en occidente, son conocidas: El escarabajo de los banquetes, La serpiente blanca, La hija perdida de la felicidad… y sobre todo Las flores de la guerra -título que se le ha dado en España a 13 flores de Nankín, publicada por Alfaguara-.

Sucintamente, la novela, centra su trama en las vivencias que, durante la invasión de Nankín, sufren doce niñas adolescentes refugiadas en la iglesia católica de Santa María Magdalena -regentada por el padre Engelmann-, a la que llegan a refugiarse trece prostitutas encabezadas por la culta meretriz Zhao Yumo… Entre las atroces circunstancias de terror que viven, se destaca la confrontación de dos mundos muy opuestos: el pudor de las niñas frente a la impudicia de las prostitutas, el despertar de la inocencia frente al mundo adulterado de la experiencia, el arrebato de la virginidad frente a la violación y la crueldad…; sobresaliendo entre ellos los encomiables valores de la redención y el sacrificio de las prostitutas por la salvación de las adolescentes...

La trama, bien puede entenderse como una presunta alegoría o parábola acerca de la adúltera María de Magdala…

 

Adolescentes y prostitutas del filme de Zhang Yimou. La actriz china Ni Ni en el papel de Yu Mo -a la derecha-.

 

El cineasta Zhang Yimou -sin duda el más genial de los realizadores del cine chino actual, de quien ya reseñamos recientemente en esta página su filme Amor bajo el espino blanco-, intelectual de pensamiento muy universal y crítico, ha traído a la gran pantalla una puesta en imágenes muy personal sobre los hechos acaecidos; basada en la historia real de la invasión de Nankín, en la novela de Geling Yan, en los numerosos escritos y filmes anteriores que se han realizado…

La invasión y masacre de Nankín, entre otras obras, ha sido tratada: en el filme Nanking, de Dan Sturman, 2007; en el filme Ciudad de Vida y muerte, del cineasta Lu Chuan -Premio Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastian, 2009-; en el polémico filme John Rabe -también titulado en español Sonata para un hombre bueno-, del alemán Florian Gallenberger, 2009, multipremiado en distintos festivales de cine de Alemania, y vetado en Japón…

El filme Las flores de la guerra, de Zhang Yimou, es un expresivo poema trágico que no se ciñe estrictamente ni a la historia de lo acontecido en Nankín, ni a la novela de Geling Yan; para el espectador que desconozca el conflicto bélico entre China y Japón, el filme viene a ser un grandilocuente alegato universal contra la guerra -cualquier guerra-, y el salvajismo inhumano que desatan sus circunstancias…

 

Zhang Yimou, director de Las flores de la guerra. Expresivo y poético cartel original del filme.

 

No obstante las crueldades y los horrores que generan las situaciones de violencia y tragedia, amen de provocar al espectador el rechazo y la náusea contra éstas, Yimou -cineasta humanista y poeta-, siempre entresaca de ellas valores positivos y esperanzadores, como son, en este filme, los de la compasión, la redención, el sacrificio…

 

El extenuado combatiente chino que llega herido a la iglesia, con un jovencísimo soldado malherido, en lugar de esconderse, en defensa de los refugiados, se enfrenta heroicamente a un grupo de asaltantes enemigos, lucha hasta su cruenta inmolación, su sacrificio…

El amortajador y maquillador de cadáveres occidental John Miller -protagonizado por Chistian Bale-, crápula amoral, que llega a la iglesia tras la muerte de su párroco en busca de dinero, conmovido por la salvaje violación y muerte de algunas de las adolescentes que se refugian en el templo, suplantará al sacerdote, tramará un peligroso ardid y arriesgará su vida hasta sacarlas de la ciudad, llevado por la compasión…

Las prostitutas, ante la imposición engañosa de llevarse a las adolescentes para amenizar con sus cantos una fiesta militar, sabedoras de como sería su terrible final, se implican en el ardid del amortajador, se maquillarán y suplantarán a las niñas… Se sacrificarán  por su salvación…

Su sacrificio, será también una hermosa y bella redención… Serán las flores de la guerra…

Filme sobrecogedor, sublime, ejemplarizante, memorable…

Nuestro aplauso a la distribuidora de cine European Dreams Factory, preocupada en traer a España Cine de Valores.

Francisco Montero.

MOSCATI EL MEDICO DE LOS POBRES

 

Portada  del DVD                                                                            Giuseppe Moscati

                                                                           

A mediados del pasado enero, la Delegación Episcopal de Cultura de la Diócesis de Madrid, con motivo del presente Año de la Fe, en su Muestra Internacional de Cine que Inspira “De Madrid hasta el Cielo”, para ilustrar un debate sobre Medicina y Fe, presentaba el filme Moscati el médico de los pobres… -antes, originalmente titulado Giuseppe Moscati El amor que cura-

Desde esa presentación, Moscati el medico de los pobres, fue publicitándose en España como un filme de Cine Religioso -dado que Giuseppe Moscati, por su gran obra humanitaria y milagros póstumos, fue canonizado por Juan Pablo II en 1987, llegando a considerársele como popular santo del siglo XX-. Alguna institución ya lo ha catalogado como Cine Católico y Espiritual…

Y hoy, que las generaciones jóvenes -las que más frecuentan los cines-, cada día se sienten menos atraídas por lo católico y religioso, han hecho caso omiso al filme… Las presentaciones promocionales que su distribuidora European Dreams Factory, ha realizado no han tenido mucho éxito, y su permanencia en nuestras pantallas, lamentablemente, ha sido exigua…

Flaco favor se le ha hecho a este buen filme, al publicitarse como cine católico y religioso, cuando, principalmente, es un filme de valores artísticos y humanos universales, que nos rememora al magistral "Cine de Oro del Neorrealismo Italiano".

Giuseppe Fiorello, Kasia Smuniak y Ettore Bassi, protagonistas del filme.

 

Precisamente, según su director Giacomo Campiotti, para que no se le considerase como filme de hagiografía catequética, su narración -sin el menor menoscabo de sus valores humanos, sociales, espirituales, trascendentales, artísticos…- se ha aderezado de una atractiva realización…

El filme que ha llegado a nuestras pantallas, es una versión resumida de la exitosa miniserie televisiva producida por la Radiotelevisión Italiana -RAI FICTION, 2007-, que no ha escatimado en los recursos propios del espectáculo costumbrista -trasposición a la actualidad de los valores imperecederos del movimiento cultural del Neorrealismo Cinematográfico, posterior a la devastadora Segunda Guerra Mundial-, para lograr una realización humanizadora, atractiva, amena…

Llama poderosamente la atención en la historia del filme, su acertada conjunción entre realidad y ficción; es decir el desarrollo realista y biográfico del médico e investigador humanista Giuseppe Moscati, en una trama de ficción ambientada en el costumbrismo de las anteriores décadas de los años 1910-1920. Trama que acentúa los contrastes sociales del momento, reparando en los ambientes más pobres de Nápoles, en los años que antecedieron la muerte del personaje -producida por una hemorragia cerebral-, lejos aún de que fuese considerado santo, canonizado, venerado… -sobre lo que nada narra el filme, salvo una cita en los créditos finales-.

Es muy atractiva la interpretación de sus jóvenes protagonistas Giuseppe Fiorello -Moscati-, Ettore Bassi -Giorgio-, Kasia Smutniak -Elena-, Paola Casella -Cloe-… Destaca por su naturalidad y belleza la modelo y actriz polaca Smutniak, quien cuenta con más de una veintena de interpretaciones en cine y televisión, obteniendo el Globo de Oro, como Actriz Revelación por su papel en el filme En tus manos, dirigida por Peter del Monte en el 2007 -año en que protagonizaba también la serie televisiva sobre Giuseppe Moscati-.

 

 

Giacomo Campiotti

 

Giacomo Campiotti, realizador del filme, dado que se inició en el espectáculo dramático como actor de teatro callejero, ha estado siempre muy identificado con las claves populistas del Neorrealismo Italiano…

Cursó estudios cinematográficos en la Agrupación Hipótesis Cine, en la que se decantó su interés por las temáticas de valores humanos, sociales, espirituales, trascendentales… En esta vertiente adquirió profesionalidad y prestigio realizando miniseries televisivas como: Giuseppe Moscati, Bakhita -esclava negra y finalmente santa-, Prefiero el cielo -sobre S. Felipe Neri-, María de Nazaret… Anteriormente a estas series, alcanzó notoriedad y premios con su primer largometraje Carrera de primavera, en el que cuenta la vida de las gentes sencillas populares de Italia, vista a través de los ojos de los niños…

Su consagración en el séptimo arte, la alcanzaría en 1999, con su filme El tiempo del amor, premiado en los Festivales Internacionales de Cine de Locarno (Suiza), Annecy y Avignon (Francia)… Siendo reconocido también como genial maestro de la narración televisiva, en el 2002, por su miniserie Doctor Zhivago, premiada en Inglaterra, Estados Unidos…

Claves narrativas destacadas y constantes de los trabajos cinematográficos y televisivos de Campiotti, son: su atrayente dramatismo, la creación realista de ambientes, los grandes contrastes…

Claves citadas que están muy patentes en Moscati el amor que cura, y acentúan la extraordinaria plasticidad estética del filme. Impresionan en el mismo los grandes contrastes de la época entre la suntuosidad y el lujo de la burguesía napolitana y la pobreza y miseria de las clases más pobres de la postguerra mundial, la prepotencia de los poderosos frente al desvalimiento de los desheredados, el bienestar de los afortunados frente a la indigencia de los menesterosos…

  

Escena neorrealista de Moscati El amor que cura

 

Cineasta conocedor y buen amante del cine, en muchos de sus filmes inserta escenas memorables en homenaje a momentos gloriosos de la historia de este arte de artes.

Es muy expresiva de ello, la secuencia del filme que se reseña, en la que Elena y asistentes a una fiesta, quedan fascinados ante una proyección de los primeros filmes realistas y de ficción de los Hermanos Lumière -inventores del Cinematógrafo y primeros directores del Cine Realista y de Ficción, con títulos como La salida de los obreros de la fábrica y El regador regado-.

Son también muy significativos, de esta clave esencial del cine de Campiotti -de interrelacionar realismo y ficción al estilo emotivo y sentimental del Neorrealismo-, los papeles de los niños, matizado de ternura, frescura, buen humor…

Es muy conmovedora la muerte del pequeño limpiabotas Aniello -Carmine Battle-, quien muere de tétanos en brazos del médico, a orilla del mar, lograda su gran ilusión de conocerlo… Igualmente, resulta muy impresionante la muerte por septicemia de la bailarina Cloe, junto a Moscati, días después de su parto sin asistencia médica…

En la ficción del filme, la tragedia de ambas muertes, plantean una profunda reflexión y cuestionamiento acerca de la historia real del médico Moscati, santificado por las curaciones milagrosas que, posteriores a su fallecimiento, se le atribuyen…

Cuestionamientos aparte, el filme es muy rico en valores humanos, morales y espirituales; alecciona sobre la generosidad, sensible y emotivo, sumamente bello…

Francisco Montero.

EL LADO BUENO DE LAS COSAS

 

-Novela y Cartel del Film-

      

Hoy, que todo está atenido a los derroteros del comercio, es muy usual que un best seller, o novela de gran éxito comercial, sea llevada al cine, pretendiendo también el éxito de la novela.

Novela y filme El lado bueno de las cosas, editados en España con igual título, traducida y basado en el best seller original Silvert linings playbook, con un acertado planteamiento publicitario y promocional, están consiguiendo citado éxito.

Su trama, que aborda el trastorno bipolar del ánimo, o sea el cambio exagerado y frecuente de la alegría a la tristeza, del optimismo al pesimismo…, o viceversa, -ya conocido en nuestra cultura latina desde la antigüedad como manía o locura-, en una sociedad tan cambiante como la nuestra, tiene plena vigencia, actualidad, interés general…

En el filme, que cuenta con los extraordinarios valores del agrado y la amabilidad, se han cuidado sobremanera todos sus elementos concernientes, a fin de obtener pretendido éxito. De hecho, tras conseguir el Premio del Público en el pasado Festival de Cine de Toronto, ha sido nominado para ocho Oscars, en la edición que tendrá lugar el día 24 próximo...

 

Bradley Cooper y Jennifer Lawrence, protagonistas del filme.

 

Matices esenciales del agrado y la amabilidad del filme los encontramos en el atractivo y la humorística interpretación de sus principales protagonistas: Bradley Cooper -Pat- y Jennifer Lawrence -Tiffany-, ambos, jóvenes valores en alza y muy cotizados en Hollywood.

Con más de cincuenta interpretaciones en su historial cinematográfico y televisivo, y nombrado por la revista inglesa GQ “Hombre Internacional del Año”, Bradley Cooper, es uno de los actores más taquilleros del cine actual. Entre sus filmes que baten record de taquilla, como actor de comedia, figuran: ¿Qué pasó ayer?, Día de San Valentín, El lado bueno de las cosas…

La joven Jennifer Lawrence, a sus veintidós años de edad, ha sido ya considerada indiscutible Estrella de Hollywood, habiendo sido nombrada “Actriz más Talentosa de Estados Unidos”. Con cerca de una treintena del trabajos en su carrera de protagonista melodramática, ha obtenido los más importantes reconocimientos y premios en: Festival de Cine de Venecia, Asociación de Críticos de Cine de Chicago, Globo de Oro, Oscar y Sindicato de Actores de Hollywood, Premios Bafta de Inglaterra, Premios Awards de Televisión… Últimamente, fue premiada y muy aplaudida por su actuación en Los Juegos del hambre. Otros filmes memorables suyos son: Lejos de la tierra quemada, Winter’s bone, X-men…

Ya en su origen, la novela de Matthew Quick -que se vende como rosquillas en e-box de Internet-, está cuajada de agrado, amabilidad, humor…

“Su amnésico protagonista Pat, piensa que su vida es un guión de cine escrito por Dios, y en ella se siente llamado a ponerse en forma, convertirse en un buen tipo y recuperar a su perdida esposa…; pero como los caminos del Señor son inescrutables -según nuestro refranero “El hombre propone, Dios dispone y la mujer todo lo descompone”-, su final feliz será muy diferente a lo propuesto…”

 

Tiffany -quien luce en la imagen anterior un alegórico crucifijo-, con sacrificio y amor, vendrá a ser -humorísticamente- su cruz y su salvación…

 

En el rodaje: la actriz Jennifer Lawrence, el director David O. Russell y el fotógrafo Masanobu Takayanagi.

 

David Owen Russell, guionista, director y productor, aunque se graduó en ciencias políticas, parece ser, tras su matrimonio con la productora Janet Grillo, se interesó por el mundo del cine y la televisión. Russell, con una docena de filmes en su historial, aún no cuenta con una trayectoria cinematográfica muy brillante. Sus filmes de mayor interés son: Tres reyes, El luchador y El lado bueno de las cosas -reciente Premio Mejor Guión Adaptado, por la Academia Británica del Cine y la Televisión y nominado a varios Oscars-.

Acaso porque el hijo de su matrimonio con Janet Grillo -actualmente divorciados-, sufra de trastorno bipolar, haya puesto gran empeño en la adaptación del guión y la realización del filme que se reseña.

Aunque El lado bueno de las cosas sea principalmente un melodrama humorístico y no pretenda profundizar en la temática que trata, pareciendo un filme intrascendente, un tanto superficial y a veces ordinario en sus diálogos, admite lecturas más profundas al tratar, casi de soslayo, algunos valores del humanismo cristiano como son: los afectivos de la institución familiar -frente a los desaprensivos de la institución psiquiátrica-, los de la amistad y la solidaridad, los del sacrificio, el esfuerzo y la lucha por superar las adversidades…

Al hecho de que sus personajes, Pat y Tiffany, sean unos perdedores -él perdió a su esposa en brazos de un amante y le recluyeron en un manicomio, y ella perdió a su joven marido en un accidente y cayó en la degeneración-; se contrapone el esfuerzo por rehacer sus vidas, dar sentido a su existencia, un cambio en su forma de pensar, de sentir de ser, una radical conversión…

Cuadro alegórico idealizador de la familia, entre los personajes Tiffany y Pat.

 

Para visionar acertadamente El lado bueno de las cosas, no debemos olvidar que el cine, primordialmente, es un lenguaje de imágenes, en el que un sólo fotograma puede ser más expresivo que innumerables palabras; lo que no digan los diálogos pueden expresarlo con énfasis las imágenes…

Aunque Pat se enfunde en una bolsa de basura para sudar haciendo footing y perder peso, basta con que luzca el número 10 en su camiseta de béisbol, para sugerírsenos que es un tipo 10, un joven sobresaliente…

Aunque Tiffany, por su desabrida forma de expresarse, aparente ser malhumorada y malhablada, basta con que luzca un pequeño crucifijo para que se nos sugiera es una chica de extraordinarios valores…

Al igual que el cuadro idealizador de la familia, entre ambos personajes del fotograma, el filme está sembrado de pequeños detalles iconográficos que nos sugieren interesantes lecturas…

Es la rica polisemia connotativa del lenguaje fílmico…, dirían los expertos en semiología…

Otro 10 para el director de fotografía del filme, el japonés americano Masanobu Takayanagi, genial fotógrafo del cine actual, por el énfasis, detalles expresivos, sutileza…, con que ha tratado El lado bueno de las cosas.

Francisco Montero.

LINCOLN

 

 

-Portada del libro y cartel del filme-



      

Sin duda, la biografía e historia del presidente republicano de los Estados Unidos de América, Abraham Lincoln, en relación a las de todos los presidentes de este país, han sido de las más estudiadas y tratadas por los medios literarios e iconográficos…

La abundante documentación e información, cada día más completa y esmerada, acerca del personaje, ha posibilitado un amplio y minucioso conocimiento compilatorio del mismo…

A nuestro prolífico escritor Cesar Vidal, se debe una de las más interesantes biografías publicadas en español de Abraham Lincoln, Premio Las Luces de Biografía, 2002, y que ha tenido distintas ediciones hasta la más reciente aparecida oportunamente hace unos días -con ocasión del estreno de la película, y cuya ilustración de la portada del libro ha emulado al cartel del filme, según se reseñan-.

Similarmente, Steven Spielberg, el gran “Rey Midas del Cine”-quien tiene fama de convertir en oro la mayoría de los temas que trata: Tiburón, E.T. El Extraterrestre, Las Aventuras de Indiana Jones, La lista de Schindler…-, maestro en contar leyendas e idealizar historias, ha traído a la gran pantalla del Séptimo Arte, una espectacular narración -aunque puesta en entredicho por algunos historiadores-de los últimos pasajes presidenciales del personaje, en torno a la Guerra de la Secesión, la Unidad de la Nación, la Abolición de la Esclavitud…

 

El director Steven Spielberg, el actor Daniel Day Lewis y el guionista Tony Kushner, autores de Lincoln.

 

El cineasta Steven Spielbeg, guionista, director y productor, ha hecho fortuna y adquirido popularidad y fama, realizando un cine legendario y de aventuras, que ha sintonizado muy bien con los gustos de los públicos no muy exigentes. Tiburón, Encuentros en la tercera fase, E.T. El Extraterrestre, Las aventuras de Indiana Jones… son filmes representativos de esa singladura.

De ascendencia judía, Spielberg, dice haber sufrido de niño, de sus compañeros de estudios, algunos estragos de antisemitismo, cuyas secuelas le han llevado a preocuparse por algunos aspectos del holocausto judío y de la esclavitud afroamericana, los que ha tratado, con sus exitosas claves narrativas en sus filmes: La lista de Schindler y Munich, Amistad y Lincoln.

Al igual que los grandes empresarios del continente americano -recordemos a Thomas Alva Edison, quien patentó a su nombre más de mil inventos, fruto de quienes trabajaban en su empresa-, Spielberg, ha sabido rodearse de un excelente equipo de cineastas -guionistas, actores, compositores, fotógrafos, técnicos…-, que han contribuido al éxito de sus filmes y al buen reconocimiento internacional que le ha prodigado la industria del cine.

Junto a Spielberg, sobresalen en el plantel de artistas de la obra Lincoln: el prestigioso escritor, dramaturgo y guionista Anthony Kushner -quien ya trabajó para el director en otros filmes-; el multipremiado actor ingles, también de ascendencia judía, Daniel Day Lewis -quien fue muy admirado en filmes como: Gandhi, La insoportable levedad del ser, El último mohicano, La edad de la inocencia, En el nombre del padre…-; el director de fotografía polaco Janusz Kaminski -genial fotógrafo de la mayoría de los filmes de Spielberg-; y el gran compositor de música de cine y director de orquesta, John Williams -a quien, igualmente, se deben las partituras musicales de la mayoría de los exitosos filmes del director-.

-Como anécdota cercana, referimos que el compositor cubano Leo Brower, durante años director de la Orquesta de Córdoba, trabajó, anónimamente, en diferentes composiciones musicales de las obra cinematográfica de John Williams-.

Daniel Day Lewis -Abraham Lincoln-, Steven Spielberg y Sally Field -Mary Todd Lincoln-.

 

Uno de los más destacados atractivos del filme, es el de la magistral caracterización del personaje Abraham Lincoln. De la compleja y controvertida personalidad del Presidente, Spielberg y Day Lewis han logrado una caracterización psicológica y actuación social, ambas muy sugestivas y sutiles.

En el filme, en el que se alternan los aspectos biográficos con los historiográficos, sobresalen y son más admirables los primeros, precisamente por la citada recreación del personaje.

A Spielberg, le están reprochando autorizados historiadores, el oportunismo de ejemplarizar e idealizar, muy someramente, los avatares de: la Abolición de la Esclavitud, la Unión de los Estados y el Establecimiento de la Democracia en la Nación, a través de la Leyenda Humanista de Lincoln, obviando los denigrantes intereses del capitalismo americano por obtener mano de obra barata de la población negra, para el desarrollo de las plantaciones agrícolas -del Sur- y para la creciente industrialización -del Norte-; o lo que es igual, la sempiterna lucha de intereses entre Capital y Trabajo, desencadenante principal de la contienda secesionista… Y ello, traído a colación, en unos momentos tan críticos y convulsos, mundialmente, como los actuales…

 

Escena mitificadora del luchador Lincoln.

 

El cine, “fábrica de sueños” -al que tan afín le es el sueño americano del triunfalismo-, cuenta con muchas posibilidades y recursos para fabricar mitos, héroes… El idealismo y el sentimentalismo, son dos de ellos…

Spielberg, los conjuga a la perfección y son para él recursos narrativos claves que sirven de soporte a todas las leyendas de sus exitosos y rentables filmes, como espera sea Lincoln…

La verdadera y auténtica historia, cuando se escribe sin mayúsculas distorsionantes, es una realidad bien distinta… Todos los grandes héroes, tuvieron siempre sus “Talones de Aquiles”, hechos que Spielberg sabe escamotear a la perfección...

No queremos decir con ello que Abraham Lincoln, político que tantas veces recurría a La Biblia y se sintió tocado por la mano de Dios y el humanitarismo, no fuese un hombre excepcional. Lo fue…

La industria americana del cine, que sabe muy bien premiar, con los controvertidos Oscars, a quienes le reportan triunfos -¡y dividendos…!-, ha nominado ya el filme de Lincoln para doce premios, en la inmediata ceremonia que tendrá lugar en unos días en Hollywood…

Desnudo de prejuicios y perjuicios subjetivos, Lincoln es un filme positivo e interesante de ver…

Francisco Montero.

DE OXIDO Y HUESO

-Cartel Internacional del Film-

En la última Edición 2012 de la Semana Internacional de Cine de Valladolid -que antaño se denominara Semana de Cine de Valores Humanos-, este filme titulado en español De óxido y hueso, obtenía los importantes premios: al Mejor Guión, Mejor Director y Mejor Actor.

El filme De óxido y hueso, está basado en la interrelación de varios relatos del compendio de cuentos titulado Rust and Bone -De herrumbre y hueso, en español-, del escritor canadiense Craig Davidson.

Craig Davidson -que se entrenó durante tiempo como boxeador-, se preocupa en su literatura por los aspectos físicos de la naturaleza humana, y por las grandes fuerzas físicas de la naturaleza en general, determinantes en tantas ocasiones de las conductas individuales y sociales de las personas.

Para Davidson, la cita latina proveniente de las Sátiras de Juvenal “Mente sana en cuerpo sano”, es mucho más que una filosófica sentencia… Y en torno a esa filosofía se inspira buena parte de la temática de su obra…

Ali -Matthías Schoenaerts- lleva sobre sus espaldas a la tullida Stephanie -Marion Cotillard-.

De óxido y hueso, nos narra dos hermosas historias entrelazadas acerca de la solidaridad. La solidaridad fraternal de la hermana de Ali, Anna -Corinne Masiero- quien, a pesar de su humilde y pobre situación familiar, acoge en la casa al hermano y a su hijo, al encontrase sin hogar, sin trabajo y sin dinero… Y la más interesante, la solidaridad de Ali con Stephanie, entrenadora de orcas, quien tras un grave accidente en el acuario, pierde las piernas y queda paralítica y disminuida, en la inmovilidad, la soledad y claustrofobia de su silla de ruedas…

A Ali, al igual que a su hermana Anna, no les han dotado ni la naturaleza ni la sociedad de gran inteligencia ni estudios, para defenderse en la vida; pero sí de extraordinaria fortaleza física y de buenos sentimientos de solidaridad… Siendo estos elementos los auténticos protagonistas éticos sobre los que gravita la historia…

Ali, no sólo llevará sobre sus sufridos hombros, de obrero no cualificado y sin trabajo seguro, el porvenir de su pequeño hijo Sam, sino que pone también sobre sus espaldas, sin sentimientos caritativos ni moralismos, la responsabilidad de que Stephanie supere su traumático inmovilismo en la silla de ruedas, hasta conseguir unos artilugios protésicos de hierro que reemplacen las piernas perdidas y le posibiliten valerse por sí misma…

Frente a una sociedad extremadamente egocéntrica, explotadora e insolidaria -un macabro especulador de baja estofa que se gana el dinero con apuestas, impulsando a Ali a una despiadada lucha de “perro callejero”; y unos empresarios sin escrúpulos que explotan a los trabajadores con despiadados métodos de control…, reflejos de la sociedad actual-, la solidaria lucha de Ali y Anna, por la subsistencia, junto a la lucha de Stephamie por superar sus taras de discapacidad física, resultan muy emotivas y conmovedoras…

El director, Jacques Audiard, y los protagonistas, Marion Cotillard, Matthías Schoenaerts y Armand Verduse.

El cineasta francés Jacques Audiard, director y coguionista del filme, no tiene una filmografía muy extensa pero sí intensa y profunda en Cine de Valores.

Como guionista y director, en 1994, con su ópera prima Mira a los hombres caer, obtuvo los prestigiosos premios de la cinematografía francesa: “Cesar” y “Georges Sadoul”, con los que se abrió puertas al reconocimiento y la fama. A este filme, seguirían: Venus, salón de belleza, Lee mis labios, De latir mi corazón se ha parado, Un Profeta -filme que le consagraría como gran director- y por último De óxido y hueso.

Con su breve filmografía ha obtenido, en reiteradas ocasiones, los más importantes premios del cine europeo e internacional: Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Cannes, BAFTA -Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión-, SEMINCI -Semana Internacional de Cine de Valladolid-…

De óxido y hueso, además de los premios de la Seminci 2012, anteriormente citados, fue nominada también a los Globos de Oro -de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood-, a los premios Independent Spirit Awards -Certamen de Cine Independiente de California-, a los Premios Goya de España, como Mejor Película Europea…

Citados reconocimientos -no comerciales-, recaídos sobre Jacques Audiard, premian al Cine de Valores Artísticos, Culturales, Humanos y Sociales…

Stephanie -Marion Cotillard-, se esfuerza dramáticamente en superar su inmovilismo de tullida.

El filme, cuyo contenido es muy positivo y aleccionador, sobre los valores de la solidaridad y la superación personal -cuando las fuerzas de la naturaleza sumergen en la tragedia de dejar a la persona tullida y en el desvalimiento-, cuenta con escenas tremendamente dramáticas y duras de visionar.

Impresionantes la escenas en las que Stephanie, desafiando su discapacidad, nada en el mar con sus miembros amputados, o intenta danzar con su silla de ruedas…

Repulsivas las escenas en las que Ali pelea en un sanguinario cuerpo a cuerpo, de apuestas barriobajeras, para obtener un dinero con el que pueda subsistir su ocasional y sufriente familia…

Es la lucha entre el dolor físico y el esfuerzo psicológico y espiritual por la supervivencia… Es la tenacidad por superar las adversidades a las que somete la vida…

Por enésima vez, un filme de valores culturales humanos y sociales -no de intrascendente evasión-, ha pasado como inadvertido soplo fugaz por nuestras pantallas…

Francisco Montero.

LOS MISERABLES

-Carteles del Film-

                             

El recién estrenado filme Los miserables, grandilocuente relato épico sobre las miserias humanas, nos llega precedido de una impresionante y exitosa trayectoria de ediciones y publicaciones en diversos países, idiomas y medios: como obra literaria, musical teatral, filme cinematográfico…

La historia se repite, y con ocasión de la actual crisis mundial, el reflexivo y crítico contenido del relato original, adquiere plena vigencia y actualidad acerca de las miserias humanas y sociales: la miseria material de los desvalidos y desafortunados -injusta y lamentablemente demasiado extendida en el planeta-, y la miseria moral de los afortunados y poderosos -en tantas ocasiones provocadores y responsables de las denigrantes situaciones de pobreza…-

El relato de Los miserables, ha proseguido renovándose en ediciones, traducciones, publicaciones y medios de comunicación, cada día más cuidados, efectistas y expresivos. Fue llevado a la pantalla: en 1998 por el cineasta danés Bille August, con guión del americano Rafael Yglesias, y una duración de 130 minutos; y en el 2000 por el francés Josée Dayan, con una duración de 360 minutos y en formato panorámico. Divulgándose y aumentándose con estos filmes el interés por la monumental obra literaria de Victor Hugo…

Victor Hugo, y su novela ilustrada por el genial Émile Bayard.

Victor Hugo, escritor romántico francés, novelista, dramaturgo, poeta y político comprometido, quiso dejar claro, en su prolífica y contundente obra literaria, que los intelectuales debían de estar fuertemente comprometidos en la vida política y social .

Como político, fue confidente del monarca Luis Felipe I, y en los inicios de la Revolución Francesa de 1848, ocupó un cargo como alcalde de distrito en París -dato biográfico este, del que renegaría, de manera alusiva, en su obra Los miserables-. Tras esta breve revolución, disconforme con sus propias actuaciones políticas y con el controvertido y despótico imperialismo del sucesor Napoleón Bonaparte, rompe con el régimen y se convierte, como ideólogo humanista, en su principal detractor, lo que le llevaría durante una veintena de años al exilio…

Tras su ruptura, su pensamiento político inspirado en los principios del humanismo cristiano, le llevaría a defender con frecuencia la idea de los “Estados Unidos de Europa”… Siendo éste, acaso, el principal legado de su ideología política.

Victor Hugo dejó un rico legado universal de más de sesenta importantes obras literarias…

En su obra poética, que con una treintena de títulos es la más numerosa, destacan: Las hojas de otoño, Los cantos del crepúsculo, Las voces interiores, La leyenda de los siglos, La piedad suprema, Los cuatro vientos del espíritu, Dios…

De sus obras teatrales, entre las más representadas y conocidas figuran: Cromwell, Hermani, El rey se divierte, Lucrecia Borgia, María Tudor, Teatro en libertad…

Y entre sus novelas, se han hecho célebres: El último día de un condenado a muerte, Nuestra Señora de París, Los miserables -considerada, como su obra cumbre-, Los trabajadores del mar, El hombre que ríe…

Dada la universalidad de sus temáticas, de sus obras dramáticas han sido llevadas a la opera: Lucrecia Borgia, Herrmani, El rey se divierte -adaptada como Rigoletto-… Y al cine: Nuestra Señora de París, El hombre que ríe, Los miserables…

La musicalidad de su poesía inspiró obras musicales a célebres compositores como Biset, Wagner, Saint-Saëns… Siendo muy conocida la composición de Liszt sobre la obra lírica Las hojas de otoño.

Cartel del Musical londinense de Schönberg.

El éxito obtenido por las obras musicales basadas en la literatura y dramaturgia de Victor Hugo, indujo al compositor de música para teatro, actor, cantante y productor francés Claude-Michel Schönberg, a convertir en Musical Teatral la novela Los miserables, que se estrenó exitosamente en París en 1980.

En el 2003, el Musical triunfaba en Broadway, Nueva York, convirtiéndose, tras El fantasma de la ópera y Cast, en el más visto y aclamado de la historia de los espectáculos del género.

En el 2005, el popular espectáculo musical de Los miserables, celebraba apoteósicamente en Londres su veinticinco aniversario, puesto en escena por el prestigioso productor teatral Cameron Mackintosh y Universal Pictures; filmándose -y subtitulándose sus escenas y canciones musicales en diversos idiomas-, para su distribución en medios televisivos...

Tras haber sido aplaudido por más de sesenta millones de espectadores de Europa y Norteamérica, en el 2010, se presentó en nuestro país una versión en español del espectáculo de Cameron Mackintosh. Ya en 1992, se había estrenado en España otra versión producida con la colaboración de José Tamayo y Plácido Domingo, no tan espectacular y grandilocuente como la última…

Su carrera de éxitos prosiguió acrecentándose día tras día…

No es de extrañar, por tanto, que el cineasta londinense Tom Hooper, que se hizo muy popular tras los reconocimientos y premios, obtenidos en 2010 y 2011 por El discurso del Rey, reparara en Los miserables , para llevarla a la gran pantalla…

Los actores, Russell Crowe, Anne Hathaway, Hugh Jackman, Amanda Seyfried , y el director Tom Hooper. 

Thomas o Tom Hooper, guionista, realizador y productor londinense de televisión y cine, con una decena de trabajos talevisivos en su historial, adquirió prestigio en el 2005 con su miniserie Elizabeth I, para la pequeña pantalla. Saltó a la fama con su primer largometraje para el cine El discurso del rey -que obtuvo, entre otros premios, cuatro oscars: a la Mejor Película, Guión, Dirección y Actor Protagonista-.

Su segundo largometraje para el cine Los miserables, viene a ser un acertado compendio de la referida trayectoria anterior de la obra original: novela, musical y filmes, anteriormente citados…

En él adquieren grandilocuencia y énfasis los pensamientos universales y la literatura de Victor Hugo, acerca de las miserias humanas y los maniqueísmos entre el bien y el mal, que nunca sirven de aplicada lección ni a la historia, ni a la sociedad…

La música original de Claude Schönberg adquiere en el filme gran expresividad con la apoyatura de las imágenes: en su excelente ambientación historicista y en la interpretación de sus protagonistas -en la que sobresalen Hugh Jackman -Jean Valjean- y Russell Crowe -Javert-, en sus respectivos personajes maniqueos, enfrentados y contrapuestos, como referentes de la bondad frente a la maldad…

La teatralidad de Cameron Mackintosh, confiere al filme un dramatismo épico y romántico, muy sugestivo y emocional…

Lástima que los subtítulos españoles de las canciones y escenas musicales, acaso por su intención de literalidad, no sean muy acertados…

En definitiva, filme muy recomendable que acrecienta el interés por la temática de la obra universal de Victor Hugo, que, reiteramos, es aplicable a cualquier tiempo y lugar…

Francisco Montero.

 

Cine de Valores 

           EL CAPITAL

 

-Novela y Cartel del filme-

 

El capital es un lobo depredador insaciable… Y la mayoría de los banqueros y políticos, su hambrienta y antropófaga jauría…

Esto es, concisamente, lo que, con distintas palabras denunció el maestro cineasta griego, Constantin Costa Gavras, en la presentación de su filme El Capital, en el pasado Festival Internacional de Cine de San Sebastián (España).

Tras el magistral y crítico filme El dinero -inspirado en los escritos de León Tolstói sobre el uso ególatra, insolidario, antisocial, esclavizante y corruptor del mismo-, realizado en 1983 por el padre de la Nouvelle Vague francesa, Robert Bresson; el filme El Capital de Costa Gavras -basado en la novela homónima de Stéphane Osmont-, es, sin duda, el más incisivo, crítico y denigrador de su poderío actual, de cuantos se hayan realizado hasta ahora.

La novela del agudo economista francés Stéphane Osmont, que, dadas su tremenda denuncia social y acritud, no ha conseguido aún una difusión acorde a su positiva intencionalidad social y ética, sí que viene obteniendo una excepcional divulgación a través del filme del genial Costa Gavras.

 

Stéphane Osmont y Constantin Costa Gavras

 

Constantin Costa Gavras, quién fue distinguido en el 2009 por la Orden de las Artes y las Letras de España, otorgada en Real Decreto por el Rey Juan Carlos, está considerado como el Gran Maestro del Cine Político y Social Europeo.

El hecho de haber nacido en Lutra-Iraias (Atenas, Grecia) en 1933, le ha posibilitado el conocimiento directo de la conformación de la Comunidad Económica Europea -de la que opina: “Hoy es sólo un gran supermercado especulador…”-.

Tras licenciarse en Literatura y Cinematografía en París, pronto desveló su inclinación por el cine de contenido político e ideológico y por el drama social, en cuyas claves ha realizado más de una veintena de filmes, entre los que destacan: Z, La confesión, Estado de sitio, Consejo de familia, Un pequeño apocalipsis, Amen…, y por último El Capital. Filmes merecedores de importantes premios y reconocimientos en Festivales Internacionales de Cine.

Realizador preocupado y comprometido con los valores humanos, sociales y éticos; y muy identificado con los problemas de la crisis y los sufrimientos de sus compatriotas griegos -y de todo el sur de Europa-, no es de extrañar, por tanto, que acometiera la realización del demoledor filme El Capital.

En la presentación de su filme en España, Costa Gavras denunció: “Los políticos están sometidos completamente a los mercados y a la economía. Son los economistas y el mundo financiero quienes dirigen hoy los países y, en concreto, la Unión Europea. Los políticos ya no tienen el poder, se han dejado dirigir interesadamente por los economistas…”

Y en su filme se muestran  o expresan situaciones y frases como: “Las corruptas democracias, con sus liberalismos y libertinajes, han legitimado las injustas desigualdades sociales, el lujo frente a la miseria, la explotación depredadora frente al sometimiento y el robo… El capital es el Robin Hood que roba a los pobres para dárselo a los ricos…”

En la novela de Osmont, como en el filme de Costa Gavras, el capital es el lobo feroz depredador, causante de la descomposición familiar, la pésima educación de los hijos, el paro, el libertinaje, la inmoralidad…

 

La famosa top model Liya Kebede, en el papel de la prostituta de lujo Nassim, ante Poseidón.

 

En El Capital -filme tremendamente realista, para cuya guionización de contenidos Costa Gavras declara haber efectuado multitud de indagaciones y verificaciones-, un banquero puede dar un millón de euros, a cambio de sus favores, a una prostituta de lujo; y negar un par de miles a un amigo empresario para un proyecto de interés social…

El filme del genial maestro Costa Gavras, resulta pletórico de simbolismos: el Banco Europeo Fénix -cuya denominación alude alegóricamente a la mitológica ave griega Fénix, que renace siempre de sus cenizas y es símbolo del éxito…-, tiene en la historia una profunda y controvertida significación…

En el filme de Costa Gavras, el coloso dios griego Poseidón -Neptuno, para los romanos-, “Señor Todopoderoso de la Tierra y los Océanos”, se asocia al Capital, dios actual que todo lo puede, e impera en la sociedad de hoy como “Poseidón de los Mercados”…

 

Gad Elmaleh, es el banquero Marc, "Poseidón del Banco Fénix", aplaudido por sus dueños.

 

Tras su detallista, elaborado, rico en ideas y contundente guión -escrito por Costa Gavras, Jean Claude Grumberg y Karim Boukercha, a partir de la citada novela de Stéphane Osmont-, destaca en el filme el papel interpretativo de su protagonista Gad Elmaleh.

Elmaleh, guionista y director, actor y humorista marroquí, ha sido distinguido como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. De corta pero vertiginosa carrera ascendente, cuya trayectoria reseñamos no hace mucho en esta página, con motivo de su interpretación en la comedia romántica La felicidad nunca viene sola, ha “bordado” en El Capital, su primer papel netamente dramático.

Del desenfadado comediante crápula del filme romántico, al enérgico crápula banquero de El Capital, hay un amplio y profuso repertorio de registros y claves interpretativas, que Elmaleh ha expresado y matizado a la perfección.

Desde las primeras escenas del filme, ya sentimos la pretendida repulsa hacia su personaje Marc de sicario banquero sin escrúpulos… “¡Sanguijuelas…!”, le profieren algunos espectadores críticos del filme…

La puesta en escena de la historia, en clave de trepidante suspense político, es muy dramática y espectacular. Apenas si nos deja tiempo para la requerida reflexión sobre las graves denuncias de sus contenidos, acerca de la crisis económica y de valores que ahora padecemos…

El Capital, no es un filme diversivo de refresco y palomitas; es un filme recomendable, muy serio y realista, aleccionador y para reflexionar… Que nos descorrerá numerosas “cortinas de humo”, con las que hoy los poderes fácticos, económicos y políticos, nos nublan la visión clara de la realidad, embaucan y depredan…

Francisco Montero.